arte gótico

Los frescos continuaron utilizándose como principal técnica narrativa pictórica en las paredes de las iglesias del sur de Europa, como continuación de las tradiciones paleocristianas y románicas. Un golpe de suerte ha permitido que Dinamarca y Suecia posean los mayores conjuntos de pinturas murales de iglesias conservadas en el estilo Biblia pauperum , que generalmente se extienden hasta bóvedas de crucería de reciente construcción . Tanto en Dinamarca como en Suecia, casi todas fueron cubiertas con cal después de la Reforma , lo que las ha preservado, pero algunas también han permanecido intactas desde su creación. Entre los mejores ejemplos de Dinamarca se encuentran los del Maestro de Elmelunde, de la isla danesa de Møn , quien decoró las iglesias de Fanefjord , Keldby y Elmelunde . ^{[ 12 ]} Albertus Pictor es posiblemente el artista de frescos más conocido del período que trabajó en Suecia. Ejemplos de iglesias suecas con frescos bien conservados incluyen las iglesias de Tensta , Gökhem y Anga .

En el norte de Europa, el vitral fue una forma de pintura importante y prestigiosa hasta el siglo XV, cuando fue reemplazado por la pintura sobre tabla . La arquitectura gótica aumentó considerablemente la cantidad de vidrio en los grandes edificios, en parte para permitir amplias superficies acristaladas, como en los rosetones . A principios del período se utilizaba principalmente pintura negra y vidrio transparente o de colores brillantes, pero a principios del siglo XIV, el uso de compuestos de plata, aplicados sobre vidrio que luego se cocía, permitió utilizar diversas variaciones de color, centradas en los amarillos, con vidrio transparente en una sola pieza. Hacia finales del período, los diseños utilizaban cada vez más grandes piezas de vidrio pintadas, con el amarillo como color dominante, y relativamente pocas piezas más pequeñas de vidrio en otros colores. ^{[ 13 ]}

Los manuscritos iluminados representan el registro más completo de la pintura gótica, proporcionando un testimonio de estilos en lugares donde no han sobrevivido obras monumentales. Los manuscritos completos más antiguos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. ^{[ 14 ]} Muchos de estos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio de San Luis de París , que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones a página completa en témpera y pan de oro. ^{[ 15 ]}

A finales del siglo XIII, los escribas comenzaron a crear libros de oraciones para los laicos, a menudo conocidos como libros de horas debido a su uso en momentos específicos del día. ^{[ 15 ]} Entre los primeros se encuentra un ejemplo de William de Brailes que parece haber sido escrito para una laica desconocida que vivía en un pequeño pueblo cerca de Oxford alrededor de 1240. La nobleza frecuentemente adquiría estos textos, pagando generosamente por ilustraciones decorativas; entre los creadores más conocidos de estas se encuentra Jean Pucelle , cuyo Libro de Horas de Juana de Évreux fue encargado por el rey Carlos IV como regalo para su reina, Juana de Évreux . ^{[ 16 ]} Los elementos del gótico francés presentes en estas obras incluyen el uso de marcos decorativos en las páginas que recuerdan la arquitectura de la época con figuras alargadas y detalladas. ^{[ 15 ]} El uso de indicadores espaciales como elementos de edificios y elementos naturales como árboles y nubes también denota el estilo gótico francés de iluminación. ^{[ 15 ]}

Desde mediados del siglo XIV, los libros impresos con texto e imágenes grabados en madera parecen haber sido asequibles para los párrocos de los Países Bajos , donde gozaron de mayor popularidad. A finales de siglo, los libros impresos con ilustraciones, todavía en su mayoría sobre temas religiosos, se volvieron rápidamente accesibles para la próspera clase media, al igual que los grabados de bastante alta calidad de impresores como Israhel van Meckenem y el Maestro ES. En el siglo XV, la introducción de grabados baratos , principalmente en madera , hizo posible incluso que los campesinos tuvieran imágenes devocionales en casa. Estas imágenes, diminutas y de baja calidad, a menudo coloreadas toscamente, se vendían por miles, pero ahora son extremadamente raras, ya que la mayoría fueron pegadas a las paredes.

La pintura al óleo sobre lienzo no se popularizó hasta los siglos XV y XVI y fue un sello distintivo del arte renacentista . En el norte de Europa, la importante e innovadora escuela de la pintura flamenca temprana se inscribe en un estilo esencialmente gótico, pero también puede considerarse parte del Renacimiento nórdico , dado que transcurrió un largo tiempo antes de que el resurgimiento del interés italiano por el clasicismo tuviera un gran impacto en el norte. Pintores como Robert Campin y Jan van Eyck emplearon la técnica de la pintura al óleo para crear obras minuciosamente detalladas, con una perspectiva precisa, donde el realismo aparente se combinaba con un simbolismo rico y complejo, derivado precisamente del detalle realista que ahora podían incluir, incluso en obras de pequeño formato. En la pintura flamenca temprana, procedente de las ciudades más ricas del norte de Europa, un nuevo realismo minucioso en la pintura al óleo se combinaba con sutiles y complejas alusiones teológicas, expresadas con precisión a través de la minuciosa representación de escenas religiosas. El retablo de Mérode (década de 1420) de Robert Campin y la Anunciación o Virgen del Canciller Rolin de Washington Van Eyck (ambas de la década de 1430, de Jan van Eyck ) son ejemplos. ^{[ 17 ]} Para los ricos, las pinturas sobre tabla pequeñas , incluso los polípticos en pintura al óleo, se estaban volviendo cada vez más populares, mostrando a menudo retratos de donantes junto a la Virgen o los santos representados, aunque a menudo mucho más pequeños. Estos solían exhibirse en el hogar.

El periodo gótico se define esencialmente por la arquitectura gótica y no coincide del todo con el desarrollo del estilo escultórico, ni en sus inicios ni en sus finales. Las fachadas de las grandes iglesias, especialmente alrededor de las puertas, seguían presentando grandes tímpanos, así como hileras de figuras esculpidas que se extendían a su alrededor.

Las estatuas del portal occidental (real) de la catedral de Chartres ( c. 1145 ) muestran una elongación columnar elegante pero exagerada, pero las del portal del transepto sur , de 1215 a 1220, muestran un estilo más naturalista y un creciente desprendimiento del muro posterior, y cierta conciencia de la tradición clásica. Estas tendencias continuaron en el portal occidental de la catedral de Reims de unos años más tarde, donde las figuras son casi de bulto redondo, como se hizo habitual a medida que el gótico se extendía por Europa. ^{[ 18 ]} La catedral de Bamberg tiene quizás el mayor conjunto de escultura del siglo XIII, que culmina en 1240 con el Jinete de Bamberg , la primera estatua ecuestre de tamaño natural en el arte occidental desde el siglo VI.

«En Italia, el Evangelio gótico se predicaba desde púlpitos, no desde tímpanos, y la unidad del pensamiento del escultor era una obra de arte autónoma y coherente» ( John Pope-Hennessy ). ^{[ 19 ]} Nicola Pisano (1258–78) y su hijo Giovanni desarrollaron un estilo que a menudo se denomina protorrenacimiento , con una influencia inconfundible de los sarcófagos romanos y composiciones sofisticadas y densas, incluyendo un tratamiento compasivo de la desnudez, en los paneles de relieve de mármol del púlpito de Nicola en el Baptisterio de Pisa (firmado en 1260), tanto su púlpito de la Catedral de Siena (1265–68) , la Fontana Maggiore en Perugia , como el púlpito de Giovanni en Pistoia de 1301. ^{[ 20 ]}

Otro resurgimiento del estilo clásico se observa en la obra gótica internacional de Claus Sluter y sus seguidores en Borgoña y Flandes alrededor de 1400. ^{[ 21 ]} La escultura gótica tardía continuó en el norte, con una moda de retablos esculpidos en madera de gran tamaño, con tallas cada vez más virtuosas y numerosas figuras expresivas y agitadas. Las obras posteriores en madera de tilo , propias del Alto Rin y Baviera , en el sur de Alemania, ejecutadas por el enorme taller de Tilman Riemenschneider o por Veit Stoss, a menudo carecían de policromía . El estilo se mantuvo hasta bien entrado el siglo XVI, absorbiendo gradualmente influencias del Renacimiento italiano, y la mayoría de los ejemplos que se conservan aún se encuentran en su ubicación original, tras una intensa iconoclasia en otros lugares. ^{[ 22 ]}

Las efigies funerarias de tamaño natural en piedra o alabastro se popularizaron entre los ricos, y evolucionaron las grandiosas tumbas de varios niveles; las tumbas de Scaliger en Verona eran tan grandes que tuvieron que ser trasladadas fuera de la iglesia. En el siglo XV, existía una industria que exportaba relieves de altar de alabastro de Nottingham en grupos de paneles a gran parte de Europa para parroquias con recursos económicos que no podían permitirse retablos de piedra. ^{[ 23 ]}

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  Portal sur de la catedral de Chartres ( c. 1215-1220 ).
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  Portal oeste de la catedral de Reims , grupo de la Anunciación .
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  Nicola Pisano , Natividad y Adoración de los Reyes Magos desde el púlpito del Baptisterio de Pisa , 1260.
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  Claus Sluter , Daniel y Jesaías del pozo de Moisés , 1350–1406.
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  Base del relicario de la Santa Espina , francés (París), década de 1390, una Resurrección de los Muertos en oro, esmalte y gemas .
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  El Hombre de los Dolores (copia) en el portal principal de la catedral de Ulm, obra de Hans Multscher , 1429.
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  Sección de retablo con paneles que representa la Resurrección de Cristo , alabastro inglés de Nottingham , 1450-1490, con restos de pintura .
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  Representación gótica posterior de la Adoración de los Magos procedente de la catedral de Estrasburgo .
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  Detalle de la Última Cena del Altar de la Santa Sangre de Tilman Riemenschneider , 1501-1505, madera de tilo tallada , Rothenburg ob der Tauber , Baviera .

Las pequeñas tallas, destinadas principalmente a un mercado laico y a menudo femenino, se convirtieron en una industria considerable en París y otros centros. Entre los tipos de marfil se incluían pequeños polípticos devocionales , figuras individuales, especialmente de la Virgen , estuches para espejos, peines y elaborados cofres con escenas de romances , utilizados como regalos de compromiso. ^{[ 24 ]} Los muy ricos coleccionaban extravagantemente elaborados objetos de metal con joyas y esmaltes, tanto seculares como religiosos, como el Relicario de la Santa Espina del Duque de Berry , hasta que se quedaron sin dinero, momento en el que los fundieron de nuevo para obtener efectivo. ^{[ 25 ]}

Las esculturas góticas, independientes de la ornamentación arquitectónica, se crearon principalmente como objetos devocionales para el hogar o como donaciones para iglesias locales, ^{[ 26 ]} aunque los pequeños relieves en marfil , hueso y madera abarcan temas tanto religiosos como seculares, y se destinaban a uso eclesiástico y doméstico. Estas esculturas fueron creadas por artesanos urbanos, y el tema más común para las pequeñas estatuas tridimensionales es la Virgen María sola o con el Niño. ^{[ 27 ]} París era el principal centro de talleres de marfil y exportaba a la mayor parte del norte de Europa, aunque Italia también tenía una producción considerable. Un ejemplo de estas esculturas independientes se encuentra entre las colecciones de la Abadía de Saint-Denis; la Virgen con el Niño , de plata dorada , data de 1339 y representa a María envuelta en un manto vaporoso sosteniendo una figura infantil de Cristo. ^{[ 27 ]} Tanto la sencillez del manto como la juventud del niño presagian otras esculturas encontradas en el norte de Europa que datan del siglo XIV y principios del siglo XV. ^{[ 27 ]} Esta escultura muestra una evolución desde un estilo anterior rígido y alargado, todavía parcialmente románico, hacia una sensación espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. ^{[ 27 ]} Otros temas escultóricos góticos franceses incluían figuras y escenas de la literatura popular de la época. ^{[ 27 ]} Las imágenes de la poesía de los trovadores eran particularmente populares entre los artesanos de estuches de espejos y pequeñas cajas presumiblemente para uso de mujeres. ^{[ 27 ]} El Cofre con escenas de romances (Walters 71264) de 1330-50 es un ejemplo inusualmente grande con espacio para varias escenas de diferentes fuentes literarias.

Los souvenirs de peregrinaciones a santuarios, como insignias de arcilla o plomo , medallas y ampollas estampadas con imágenes, también eran populares y baratos. Su equivalente secular, la insignia de librea , mostraba signos de lealtad o alianza feudal y política que llegaron a considerarse una amenaza social en Inglaterra bajo el feudalismo bastardo . Las formas más baratas a veces se regalaban, como las 13.000 insignias encargadas en 1483 por el rey Ricardo III de Inglaterra en tela de fustán con su emblema de un jabalí blanco para la investidura de su hijo Eduardo como Príncipe de Gales, ^{[ 28 ]} una cantidad enorme dada la población de la época. La Joya del Cisne de Dunstable , modelada completamente en bulto redondo en oro esmaltado, es una versión mucho más exclusiva, que se habría regalado a alguien muy cercano o importante para el donante.