pintura del Renacimiento italiano

Numerosos textos clásicos, perdidos para los eruditos de Europa Occidental durante siglos, volvieron a estar disponibles. Entre ellos se encontraban obras de filosofía, poesía, teatro, ciencia, una tesis sobre las artes y teología cristiana primitiva. El consiguiente interés por la filosofía humanista significó que la relación del hombre con la humanidad, el universo y Dios dejara de ser competencia exclusiva de la Iglesia. Un renovado interés por los clásicos propició el primer estudio arqueológico de restos romanos por parte del arquitecto Brunelleschi y el escultor Donatello . El resurgimiento de un estilo arquitectónico basado en precedentes clásicos inspiró un clasicismo correspondiente en la pintura, que se manifestó ya en la década de 1420 en las obras de Masaccio y Paolo Uccello .

Simultáneamente con el acceso a los textos clásicos, Europa tuvo acceso a matemáticas avanzadas, cuyo origen se encontraba en las obras de eruditos bizantinos e islámicos. La llegada de la imprenta de tipos móviles en el siglo XV facilitó la difusión de ideas, y se escribió un número creciente de libros para un público amplio. El desarrollo de la pintura al óleo y su introducción en Italia tuvieron un impacto duradero en el arte de la pintura.

La creación del Banco Medici y el comercio que generó a su alrededor aportaron una riqueza sin precedentes a una sola ciudad italiana: Florencia . Cosimo de' Medici estableció un nuevo estándar para el mecenazgo de las artes, independiente de la Iglesia y la monarquía. La presencia fortuita en la región de Florencia de ciertos genios artísticos, entre los que destacan Giotto , Masaccio , Brunelleschi, Piero della Francesca , Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , creó un ambiente que apoyó y alentó a muchos artistas menos conocidos a alcanzar obras de extraordinaria calidad. ^{[ 2 ]}

Una herencia similar de logros artísticos se dio en Venecia a través de la talentosa familia Bellini , su influyente pariente político Mantegna , Giorgione , Tiziano y Tintoretto . ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

El arte de la región de Toscana a finales del siglo XIII estuvo dominado por dos maestros del estilo ítalo-bizantino : Cimabue de Florencia y Duccio de Siena . Sus encargos consistían principalmente en pinturas religiosas, varias de ellas grandes retablos que representaban a la Virgen con el Niño. Estos dos pintores, junto con sus contemporáneos Guido de Siena , Coppo di Marcovaldo y el misterioso pintor en cuyo estilo pudo haberse basado la escuela, el llamado Maestro de San Bernardino, trabajaron de una manera altamente formalizada y dependiente de la antigua tradición de la pintura de iconos. ^{[ 6 ]} En estas pinturas al temple , muchos detalles estaban rígidamente determinados por el tema; por ejemplo, la posición precisa de las manos de la Virgen y el Niño Jesús estaba dictada por la naturaleza de la bendición que la pintura invocaba sobre el espectador. El ángulo de la cabeza y los hombros de la Virgen, los pliegues de su velo y las líneas con las que se definían sus rasgos se habían repetido en innumerables pinturas similares. Cimabue y Duccio dieron pasos hacia un mayor naturalismo, al igual que su contemporáneo, Pietro Cavallini de Roma. ^{[ 2 ]}

Giotto (1266-1337), según la tradición, un pastorcillo de las colinas al norte de Florencia, se convirtió en aprendiz de Cimabue y emergió como el pintor más destacado de su tiempo. ^{[ 7 ]} Giotto, posiblemente influenciado por Pietro Cavallini y otros pintores romanos, no basó las figuras que pintó en ninguna tradición pictórica, sino en la observación de la vida. A diferencia de las de sus contemporáneos bizantinos, las figuras de Giotto son sólidamente tridimensionales; se yerguen firmes sobre el suelo, tienen una anatomía discernible y están vestidas con ropas con peso y estructura. Pero, sobre todo, lo que distingue a las figuras de Giotto de las de sus contemporáneos son sus emociones. En los rostros de las figuras de Giotto se encuentran la alegría, la ira, la desesperación, la vergüenza, el rencor y el amor. El ciclo de frescos de la Vida de Cristo y la Vida de la Virgen que pintó en la Capilla Scrovegni de Padua estableció un nuevo estándar para la pintura narrativa. Su Virgen de Ognissanti cuelga en la Galería Uffizi de Florencia, en la misma sala que la Virgen de Santa Trinita de Cimabue y la Virgen de Ruccellai de Duccio , donde se pueden establecer fácilmente comparaciones estilísticas entre las tres. ^{[ 8 ]} Una de las características evidentes en la obra de Giotto es su observación de la perspectiva naturalista. Se le considera el precursor del Renacimiento. ^{[ 9 ]}

Giotto tuvo varios contemporáneos que fueron formados e influenciados por él, o cuya observación de la naturaleza los condujo en una dirección similar. Si bien varios de sus alumnos asimilaron la dirección que había tomado su obra, ninguno alcanzó su mismo éxito. Taddeo Gaddi realizó la primera gran pintura de una escena nocturna, una Anunciación a los Pastores, en la Capilla Baroncelli de la Iglesia de Santa Croce, Florencia. ^{[ 2 ]}

Las pinturas de la iglesia superior de la Basílica de San Francisco, en Asís , son ejemplos de pintura naturalista de la época, a menudo atribuidas al propio Giotto, pero más probablemente obra de artistas del círculo de Pietro Cavallini . ^{[ 9 ]} Una pintura tardía de Cimabue en la iglesia inferior de Asís, que representa a la Virgen y a San Francisco , también muestra claramente un mayor naturalismo que sus pinturas sobre tabla y los restos de sus frescos anteriores en la iglesia superior.

Un tema recurrente en la decoración de las iglesias medievales era el Juicio Final , que en las iglesias del norte de Europa suele ocupar un espacio escultórico sobre la puerta oeste, mientras que en iglesias italianas como la Capilla Scrovegni de Giotto se pinta en la pared interior oeste. La Peste Negra de 1348 llevó a sus supervivientes a centrarse en la necesidad de afrontar la muerte en estado de penitencia y absolución. La inevitabilidad de la muerte, las recompensas para los penitentes y los castigos del pecado se enfatizaron en varios frescos, notables por sus sombrías representaciones del sufrimiento y sus imágenes surrealistas de los tormentos del infierno .

Entre ellas se encuentran el Triunfo de la Muerte del discípulo de Giotto, Orcagna , que actualmente se conserva fragmentario en el Museo de Santa Croce, y el Triunfo de la Muerte en el Camposanto Monumentale de Pisa , obra de un pintor desconocido, quizás Francesco Traini o Buonamico Buffalmacco, quien trabajó en los otros tres frescos de una serie sobre el tema de la Salvación. Se desconoce la fecha exacta de inicio de estos frescos, pero generalmente se presume que son posteriores a 1348. ^{[ 2 ]}

Dos importantes pintores de frescos estuvieron activos en Padua a finales del siglo XIV: Altichiero y Giusto de' Menabuoi . La obra maestra de Giusto, la decoración del Baptisterio de Padua , sigue el tema de la Creación, la Caída y la Salvación de la humanidad, e incluye además un singular ciclo del Apocalipsis en el pequeño presbiterio. Si bien la obra en su conjunto es excepcional por su amplitud, calidad y estado de conservación, el tratamiento de la emoción humana resulta conservador en comparación con el de la Crucifixión de Altichiero en la Basílica de Sant'Antonio , también en Padua. La obra de Giusto se basa en gestos formalizados, mientras que Altichiero relata los acontecimientos que rodean la muerte de Cristo con gran dramatismo e intensidad humana. ^{[ 10 ]}

En Florencia, en la capilla española de Santa Maria Novella , Andrea di Bonaiuto recibió el encargo de destacar el papel de la Iglesia en el proceso redentor, y el de la Orden Dominicana en particular. Su fresco «Alegoría de la Iglesia Activa y Triunfante» es notable por su representación de la catedral de Florencia , con su cúpula, que no se construyó hasta el siglo siguiente. ^{[ 2 ]}

Durante la segunda mitad del siglo XIV, el gótico internacional fue el estilo dominante en la pintura toscana. Se puede apreciar en cierta medida en la obra de Pietro y Ambrogio Lorenzetti, que se caracteriza por una dulzura y gracia formalizadas en las figuras, y la elegancia del gótico tardío en los drapeados. El estilo alcanza su máximo desarrollo en las obras de Simone Martini y Gentile da Fabriano , que poseen una elegancia, una riqueza de detalles y una cualidad idealizada incompatibles con la crudeza de las pinturas de Giotto. ^{[ 2 ]}

A principios del siglo XV, las pinturas de Fra Angelico , muchos de cuyos retablos al temple, son un puente entre el gótico internacional y el Renacimiento , muestran la predilección gótica por la elaboración, el pan de oro y el color brillante. Es en sus frescos del convento de Sant' Marco donde Fra Angelico se revela como discípulo artístico de Giotto. Estas pinturas devocionales, que adornan las celdas y los pasillos habitados por los frailes, representan episodios de la vida de Jesús , muchas de ellas escenas de la Crucifixión . Son de una sencillez austera, de colores sobrios e intensa atmósfera, pues el artista buscaba plasmar las revelaciones espirituales en una realidad visual. ^{[ 2 ] [ 11 ]}

Las primeras imágenes auténticamente renacentistas en Florencia datan de 1401, aunque no son pinturas. Ese año se celebró un concurso entre siete jóvenes artistas para seleccionar al que crearía un par de puertas de bronce para el Baptisterio de Florencia , la iglesia más antigua que se conserva en la ciudad. Cada participante debía diseñar un panel de bronce de forma y tamaño similares, que representara el Sacrificio de Isaac .

Dos de los paneles del concurso han sobrevivido: los de Lorenzo Ghiberti y Brunelleschi . Cada panel muestra motivos marcadamente clasicistas que indican la dirección que tomaban el arte y la filosofía en aquel entonces. Ghiberti utilizó la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. La figura se arrodilla sobre una tumba decorada con volutas de acanto, que también aluden al arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura romana de bronce de un niño que se arranca una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante por su intensidad dinámica. Menos elegante que la de Ghiberti, se centra más en el drama humano y la tragedia inminente. ^{[ 12 ]}

Ghiberti ganó el concurso. Tardó 27 años en completar su primer juego de puertas del Baptisterio , tras lo cual recibió el encargo de realizar otro. Durante los 50 años que Ghiberti trabajó en ellas, las puertas sirvieron de campo de aprendizaje para muchos artistas florentinos. De temática narrativa y que empleaban no solo la habilidad en la composición figurativa, sino también la incipiente técnica de la perspectiva lineal , las puertas tuvieron una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino.

Los primeros frescos o pinturas del Renacimiento temprano se iniciaron en 1425, cuando dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos sobre la vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la iglesia carmelita de Florencia. Ambos se llamaban Tommaso y eran apodados Masaccio y Masolino , Tom el Desaliñado y Tom el Pequeño.

Más que ningún otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones de la obra de Giotto. Continuó con la práctica de pintar del natural. Sus frescos demuestran un profundo conocimiento de la anatomía, el escorzo, la perspectiva lineal, la luz y el estudio de los drapeados. En la Capilla Brancacci , su fresco «El Tributo del Dinero» presenta un único punto de fuga y utiliza un fuerte contraste entre luces y sombras para transmitir una cualidad tridimensional a la obra. Asimismo, las figuras de Adán y Eva siendo expulsados ​​del Edén , pintadas en el lateral del arco de la capilla, representan con realismo la forma y la emoción humanas. Estas contrastan con las figuras delicadas y bellas pintadas por Masolino en el lado opuesto, donde Adán y Eva reciben el fruto prohibido . La pintura de la Capilla Brancacci quedó inconclusa cuando Masaccio falleció a los 26 años en 1428. «El Tributo del Dinero» fue completado por Masolino, mientras que el resto de la obra en la capilla fue finalizada por Filippino Lippi en la década de 1480. La obra de Masaccio se convirtió en fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel . ^{[ 13 ]}

Durante la primera mitad del siglo XV, lograr el efecto de espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una preocupación importante para muchos pintores, así como para los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó varios estudios minuciosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la catedral de Florencia , y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho trampantojo alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella . ^{[ 13 ]}

Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que no pensaba en otra cosa y experimentó con ella en muchos cuadros, siendo los más conocidos los tres cuadros de La batalla de San Romano (terminados hacia 1450), que utilizan armas rotas en el suelo y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.

En la década de 1450, Piero della Francesca , en pinturas como La flagelación de Cristo , demostró su dominio de la perspectiva lineal y también de la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, quizás Piero della Francesca, que muestra el tipo de experimento que Brunelleschi había estado realizando. A partir de entonces, la perspectiva lineal se comprendió y se empleó con regularidad, como por ejemplo por Perugino en su Cristo entregando las llaves a San Pedro (1481-1482) en la Capilla Sixtina . ^{[ 12 ]}

Giotto empleó la tonalidad para crear forma. Taddeo Gaddi, en su escena nocturna de la Capilla Baroncelli, demostró cómo la luz podía utilizarse para crear dramatismo. Paolo Uccello , cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromáticos. Realizó varios de ellos en terra verde ("tierra verde"), dando vida a sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en la pared de la Catedral de Florencia . Tanto aquí como en las cuatro cabezas de profetas que pintó alrededor de la esfera del reloj interior de la catedral, empleó tonos de fuerte contraste, sugiriendo que cada figura estaba iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real de la catedral. ^{[ 14 ]}

Piero della Francesca profundizó en el estudio de la luz. En La Flagelación demuestra un profundo conocimiento de cómo la luz se difunde proporcionalmente desde su punto de origen. En esta pintura hay dos fuentes de luz: una interna, dentro de un edificio, y otra externa. De la fuente interna, aunque la luz en sí es invisible, su posición puede calcularse con precisión matemática. Leonardo da Vinci continuaría el trabajo de Piero sobre la luz. ^{[ 15 ]}

Andrea y Giovanni della Robbia: La Virgen y el Niño

Filippo Lippi: La Virgen con el Niño , 1459

La Virgen María , venerada por la Iglesia Católica en todo el mundo, era especialmente invocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna del mercado de cereales y donde tanto la Catedral de "Nuestra Señora de las Flores" como la gran iglesia dominicana de Santa Maria Novella fueron nombradas en su honor.

La imagen milagrosa del mercado de cereales fue destruida por un incendio, pero en la década de 1330 Bernardo Daddi la sustituyó por una nueva , colocada bajo un dosel de diseño elaborado y ricamente trabajado por Orcagna . La planta baja abierta del edificio fue cerrada y dedicada como Orsanmichele .

Las representaciones de la Virgen con el Niño fueron una forma de arte muy popular en Florencia. Adoptaron todo tipo de formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en masa hasta magníficos retablos como los de Cimabue , Giotto y Masaccio .

Durante los siglos XV y la primera mitad del XVI, un taller dominó la producción de Madonas. Se trataba de la familia della Robbia, que no eran pintores, sino modeladores en arcilla. Luca della Robbia , famoso por su galería de la cantoria en la catedral, fue el primer escultor en utilizar terracota vidriada para esculturas de gran formato. Muchas de las obras más duraderas de esta familia han sobrevivido. La habilidad de los della Robbia, en particular de Andrea della Robbia , consistía en dotar de gran naturalismo a los niños que modelaban como Jesús , y de expresiones de profunda piedad y dulzura a la Virgen. Establecieron un estándar que otros artistas de Florencia debían emular.

Entre quienes pintaron Madonas devocionales durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio y Davide Ghirlandaio . La costumbre fue continuada por Botticelli, quien realizó una serie de Madonas a lo largo de veinte años para los Médici ; Perugino , cuyas Madonas y santos son conocidos por su dulzura; y Leonardo da Vinci , de quien se conservan varias Madonas atribuidas de pequeño formato, como la Virgen de Benois . Incluso Miguel Ángel , que era principalmente escultor, fue persuadido para pintar el Tondo Doni , mientras que para Rafael , estas obras se encuentran entre las más populares y numerosas.

Uno de los pintores más influyentes del norte de Italia fue Andrea Mantegna de Padua , quien tuvo la fortuna de ser adolescente cuando el gran escultor florentino Donatello trabajaba allí. Donatello creó la enorme escultura ecuestre de bronce del condotiero Gattemelata , la primera desde el Imperio Romano, que aún se puede ver sobre su pedestal en la plaza frente a la Basílica de Sant'Antonio . También trabajó en el altar mayor y creó una serie de paneles de bronce en los que logró una notable ilusión de profundidad, con perspectiva en los entornos arquitectónicos y una aparente redondez de la figura humana, todo ello en un relieve muy poco profundo.

Con tan solo 17 años, Mantegna aceptó su primer encargo: ciclos de frescos de las Vidas de los Santos Santiago y Cristóbal para la Capilla Ovetari en el transepto de la iglesia de los Eremitani , cerca de la Capilla Scrovegni en Padua. Desafortunadamente, el edificio fue destruido en gran parte durante la Segunda Guerra Mundial, y solo se conocen a través de fotografías que revelan un sentido de la perspectiva ya muy desarrollado y un conocimiento de la antigüedad, por el cual la antigua Universidad de Padua se había hecho famosa a principios del siglo XV. ^{[ 16 ]} La última obra de Mantegna en Padua fue un monumental retablo de San Zeno , creado para el abad de la Basílica de San Zeno , Verona, entre 1457 y 1459. ^{[ 17 ]} Este políptico, cuyos paneles de la predela son particularmente notables por el tratamiento de los elementos paisajísticos, influyó en el desarrollo posterior del arte renacentista en el norte de Italia. ^{[ 17 ] [ 18 ]}

La obra más famosa de Mantegna es la decoración interior de la Cámara de los Esposos en el palacio ducal de Mantua , fechada alrededor de 1470. Las paredes están decoradas con frescos que representan escenas de la vida de la familia Gonzaga : conversando, saludando a un hijo menor y a su tutor a su regreso de Roma, preparándose para una cacería y otras escenas similares que no hacen referencia explícita a asuntos históricos, literarios, filosóficos o religiosos. Son notables por su simple representación de la vida familiar. La única concesión es la presencia de alegres putti alados , que sostienen placas y guirnaldas y trepan por la ilusionista balaustrada calada que rodea una vista de trampantojo del cielo que adorna el techo de la cámara. ^{[ 12 ]} El principal legado de Mantegna se considera la introducción del ilusionismo espacial, llevado a cabo mediante un dominio de la perspectiva, tanto en frescos como en pinturas de sacra conversazione : su tradición de decoración de techos se siguió durante casi tres siglos.

En 1442, Alfonso V de Aragón se convirtió en gobernante de Nápoles , trayendo consigo una colección de pinturas flamencas y estableciendo una Academia Humanista . Antonello da Messina parece haber tenido acceso a la colección del rey, que pudo haber incluido las obras de Jan van Eyck . ^{[ 19 ]} Evidencia reciente indica que Antonello probablemente estuvo en contacto con el seguidor más destacado de Van Eyck, Petrus Christus , en Milán a principios de 1456 y probablemente aprendió las técnicas de la pintura al óleo, incluyendo la pintura de detalles casi microscópicos y gradaciones minúsculas de luz, directamente de Christus. ^{[ 20 ]} Además, las expresiones más serenas en los rostros de las personas en sus obras y la calma en la composición general de las mismas también parecen ser una influencia neerlandesa. ^{[ 21 ]} Antonello fue a Venecia en 1475 y permaneció allí hasta el otoño de 1476, por lo que es probable que Antonello transmitiera las técnicas de uso de pinturas al óleo, ^{[ 22 ]} pintar la gradación de la luz y los principios de calma a los pintores venecianos , incluido Giovanni Bellini, uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en el norte de Italia, durante esa visita. ^{[ 23 ] [ 2 ] [ 16 ]}

Antonello pintó principalmente retratos pequeños y meticulosos en colores brillantes. Pero una de sus obras más famosas, San Jerónimo en su estudio , demuestra su superior habilidad para manejar la perspectiva lineal y la luz. La composición del pequeño cuadro está enmarcada por un arco gótico tardío, a través del cual se ve un interior, doméstico por un lado y eclesiástico por el otro, en cuyo centro el santo se sienta en un corral de madera rodeado de sus pertenencias mientras su león merodea en las sombras del suelo. La forma en que la luz entra a raudales por cada puerta y ventana, proyectando luz natural y reflejada sobre la arquitectura y todos los objetos, habría fascinado a Piero della Francesca . ^{[ 2 ] [ 16 ]}

En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso las que decoraban iglesias, solían ser encargadas y financiadas por mecenas privados. Gran parte de este mecenazgo provenía de la familia Medici , o de personas estrechamente vinculadas a ella, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.

En la década de 1460, Cosimo de' Medici estableció a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica , que se centraba en la humanidad como centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios y en el amor fraterno o "platónico" como lo más cercano a lo que una persona podía llegar para emular o comprender el amor de Dios. ^{[ 24 ]}

En la Edad Media , todo lo relacionado con el período clásico se percibía como asociado al paganismo. En el Renacimiento, se asoció cada vez más con la Ilustración . Las figuras de la mitología clásica comenzaron a adquirir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y, en particular, la diosa Venus adquirió una nueva connotación. Nacida completamente formada, por una especie de milagro, era la nueva Eva , símbolo del amor inocente, o incluso, por extensión, un símbolo de la propia Virgen María . Vemos a Venus en ambos roles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli realizó en la década de 1480 para el sobrino de Cosme, Pierfrancesco de' Medici : La Primavera y El Nacimiento de Venus . ^{[ 25 ]}

Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio , un dibujante meticuloso y preciso, y uno de los mejores retratistas de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para asociados de los Médici en dos de las iglesias más grandes de Florencia: la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella . En estos ciclos, que representan la Vida de San Francisco y la Vida de la Virgen María y la Vida de Juan el Bautista, había espacio para retratos de los mecenas y de los mecenas de estos. Gracias al mecenazgo de Sassetti, se conserva un retrato del propio Sassetti, junto a su empleador, Lorenzo el Magnífico , y los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista Agnolo Poliziano . En la Capilla Tornabuoni se encuentra otro retrato de Poliziano, acompañado por otros miembros influyentes de la Academia Platónica, entre ellos Marsilio Ficino. ^{[ 24 ]}

Hugo van der Goes: El retablo de Portinari

Ghirlandaio: El retablo de Sassetti

A partir de 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden , y posiblemente antes, los artistas se familiarizaron con la técnica de la pintura al óleo . Si bien tanto la témpera como el fresco se prestaban a la representación de patrones, ninguno ofrecía una forma eficaz de representar texturas naturales con realismo. La gran versatilidad del óleo, que podía hacerse opaco o transparente y permitía realizar modificaciones y añadidos durante días después de su aplicación, abrió un nuevo mundo de posibilidades para los artistas italianos.

En 1483 llegó a Florencia el enorme retablo de la Adoración de los Pastores, pintado por Hugo van der Goes . Pintado ya en 1475 a petición de la familia Portinari, fue enviado desde Brujas e instalado en la capilla de Sant' Egidio, en el hospital de Santa Maria Nuova. El retablo resplandece con intensos rojos y verdes, que contrastan con las brillantes túnicas de terciopelo negro de los donantes Portinari. En primer plano se aprecia una naturaleza muerta de flores en jarrones de colores contrastantes: uno de cerámica vidriada y el otro de vidrio. El jarrón de vidrio por sí solo bastaba para captar la atención. Pero el aspecto más impactante del tríptico era la naturalidad y el realismo de los tres pastores, con barbas incipientes, manos curtidas por el trabajo y expresiones que iban desde la adoración hasta el asombro y la incomprensión. Domenico Ghirlandaio pintó rápidamente su propia versión, con una hermosa Virgen italiana en lugar de la flamenca de rostro alargado, y él mismo, gesticulando teatralmente, como uno de los pastores. ^{[ 12 ]}

En 1477, el papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla en ruinas del Vaticano , donde se celebraban muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planeado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel intermedio, con una serie de retratos pintados de papas sobre ellos.

En 1480, un grupo de artistas de Florencia recibió el encargo de realizar la obra: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli . Este ciclo de frescos debía representar Historias de la Vida de Moisés en un lado de la capilla, e Historias de la Vida de Cristo en el otro, complementándose temáticamente. La Natividad de Jesús y el Hallazgo de Moisés se encontraban contiguos en la pared detrás del altar, con un retablo de la Asunción de la Virgen entre ellos. Estas pinturas, todas de Perugino, fueron destruidas posteriormente para pintar el Juicio Final de Miguel Ángel . Las 12 pinturas restantes demuestran el virtuosismo alcanzado por estos artistas y la evidente colaboración entre individuos que normalmente empleaban estilos y técnicas muy diferentes. Las pinturas permitieron desplegar todo su potencial, ya que incluían una gran cantidad de figuras de hombres, mujeres y niños, y personajes que iban desde ángeles guardianes hasta faraones enfurecidos y el mismísimo diablo. Cada pintura requería un paisaje . Debido a la escala de las figuras acordada por los artistas, en cada cuadro el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de La purificación del leproso de Botticelli , se desarrollan pequeñas narraciones adicionales en el paisaje, en este caso Las tentaciones de Cristo .

La escena de Perugino de Cristo entregando las llaves a San Pedro es notable por la claridad y sencillez de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente el paisaje urbano en perspectiva que incluye una referencia al ministerio de Pedro en Roma mediante la presencia de dos arcos triunfales , y ubicado en el centro un edificio octogonal que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano . ^{[ 26 ]}

Leonardo (1452-1519) pasó sus años de formación en el taller florentino de Verrocchio antes de trasladarse a Milán, donde trabajó de 1482 a 1499, para luego regresar a Florencia entre 1500 y 1506. Debido a la amplitud de sus intereses y al extraordinario talento que demostró en tantas áreas diversas, se le considera el arquetipo del " hombre renacentista ". Sin embargo, fue ante todo admirado como pintor, y en esta disciplina, se nutrió del conocimiento adquirido en sus otros intereses. Leonardo era un observador científico. Aprendía observando. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la manera en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la anatomía humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender los músculos y los tendones.

Leonardo alcanzó un grado de realismo en la expresión de la emoción humana, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio. La Última Cena de Leonardo , pintada entre 1495 y 1498 en el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie (Milán) , se convirtió en la obra de referencia para la pintura narrativa religiosa durante el siguiente medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena , pero solo la de Leonardo estaba destinada a ser reproducida innumerables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, ganchillo y alfombras de mesa.

Más que ningún otro artista, impulsó el estudio y la pintura de la "atmósfera". En sus pinturas, como la Mona Lisa ( c. 1503-1517 ) y la Virgen de las Rocas (1483-1486) (la primera obra completa totalmente suya), utilizó la luz y la sombra con tal sutileza que, a falta de una palabra mejor, se la conoció como el sfumato de Leonardo o "humo". Exhibió un uso revolucionario del color al definir la transición entre figuras mediante la modulación del color en lugar de mediante líneas reales. ^{[ 45 ]} Su obra invitaba al espectador a un mundo misterioso de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes arremolinados. Otra obra significativa de Leonardo fue La Virgen y el Niño con Santa Ana ( c. 1503-1519 ); la monumental calidad tridimensional del grupo y los calculados efectos de dinamismo y tensión en la composición la convirtieron en un modelo que inspiró por igual a clasicistas y manieristas. ^{[ 46 ]} Aparte del impacto directo de las obras mismas, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte gracias a su generosidad con un séquito de estudiantes. ^{[ 47 ]}

En 1508, el papa Julio II logró que el escultor florentino Miguel Ángel (1475-1564) accediera a continuar con el diseño decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina estaba construido de tal manera que doce pechinas inclinadas sostenían la bóveda, creando superficies ideales para pintar a los Doce Apóstoles . Miguel Ángel pronto ideó un diseño completamente diferente, mucho más complejo tanto en su concepción como en su iconografía. La magnitud de la obra, que ejecutó él solo salvo por ayuda manual, era titánica y tardó casi cinco años en completarla.

El plan del Papa para los Apóstoles habría formado temáticamente un vínculo pictórico entre las narrativas del Antiguo y el Nuevo Testamento en las paredes, y los papas en la galería de retratos. ^{[ 26 ]} Son los doce apóstoles , y su líder Pedro como primer obispo de Roma, quienes establecen ese puente. Pero el plan de Miguel Ángel fue en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema trata sobre la desgracia de la humanidad. Trata sobre por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús. ^{[ 48 ]}

Superficialmente, el techo es una construcción humanista . Las figuras son de dimensiones sobrehumanas y, en el caso de Adán , de tal belleza que, según el biógrafo Vasari , parece como si Dios mismo la hubiera diseñado, en lugar de Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no glorificó la condición humana, y ciertamente no presentó el ideal humanista del amor platónico . De hecho, los antepasados ​​de Cristo, que pintó en la parte superior del muro, muestran los peores aspectos de las relaciones familiares, exhibiendo disfunciones en tantas formas diferentes como familias existen. ^{[ 48 ]}

Vasari elogió el poder de invención aparentemente infinito de Miguel Ángel al crear las posturas de las figuras. Rafael , a quien Bramante le dio un adelanto después de que Miguel Ángel dejara el pincel y se marchara furioso a Bolonia, pintó al menos dos figuras imitando a los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de Sant'Agostino y la otra en el Vaticano , su retrato del propio Miguel Ángel en La escuela de Atenas . ^{[ 26 ] [ 49 ] [ 50 ]}

La obra posterior de Miguel Ángel, El Juicio Final , pintada en la pared del altar de la Capilla Sixtina entre 1534 y 1541, muestra un estilo manierista, con cuerpos generalmente alargados, que sucedió al estilo del Alto Renacimiento entre 1520 y 1530.

Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , el nombre de Rafael (1483-1520) es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era dieciocho años menor que Miguel Ángel y casi treinta años menor que Leonardo, y murió a los 37 años, tan solo un año después que este último. No se puede afirmar que haya contribuido tanto al avance de la pintura como sus dos famosos contemporáneos. Más bien, su obra representó la culminación de todos los desarrollos del Alto Renacimiento.

Rafael nació hijo de un pintor, por lo que su trayectoria profesional, a diferencia de la de Miguel Ángel, hijo de la pequeña nobleza, se decidió sin disputas. Algunos años después de la muerte de su padre, trabajó en el taller umbro de Perugino , un excelente pintor y un técnico excepcional. Su primer cuadro firmado y fechado, ejecutado a los 21 años, es El desposorio de la Virgen , que revela inmediatamente su origen en el Cristo entregando las llaves a San Pedro de Perugino . ^{[ 16 ]}

Rafael, que se trasladó a Florencia en 1504 y a Roma en 1508, se inspiró sin complejos en la maestría de los renombrados pintores cuyas vidas abarcaron la suya. En sus obras se fusionan las cualidades individuales de numerosos pintores. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, el retrato realista de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo, y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida, ejecutó varios retablos de gran formato, un impresionante fresco clásico de la ninfa marina Galatea , retratos sobresalientes, entre ellos dos papas y un famoso escritor, y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina , una serie de frescos murales en las Estancias de Rafael del cercano Palacio Apostólico , de los cuales La Escuela de Atenas (1509-1511) en la Sala de la Signatura es de singular importancia. Este fresco representa una reunión de los más eruditos de la antigua Atenas, congregados en un grandioso escenario clásico alrededor de la figura central de Platón , a quien Rafael, como es bien sabido, basó en Leonardo da Vinci . La figura pensativa de Heráclito , sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel y una referencia a la pintura del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato se encuentra a la derecha, junto a su maestro, Perugino. ^{[ 51 ]}

Pero la principal fuente de popularidad de Rafael no fueron sus obras mayores, sino sus pequeñas pinturas florentinas de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó, en poses ligeramente diferentes, a una mujer rubia, regordeta y de rostro sereno, y a sus bebés regordetes; la más famosa probablemente sea La Belle Jardinière («La Virgen del Jardín Hermoso»), que se encuentra actualmente en el Louvre . Su obra de mayor tamaño, la Virgen Sixtina , utilizada como diseño para innumerables vidrieras , ha llegado, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se ha reproducido en todo tipo de objetos, desde servilletas de papel hasta sombrillas. ^{[ 52 ] [ 53 ]}

Giovanni Bellini (1430-1516), figura destacada de la pintura veneciana , nació con un año de diferencia de su hermano Gentile , su cuñado Mantegna y Antonello da Messina , pero vivió una década más que los dos primeros y casi tres décadas más que el último. Pintó hasta su muerte y sus obras ilustran diversas influencias. Sus primeras obras muestran la influencia de Mantegna con líneas incisivas y colores claramente definidos, ^{[ 54 ]} mientras que, tras la estancia de Messina en Venecia entre 1475 y 1476, sus obras adoptaron un realismo de estilo flamenco y colores luminosos, lo que demuestra su gran éxito al adoptar las técnicas de la pintura al óleo introducidas por Messina. ^{[ 55 ]} Fue primero maestro de Giorgione ^{[ 56 ]} y Tiziano ^{[ 57 ]} , pero posteriormente fue influenciado por Giorgione, sobre todo al adoptar el tonalismo , en el que la pintura se aplica en capas superpuestas creando un suave efecto difuso, de modo que las figuras y los paisajes adquieren una mayor unidad atmosférica. ^{[ 58 ] [ 59 ]}

Bellini se convirtió en el único gran pintor del siglo XV en cruzar el umbral del Renacimiento temprano al estilo del Alto Renacimiento con obras como Retrato del Dux Leonardo Loredan (1501), ^{[ 60 ]} donde el Dux muestra una calma que Bellini probablemente aprendió de Messina, ^{[ 20 ]} y El Bautismo de Cristo (1500–1502). Bellini, al igual que Rafael , también produjo numerosas Madonas pequeñas en colores ricos y brillantes, generalmente de una tonalidad más intensa que la de su homólogo florentino.

Tradicionalmente, en la pintura de retablos de la Virgen con el Niño , la figura entronizada de la Virgen está acompañada por santos, que se sitúan en espacios definidos, separados físicamente en forma de políptico o delimitados por linderos arquitectónicos pintados. Piero della Francesca utilizó el nicho clásico como escenario para sus Madonas entronizadas (con santos agrupados alrededor del trono), al igual que Masaccio lo había utilizado para su Santísima Trinidad en Santa Maria Novella .

Bellini empleó esta misma forma, conocida como Conversaciones Sagradas , en varios de sus retablos posteriores, como el de la iglesia veneciana de San Zaccaria (1505). Se trata de una composición magistral que utiliza el tonalismo y extiende la arquitectura real del edificio a la arquitectura ilusionista de la pintura, convirtiendo el nicho en una especie de logia abierta al paisaje y a la luz del día que baña las figuras de la Virgen y el Niño, las dos santas y el angelito que toca la viola , haciéndolos brillar más que San Pedro y San Jerónimo en primer plano. ^{[ 61 ]}

A pesar de la brevedad de su carrera (murió en 1510 a los 35 años aproximadamente) ^{[ 62 ]} y el bajo número de obras universalmente aceptadas como totalmente suyas (tan solo cuatro o cinco), ^{[ 63 ]} a Giorgione se le suele atribuir ser el fundador del estilo del Alto Renacimiento veneciano, ^{[ 64 ]} aunque diferentes estudiosos citan diferentes razones para afirmar esto.

Una de ellas es su creciente uso de gradaciones de color y luz (modulación del color), incluyendo el sfumato , a menudo logrado mediante el tonalismo, ^{[ 58 ]} para definir las formas de figuras y paisajes y para crear una atmósfera donde todos los componentes de la pintura están unificados. ^{[ 65 ]} Algunos creen que pudo haber aprendido esto de Leonardo da Vinci, quien se dice que visitó Venecia en 1501. ^{[ 66 ]} En su Virgen de Castelfranco , 1505, el uso de la línea y la modulación del color están igualmente equilibrados, pero en La Tempestad , c. 1510 , la modulación del color reemplaza casi por completo la línea creando una visión artística en la que la humanidad y la naturaleza se combinan. ^{[ 67 ]} Algunos consideran La Tempestad una de las pinturas más importantes producidas en Italia, ya que los componentes están unidos por el color, y hay una atmósfera onírica de perfecta armonía. ^{[ 57 ]} Giorgione fue el primer pintor en otorgar un papel protagónico a la naturaleza, ^{[ 68 ]} y siempre que sus pinturas presentan un paisaje, este se convierte en parte integral de la pintura. ^{[ 69 ]}

La Virgen de Castelfranco , al compararse con el similar Retablo de San Zaccaria de Giovanni Bellini , ilustra otra innovación de Giorgione : el ajuste de las direcciones y posiciones de las figuras, como la lanza que sostiene San Liberale a la izquierda y los pliegues del manto de la Virgen colocados en paralelo, para unificar más los sujetos. ^{[ 70 ]} Por último, las pinturas de Giorgione siempre son ambiguas en su significado y están abiertas a diferentes interpretaciones. ^{[ 71 ]} En La Tempestad , la mujer desnuda alimentando a un bebé y al hombre vestido, y un relámpago, tal vez representen a Adán y Eva en sus días posteriores al Edén, o tal vez no. ^{[ 72 ]} Otra pintura atribuida a él, Los Tres Filósofos , puede representar a los Reyes Magos planeando su viaje en busca del Niño Jesús, o tal vez no. ^{[ 73 ]} Ninguna de las pinturas de Giorgione ha tenido jamás una interpretación definitiva. ^{[ 56 ]}

Hasta hace pocos años, parecía seguro que con La Venus durmiente ( 1510), Giorgione pintó el primer desnudo femenino que se yergue, o más bien, yace, como sujeto para ser retratado y admirado únicamente por su belleza. Si bien durante mucho tiempo se aceptó que Tiziano terminó el paisaje del cuadro después de la muerte de Giorgione, muchos estudiosos del arte cuestionan cada vez más si Giorgione pintó el cuerpo femenino en su totalidad. ^{[ 74 ]}

Tiziano ( c. 1490-1576 ) se formó en el taller de Giovanni Bellini junto a Giorgione y luego fue su asistente. ^{[ 75 ]} Tras la muerte de Giorgione, fue el monarca de la Escuela Veneciana durante más de 60 años. ^{[ 76 ]} Su obra temprana muestra fuertes influencias de Bellini y Giorgione, ^{[ 77 ]} pero pronto adoptó los principios de forma y color anunciados por estos dos, ^{[ 78 ]} y estableció el color, no la línea, como el principal determinante en la pintura, ^{[ 79 ]} consumando así el estilo del Alto Renacimiento veneciano. ^{[ 57 ]} Lo hizo aplicando colores como una pasta de pintura en parches uno junto al otro con pinceladas sueltas y amplias. ^{[ 80 ]} Esto resaltaba la luz y el color en igual medida al mismo tiempo; ^{[ 81 ]} fue famoso en su época como el maestro de la luz y el color. ^{[ 82 ]}

Otra fortaleza de Tiziano fue la composición de sus pinturas. ^{[ 83 ]} En la Virgen de Pesaro , 1519-1526, desplaza a la Virgen del centro, colocándola en el vértice superior de una poderosa línea diagonal (en contraposición a la vertical u horizontal habitual) que aún así centra la atención en la Virgen. ^{[ 84 ]} Esta fue una de las primeras obras en agrupar figuras en una estructura circular ascendente. ^{[ 85 ]}

La Asunción de la Virgen , 1516-1518, también presenta líneas diagonales (formadas por los querubines que rodean a la Virgen), que llevan el mensaje triunfal de la pintura hacia los niveles superiores de la Iglesia de Frari en Venecia, sobre cuyo altar se encuentra. ^{[ 86 ]} Esta obra fue la primera en tener una sugerencia visual de movimiento; ^{[ 87 ]} todas las obras de Tiziano tienen un nuevo dinamismo en los movimientos de las personas en comparación con los elementos estáticos de otros pintores del Alto Renacimiento. ^{[ 88 ]} La Asunción de la Virgen también presenta, como todas sus pinturas, colores brillantes, profundos y ricos debido a que Tiziano aplicó capa tras capa de pintura, a veces de diferentes colores. ^{[ 89 ]}

Tiziano fue también el retratista más solicitado de su época y elevó el retrato al mismo nivel de prestigio que la pintura narrativa. ^{[ 90 ]} Destacan especialmente el Retrato ecuestre de Carlos V , 1548, una escena ecuestre en una sinfonía de púrpuras, y el retrato del Dux Andrea Gritti , gobernante de Venecia, quizás el retrato más poderoso de Tiziano.

A medida que Tiziano envejecía, mantuvo un estilo generalmente renacentista hasta sus últimos años, cuando la figura quedó casi completamente disuelta en el movimiento del color, ^{[ 91 ]} por lo que se fue aislando cada vez más de la corriente principal de la pintura italiana, que se había inclinado casi por completo hacia el Manierismo hacia 1530. ^{[ 92 ]} En muchos sentidos, Tiziano puede ser considerado el fundador de la pintura moderna. ^{[ 92 ]}

Correggio (1489-1534), quien nunca visitó Roma, pero debió haber visto las obras de Rafael, Miguel Ángel y Tiziano, trabajó en un estilo personal del Alto Renacimiento en Parma , en el norte de Italia. ^{[ 93 ]} Inventó la cúpula de la iglesia con el cielo abierto lleno de figuras flotantes, que se convirtió en un sello distintivo del período barroco del siglo XVII, con su Visión de San Juan Evangelista , 1520-1524, en San Giovanni Evangelista de Parma, y ​​la Asunción de la Virgen , 1526-1530, en la Catedral de Parma. ^{[ 94 ]} Un estudioso del arte afirma que en esta última, Correggio crea una "ilusión deslumbrante: la arquitectura de la cúpula parece disolverse y la forma parece explotar a través del edificio, atrayendo al espectador hacia el torbellino de santos y ángeles que se precipitan hacia arriba para acompañar a la Virgen al cielo". ^{[ 95 ]}

En esas cúpulas y otras obras, su audaz uso de la perspectiva, generalmente mediante la yuxtaposición de colores oscuros con colores claros para realzar la ilusión de profundidad, se describe como asombroso. ^{[ 96 ]} Su principal interés era pintar la luz y anticipa los efectos que lograría Caravaggio a principios del siglo siguiente. ^{[ 97 ]} Su dominio del escorzo (que hace que los objetos parezcan más cortos porque están inclinados hacia el espectador) para crear perspectiva se describe como quizás el más hábil de todos los tiempos. ^{[ 98 ]}

En Júpiter e Io , 1531-1532, Correggio pintó un fuerte contraste entre la figura luminosa de Io y las suaves pero oscuras nubes que llenan el cielo, ^{[ 99 ]} que parecen envolver el cuerpo resplandeciente de Io. ^{[ 100 ]} Correggio fue capaz de ejecutar el efecto difuso de las nubes, la bruma o la niebla a la perfección, ^{[ 101 ]} y junto con la modulación del color, esto infunde a sus personajes una marcada sensación de ingravidez. ^{[ 102 ]} Pintó la carne de una manera delicada y voluptuosa que nunca ha sido superada, ^{[ 103 ]} y presenta un nuevo concepto de belleza femenina redescubierto durante el período rococó . ^{[ 104 ]} Correggio prefiguró muchos componentes de la pintura barroca . ^{[ 105 ]}

Andrea del Sarto (1486–1530), florentino, se inspiró en Miguel Ángel y Rafael para su obra, pero los superó ampliamente en la representación de expresiones faciales y gestos, como se evidencia en la Virgen de las Arpías , 1517. ^{[ 106 ]} Sus figuras muestran una mayor individualidad que las obras anteriores del Alto Renacimiento sin perder la nobleza. ^{[ 106 ]} En la década de 1520, se mantuvo fiel a los ideales del Alto Renacimiento, como en la composición de sus pinturas, ^{[ 107 ]} y con los rostros de sus figuras generalmente serenos y a menudo bellos, sin mostrar el tormento de sus contemporáneos manieristas, ^{[ 108 ]} algunos de los cuales fueron sus alumnos. ^{[ 109 ]}

Lorenzo Lotto (1480–1556), uno de los pintores más importantes del Alto Renacimiento en Venecia, ^{[ 110 ]} también pasó tiempo en otras zonas del norte de Italia, ya que, quizás debido a su mayor énfasis en el detalle realista y en la línea en lugar del color en comparación con la escuela veneciana, no fue muy apreciado en Venecia. ^{[ 111 ]} Si bien pintó una variedad de temas, fue un excelente retratista que tenía una habilidad superior para ver en el alma de sus modelos y plasmar una profundidad de sentimiento en la pintura. ^{[ 112 ]} Por lo general, incluía otros objetos en el fondo o en primer plano del retrato para representar el carácter del sujeto. ^{[ 113 ]}

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