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escultura japonesa

Tamonten en Tōdai-ji , Madera, periodo Edo La escultura en Japón comenzó con la figura de arcilla. Hacia el final del largo período neolítico Jōmon , las vasijas de cerámica con...

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Tamonten en Tōdai-ji , Madera, periodo Edo

La escultura en Japón comenzó con la figura de arcilla. Hacia el final del largo período neolítico Jōmon , las vasijas de cerámica con borde flameado presentaban extensiones escultóricas en el borde, [ 1 ] y se produjeron figuras de dogū de cerámica muy estilizadas, muchas con los característicos ojos de "gafas de nieve". Durante el período Kofun , del siglo III al VI d. C., se erigieron figuras de terracota haniwa de humanos y animales en un estilo sencillo fuera de tumbas importantes. La llegada del budismo en el siglo VI trajo consigo tradiciones sofisticadas en escultura, estilos chinos transmitidos a través de Corea. El templo Hōryū-ji del siglo VII y su contenido se han conservado más intactos que cualquier otro templo budista de Asia Oriental de su época, con obras que incluyen una Trinidad Shaka del año 623 en bronce, que muestra al Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas y también a los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones . [ 2 ]

Se dice que Jōchō no solo fue uno de los más grandes escultores budistas del período Heian , sino también de la historia de las estatuas budistas en Japón. Jōchō redefinió la forma corporal de las estatuas de Buda al perfeccionar la técnica del yosegi zukuri (寄木造り), que consiste en la combinación de varias maderas. La expresión serena y la figura grácil de la estatua de Buda que creó completaron un estilo japonés de escultura de estatuas de Buda llamado Jōchō yō ('estilo Jōchō',定朝様) y determinaron el estilo de las estatuas budistas japonesas del período posterior. Su logro elevó drásticamente el estatus social del busshi (escultor budista) en Japón. [ 3 ]

Durante el período Kamakura , el clan Minamoto estableció el shogunato Kamakura y, por primera vez, la clase samurái gobernó prácticamente todo Japón. Los sucesores de Jocho, escultores de la escuela Kei de estatuas budistas, crearon estatuas realistas y dinámicas que se ajustaban a los gustos de los samuráis, y la escultura budista japonesa alcanzó su máximo esplendor. Los escultores Unkei , Kaikei y Tankei ganaron renombre al reemplazar las estatuas de Buda de los templos que se habían perdido en guerras o incendios, como las de Kofuku-ji . [ 4 ]

Casi toda la escultura de gran tamaño posterior en Japón fue budista, con algunos equivalentes sintoístas , y después de que el budismo declinara en Japón en el siglo XV, la escultura monumental se convirtió principalmente en decoración arquitectónica. [ 5 ] Sin embargo, el trabajo escultórico en las artes decorativas se desarrolló hasta un notable nivel de logro técnico y refinamiento en objetos pequeños como inro y netsuke en muchos materiales, y tosogu de metal o monturas de espadas japonesas . En el siglo XIX hubo industrias de exportación de pequeñas esculturas de bronce, figurillas de marfil y porcelana, y otros tipos de escultura pequeña, haciendo cada vez más hincapié en el logro técnico.

Historia

Arte antiguo

Dogū , o estatuilla del período Jōmon tardío

Las antiguas figuras de arcilla japonesas se conocen como dogū (土偶) y haniwa (埴輪).

Los primeros habitantes del archipiélago japonés desarrollaron el primer arte autóctono japonés en cerámica tosca y en extrañas figuras de arcilla llamadas dogū , que probablemente sean fetiches de índole religiosa. Es posible que los dogū se utilizaran en ritos de fertilidad , exorcismos u otras formas de ritual. Las figuras presentan un elaborado simbolismo con líneas y espirales grabadas con gran detalle.

El Nihon Shoki (Crónicas de Japón), una antigua historia de Japón compilada en el año 720, afirma que el emperador ordenó la creación de los haniwa tras la muerte de una emperatriz, lamentando la costumbre de que los sirvientes y doncellas del difunto siguieran a su amo en la muerte. Por ello, ordenó que se moldearan figuras de arcilla y se colocaran alrededor del túmulo funerario kofun en lugar de realizar sacrificios de seres vivos. Los estudiosos dudan de la autenticidad de esta historia y sostienen que los primeros haniwa fueron simples tubos cilíndricos de arcilla , utilizados como estacas para sujetar la tierra del túmulo. Posteriormente, estos haniwa cilíndricos se decoraron y adoptaron diversas formas, incluyendo la de casas, animales domésticos y figuras humanas. Se han encontrado dispuestos en círculo alrededor del túmulo, lo que respalda la teoría de los estudiosos. Sin embargo, es probable que las figuras de haniwa adquirieran posteriormente un simbolismo religioso, además de su propósito práctico original como estacas.

Períodos de Asuka y Hakuhō

Tríada Shakyamuni en Horyuji de Tori Busshi

El surgimiento de Japón, tras el periodo de las artes primitivas autóctonas, fue impulsado principalmente por la introducción del budismo desde el continente asiático a mediados del siglo VI. Junto con la nueva religión, hábiles artistas y artesanos de China llegaron a Japón para construir templos e ídolos, y para transmitir técnicas artísticas a los artesanos locales.

Los primeros ejemplos de arte budista pueden verse en el templo Horyū-ji de Nara , del siglo VII , cuyos edificios, dispuestos según un patrón preestablecido con sala principal, campanario, pagodas y otros edificios encerrados dentro de un corredor techado que los rodea, conservan un aura de la era antigua, junto con los innumerables tesoros artísticos que se conservan en sus salas.

Nara y sus alrededores albergan la gran mayoría de los tesoros nacionales del período inicial del arte budista, conocido en la historia del arte como el período Asuka. La escultura de este período muestra, al igual que casi toda la escultura posterior, la influencia del arte continental. El renombrado escultor Asuka Tori Busshi siguió el estilo de la escultura Wei del Norte y estableció lo que se conoce como la escuela de escultura Tori. Ejemplos notables de las obras Tori son la Tríada Sakyamuni, que constituye la principal figura del Salón Dorado del templo Horyū-ji, y el Bodhisattva Kannon del Salón Yumedono del mismo templo, también conocido como Guze Kannon.

Algunas de las esculturas budistas más importantes pertenecen al subsiguiente período artístico Hakuho, cuando la escultura comenzó a mostrar una influencia predominantemente Tang . El aire místico e irreal del estilo Tori anterior fue reemplazado por una pose suave y flexible y una belleza casi sensual más propia del Maitreya , con ojos alargados y rasgados y rasgos delicados y afeminados que, a pesar de su aire de ensoñación, poseen una cercanía íntima. La distancia de la escultura Asuka anterior se suaviza en una forma más natural; y en ellas se aprecia un compromiso entre lo divino y el ideal humano.

Esculturas representativas de este período son el Sho Kannon del templo Yakushiji y el Yumatagae Kannon de Horyū-ji, ambos mostrando la plenitud de la carne redondeada dentro de los pliegues convencionalizados de las vestimentas, reflejando en su arte características del arte Gupta transmitidas a los japoneses a través de la dinastía Tang.

período Nara

Asura, 733, Kōfuku-ji

Entre 710 y 793, los escultores japoneses aprendieron el estilo de la dinastía Tang y crearon un estilo llamado escultura Tenpyō, que se caracteriza por rostros realistas, volúmenes macizos y sólidos, drapeados naturales y representación de sentimientos. El emperador Shōmu encargó la colosal estatua de bronce dorado del Buda Vairocana en el templo Tōdai-ji , que se terminó en 752.

Aunque la estatua ha sido destruida y reparada dos veces, una pequeña parte original ha sobrevivido. Entre las numerosas obras originales, el Asura del templo Kōfukuji es una estatua de laca seca que muestra una delicada representación del sentimiento. Los cuatro guardianes de Kaidanin, una división del templo Tōdai-ji, son estatuas de arcilla. Una fábrica oficial nacional, Zō Tōdai-ji shi ("Oficina de construcción del templo Tōdai-ji"), produjo muchas esculturas budistas dividiendo el trabajo entre Tōdai-ji y otros templos oficiales y templos para novedades. En la fábrica se elaboraban esculturas de bronce dorado, laca seca, arcilla, terracota, repujado, piedra y plata. Generalmente, los escultores eran laicos y recibían estatus y salario oficiales. Algunos estudios privados ofrecían iconos budistas al público, y algunos monjes los elaboraban ellos mismos.

período Heian

Taishakuten Śakra , 839, Tō-ji

Con el traslado de la capital imperial de Nara a Kioto en 794, los grandes templos no se mudaron a Kioto. El gobierno impulsó el budismo esotérico importado de la dinastía Tang en China. La fábrica oficial Zo Tōdai-ji shi cerró en 789. Los escultores trabajaban bajo el patrocinio de los grandes templos de Nara, los nuevos templos de la secta esotérica, la corte y las novedades. Los escultores recibían el estatus de clérigos del templo, fueran o no miembros de la orden. La madera se convirtió en el material principal.

En cuanto al estilo, el período Heian se dividió en dos: el Heian temprano y el Heian tardío. En el Heian temprano (794 a mediados del siglo X), florecieron las estatuas budistas esotéricas. Kūkai , Saichō y otros miembros de las embajadas imperiales japonesas en China importaron el estilo Tang, desde el más avanzado hasta el más tardío. Los cuerpos de las estatuas se tallaban en bloques de madera macizos y resultan imponentes, macizos y pesados ​​en comparación con las obras del período Nara. Sus gruesas extremidades y sus rasgos faciales severos, casi melancólicos, les confieren un aire de misterio oscuro e inspiran asombro en el observador, en consonancia con el secretismo de los ritos budistas esotéricos. Los drapeados ricamente tallados, en los que se alternan pliegues redondeados con pliegues de corte nítido, son típicos de este período. Entre las deidades budistas esotéricas, los japoneses produjeron enormes imágenes de Acala .

En el período Heian tardío (desde mediados del siglo X hasta el siglo XII), la sofisticación de la cultura cortesana y la popularidad del culto a Amida dieron origen a un nuevo estilo: rasgos suaves, serenos y refinados con proporciones más atenuadas. Los escultores japonizaron los rostros de las imágenes. El líder de la secta de la Tierra Pura (culto a Amida), Genshin, y su obra Ōjōyōshū influyeron en muchos escultores. La obra maestra es el Buda Amida en Byōdō-in en Uji , del maestro Jōchō . Él estableció un canon de la escultura budista. Fue considerado un experto en la técnica yosegi zukuri : los escultores también comenzaron a trabajar con múltiples bloques de madera. Esta técnica permitió la producción en talleres de maestros con aprendices. En la escuela, un nieto de Jōchō estableció un taller que trabajó con la Corte Imperial en Kioto. En la escuela , un discípulo de Jōchō también estableció el Sanjyō-Atlier en Kioto.

período Kamakura

Muchaku de Unkei , Kōfuku-ji , 1212, Tesoro Nacional

La escuela Kei estableció un nuevo estilo de escultura budista basado en el realismo , incorporando elementos del estilo Tenpyo del período Nara, así como la técnica yosegi-zukuri establecida por Jōchō en el período Heian. Sus esculturas se caracterizan por expresiones agudas y severas, cuerpos musculosos y tridimensionales, y posturas y vestimentas que expresan movimiento. La escuela Kei logró expresar emociones y movimientos complejos. Este realismo reflejaba los gustos de los samuráis , quienes habían gobernado Japón de manera efectiva desde el período Kamakura y se habían convertido en nuevos mecenas de la escultura budista. Por otro lado, las esculturas de arcilla, laca seca, relieve y terracota no resurgieron. Utilizaban principalmente madera y, a veces, bronce. [ 6 ]

La escuela Kei se arraigó en la ciudad de Nara , antigua capital (710-793), y trabajó en los grandes templos de Nara. Durante el período Kamakura, la corte de Kioto y el gobierno militar del shogunato de Kamakura reconstruyeron los grandes templos incendiados en las guerras de finales del siglo XII. Se restauraron numerosas esculturas y se reconstruyeron o repararon muchos edificios.

Entre los escultores de la escuela Kei, Unkei es reconocido. Sus obras incluyen un par de colosales Kongō-rikishi en Tōdai-ji y las estatuas de estilo retrato de sacerdotes indios en Kōfuku-ji . Unkei tuvo seis hijos escultores, cuya obra también se impregnó del nuevo realismo. Tankei , el hijo mayor y un escultor brillante, se convirtió en el director del taller. Kōshō, el cuarto hijo, realizó una notable escultura del maestro budista japonés del siglo X, Kuya (903-972).

Kaikei fue colaborador de Unkei. Era un devoto seguidor de la secta de la Tierra Pura . Trabajó con el sacerdote Chōgen (1121-1206), director del proyecto de reconstrucción de Tōdai-ji. Muchas de sus figuras son más idealizadas que las de Unkei y sus hijos, y se caracterizan por una superficie de exquisito acabado, ricamente decorada con pigmentos y oro. Se conservan más de 40 de sus obras, muchas de ellas firmadas por él. Su obra más importante es la Tríada de Amitabha de Ono Jōdo-ji (1195).

Una de las expresiones artísticas budistas más destacadas de la época fue la estatua de Buda consagrada en Sanjūsangen-dō, compuesta por 1032 estatuas realizadas por escultores de las escuelas Kei, In y En. La imagen principal, Senju Kannon, en el centro, las 1001 estatuas de Senju Kannon que la rodean, los 28 acompañantes de Senju Kannon, Fūjin y Raijin crean un espacio solemne, y todas ellas están designadas como Tesoros Nacionales . [ 7 ] [ 8 ]

Los escultores también trabajaron para el shogunato de Kamakura y otros clanes militares. Realizaron esculturas budistas y retratos para ellos. El colosal Buda Amitabha de bronce en Kamakura Kōtoku-in se creó en 1252. Todas las clases sociales contribuyeron con fondos para su elaboración. Este mecenazgo comunitario elevó el nivel de inversión y, en ocasiones, sustituyó al mecenazgo de individuos ricos y poderosos.

período Muromachi y período Sengoku

Śākyamuni saliendo de las montañas. Siglos XV-XVI. Museo Nacional de Nara .

Las esculturas budistas disminuyeron en cantidad y calidad. El nuevo budismo zen relegó a un segundo plano las imágenes de Buda. Los grandes templos de las antiguas sectas fueron descuidados durante las guerras civiles. Los retratos escultóricos de maestros zen se convirtieron en un nuevo género durante este período. El arte de tallar máscaras para el teatro Noh floreció y se perfeccionó entre los siglos XV y XVII.

período Edo

Escultura de un chōnin retirado como budista laico . Período Edo , circa 1700.

La reconstrucción de los templos budistas incendiados durante las guerras civiles requirió escultores. Las nuevas esculturas se tallaron mayoritariamente en madera, con un estilo conservador, y se doraron o policromaron . Sin embargo, algunos monjes budistas escultores produjeron imágenes de madera sin pintar, talladas de forma tosca. Enkū (1632-1695) y Mokujiki (1718-1810) son ejemplos representativos. Viajaron por todo Japón y crearon enormes obras con fines misioneros y ceremoniales. Sus estilos arcaicos y espirituales fueron revalorizados en el siglo XX. El arte de tallar máscaras para el teatro Noh también continuó mejorando en el siglo XVII. Durante el período Edo, la urbanización progresó en diversas partes de Japón y la cultura urbana se desarrolló enormemente. En este período, los inro y netsuke se popularizaron como accesorios masculinos. Los netsuke son elaboradas tallas de madera y marfil, y su temática principal eran animales y criaturas imaginarias. Debido a su pequeño tamaño y facilidad de colección, los netsuke siguen siendo populares entre los coleccionistas. [ 9 ] Durante este período, muchas esculturas fueron adjuntas a los edificios de santuarios sintoístas construidos en el estilo Gongen-zukuri .

Desde la era Meiji hasta el período moderno

Haneakarutama , el rey dragón, ofreciendo una joya de marea a Susano'o . 1881 o posterior, Colección Khalili de Arte Japonés.

A finales del siglo XIX, el shogunato Tokugawa cedió el control de Japón al emperador , y Japón se modernizó rápidamente y abolió la clase samurái , y la vestimenta japonesa comenzó a occidentalizarse. Como resultado, los artesanos que fabricaban espadas , armaduras , netsuke , kiseru , inro y muebles japoneses perdieron clientes, pero con el apoyo del nuevo gobierno, comenzaron a crear esculturas de metal, marfil y madera extremadamente elaboradas, que luego exportaron a Estados Unidos y Europa. Durante las eras Meiji y Taishō , la escultura japonesa progresó desde la producción de objetos devocionales, a objetos decorativos, y finalmente a bellas artes . [ 10 ] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a un nuevo público extranjero, atrayendo grandes elogios. [ 11 ] La historia del armamento samurái capacitó a los metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Al combinar y dar acabado al cobre, la plata y el oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas, como el shakudō y el shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podía dar la impresión de una decoración a todo color. [ 12 ]

El estímulo de las formas artísticas occidentales devolvió la escultura al panorama artístico japonés e introdujo el molde de yeso , la escultura heroica al aire libre y el concepto parisino de la escultura como una "forma de arte". Estas ideas, adoptadas en Japón a finales del siglo XIX, junto con el retorno del mecenazgo estatal, revitalizaron la escultura.

En 1868, el nuevo gobierno prohibió el sincretismo tradicional entre el sintoísmo y el budismo, y ordenó la separación de templos budistas y santuarios sintoístas para establecer un gobierno centralizado encabezado por el Emperador, quien era el máximo sacerdote del sintoísmo. Ante esta situación, algunos sacerdotes sintoístas comenzaron a destruir templos budistas. Okakura Tenshin y otros trabajaron arduamente en la política para proteger el arte budista, y el gobierno declaró que protegería el budismo. La destrucción cesó alrededor de 1874, pero se perdieron muchas estatuas budistas valiosas. [ 13 ]

Arte contemporáneo

Tras la Segunda Guerra Mundial , los escultores se alejaron de la escuela figurativa francesa de Rodin y Maillol para adoptar formas y materiales modernos y vanguardistas , a veces a una escala colosal. Una profusión de materiales y técnicas caracterizó estas nuevas esculturas experimentales, que también absorbieron las ideas del arte óptico internacional y el pop art . Numerosos artistas innovadores fueron escultores, pintores y grabadores, y sus nuevas teorías trascendieron las fronteras materiales.

En la década de 1970, la escuela mono-ha plasmó la idea de la contextualización de objetos naturales como piedra, madera, bambú y papel, integrándolos en su relación con las personas y su entorno . Los artistas mono-ha enfatizaron la materialidad como el aspecto más importante del arte y pusieron fin al antiformalismo que había dominado la vanguardia en las dos décadas anteriores. Este enfoque en las relaciones entre objetos y personas se extendió por todo el mundo artístico y propició una creciente apreciación de las cualidades "japonesas" en el entorno, así como un retorno a los principios y formas artísticas autóctonas. Entre estos preceptos se encontraban la reverencia por la naturaleza y diversos conceptos budistas. La ideología occidental fue cuidadosamente reexaminada, y gran parte de ella fue rechazada, ya que los artistas recurrieron a su propio entorno —tanto interno como externo— en busca de sustento e inspiración. Desde finales de la década de 1970 hasta finales de la de 1980, los artistas comenzaron a crear arte contemporáneo y de origen y expresión asiáticos, pero que seguía estando muy presente en la escena internacional. Estos artistas se centraron en proyectar su propio individualismo y estilos nacionales, en lugar de adaptar o sintetizar exclusivamente ideas occidentales.

La escultura al aire libre, que cobró protagonismo con la inauguración del Museo al Aire Libre de Hakone en 1969, se popularizó en la década de 1980. Las ciudades impulsaron la creación de enormes esculturas para parques y plazas, y los principales arquitectos las incorporaron en sus edificios y diseños urbanos. Los museos y exposiciones al aire libre proliferaron, haciendo hincapié en la integración natural de la escultura en el entorno. Dado que la piedra dura para escultura no es originaria de Japón, la mayoría de las piezas para exteriores se crearon con acero inoxidable, plástico o aluminio para construcciones mecánicas de acero pulido a espejo o para elegantes formas ultramodernas de aluminio pulido. La fuerte influencia de la alta tecnología moderna en los artistas propició la experimentación con formas cinéticas y de tensión, como arcos flexibles y esculturas "infoambientales " que utilizaban luces. Los componentes de vídeo y el videoarte se desarrollaron rápidamente desde finales de la década de 1970 hasta la década de 1980. Se podría entender que los nuevos escultores experimentales japoneses trabajan con ideas budistas de permeabilidad y regeneración al estructurar sus formas, en contraste con la concepción occidental general de la escultura como algo con contornos finitos y permanentes.

En la década de 1980, muchos escultores utilizaron prominentemente la madera y los materiales naturales, y comenzaron a ubicar sus obras en patios interiores y espacios cerrados. Asimismo, tanto artistas consagrados como Kyubei Kiyomizu y Hidetoshi Nagasawa, como la generación más joven liderada por Shigeo Toya , emplearon la sensibilidad japonesa por el movimiento rítmico, plasmada en formas recurrentes como un "movimiento gestual sistemático".

Véase también

Referencias

  • Japón Este artículo incorpora texto de esta fuente, que es de dominio público . Estudios de países . División Federal de Investigación .Dominio público
  • Acercamiento a la cultura japonesa , Kokusai Bunka Shinkokai, The Japan Times
  • Earle, Joe (1999). Esplendores de Meiji  : tesoros del Japón imperial  : obras maestras de la Colección Khalili . San Petersburgo, Florida: Broughton International Inc. ISBN 1874780137OCLC 42476594​​ 

Notas

  1. ↑ "Jomon Medio" . www.nbz.or.jp. Archivado del original el 25 de mayo de 2009. Consultado el 7 de septiembre de 2025 .
  2. ↑ Paine y Soper, 30–31.
  3. ^ "定朝とは - コトバンク" .コトバンク(en japonés). Archivado desde el original el 21 de marzo de 2021 . Consultado el 7 de septiembre de 2025 .
  4. ^ "慶派(けいは)とは - コトバンク" .コトバンク(en japonés). Archivado desde el original el 3 de julio de 2020 . Consultado el 7 de septiembre de 2025 .
  5. ↑ Paine y Soper, 121.
  6. ↑ Yoshio Kawahara (2002) Cómo ver y distinguir esculturas budistas. p. 185. Shufunotomo Co., Ltd. ISBN 978-4391126686
  7. ^ "三十三間堂とは - コトバンク" .コトバンク(en japonés). Archivado desde el original el 22 de marzo de 2021 . Consultado el 7 de septiembre de 2025 .
  8. ^ "蓮華王院 三十三間堂" . sanjusangendo.jp (en japonés). Archivado desde el original el 17 de noviembre de 2020 . Consultado el 7 de septiembre de 2025 .
  9. ↑ "Esculturas abstractas" . ET Woodcrafts . Consultado el 7 de septiembre de 2025 .
  10. ↑ Guth, Christine ME (2004). «Takamura Kōun y Takamura Kōtarō: Sobre ser escultor» . En Takeuchi, Melinda (ed.). El artista como profesional en Japón . Stanford University Press. pág. 152. ISBN  978-0-8047-4355-6.
  11. ↑ Earle 1999 , pág. 64.
  12. ↑ Earle 1999 , pág. 66.
  13. ^ "神仏分離とは - コトバンク" .コトバンク(en japonés). Archivado desde el original el 14 de enero de 2021 . Consultado el 7 de septiembre de 2025 .

Lecturas adicionales

  • Murase, Miyeko (2000).Puente de sueños: la colección de arte japonés de Mary Griggs BurkeNueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 0870999419.
  • Esculturas japonesas — fotografías
  • La visión y el arte de Shinjo Ito : Esculturas de un gran maestro budista japonés.
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