Jean Delville

Jean Delville , nacido como Jean Libert (19 de enero de 1867 - 19 de enero de 1953), fue un pintor simbolista , autor, poeta, polemista , profesor y teósofo belga . Delville fue el principal exponente del movimiento idealista belga en el arte durante la década de 1890. Sostuvo, durante toda su vida, la creencia de que el arte debería ser la expresión de una verdad espiritual superior y que debería basarse en el principio del Ideal o Belleza espiritual. Realizó una gran cantidad de pinturas durante su carrera activa desde 1887 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial (muchas ahora perdidas o destruidas) expresando su estética idealista. Delville se formó en la Académie des Beaux-arts de Bruselas y demostró ser un estudiante muy precoz, ganando la mayoría de los prestigiosos premios de la competencia en la Academia cuando aún era un estudiante joven. Más tarde ganó el Premio de Roma belga que le permitió viajar a Roma y Florencia y estudiar de primera mano las obras de los artistas del Renacimiento . Durante su estancia en Italia creó su célebre obra maestra L'Ecole de Platon (1898), que constituye un resumen visual de su estética idealista que promovió durante la década de 1890 en sus escritos, poesía y exposiciones en sociedades, en particular los Salons d'Art Idéaliste .

Las pinturas de Delville se caracterizan por su base ideológica, que expresa ideales filosóficos derivados de las tradiciones herméticas y esotéricas contemporáneas . Al comienzo de su carrera, su perspectiva esotérica estuvo principalmente influenciada por la obra de Eliphas Levi , Edouard Schuré , Joséphin Péladan y Saint-Yves d'Alveydre , y más tarde por los escritos teosóficos de Helena Blavatsky y Annie Besant . El tema principal subyacente de sus pinturas, especialmente durante su carrera temprana, tiene que ver con la iniciación y la transfiguración de la vida interior del alma hacia un propósito espiritual superior. En concreto, tratan temas que simbolizan el amor ideal, la muerte y la transfiguración, así como representaciones de iniciados ("portadores de luz") y la relación entre las dimensiones material y metafísica . Sus pinturas y dibujos terminados son una expresión de una imaginación visionaria de gran sensibilidad articulada a través de formas observadas con precisión extraídas de la naturaleza. También tenía un talento brillante para el color y la composición y sobresalía en la representación de la anatomía humana. Muchos de sus cuadros más importantes, como Les Trésors de Sathan (1895), L'Homme-Dieu (1903) y Les Ames errantes (1942), representan decenas de figuras entrelazadas en complejas disposiciones y pintadas con gran precisión anatómica. Fue un dibujante y pintor de una habilidad asombrosa, capaz de producir obras de gran expresividad a gran escala, muchas de las cuales se pueden ver en edificios públicos de Bruselas , incluido el Palacio de Justicia .

El estilo artístico de Delville está fuertemente influenciado por la tradición clásica. Durante toda su vida fue un defensor del valor de la formación clásica impartida en las academias. Creía que la disciplina adquirida como resultado de esta formación no era un fin en sí misma, sino más bien un medio valioso para adquirir una técnica sólida de dibujo y pintura que permitiera a los artistas desarrollar libremente su estilo artístico personal, sin inhibir su personalidad creativa individual. Delville fue un respetado profesor de arte académico. Trabajó en la Escuela de Arte de Glasgow de 1900 a 1906 y como profesor de dibujo en la Académie des Beaux-arts de Bruselas a partir de entonces hasta 1937.

También fue un autor prolífico y talentoso. Publicó una gran cantidad de artículos en revistas durante su vida, así como cuatro volúmenes de poesía, incluidos Le Frisson du Sphinx (1897) y Les Splendeurs Méconnues (1922). Fue autor de más de una docena de libros y folletos relacionados con el arte y temas esotéricos. Los libros publicados más importantes incluyen sus obras esotéricas, Dialogue entre Nous (1895) y Le Christ Reviendra (1913), así como su obra seminal sobre el arte idealista, La Mission de l'Art (1900). También creó y editó varias revistas y periódicos contemporáneos durante la década de 1890 que promovían su estética idealista, incluidos L'Art Idéaliste y La Lumière .

Delville fue un emprendedor artístico enérgico, que creó varias sociedades de exposiciones artísticas influyentes, entre ellas Pour l'Art y los Salons de l'Art Idéaliste en la década de 1890 y, más tarde, la Société de l'Art Monumental en la década de 1920, que se encargó de la decoración de edificios públicos, incluidos los mosaicos del hemiciclo del Cincuentenario de Bruselas. También fundó la muy exitosa Coopérative artistique , que proporcionaba materiales de arte asequibles a los artistas de la época.

Delville nació el 19 de enero de 1867 a las 2:00 am, rue des Dominicains en Lovaina . Nació ilegítimo en una familia de clase trabajadora. Su madre fue Barbe Libert (1833-1905), hija de un trabajador del canal que se ganó la vida como periodista cuando era adulta. Delville nunca conoció a su padre, Joachim Thibault, que era profesor de latín y griego en una universidad local y provenía de una familia burguesa . Llevó el apellido de su madre hasta que ella se casó con un funcionario que trabajaba en Lovaina, Victor Delville (1840-1918). Victor adoptó a Jean, quien, hasta entonces, era conocido como Jean Libert. La familia se mudó a Bruselas en 1870 y se instaló en el bulevar Waterloo, cerca de Porte de Hal . La familia Delville más tarde se mudó a St Gilles, donde Delville comenzó su educación en la Ecole Communale en la rue du Fort.

Delville se interesó desde muy joven por el dibujo, aunque su ambición inicial era convertirse en médico. Su abuelo adoptivo, François Delville, le presentó al artista Stiévenart cuando era todavía un niño. Delville recuerda que fue «el primer artista que vi en mi vida y, para mí, cuando era un niño y aún no conocía mi vocación, fue una experiencia encantadora». ^[1]

A los doce años, Delville entró en el famoso Athénée Royal de Bruselas. En esa época se desarrolló su interés por el arte y en 1879 recibió el permiso de su padre para inscribirse en clases de dibujo vespertinas en la Académie des Beaux-arts de la rue du Midi. Ingresó en el curso de dibujo après la tête antique (según la cabeza clásica) y en 1882 en clases de dibujo après le torse et figure (según el torso y la cara). Poco después abandonó sus estudios en el Athénée para estudiar a tiempo completo en la Académie. En 1883, se inscribió en el cours de peinture d'après nature (clase de pintura según la naturaleza) bajo la dirección del célebre profesor Jean-François Portaels (1818-1895). Portaels se opuso a la juventud de Delville, pero sobresalió en el examen de ingreso y fue admitido incondicionalmente para estudiar pintura con Portaels y Joseph Stallaert . Delville era un talento precoz y a los 17 años ganó muchos de los premios más importantes de la Academia, incluidos 'dibujo según la naturaleza', 'pintura según la naturaleza', 'composición histórica' (con alta distinción), 'dibujo según la antigüedad' y ' pintura de figuras '. ^[2]

Delville expuso por primera vez en un contexto público en la moderada sociedad de exposiciones llamada l'Essor de 1887 a 1891. Sus primeras obras fueron en gran parte representaciones de la vida de la clase trabajadora y campesina ejecutadas en un estilo realista contemporáneo influenciado por Constant Meunier. Los primeros esfuerzos de Delville expuestos en 1887 fueron ampliamente reseñados favorablemente en la prensa contemporánea, en particular L'Art Moderne y el Journal de Bruxelles , incluso si se los consideraba eclécticos y derivados de las obras de artistas establecidos más antiguos. Entre ellos se encontraban obras inspiradas en la poesía de Baudelaire, como su Frontispicio y L'épave (ahora perdido) y su obra principal La Terre , de la que aún sobrevive un dibujo detallado.

Al año siguiente, sus obras fueron destacadas entre las más destacadas de la exposición de 1888 en L'Essor . Fue el año en el que expuso su muy controvertido estudio para su cuadro La Mère , en el que se representa a una mujer en labor de parto. Una reseña contemporánea lo describió de la siguiente manera: 'Sobre una enorme cama con sábanas moradas... una mujer desaliñada de pie muestra su desnudez mientras se retuerce en movimientos espasmódicos, doblándose bajo los dolores del parto. Su rostro está contorsionado, sus dientes rechinantes se alternan con la maldición, sus manos apretadas levantan la colcha sobre su vientre en un reflejo inconsciente de modestia... visión abominable... ¡y pobres mujeres!' Este tema, rara vez representado en el arte, se consideraba chocante y contrario al gusto burgués. Sin embargo, señala un aspecto del arte de Delville al representar ideas vívidas y provocativas.

Durante la década de 1880, la obra de Delville tendió hacia el realismo social . Esto incluía imágenes de trabajadores y campesinos ( Soir y Paysan , 1888); de mendigos y miseria ( Asile de nuit , 1885); de hambre ( L'Affamé , 1887) y, en última instancia, de muerte ( Le Dernier Sommeil , 1888). Aquí se centró en temas de pobreza, desesperación y desesperanza. En un dibujo sin fecha titulado Le las d'Aller, Delville representa una figura caída acurrucada de lado en un paisaje árido, dormida o tal vez incluso muerta. Sin embargo, durante el período 1888-1889 sus intereses artísticos comenzaron a desarrollarse en una dirección más no realista y comenzaron a moverse hacia el idealismo, que dominó su obra a partir de entonces. Esto se indicó por primera vez en su Fragmento de una composición: El ciclo de la pasión (hoy perdido) expuesto en L'Essor en 1889. La obra final Le Cycle passionnel (9 × 6 metros) se exhibió en L'Essor el año siguiente (1890) y se inspiró en la Divina Comedia de Dante . Representa una vasta composición de figuras entrelazadas que flotan a través de las regiones inferiores del infierno. El tema trata de amantes que han sucumbido a sus pasiones eróticas. Uno de los temas principales de la iniciación es controlar las pasiones inferiores para lograr la trascendencia espiritual. Esta pintura de esta obra representa esta idea en forma metafórica. Se trata de una de las primeras obras importantes de Delville, lamentablemente destruida en el ataque incendiario a Lovaina en 1914. A pesar de su importancia, no fue recibida con mucho entusiasmo en la prensa contemporánea.

Otra obra que muestra el creciente interés de Delville por las ideas no realistas durante la década de 1880 es su más conocida Tristan et Yseult (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas, 1887). La obra está inspirada en la ópera homónima de Wagner y trata de la relación entre el amor y la muerte y la idea de la trascendencia que se puede lograr a través de ambos. Es una obra temprana que revela temas estrechamente relacionados con la tradición iniciática que se analiza en profundidad en el reciente libro de Brendan Cole sobre Delville.

En la última exposición de L'Essor en 1891 , Delville expuso otra obra importante, de temática no realista o idealista, titulada La Symbolisation de la chair et de l'ésprit (el original se ha perdido, pero hace poco ^{[ ¿cuándo? ]} se ha subastado un estudio detallado). Representa una figura femenina desnuda que arrastra a un hombre desnudo bajo el agua. Sobre la figura masculina aparece una luz brillante mientras una vegetación subacuática oscura rodea la base de la mujer. El tema iniciático aquí es evidente en su representación del conflicto entre el espíritu (luz) y la materia (vegetación oscura). El hombre aspira a la luz pero es arrastrado hacia el fondo de la masa oscura de agua. La obra establece una dualidad esencial entre conciencia/inconsciencia, luz/oscuridad, así como espiritualidad y materialismo. En sus escritos, Delville enfatiza esta dualidad y su reconciliación, un tema que impregna gran parte del arte y los escritos simbolistas y que también fue notorio entre los artistas románticos, especialmente en los escritos de Goethe. El tema domina el arte de Delville. Escribió que:

«Hay en el hombre dos tendencias muy distintas. Una de ellas es la física, que debe, por supuesto, ocuparse de su conservación por medios físicos, y que tiene por misión mantener la vida tangible, el cuerpo. La otra tendencia, que no sólo es inmaterial, sino indefinible, es la que surge como una aspiración perpetua más allá de lo material, para lo cual este mundo no basta: es ese «algo más» que supera todas las distancias o, más bien, es incognoscible. ¡Éste es el umbral mismo del mundo oculto, ante el cual toda ciencia, presa de la inestabilidad, se postra en la insuperable premonición de un mundo más allá!» ^[3]

El creciente interés de Delville por el arte idealista le llevó a instigar a una sucesión de L'Essor para iniciar una nueva sociedad de exposiciones llamada Pour L'Art . Muchos de los artistas más jóvenes de L'Essor le siguieron, lo que llevó a la disolución de ese grupo. Pour L'Art se convirtió en una de las sociedades de exposiciones de vanguardia más destacadas de Bruselas en ese momento. El principal foro de exposiciones de vanguardia en ese momento era Les XX . Después de Les XX , Pour L'Art también invitó a artistas internacionales, varios de los cuales se hicieron muy conocidos en los círculos simbolistas, entre ellos Carlos Schwabe , Alexandre Séon , Charles Filiger y Jan Verkade . Su primera exposición tuvo lugar en noviembre de 1892 y las obras expuestas fueron ejecutadas en un idioma impresionista o simbolista. Delville diseñó el cartel de la primera exposición que representa una esfinge de cuello largo, un símbolo clave de la época, sosteniendo un cáliz en llamas en sus manos. La obra principal de Delville de ese año fue L'Idole de la Perversité , que puede considerarse una de las imágenes más importantes de la época. El nuevo grupo recibió una prensa en gran medida positiva durante la época. El grupo estaba estrechamente asociado con los Salones de la Rose + Croix de Joséphin Péladan en París, y los miembros del grupo Pour L'Art invitaban frecuentemente a Péladan a dar conferencias en Bruselas en esa época .

La segunda exposición del grupo Pour L'Art tuvo lugar en enero de 1894. Cabe destacar que la sociedad también incluyó las artes aplicadas o decorativas, que se estaban volviendo muy populares en ese momento y que eran una característica particular del Art Nouveau. Junto a las pinturas se exhibieron tapices, encuadernaciones y trabajos en hierro forjado. La influencia de Delville y Péladan fue evidente en el predominio de obras de arte idealistas influenciadas por el arte florentino de finales del siglo XV, la obra de Gustave Moreau , Puvis de Chavannes y la tendencia hacia las composiciones de figuras a gran escala. La muestra fue recibida con entusiasmo por la prensa.

Las principales obras de Delville expuestas ese año fueron su célebre La muerte de Orfeo (1893, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas) y su Mysteriosa o retrato de la señora Stuart Madame Stuart Merrill (1892, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas). Su obra fue elogiada con entusiasmo por la prensa. El destacado crítico Ernest Verlant escribió:

Uno de los principales miembros del grupo Pour L'Art , en vista de su talento y asombrosa fecundidad, es Jean Delville, que es también escritor y poeta; con una poderosa imaginación que es fúnebre y atormentada. Estos epítetos son igualmente adecuados para su gran cuadro La Proie , una visión carmesí de un asesinato apocalíptico, similar a su vasta composición del año pasado, Vers l'inconnu , y a varias anteriores. ... Aquí y allá, por ejemplo, en L'homme du glaive , el Murmure profane y Mysteriosa , lleva la intensidad de la expresión al extremo. En otros lugares, como en Satana , reúne, de manera bastante extraña, atributos esotéricos en una figura derivada de da Vinci. Pero solo podemos expresar elogios ante Orfeo , una cabeza muerta que flota entre los ejes de una gran lira; Delante de Elegia , un cuerpo femenino largo y flexible que aparece bajo las aguas que brotan y caen en cascada de una fuente; delante de Au Loin y Maternitas , dos figuras pensativamente apoyadas en sus codos, de las cuales la primera de las dos tiene una gran nobleza. Estas obras son monocromas, o casi. Su expresión es precisa, fina, sutil, refinada, no demasiado explícita y aún más elocuente. ^[4]

La última exposición Pour L'Art tuvo lugar en enero de 1895. Delville también participó por última vez en los Salons de la Rose + Croix de Péladan . Este fue el año en el que comenzó a preparar la formación de su propia sociedad de exposiciones exclusivamente idealista, los Salons d'Art Idéaliste , que se inauguró al año siguiente. En esa época, los salones Pour L'Art ya estaban bien establecidos, eran exitosos y contaban con el apoyo entusiasta de la prensa contemporánea. L'Ange des splendeurs (1894, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas) de Delville fue la obra principal de Delville en esa exposición. Aunque no fue ampliamente elogiada, se destaca, según Brendan Cole, como una de sus pinturas iniciáticas por excelencia de la obra de Delville . ^[5]

Delville expuso en los Salones de la Rose + Croix de Joséphin Péladan durante los primeros cuatro años de su existencia (1892-1895), que coincidieron con sus propios salones Pour l'Art . En esa época, Delville era un estrecho aliado de Péladan y sus ideales. Es probable que Delville conociera a Péladan en París cuando acompañó una de las exposiciones itinerantes de L'Essor, alrededor de 1888. ^[6]

Delville compartía el concepto de Péladan de crear un foro que exhibiera arte de una persuasión exclusivamente idealista. Delville buscó acercar el arte idealista a la vista del público en Bélgica a través de los salones Pour l'Art , pero más específicamente en los Salons d'Art Idéalist que fundó en 1895 y abrió al público en 1896. En 1896, Delville comenzó a cortar lazos formales con Péladan, lo que despejó el camino para su paso hacia la teosofía más tarde esa década. Delville registra su asociación con Péladan en su autobiografía: "... mi personalidad como pintor idealista emergió cada vez más. Conocí a Péladan y me interesé y comencé a participar en el movimiento esotérico en París y Bruselas. Expuse en el Salón Rosacruz donde solo se permitía el arte idealista. Péladan expuso allí varias de mis obras, en particular La muerte de Orfeo , que situó en el centro de la exposición, junto con La silla y el espíritu y algunos dibujos. Bajo su influencia, me fui a vivir a París, donde me alojé en el Quai Bourbon, entre algunos amigos rosacruces, discípulos de Péladan. Allí estuve varios meses, ocupando mi tiempo no sólo en la organización de los salones peladanescos, sino también en pintar el conjunto de Babilonia , que fue un éxito general. ^[7]

En 1892 Delville expuso su La simbolización de la silla et de l'esprit (que fue reproducida en el catálogo de la primera exposición), así como su Idole de la Perversité . En 1893 expuso ocho obras, entre ellas Imperia , Élegia , La simbolización de la silla y del espíritu , L'Annonciateur , Le Murmure profane , Mysteriosa , Vers l'Inconnu y L'Homme de Glaive . En 1894 expuso siete obras, entre ellas La Mort d'Orphée , La Fin d'un règne , Le Geste d'Ame , Satana , Maternitas , Etude féminine y La Tranquille . En 1895, Delville expuso cuatro obras, incluido su retrato de Péladan: Portrait du Grand Maître de la Rose+Croix en habit de choeur y L'Ange des splendeurs . Muchas de estas obras se exhibirían también en Bruselas en las exposiciones Pour l'Art de Delville . ^[8]

Delville vivió como artista indigente en St Gilles, Bruselas, durante el curso inicial de su carrera. A mediados de la década de 1890, se casó y tenía una familia en crecimiento que luchaba por mantener como artista. Siguiendo el consejo de su íntimo amigo, el escultor Victor Rousseau, se sintió motivado a participar en el prestigioso Prix de Rome , que incluía una beca muy generosa que también cubría los costos de una larga estadía en Italia. Delville ganó el concurso de 1895, pero su participación generó una controversia entre sus pares dada la naturaleza "establecida" del Prix, que iba en contra de los ideales de la vanguardia en ese momento. Delville era por entonces una figura bastante establecida en los círculos de vanguardia y su asociación con el Prix de Rome parecía ser una traición a su causa. Sin embargo, el Prix de Rome también significó que Delville pudo pasar una cantidad significativa de tiempo en Italia estudiando el arte clásico del Renacimiento que tanto admiraba.

Las reglas del concurso eran estrictas. Los concursantes eran aislados en pequeños estudios de la Academia de Bellas Artes de Amberes, que organizaba el concurso, y se esperaba que produjeran un dibujo terminado de su composición antes de ponerse a trabajar en la pintura final. Se impuso un estricto límite de tiempo a los concursantes para terminar la obra. El concurso se inauguró en junio de 1895 y el ganador se anunció en octubre. ^[9] El tema del concurso de ese año fue Le Christ glorifié par les enfants . Delville registró su experiencia en su autobiografía:

Las reglas eran muy exigentes… En aquella época, los seis concursantes seleccionados para el examen final tenían que pintar su obra en una cabaña aislada, después de dejar el dibujo preliminar original en un pasillo de la Academia de Amberes. Estaba estrictamente prohibido llevar dibujos a la cabaña, sólo se permitía la entrada de modelos vivos. Mientras trabajaban en su cuadro, los concursantes tenían que cambiarse de ropa cada vez que entraban en la cabaña, tras haber sido visitados por un supervisor especialmente designado. Estos requisitos de procedimiento eran la garantía moral de este gran concurso en el que participaban estos artistas del país… Una vez seleccionados, entraban en una cabaña para realizar, en tres días, el boceto del cuadro en cuestión, y se les daba ochenta días para terminarlo sin recibir visitas ni consejos de nadie, con el fin de garantizar que los concursantes fueran los autores únicos y personales de la obra para que el jurado, compuesto por los artistas más conocidos del país, pudiera emitir un juicio definitivo. ^[10]

Durante su estancia, Delville debía pintar obras originales que reflejaran sus estudios de arte clásico, así como realizar copias de los antiguos maestros. También debía enviar informes periódicos a la Academia de Amberes relacionados con su trabajo allí. La experiencia resultó ser un punto de inflexión en su carrera y puso de relieve su ideal de sintetizar la tendencia clásica en el arte con su interés por la filosofía esotérica, que fue el atributo definitorio de su forma estética idealista en adelante. Delville produjo varias pinturas notables durante su estancia en Roma que reflejan una evolución dramática en su arte hacia una expresión más refinada de esta estética idealista. Entre ellas se incluyen su excepcional Orfeo en los infiernos (1896), una obra iniciática clave, así como su gran obra maestra de la época, su L'École de Platon (1898), que expuso en el Salón de Arte Idealista de 1898 y recibió elogios universales. ^[11] En 1895, Delville publicó su primer libro sobre filosofía esotérica, Dialogue entre Nous .

Los Salones de Arte Idealista de Delville se dedicaban exclusivamente a exponer obras de arte de carácter idealista. Delville dio a conocer su programa en una serie de artículos polémicos durante los meses previos a la inauguración del primer Salón, que crearon cierta controversia entre sus contemporáneos. Las ideas de Delville eran audaces y polémicas, pero era característico de él aferrarse al coraje de sus convicciones y llevar adelante sus proyectos con incansable energía y determinación. El objetivo de los Salones se expresó en un breve manifiesto publicado antes de la inauguración del primer Salón. Se trata de un ejemplo temprano de un nuevo movimiento artístico de vanguardia respaldado por un manifiesto, algo que sería algo común en los movimientos modernistas posteriores y posteriores. Los salones también iban acompañados de una serie de conferencias y veladas musicales. Los salones de Delville también eran importantes por la inclusión de mujeres artistas, algo casi inaudito en otras sociedades de exposiciones de vanguardia contemporáneas. El manifiesto proporciona un valioso registro del movimiento idealista fundado por Delville:

Los Salones de Arte Idealista tienen como objetivo dar origen a un renacimiento estético en Bélgica. Reúnen en una misma reunión anual todos los elementos dispersos del idealismo artístico, es decir, las obras que tienen una misma tendencia hacia la belleza. Deseando así reaccionar contra la decadencia, contra la confusión de las escuelas llamadas realistas, impresionistas o libristas (artes degeneradas), los Salones de Arte Idealista defienden como principios eternos de perfección en una obra de arte el pensamiento, el estilo y la técnica. Lo único que reconocen como libre, dentro de la estética, es la personalidad creadora del artista y sostienen, en nombre de la armonía, que ninguna obra es susceptible de verdadero arte si no está compuesta por los tres términos absolutos, a saber: belleza espiritual, belleza plástica y belleza técnica. Similares, si no idénticos, a los Salones Rose & Croix parisinos creados por Sâr Joséphin Péladan y al movimiento prerrafaelita de Londres, los Salones de Arte Idealista afirman querer continuar, a través de desarrollos modernos, la gran tradición del arte idealista, desde los maestros antiguos hasta los maestros actuales. ^[12]

La obra principal de Delville expuesta ese año fue su visionaria Trésors de Sathan (1895, Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas). La obra ya había sido expuesta anteriormente en el Salón de Gand. La representación de una figura satánica bajo el agua es única en el arte occidental. En lugar de alas, está representado con largos tentáculos de pulpo. Sus "tesoros" son las figuras dormidas rodeadas de joyas y monedas de oro, objetos que representan el materialismo y la avaricia. Las figuras no muestran signos de tormento, sino que están representadas en un estado de éxtasis somnoliento, como si hubieran sucumbido a todo lo que es "satánico" en la visión oculta de Delville: el placer sensual y el materialismo. La obra es un icono apotropaico contra las trampas de las bajas pasiones y el mundo de la materia y la sensualidad en general.

El segundo Salón tuvo lugar en marzo de 1897 en la Maison d'Art , el lugar de arte de Edmond Picard . Las contribuciones de Delville fueron pequeñas e incluyeron su Orfeo en los infiernos , Parsifal y El oráculo de Dodone , que ahora, aparte de Parsifal , se encuentran en colecciones privadas. En ese momento, Delville se encontraba en Italia en su estancia obligatoria allí después de ganar el codiciado Prix de Rome. La muestra recibió críticas en gran medida positivas en la prensa y los Salones de Delville fueron ganando cada vez más aceptación, a pesar de sus agresivas polémicas en los meses previos a su establecimiento que irritaron a sus contemporáneos. Lo que se destacó como una característica de este arte idealista fue su naturaleza intelectual y la proclividad hacia la expresión de ideas.

El último Salón de Arte Idealista tuvo lugar en marzo de 1898 y estuvo marcado por la exposición de la gran obra maestra de Delville, su L'Ecole de Platon (1898, Musée D'Orsay), que marcó la culminación de su programa idealista y fue ampliamente celebrada entre sus críticos contemporáneos, incluso entre aquellos que anteriormente eran hostiles a su programa artístico y estético. ^[13]

En 1895, Delville publicó su Dialogue entre nous , un texto en el que expuso sus puntos de vista sobre el ocultismo y la filosofía esotérica. Brendan Cole analiza este texto en detalle en su libro sobre Delville, señalando que, aunque el Diálogo refleja las ideas de varios ocultistas, también revela un nuevo interés por la Teosofía . A fines de la década de 1890, Delville se unió a la Sociedad Teosófica . Probablemente se introdujo a la Teosofía directamente a través de su amistad con Edouard Schuré , el autor del libro de gran influencia Les Grandes Initiés . Schuré escribió el prefacio de la obra de Delville sobre el arte idealista, La Mission de l'Art (1900). Delville también estableció una estrecha alianza con Annie Besant , quien heredó el liderazgo del movimiento teosófico. Besant dio una serie de conferencias en Bruselas en 1899 titulada La Sagesse Antique . Delville revisó sus charlas en un artículo publicado en Le Thyrse ese año. ^[14] Es probable que a partir de este momento Delville se involucrara activamente en los Movimientos Teosóficos como tales. Delville fundó La Lumière , una revista dedicada a las ideas teosóficas en 1899, y publicó artículos de los principales teósofos de la época, incluyendo a Besant. Delville se convirtió en el primer Secretario General de la rama belga de la Sociedad Teosófica en 1911. ^[15] El arte de Delville floreció después de 1900 y produjo algunas de sus más grandes obras durante este período hasta la Primera Guerra Mundial. Trabajó con una fuerza e imaginación inquebrantables y sus pinturas revelaron un sentido visionario de lo trascendental inspirado por su participación en el movimiento teosófico, que se ve típicamente en obras como su monumental L'Homme-Dieu (1903, Brujas: Museo Groeninge) y Prométhée (1907, Universidad Libre de Bruselas). Sin embargo, su logro más sorprendente es su serie de cinco grandes lienzos que decoraban la Cour d'Assises en el Palais de Justice sobre el tema de "La justicia a través de los tiempos". Estas obras, monumentales en concepción y escala y sin duda entre sus mejores, fueron destruidas lamentablemente durante la Segunda Guerra Mundial como resultado del bombardeo alemán del Palais de Justice el 3 de septiembre de 1944. La ironía de esta acción en relación con el tema de este ciclo de pinturas no puede pasarse por alto. Se instalaron reemplazos a pequeña escala durante la reconstrucción del Palais después de la guerra. El gigantesco cuadro central original, titulado La Justice, la Loi et la Pitié , medía 11 metros por 4,5 metros. Esta obra estaba flanqueada por dos obras, La Justice de Moïse y La Justice chrétienne.(ambos de 4 por 3 metros). Los dos paneles restantes representan la justicia del pasado y del presente: La Justice d'autrefois y La Justice moderne . ^[16]

Delville esperaba conseguir una plaza de profesor en la Academia de Bruselas, pero en 1900 le ofrecieron un puesto de profesor en la floreciente Escuela de Arte de Glasgow . Su estancia allí fue muy exitosa y las obras de los estudiantes a los que formó fueron celebradas en las exposiciones anuales de Londres. Cuando Delville regresó a Bruselas en 1907, muchos de sus estudiantes británicos lo siguieron para continuar su formación bajo su tutela en su estudio privado de la rue Morris. En ese momento, Delville cumplió su ambición de enseñar en la Academia de Bruselas y fue nombrado profesor de Estudios de la Vida, puesto que ocupó hasta su jubilación en 1937. ^[16]

Cuando estalló la guerra, Delville, entre muchos belgas, fue recibido en Gran Bretaña como exiliado. Se trasladó allí con toda su familia, incluida su esposa y cuatro hijos menores, y se estableció en Golders Green, en Londres. Sus dos hijos mayores, Elie y Raphaël Delville, fueron reclutados para el esfuerzo bélico belga (ambos sobrevivieron al conflicto). Delville desempeñó un papel activo en Londres a través de sus escritos, arte y discursos públicos (era un orador talentoso) en apoyo de los belgas en el exilio y el conflicto contra los alemanes. Colaboró ​​con el periódico belga expatriado en Londres, L'Indépendence Belge , y escribió varios artículos y poemas condenando virulentamente la agresión alemana. Fue un miembro activo de la sociedad filantrópica para refugiados belgas, La Ligue des Patriotes de Belgique , y fue el presidente de La Ligue des Artistes belges , responsable de la creación de la exitosa publicación Belgian Art in Exile , cuya venta recaudó dinero para organizaciones benéficas belgas en Inglaterra. La obra contiene un gran número de pinturas representativas y otras obras de arte de artistas belgas contemporáneos. El volumen tuvo una buena acogida en general. The Sketch publicó un editorial de apoyo en su edición de enero y ofreció información informativa sobre el volumen:

Belgian Art in Exile es el título de un álbum muy atractivo de reproducciones, la mayoría en color, de pinturas de artistas belgas exiliados, con fotografías de obras de escultores belgas, que se ha publicado en ayuda de la Cruz Roja belga y otras instituciones benéficas belgas. Las láminas en color, que están bellamente reproducidas, muestran la alta calidad y la gran versatilidad del arte belga moderno. Particularmente notable es un cuadro de una carga de caballería morisca, de Alfred Bastien, quien desde que llegó a este país ha realizado algunos trabajos excelentes para el Illustrated London News. Entre muchos otros artistas belgas conocidos representados se encuentran Albert Baertsoen, Jean Delville, Emile Claus, Herman Richir, el conde Jacques de Lalaing y Paul Dubois. Una bella pintura de Frank Brangwyn –Mater Dolorosa Belgica– forma una introducción pictórica, como frontispicio. Maeterlinck contribuye con un panegírico del rey Alberto, y hay poemas de Emile Verhaeren, Marcel Wyseur y Jean Delville, quien también escribe una introducción. El volumen es publicado por Colour (25, Victoria Street, SW a 5s. y (en tela) 73. 6d., con una edición limitada de lujo a £ 1. Tanto por sí mismo como por la causa, debería generar una amplia venta. ^[17]

En esa época, Delville también era un masón activo y participó en La Loge Albert 1er, que reunió a los masones belgas exiliados que vivían en Gran Bretaña. ^[18] Su tiempo en el exilio también inspiró varias pinturas importantes, entre ellas: La Belgique indomptable (1916), que representa una figura femenina alegórica que empuña una espada y que mantiene a raya a un águila germánica que la ataca, Les Mères (1919), que representa a un grupo de madres en duelo rodeadas de los cadáveres de sus hijos caídos, y Sur l'Autel de la patrie (1918), una piedad moderna que representa una figura femenina con el cadáver de un soldado muerto sangrando a sus pies. Su obra más notable de este período es Les Forces (completada en 1924), que representa dos vastos ejércitos celestiales enfrentándose entre sí. Las fuerzas de la luz, representadas a la derecha, están lideradas por una figura parecida a Cristo sentado a caballo y una figura alada que lleva una antorcha y que lidera un ejército de ángeles en la lucha contra un batallón de fuerzas oscuras que avanzan desde la izquierda. La obra se exhibe abiertamente en el Palacio de Justicia, en el amplio cour des pas perdus , y es de gran tamaño: mide 5 metros por 8 metros.

Desde un punto temprano de su carrera, Delville se interesó en producir arte que pudiera exhibirse en espacios públicos para la edificación de todos. Para él, el arte era un medio para elevar al público y, por este motivo, despreciaba el arte producido para una camarilla de élite, vendido por comerciantes para el beneficio de coleccionistas que no veían en el arte más que una oportunidad de inversión. Los ideales de Delville estaban fuertemente alineados con la idea de un propósito social para el arte, sobre el cual escribió extensamente durante su carrera. En su Mission de l'Art escribió: "Si el propósito del arte, socialmente hablando, no es espiritualizar el pensamiento ponderado del público, entonces uno tiene derecho a preguntarse cuál es realmente su utilidad, o más precisamente, su propósito". ^[19] Aunque ya había creado varios grandes proyectos artísticos para decorar edificios públicos, en particular sus paneles para el Palacio de Justicia, su ambición de perseguir formalmente este objetivo se hizo realidad finalmente en 1920, cuando colaboró ​​con varios pintores destacados de su generación para crear la Société de l'Art Monumental (Sociedad de Arte Monumental). El objetivo del grupo era reunir a pintores, artistas y arquitectos que llamaran la atención sobre la necesidad de crear arte específicamente para edificios públicos.

Una realización importante de este objetivo fue la decoración de las paredes de las columnatas de los hemiciclos que flanquean la arcada del Parque del Cincuentenario . Cinco artistas colaboraron con Delville en este proyecto: Constant Montald , Emile Vloors, Omer Dierickx, Emile Fabry y Albert Ciamberlani . Los dos últimos eran amigos de Delville desde sus días en la academia y habían colaborado en muchos proyectos anteriores. La mayoría de estos artistas también habían expuesto en los foros idealistas de Delville, Pour L'Art y los Salons d'Art Idéaliste durante la década de 1890.

El proyecto se llevó a cabo bajo el patrocinio del rey Alberto I y se financió mediante un plan de suscripción nacional.

El tema general de este importante ciclo de obras fue una conmemoración patriótica de la «glorificación de Bélgica» tras la Gran Guerra a través de imágenes alegóricas relacionadas con la guerra y la paz. En 1924, Delville expresó su idea para el ciclo como una «visión de un friso en mosaico que despliega su ritmo de líneas y su armonía de colores entre las columnas del hemiciclo». ^[20]

Cada artista preparó seis obras individuales (cartones) que luego fueron adaptadas a los mosaicos finales, que tenían tres metros de altura y estaban alineados en la parte superior de la pared. La distancia total de todos los mosaicos era de 120 metros. Se logró una armonía general de todos los paneles individuales al asegurarse de que los artistas se adhirieron a algunas reglas comunes de composición: usar la misma línea del horizonte, usar la misma escala para las figuras y adherirse a una paleta limitada de colores relacionados. El tema específico a la izquierda de la arcada es el de Bélgica en paz. Las obras de Fabry, Vloors y Montald representan respectivamente la vida material, la vida intelectual y la vida moral. El tema específico a la derecha representa a Bélgica heroica, con obras de Delville, Ciamberlani y Dierickx que representan respectivamente la victoria, un homenaje a los héroes y la guerra.

El proyecto fue concebido entre 1922 y 1926 y finalizado en 1932. Los mosaicos fueron ejecutados por Jean Lahaye y Emile Van Asbroeck de la empresa A Godchol. ^[21]

Esta creación monumental fue una reivindicación de las tendencias idealistas en el arte presentado en un espacio público y dio a su perspectiva artística una visibilidad más amplia entre el público general. ^[22]

Trabajar por el bien público y aliviar el sufrimiento de la humanidad también fue un ideal fundamental de los teósofos, un ideal al que Delville adhirió durante toda su vida. Las opiniones teosóficas-socialistas de Delville se articularon en dos artículos que publicó antes de la guerra: Socialisme de demain (1912) y Du Principe sociale de l'Art (1913).

A partir de la década de 1920, Delville experimentó una carrera mucho más estable y exitosa que nunca. Con la finalización con gran éxito de los dos grandes proyectos públicos en el Palacio de Justicia y el Cincuentenario [ ^23] y su elección como miembro de la prestigiosa Real Academia Belga de Ciencias y Letras en 1924, pareció haberse atraído mucho más a la clase dirigente belga durante estos años. Mantuvo su puesto de Primer Profesor en la Academia de Bellas Artes de Bruselas hasta 1937 y continuó pintando hasta que una artritis paralizante en su mano derecha lo obligó a dejar el pincel en 1947.

Su ambición de crear obras de arte idealistas a gran escala se mantuvo hasta el final de su carrera como pintor, después de la Segunda Guerra Mundial, entre las que destacan Les Forces (1924, 55 × 800 cm, Palais de Justice), Les Dernières Idoles (1931, 450 × 300 cm, colección privada) y La Roue du Monde (1940, 298 × 231 cm, Amberes: Museo Real de Bellas Artes). En sus últimos años, todavía fue capaz de mantener un poder de expresión y un acabado muy articulado en sus obras que estuvo presente desde el principio. Sin embargo, se produjo un cambio en su estilo en algunas de sus obras en la década de 1930 (especialmente mientras residía en Mons ). Sus formas y colores se volvieron más estilizados y geométricos y sus colores más pálidos, o de tono "pastel", carentes de la energía, los contrastes vibrantes y las tonalidades ricas que eran características de su obra hasta entonces. Su tratamiento de las figuras también se volvió más estilizado y a menudo articulaba sus rasgos faciales con ojos característicamente "almendrados", lo que daba a sus figuras una apariencia de otro mundo. Ejemplos típicos de este período incluyen Seraphitus-Seraphita (1932), Les Idées (1934), Le Dieu de la Musique (1937) y Pégase (1938).

Delville siguió siendo un teósofo comprometido y apasionado hasta su muerte en 1953 y sostuvo en una de sus biografías que esto siempre formó la base de su perspectiva moral y artística a lo largo de toda su vida posterior. Con respecto a este importante aspecto de su vida intelectual y espiritual, escribió en 1944:

¡En realidad, la filosofía oculta ocupa el fondo de mi pensamiento desde bien de los años! Je pense avoir lu à peu près tout ce qui fut publié d'important sur les problèmes de l'invisible. ... Después, j'ai beaucoup cherché, étudié sur la naturaleza de los fenómenos psíquicos. L'Etude des sciences occultes est à la base de ma vie intellectuelle et morale. ^[24]

Delville murió el día de su cumpleaños, el 19 de enero de 1953.

• 1919  : Oficial de la Orden de la Corona . ^[25]

Delville escribió prolíficamente a lo largo de su vida delineando su estética idealista. Su primera publicación importante sobre el tema fue su Mission de l'Art (1900). La teoría idealista de Delville es una formulación sincrética del pensamiento idealista tradicional (en la tradición de Platón, Schopenhauer y Hegel) y la filosofía esotérica contemporánea. ^[26] En resumen, Delville creía que el arte es la expresión del Ideal (o espiritual) en forma material y se basa en el principio de la Belleza Ideal, en otras palabras, la Belleza que es la manifestación del Ideal, o reino espiritual, en objetos físicos. Contemplar objetos que manifiestan la Belleza Ideal nos permite percibir, aunque sea fugazmente, la dimensión espiritual y, como resultado, nos transfiguramos. ^[27]

Delville lo describe en un vívido pasaje de su obra La Mission de l'Art , donde destaca el valor expresivo del arte idealista; en otras palabras, no se trata simplemente de interactuar pasivamente con la imagen, sino también de sentir la "energía" que irradia, que eleva y transforma la conciencia del espectador de una manera espiritual. El idealismo en el arte es, escribe, "la introducción de la espiritualidad en el arte". Para Delville, la idea es una expresión del reino ideal y es una fuerza viva dentro de la experiencia humana que habita en el reino transpersonal de la experiencia humana. Escribe además que:

La Idea, en sentido metafísico o esotérico, es Fuerza, la fuerza universal y divina que mueve los mundos, y su movimiento es el ritmo supremo de donde surge el funcionamiento armonioso de la Vida.

Donde no hay pensamiento no hay vida ni creación. El mundo occidental moderno ha perdido la conciencia de este tremendo poder del Ideal, y el Arte se ha degradado inevitablemente. Esta ignorancia de las fuerzas creadoras del pensamiento ha oscurecido y desviado hacia el materialismo todo el juicio moderno. El materialismo no sabe cómo vibran las ideas y los pensamientos, y cómo estas vibraciones inciden en la conciencia del individuo.

Y, sin embargo, estas vibraciones, aunque invisibles para la mayor parte de la humanidad, pueden ejercer una influencia asombrosa sobre la mentalidad de los seres humanos y, de este modo, contribuir a su evolución. Ante las obras geniales, la conciencia humana recibe vibraciones mentales y espirituales, generadas por la fuerza de la idea reflejada. Cuanto más elevada, pura y sublime sea una obra, tanto más se elevará, purificará y sublimará el ser interior, al entrar en contacto con las vibraciones ideales que emanan de ella. El artista que no es ideal, es decir, el artista que no sabe que toda forma debe ser el resultado de una idea y que toda idea debe tener su forma, el artista, en una palabra, que no sabe que la Belleza es la concepción luminosa del equilibrio en las formas, nunca tendrá influencia alguna sobre el alma, porque sus obras estarán realmente sin pensamiento, es decir, sin vida.

La Idea es la emoción del Espíritu como la Emoción es el reflejo del Alma. ^[28]

Delville va más allá al dividir su comprensión de la belleza en tres categorías: I) belleza espiritual: la fuente de la belleza en los objetos físicos, ii) belleza formal: la articulación física de la belleza en las obras de arte, y iii) belleza técnica: la ejecución específica de la línea, el color, la luz y la sombra, y la composición para expresar la belleza ideal en objetos físicos y obras de arte. En francés, Delville se refirió a estos términos como: La Beauté spirituelle , La Beauté plastique y La Beauté technique . ^[29] Delville va más allá al trazar su triple concepción de la belleza en su concepción esotérica de la triple naturaleza de la realidad, que consiste en los reinos natural, humano y divino, así como la triple naturaleza del hombre como cuerpo (sentidos), alma (sentimiento) y mente (pensamiento y espiritualidad). ^[30] Escribe:

La obra del arte idealista es, pues, aquella que armoniza en sí misma las tres grandes palabras de la vida: la natural, la humana y la divina. Para alcanzar este grado de equilibrio estético –que, me complace admitirlo, no está al alcance de cualquiera– es necesario encontrar en la obra la idea más pura en el plano intelectual, la forma más bella en el plano artístico y la técnica más perfecta en el plano de la ejecución. Sin idea, una obra no cumple su misión intelectual; sin forma, no cumple su misión natural y, sin técnica, no cumple su objetivo de perfección. […] El carácter auténtico de la obra del arte idealista se puede identificar por el equilibrio que reina en su realización, es decir, que no deja que los términos esenciales de la idea, el arte o la técnica prevalezcan uno sobre el otro, sino más bien según relaciones proporcionales a sus respectivas potencias. ^[31]

Delville creía que la expresión más pura del arte idealista se encontraba en la tradición clásica del arte griego antiguo y del Alto Renacimiento . Para él, el arte clásico era la expresión más pura de lo espiritual en forma material. Delville buscó reinterpretar el lenguaje clásico en un contexto contemporáneo –para adecuarlo, en otras palabras, a su estilo de arte idealista específico que estaba formulando durante la década de 1890– no simplemente, en otras palabras, copiar o imitar los modos clásicos del arte. ^[32] La expresión de la armonía y el equilibrio, que él veía como un aspecto esencial del arte clásico, eran fundamentales en la expresión de lo espiritual en formas naturales. Hay un aspecto místico en la estética de Delville y en su idea de la Belleza Ideal, cuando escribió que:

Lo bello, tomado en su sentido clásico, no es una ilusión. Lo bello es lo verdadero manifestado por la idea en la forma. Ésta es la meta más alta que el artista debe tratar de alcanzar... Cuando el artista hace surgir la luz de la oscuridad, la belleza de la fealdad, lo puro de lo impuro, revela la Verdad a la humanidad, revela a Dios. Lo bello, lo verdadero, el bien son sinónimos. ¡Es la gloria del arte poder hacer perceptibles a los ojos humanos los tres misterios que forman uno solo! ^[33]

Delville desarrolló un estilo distintivo en su pintura, que es inconfundible. Sus dibujos y pinturas terminados son muy articulados y precisos en la forma en que representa las formas. Sin embargo, sus obras no son excesivamente detalladas, como suele encontrarse en el arte realista, sino que logra capturar la esencia de las formas que articula utilizando los medios más simples posibles. Esto es especialmente así en su enfoque de las figuras. En su L'Amour des Ames, delinea las figuras utilizando contornos largos y curvilíneos, y su anatomía solo se sugiere ligeramente mediante suaves contrastes de luz y sombra; el efecto es la expresión de una gran belleza sin ser excesivamente sensual: una técnica que se ve a menudo en los frescos renacentistas. Delville tenía una gran imaginación para el color y su uso con fines expresivos. Sus colores son a menudo vivos, casi visionarios, como se ve más claramente en su Trésors de Sathan , que está bañado por una atmósfera de dorados y amarillos luminosos. En su L'Ange des Splendeurs capta el efecto del oro iridiscente y diáfano en el ropaje del ángel, que contrasta marcadamente con la terrosidad pesada de los detalles naturales (animales, arañas, vegetación) en el lado inferior derecho. Su Ecole de Platon es un paradigma de serenidad en su uso de colores apagados y fríos y tonos pastel para enfatizar el idilio intelectual del Akademos de Platón .

Delville rara vez pintaba paisajes, naturalezas muertas o retratos por sí mismos, pero a menudo los incorporaba a sus pinturas de figuras. Casi todas las pinturas de Delville se centran en la forma humana como portadora del dramatismo de sus obras. Fue un maestro en la articulación de la anatomía humana, que utilizó para expresar vívidamente su técnica e ideas idealistas. Las diversas formas en que articula la forma humana son clave para comprender su programa artístico que reveló en sus pinturas a lo largo de su carrera. Este es especialmente el caso en la representación de figuras masculinas y femeninas ágiles y flexibles en Les Trésors de Sathan , L'Amour des Ames y L'Ecole de Platon , o las formas altamente expresivas, delineadas, nervudas, casi demacradas en la parte inferior de su épica L'Homme-Dieu que muestra el sufrimiento y la angustia de la condición humana; o en la representación altamente muscular, titánica, de la anatomía en sus figuras heroicas en su Prométhée y Les Dernières Idoles .

Lápiz, pastel y lápiz de color sobre papel, 40 x 32,1 cm, Bruselas: Museo Real de Bellas Artes

Aunque Delville escribía con frecuencia sobre sus ideas, casi nunca hablaba de sus cuadros. Dejaba las interpretaciones al espectador y, como resultado, sus mejores cuadros tienen un aire de misterio e intriga. Uno de los más misteriosos es su retrato de la señora Stuart Merrill . Este dibujo, realizado con tizas en 1892, es sorprendentemente sobrenatural. En él, Delville representa a la joven como una médium en trance, con los ojos vueltos hacia arriba. Su radiante cabello rojo anaranjado se combina con la luz fluida de su aura.

Los colores cálidos que rodean la cabeza de la señora Merrill parecen aludir a los fuegos terrenales de la pasión y la sensualidad. Por otra parte, el libro sobre el que apoya la barbilla y sus largas manos, casi espectrales, lleva inscrito un triángulo que apunta hacia arriba. Esto representa la idea de Delville del conocimiento humano perfecto, alcanzado (como dice en su Diálogo) a través de la magia, la Cábala y el hermetismo . Como han señalado varios autores, el cuadro, con sus referencias al ocultismo y la sabiduría, parece insinuar una iniciación. De ser así, el aura roja de la mujer podría hacer referencia a su lado sensual, que se irá espiritualizando a medida que avance hacia una etapa diferente de desarrollo.

Sea cual sea su interpretación, este retrato tan inusual ha tenido un fuerte efecto en los espectadores. Puede ser visto como inquietante y sobrenatural (Bade, Femme Fatale, 1979), o como "una visión positivamente mágica" (Jullian, Dreamers of Decadence , 1974). A veces se hace referencia a ella como la Mona Lisa de la década de 1890, y también se le da el título de La Mysteriosa . Hoy en día, hay pocos detalles disponibles sobre la modelo, e incluso su nombre de pila no se menciona en la literatura. La información más extensa sobre su identidad la da el hijo de Delville, Olivier, en su biografía del pintor. Sin embargo, no es un relato de primera mano, ya que Olivier nació al menos diez años después de que se ejecutara el cuadro. Según él, Stuart Merrill (un poeta simbolista que publicó sus obras en París y Bruselas) tenía una casa cerca de los Delville en Forest en esa época. Olivier añade que "la joven señora Merrill-Rion" era belga y que Delville quedó impresionado por su extraña belleza y la retrató con un carácter mediúmnico. Es probable que Delville pintara otros retratos de la señora Stuart Merrill y el dibujo de 1893 "Medusa", realizado en el mismo medio, es sin duda uno de ellos.

Los Merrill no compraron el cuadro, que permaneció en manos de los Delville hasta que lo vendieron a un coleccionista privado de California a finales de los años 1960. En 1998, lo adquirió el Museo de Bellas Artes de Bruselas y ahora está expuesto al público.

Óleo sobre lienzo, 127 x 146 cm, Bruselas: Museo de Bellas Artes.

Sin duda, se trata de una de las imágenes más visionarias de Delville de principios de la década de 1890. La obra hace referencia a los intereses de Delville en la idea de la iniciación y la espiritualización del alma. Como se ve en muchas de sus obras, Delville a menudo juega con la tensión entre los opuestos: luz y oscuridad, espíritu y materia, Naturaleza e Ideal, etc. Estas ideas se personifican en esta obra en la dualidad entre el ángel andrógino y el joven andrógino que está atrapado en el reino natural o material. Su torso inferior está envuelto en serpientes y rodeado de sapos, arañas, mariposas y otras formas de vida del mundo natural. El ángel, por otro lado, es una visión de oro diáfano, vestido con un vestido que es más fluido que material, emanando una luz suave, pero intensa. Su rostro es de la exquisita belleza que se ve comúnmente en el retrato renacentista, especialmente en la obra de Leonardo, a quien Delville admiraba. La aureola brillante que rodea su rostro y que irradia luz en todas direcciones es un significante común de su naturaleza espiritual. Sus proporciones son extrañas, según los estándares humanos, y fueron criticadas por sus contemporáneos, pero Delville entendió que humanizar al ángel sería contradecir su función simbólica en esta obra. Ella sigue siendo un ser que es físicamente de su propio reino trascendental. Señala hacia arriba indicando el camino hacia el reino ideal del espíritu y la belleza mientras el joven se acerca a ella en un intento de liberarse de las trampas materiales que lo envuelven desde abajo. Hay una tensión obvia aquí, ya que no está del todo claro si el joven lo logrará o se hundirá de nuevo en el reino material mortífero del que está emergiendo. El primer paso en el camino de la iniciación y la trascendencia es superar y controlar las limitaciones de la dimensión material ilusoria, y específicamente controlar las pasiones y los deseos, con el fin de despejar el camino hacia la trascendencia del alma. Esta pintura es un tótem de ese momento del drama iniciático que Delville expresó en muchas de sus pinturas y poemas de esa época. ^[34]

Óleo sobre lienzo, 258 x 268 cm, Bruselas: Museo de Bellas Artes

Delville expuso sus Trésors de Sathan ( Los tesoros de Satán ) en el Salón de Gante en septiembre de 1895 mientras trabajaba en su propuesta para el Prix de Rome belga. Luego se expuso en Bruselas por primera vez en 1896 en el primer Salon d'Art Idéaliste de Delville . Esta fue una de las primeras pinturas "de vanguardia" de Delville y una de sus obras más importantes de su período artístico hasta 1895. ^[35]

En general, las obras de Delville tratan el tema de la dualidad entre la naturaleza (humana o no) y el mundo trascendental. Delville era idealista, es decir, creía en la realidad de una dimensión trascendental o espiritual como base de la realidad. Nuestro mundo material perceptual es, en esta visión del mundo, visto meramente como una ilusión que trae sufrimiento y descontento. Nuestro objetivo es espiritualizar nuestro ser y refinar nuestro yo material, lo que incluye nuestros deseos y necesidad de satisfacción material. Sin un contexto espiritual en mente, los hombres y las mujeres simplemente se convierten en entidades materialistas inertes, siempre gobernadas por sus deseos, pasiones, codicia y necesidad impulsada por el ego de control y poder sobre los demás. Este es el reino de la materia, o en la cosmología de Delville, el reino de "Satán" (escrito con una h arcaica que rara vez se conserva en la traducción), que controla y gobierna nuestro estado inferior de ser. Sin un objetivo espiritual en la vida, somos meramente esclavos de Satanás y estamos completamente sumisos a su poder; Nos convertimos en su «tesoro», como se insinúa en el título de esta pintura. Aquí Delville representa a Satanás como una figura bastante atractiva, cautivadora, poderosa y seductora, que arrastra a la desventurada masa de hombres y mujeres a su guarida submarina. Es significativo que las figuras no estén en un estado de dolor o agonía, como suele ser el caso en las representaciones occidentales del inframundo de Satanás. Aquí parecen estar en un estado de ensoñación y felicidad, inconscientes de sus vidas y del valor de la realidad espiritual de su existencia, y sucumbiendo, más bien, por completo al atractivo del oro y el placer sensual; en otras palabras, la codicia material y el sensualismo que Delville vio como una trampa y una desviación catastrófica del verdadero objetivo de la humanidad, que es espiritualizar el propio ser y entrar en el reino superior de la conciencia y la felicidad espiritual al que se refería como el «Ideal». ^[36]

Delville y sus contemporáneos esotéricos (especialmente Joséph Péladan) creían que el tema del control sobre la propia naturaleza inferior (la tentación y la indulgencia eróticas) representaba la primera etapa del camino de la iniciación. Esto fue sugerido por primera vez en la influyente obra de Edouard Schuré Los grandes iniciados y esbozado en un pasaje que reconstruye las pruebas iniciáticas egipcias. Relata cómo la prueba final consiste en resistir la tentación erótica personificada en la forma de una atractiva figura femenina. ^[37]

Delville expresó estas ideas en un artículo publicado en la revista contemporánea Le Mouvement Littéraire en 1893:

La fiebre erótica ha esterilizado la mayoría de los espíritus. Uno se considera viril porque satisface los deseos bestiales insaciables de una mujer. Pues bien, ahí es donde empieza la gran vergüenza de la degeneración cerebral de nuestro tiempo. El poeta, el artista, el científico, se apegan más a las funciones espirituales que a las funciones animales emasculadoras. El verdadero macho es aquel cuya mente puede dominar el cuerpo y que sólo responde a las solicitaciones de la carne en la medida en que su voluntad se lo permite. … si las obras del Sar, hombre viril si los hubo, destierran enérgicamente los conflictos sexuales, es decir, son un alegato coherente en favor de la castidad, es porque ha estudiado los estragos del amor carnal, porque ha comprendido que hay que tener cuidado con los sentimientos del corazón, pues un corazón enamorado es un cómplice peligroso del instinto. … Desgraciadamente, la mayoría de nosotros seguimos ignorando obstinadamente que la verdadera virginidad desarrolla altamente las potencias del alma y que, a quienes se dedican a ella, imparte facultades desconocidas para el resto de la raza humana. ^[38]

También hay referencias frecuentes a "Sathan" en la antología de poemas de Delville de 1897 Frisson du Sphinx , por ejemplo en " Les Murmures de l'Ombre ", " Tête d'Ombre ", " La Tempête " y " l'Etoile Noire ". Este último evoca vívidamente el motivo que recorre los escritos de Delville:

Óleo sobre lienzo, 260 x 605 cm, París: Musée D'Orsay

En esta importante pintura, Delville invoca la serena belleza del mundo clásico y sus principios estéticos y filosóficos. Delville pintó esta obra mientras se encontraba en Italia en su estancia artística allí después de ganar el codiciado Premio de Roma belga . Delville pudo entonces, por fin, estudiar las obras clásicas del Renacimiento y del mundo antiguo que influyeron profundamente en sus ideas artísticas.

La escala de la pintura es impresionante, mide 2,60 metros de alto por 6,05 metros de largo, y Delville ciertamente tenía en mente pinturas de historia académica a gran escala que eran el coto privado de temas artísticos eruditos pintados en la tradición clásica, que buscaba renovar. ^[40] Las figuras representadas son casi de tamaño natural. El estilo de la pintura está inspirado en los frescos italianos de Rafael y Miguel Ángel que Delville habría visto mientras estaba en Roma, caracterizados por una articulación audaz de formas con un acabado mate (en oposición a un brillante). La pintura se exhibió por primera vez en el último Salon d'Art Idéaliste de Delville en Bruselas en 1898. La obra fue elogiada universalmente como una obra maestra por sus contemporáneos. La principal revista de arte de vanguardia L'Art Moderne , que con frecuencia era hostil hacia Delville y su arte, elogió su trabajo de la siguiente manera: 'Jean Delville ... ¡ha creado una obra! Una obra de arte soberbia: La escuela de Platón, a la que se refiere como «un ensayo en fresco» – ¡Vayan a verla! Es de una belleza serena, tranquila, grandiosa y deliciosa... Ideal, sí, verdaderamente ideal. El programa demuestra su valor y es magnífico... ¡Es bello, bello, bello! ^[41]

Delville se sumergió en el estudio de la tradición esotérica y las filosofías ocultas que eran populares en ese momento. Se trataba de una tradición que ensalzaba las virtudes de la superación personal y el progreso espiritual a través de la iniciación. Edouard Schuré ya identificaba a Platón como uno de los "Grandes Iniciados", es decir, portadores de luz que guían a la humanidad hacia una conciencia superior y una conciencia espiritual más profunda durante nuestra encarnación terrenal. Platón enseñaba sobre la dualidad esencial entre las dimensiones material y metafísica; su gesto, apuntando hacia arriba y hacia abajo, alude a esta dualidad entre el macrocosmos y el microcosmos. ^[42] La consecución del reino ideal y la expresión de sus verdades en forma física era la noción clave en la filosofía estética de Delville. Escribió a menudo que el objetivo del arte debería aspirar a expresar la Belleza Absoluta o Espiritual en forma física. Veía el arte clásico como la expresión más pura de este objetivo y buscó un renacimiento de esta idea en el arte, reelaborándola de una manera que fuera apropiada para su era cultural contemporánea. Además, para Delville el cuerpo humano era la expresión más pura de la belleza ideal y espiritual. Por ello, en su arte recurrió con frecuencia a la representación de figuras masculinas y femeninas desnudas como vehículos para la expresión de este ideal, como se ve claramente en esta obra. En relación con la importancia espiritual del desnudo como vehículo para la expresión de un ideal espiritual, escribió:

El desnudo tiene la alta cualidad de ser sintético y universal. … al evocar a la Humanidad, evoca a la Humanidad y toda la belleza de la Vida, no la vida como la entendemos los seres modernos, compuesta de nervios, fiebres mórbidas y agitación, sino la gran vida universal, que enriquece el espíritu y la tierra, hace resplandecer a los astros y a las almas y hace vibrar el espacio, que late en sustancia como en esencia, que rige y mueve el Universo, los seres y los objetos, mortales o inmortales, en el ritmo infinito y el misterio de la Eternidad, macrocosmos divino y microcosmos humano donde la Belleza Universal, hecha de Amor, Sabiduría y Luz, brilla y se refleja por siempre. ^[43]

Los hombres en este cuadro están concebidos en una forma andrógina idealizada: un concepto que Delville, siguiendo a Péladan, desarrolló para expresar el ideal de una perfección no erótica del estado humano que sintetiza el principio masculino y femenino en una idea de totalidad y perfección, que emula el estado original de perfección humana que precede a nuestra experiencia dividida y dual de la realidad en nuestra encarnación terrenal. ^[44]

Temple y óleo sobre lienzo, 268 x 150 cm. Bruselas: Museo Comunitario de Bellas Artes de Ixelles.

Sin duda, esta es una de las imágenes más bellas y sutilmente articuladas de Delville en este período. Delville representa la unión de las almas, masculina y femenina, en un entorno cósmico. Esta pintura sugiere un tema importante para Delville y sus contemporáneos en relación con el retorno a la unidad en los principios duales masculino y femenino de la experiencia humana que da como resultado la androginia espiritual. La energía masculina y la energía femenina se unen para formar un estado de plenitud y unidad completa del Ser. Es una concepción cósmica del objetivo de la existencia, más allá de los opuestos, la polaridad y la discordia. Este estado significa un retorno al estado original de perfección e integración de los opuestos que nos une a la mente cósmica, más allá del tiempo y el espacio y la dualidad de la existencia física y material. Esta unión espiritual da nacimiento al ser trascendente, el Cristo cósmico interior. Delville escribió a menudo sobre la naturaleza de la dualidad y las fuerzas de los opuestos, así como sobre la necesidad de armonizarlas, en otras palabras, lograr el Equilibrio. De hecho, él entendía la experiencia de la oposición en la naturaleza (tanto humana como en el mundo natural) como una "ley" subyacente relacionada con lo que él llamaba el "Equilibrio en el Orden Universal", respecto del cual escribió:

A pesar de una apariencia contraria, todas las fuerzas, todas las manifestaciones de la naturaleza se influyen mutuamente con corrientes de polaridad negativa y polaridad positiva, innegables influencias astrales. … Los grandes contrastes de la vida, sin embargo, son responsables de toda la miseria, de toda la penuria; ¿son responsables de la producción del Caos? Un enorme error: lo Grande y lo Pequeño, lo Fuerte y lo Débil, lo Alto y lo Bajo, lo Activo y lo Pasivo, lo Lleno y lo Vacío, lo Pesado y lo Denso, lo Exterior y lo Interior, lo Visible y lo Invisible, lo Bello y lo Feo, lo Bueno y lo Malo, Esencia y Substancia, Espíritu y Materia son fuerzas divergentes que constituyen eternamente el gran Equilibrio en el Orden Universal. Es una Ley Natural, y ninguna filosofía, ningún dogma, ninguna doctrina prevalecerán jamás sobre Ella. ^[45]

El entorno de esta obra es importante. Delville sitúa las figuras en un entorno cósmico indeterminado, lo que sugiere que no son figuras con sustancia humana, sino más bien símbolos de la naturaleza espiritual trascendente del hombre y la mujer. Las cintas de color que las rodean sugieren un campo de energía fluida sobre el que flotan, una idea a la que Delville y sus contemporáneos a menudo se referían como "luz astral", una fuerza energética que anima a las entidades vivientes, muy similar a la idea de "campo" en la física cuántica.

Delville pintó esta obra al temple, en la que los pigmentos se mezclan con clara de huevo para crear un acabado luminoso y una obra de arte muy duradera. Recibió una gran influencia de los artistas del Renacimiento italiano, que solían utilizar el temple en sus obras y que, hasta el día de hoy, conservan en gran medida su pureza de color y luminosidad. Los detalles en primer plano revelan su técnica de aplicar la pintura en pequeños trazos; en lugar de mezclar los colores en la paleta, se mezclan a simple vista. Para lograr este efecto, hay que ser un dibujante muy hábil. ^[46]

En su biografía, el hijo de Delville, Olivier, nos cuenta que su padre, decidido a transmitir sus ideales al mundo, pintaba y escribía continuamente. Complementaba estos ingresos, que no eran muy fiables, con la enseñanza del arte, pero su ajetreada vida profesional no le impidió aplicar sus firmes convicciones a su vida personal. Olivier describe a su padre como una persona valiente, perseverante, íntegra e inteligente, así como un hombre de familia recto y estricto con sus seis hijos.

Delville todavía no es tan conocido como algunos de sus contemporáneos de la era simbolista. Hay razones históricas para ello. Por ejemplo, nunca expuso en las principales sociedades de exposiciones de Bruselas durante la primera parte de su carrera, como Les XX y La Libre Esthétique . La reputación de muchos de sus contemporáneos, como Khnopff , Mellery y Ensor , se basó en gran medida en su participación en estas sociedades, que promocionaron intensamente su arte a través de campañas de marketing organizadas y estableciendo una red comercial de comerciantes y coleccionistas para invertir en el arte expuesto allí. También tuvieron mucho éxito en dar a conocer su arte a nivel internacional. Había un elemento comercial manifiesto asociado con estas sociedades en la forma en que creaban un aura alrededor del arte exhibido allí como un producto deseable. Delville evitaba la comercialización del arte y la forma en que se fabricaba como un producto de élite. Aunque vendía obras en sus propias sociedades, como Pour l'Art y los Salons d'Art Idéaiste , el objetivo de éstas era principalmente crear un foro para los artistas que trabajaban en una vena idealista. Delville estaba principalmente comprometido con el uso del arte como una fuerza para transformar la sociedad y mejorar las vidas de quienes lo rodeaban. Escribió: "no habrá nada que impida que el arte se convierta cada vez más en una fuerza educativa en la sociedad, consciente de su misión. Es hora de penetrar en la sociedad con el arte, con el ideal y con la belleza. La sociedad actual tiende cada vez más a caer en el instinto. Está saturada de materialismo, sensualismo y ... comercialismo". ^[47]

Delville creía, más bien, que una reespiritualización de la sociedad sería un camino redentor para rescatarla de la morbosidad del materialismo. En otro lugar escribió: “El idealismo... tiene un impacto educativo y social universalizador... El idealismo ve a la humanidad en términos de la inmensa vitalidad de su futuro ideal. Para que el artista tome conciencia de esto, es necesario que se purifique y se eleve... El papel del idealismo moderno será alejar al temperamento artístico de las epidemias mortales del materialismo... y finalmente guiarlo hacia las regiones purificadas de un arte que es el presagio de la espiritualidad futura”. ^[48]

Delville siguió siendo desesperadamente pobre durante la primera parte de su carrera y su condición sólo se vio aliviada ocasionalmente por el estipendio asociado con el Prix de Rome que ganó, así como por su empleo en la Escuela de Arte de Glasgow y, más tarde, en la École des Beaux-Arts. Delville nunca vendió a comerciantes y sólo muy raramente aceptó encargos privados de retratos (un género en el que habría sobresalido). La mayoría de sus pinturas eran de gran escala y las concibió principalmente para ser exhibidas en espacios públicos, siguiendo su ideal del papel social del arte. Por lo tanto, la mala reputación asociada con el arte de Delville probablemente esté relacionada en parte con la falta de una exposición comprometida y una comercialización sostenida de su obra, que fue esencial para forjar la reputación de la vanguardia temprana y posterior. Delville también provenía de un entorno de clase trabajadora, lo que era una gran desventaja en la cultura contemporánea dominada por la burguesía en Bélgica. Esto sin duda habría contribuido a borrar su valor como artista con el tiempo. Por último, Delville fue ferozmente independiente en su estrategia para promover sus ideas e ideales artísticos, y rara vez se doblegó a la voluntad de lo que era popular o aceptable en los círculos burgueses conservadores que controlaban y dominaban el mercado del arte durante sus años de formación. Como resultado, los críticos y colegas de la corriente principal generalmente rechazaron su arte y sus ideales. A pesar de su inmenso talento y visión, Delville siguió siendo una "voz en el desierto" durante esta época. Esta reputación persistió durante el curso de su vida y también después. ^[49]

Otra gran desventaja relacionada con la reputación de Delville se relaciona con la exposición limitada de sus obras principales en museos públicos y la relativa escasez de material publicado (hasta hace poco) sobre el arte y la carrera de Delville. El Museo de Bellas Artes de Bruselas alberga muchas más obras que cualquier colección pública, pero pocas de ellas están en exposición pública. Esto también sucede en otros centros de Bélgica (Brujas y Amberes, por ejemplo). Pocas de sus obras se pueden ver en los principales museos fuera de Bélgica, con la excepción de su L'Ecole de Platon en el Musée d'Orsay en París. Muchas de sus obras más pequeñas han desaparecido hace mucho tiempo o han sido destruidas, lo que deja lagunas notables en su catálogo de obras existentes. La pérdida de pinturas importantes como su Ciclo pasional y La justicia a través de los siglos , entre otras, también disminuye el impacto de su obra conocida . Además, un gran número de sus obras están en colecciones privadas y su paradero aún está por determinar. Todo ello hace que el acceso a sus obras sea extremadamente limitado y que permanezcan fuera del «ojo del público» y, por tanto, del imaginario colectivo en general. En Internet se pueden conseguir reproducciones de algunos de sus cuadros y dibujos, pero suelen ser de mala calidad, lo que reduce considerablemente su impacto. Por último, hasta hace muy poco no se han publicado estudios ni monografías importantes sobre la obra del artista, lo que ha dejado hasta ahora importantes lagunas en el conocimiento de su vida, su arte y sus ideas.

A pesar de ello, parece que se está produciendo un resurgimiento del interés por su obra y sus ideas, en particular con la reciente e importante exposición retrospectiva en Namur, que reunió numerosas pinturas y dibujos importantes, muchos de los cuales no se habían visto en público desde que se expusieron por primera vez en el siglo XIX. Varios historiadores del arte belgas e ingleses, que trabajan en colaboración con los herederos y el patrimonio de Delville, también están mostrando un renovado interés por la obra de Delville, revelando por primera vez aspectos detallados de su vida y su obra a través de estudios detallados y monografías sobre aspectos de la vida y el arte de Delville (véase 'Fuentes').

• L'Agonie de Cachaprès (1887), carboncillo sobre papel, 33 x 34,5 cm. Bruselas: Museo de Ixelles, inv. CL240
• Orfeo muerto (1893), lápiz y carboncillo sobre papel, 41,7 x 43,1 cm. Colección particular.
• Tristán e Ysolda (1887), lápiz y carboncillo sobre papel, 44,3 x 75,4 cm. Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , inv. 7927.
• El último amanecer (1888), carboncillo, 44 ​​x 57 cm. Colección particular (Retrato de su abuela en su lecho de muerte)
• Mendiants à Paris (1888), lápiz sobre papel, 48,2 x 66,2 cm. Tournai: Museo de Bellas Artes.
• Les Las d'Aller (1890), lápiz sobre papel, 8,7 x 10,7 cm. Tournai: Museo de Bellas Artes.
• Estudio para Le Cycle des passions , (1890), Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica .
• Allégorie de l'enfer ( Azraël ), (1890). Colección privada.
• Parsifal (1890), carboncillo sobre papel, 70,7 x 56 cm. Colección particular.
• L'Idole de la perversité (1891), lápiz sobre papel, 98,5 x 56,5 cm. Colección privada.
• La Méduse (1891), lápiz, tinta y técnica mixta, 15,2 x 35,6 cm. Chicago: Chicago Institute of Art.
• Retrato de Madame Stuart Merrill o Mysteriosa , pastel, (1892), lápiz y pastel coloreado sobre papel, 40 x 32,1 cm. Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , inv. 12029.

• La cuchilla de acero (1886)
• L'Affamé (1887), óleo sobre lienzo, 80x100 cm. Colección particular (recientemente ^{[¿ cuándo? ]} redescubierto).
• La Symbolisation de la Chair et de l'Esprit (1890), ubicación desconocida.
• La muerte de Orfeo (1893), óleo sobre lienzo, 79,3 x 99,2 cm. Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , inv. 12209.
• Le Christ glorifié par les enfants (1894), óleo sobre lienzo, 222 x 247 cm. Amberes: Academia de Bellas Artes (entrada al Premio de Roma).
• El ángel de los esplendores (1894), óleo sobre lienzo, 127 x 146 cm. Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , inv. GC179.
• Retrato del gran maître de la Rose-Croix, Joséphin Péladan en habit de chœur , 1894, óleo sobre lienzo, 242 x 112 cm. Nimes: museo de Bellas Artes
• Los tesoros de Satán , 1895, óleo sobre lienzo, 258 x 268 cm. Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , inv. 4575.
• L'Oracle à Dodone (1896), óleo sobre lienzo, 118 x 170 cm. Colección privada.
• L'École de Platon , (1898), óleo sobre lienzo, 260 x 605 cm. París: Museo de Orsay, inv. RF1979-34.
• L'Amour des âmes (1900), témpera y óleo sobre lienzo, 268 x 150 cm. Bruselas: Musée community des beaux-arts d'Ixelles, inv. 1942.
• Homme-Dieu , (1903), óleo sobre lienzo, 500 x 500 cm. Brujas: Groeningemuseum.
• Prométhée (1907), óleo sobre lienzo, 500 x 250 cm. Bruselas: Universidad Libre de Bruselas.
• La Justice à travers les âges , (1911-1914) Palacio de Justicia, Bruselas ; Destruido por los bombardeos alemanes al final de la Segunda Guerra Mundial.
• L'Oubli des passions (1913), óleo sobre lienzo, 169 x 146 cm. Colección privada.
• Le Génie vainqueur (1914/18), óleo sobre lienzo, 460 x 350 cm (?). Bruselas: Palacio de Justicia.
• La Belgique indomptable (1916), óleo sobre lienzo, 177 x 127 cm. Ubicación desconocida.
• Retrato de la femme de l'artiste , (1916). Bruselas: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica .
• Sur l'autel de la patrie (1918), óleo sobre lienzo, 305 x 205. Bruselas, Real Academia de Bellas Artes.
• Les Mères (1919), óleo sobre lienzo, 112 x 144 cm. Dinant: Colección municipal, inv. 203.
• Dante buvant les eaux de Léthé (1919), 142 x 179 cm. Colección privada.
• Les force (1924), óleo sobre lienzo, 500 x 800 cm. Bruselas: Palacio de la Justicia.
• Hélène, la hija del Cyne (1928), óleo sobre lienzo, 205 x 135 cm. Colección privada.
• L'Ecole du Silence (1929), óleo sobre lienzo, 180 x 153 cm. Taiwán: Museo Chi Mei.
• Les ténebrès à la lumière (1929), óleo sobre lienzo, 205,5 x 93,5 cm. Colección privada.
• Le dieu vaincu par l'amour (1930). colección privada
• Les Femmes d'Eleusis (1931), óleo sobre lienzo, 110 x 140 cm. Tournai: Museo de Bellas Artes.
• Le Secret de la Tombe (1931), óleo sobre lienzo, 135 x 195 cm. Colección privada.
• Les dernières idoles (1931), óleo sobre lienzo, 450 x 300 cm. colección privada
• Seraphitus-Sepraphita (1932), óleo sobre lienzo, 187 x 103 cm. Colección particular.
• L'Extase de Danté (1932), óleo sobre lienzo, 159 x 53,5. Colección privada.
• Le rêve de l'amour (1933), tríptico, óleo sobre lienzo, 133 x 298 cm. Colección privada.
• Le Christ en Deuil (1933), óleo sobre lienzo, 200 x 215 cm. Colección privada.
• Les Idées (1934), óleo sobre lienzo, 210 x 280 cm. Colección privada.
• La Libération (1936), óleo sobre lienzo, 180 x 250 cm. Colección privada.
• Le Dieu de la Musique (1937), óleo sobre lienzo, 240 x 146 cm. Bruselas: Conservatorio Real.
• Le voile de la nuit (1937), óleo sobre lienzo, 168 x 127. Colección privada.
• Los cuatro Kumaras (1938), óleo sobre lienzo, 112 x 56 cm. Colección particular.
• Pegaso (1938), óleo sobre lienzo, 114 x 95 cm. Mons: Museo de Bellas Artes de Bélgica, inv. 285.
• Le Fléau o La Force (1940), óleo sobre lienzo, 135 x 194 cm, Bruselas: Galerie Uzal.
• La rueda del mundo (1940), óleo sobre lienzo, 298 x 231,1 cm. Amberes: Museo Real de Bellas Artes, inv. 2607.
• Les ames errantes (1942), óleo sobre lienzo, 150 x 330 cm. Colección particular.
• La vision de la Paix (1947), óleo sobre lienzo, 100 x 120 cm, colección privada

• El sentido de la vida (sin fecha).
• El ideal mesianesco (nd)
• Diálogo entre nosotros. Argumentation Kabbalistique, Occultiste, Idéaliste (Brujas: Daveluy Frères, 1895).
• La misión del arte. Estudio de estética idealista . Préface d'Edouard Schuré (Bruselas: Georges Balat, 1900).
• Le Mystère de l'Évolution ou de la Généalogie de l'Homme d'après la Théosophie (Bruselas: H. Lamertin, (1905).
• Problèmes de la Vie Moderne (Bruselas: "En Art", 1905).
• Dieu en Nous. Essai Théosophique d'Emancipation Spirituelle . Conférence Faite à la Branche Centrale Belge de la Société Théosophique (Bruselas: c.1905).
• Le Christ Reviendra, Le Christ en Face de l'Eglise et de la Science (París: Editions Théosophiques, 1913).
• Discours prononcé par M. Jean Delville, Professeur, à l'occasion de la Distribution des Prix de l'Année 1921–1922 , Ville de Bruxelles:Académie Royale des Beaux-Arts et Ecole des Arts Décoratifs (Bruselas: E Guyot, 1923) .
• La Grande Hiérarchie Occulte et la Venue d'un Instructeur Mondial (Bruselas: Les Presses Tilbury, 1925).
• Considérations Sur L'Art Moderne , Ledeberg-Gand, Imprimerie Jules de Vreese, 1926 (Extrait du Bulletin Des Commissions Royales d'Art & d'Archéologie LXV e Année, 1926).
• Krishnamurti, Révélateur des Temps Nouveaux (Bruselas: Office de Publicité, 1928).
• La Création d'un Conseil Supérieur des Beaux-Arts. Voeu de la Classe de Beaux-Arts de l'Académie Royale de Belgique (Bruselas: Lamertin, 1935).

• Les Horizons Hantés (Bruselas: 1892).
• Le Frisson du Sphinx (Bruselas: H Lamertin, 1897).
• Les Splendeurs Méconnues (Bruselas: Oscar Lamberty, 1922).
• Les Chants dans la Clarté (Bruselas: à l'enseigne de l'oiseau bleu, 1927).

• 2015. Casa de la Campana de Piedra, Galería de Arte de la Ciudad, Praga. Exposición basada en obras expuestas en Namur en 2014. ^[50]
• 2014. Pequeña, pero importante, exposición de obras representativas de Delville. ^[51]

La banda sueca de thrash metal Hexenhaus utilizó la pintura Les Trésors de Sathan para la portada de su álbum A Tribute to Insanity (1988), mientras que el grupo estadounidense de death metal Morbid Angel también la utilizó para la portada de su segundo álbum, Blessed Are the Sick (1991). La pintura también se cita y describe en el cómic Providence de Alan Moore (Avatar Press) (número tres de doce).

• Brendan Cole, Jean Delville, El arte entre la naturaleza y lo absoluto , Newcastle: Cambridge Scholars Publishing, 2015.
• Brendan Cole, 'Jean Delville y la vanguardia belga: polémicas antimaterialistas para un 'arte anunciador de las espiritualidades futuras', en Rosina Neginsky (ed.), El simbolismo. Sus orígenes y sus consecuencias , Newcastle: Cambridge Scholars Publishing, 2010, pp. 129-146.
• Miriam Delville, 'Jean Delville, mon grand-père' en Laoureux, et al. Jean Delville, Maître de l'idéal , París: Somogy éditions d'art, 2014, págs. 14-36.
• Olivier Delville, Jean Delville, pintor, 1867–1953 , Bruselas: Laconti, 1984.
• Michel Draguet (ed.), Splendeurs de l'Idéal. Rops, Khnopff, Delville et leur temps. Lieja: Musée de l'Art Wallon, el 17 de octubre de 1997.
• Donald Flanell Friedman, «L'évocation du Liebestod par Jean Delville», en La Peinture (d)écrite, Textyles , n° 17-18. Bruselas: Le Cri Édition, 2000, págs. 79–84.
• Denis Laoureux, et al., Jean Delville (1867-1953) Maitre de l'idéal . París: Somogy éditions d'art, 2014.
• Francine-Claire Legrand, Le Symbolisme en Belgique Bruselas: Laconti, 1971.
• Francine-Claire Legrand, 'Jean Delville peintre Idéaliste', en Olivier Delville, Jean Delville, peintre, 1867–1953 , Bruselas: Laconti, 1984, págs.

• Jean Delville. La misión del arte El trabajo de Delville sobre la estética idealista de Archive.org
• Jean Delville. La nueva misión del arte Traducción al inglés de La Mission de l'Art de Delville de Archive.org
• Jean Delville. El arte belga en el exilio. Libro que muestra a artistas belgas con el fin de recaudar fondos para el esfuerzo bélico belga durante la Primera Guerra Mundial. Editado con una introducción de Delville.

• La Mission d'Art de Delville es un análisis detallado de los escritos estéticos de Delville.
• Jean Delville y la vanguardia belga Ensayo sobre el conflicto de Delville con la vanguardia contemporánea.
• Los escritos de Jean Delville Ensayo (en francés) sobre los escritos y la poesía de Delville.
• Jean Delville y la tradición esotérica contemporánea Ensayo (en francés) sobre la influencia de las corrientes esotéricas de la cultura belga contemporánea en la obra de Delville.
• La Méduse Artículo sobre la Méduse de Delville (1893), Instituto de Arte de Chicago.
• Artículo de L'évocation du 'Liebestod' par Jean Delville (en francés) sobre aspectos de Tristan et Yseult (1887) de Delville.
• Lynda Harris Jean Delville: Pintura, espiritualidad y esoterismo ^{[ enlace muerto permanente ‍ ]} Publicado originalmente en la edición de mayo-junio de 2002 de la revista Quest. Cita: Harris, Lynda. "Jean Delville: Pintura, espiritualidad y esoterismo". Quest 90.3 (MAYO-JUNIO DE 2002).
• 'Teosopedia' Detalles de las actividades de Delville en la Sociedad Teosófica en Bélgica.

• Jean Delville: Iniciado en la Belleza Espiritual Un blog/sitio web sobre el trabajo de Delville con reproducciones detalladas de su obra.
• Investigaciones recientes sobre el arte de Delville
• Página de información de Boston College sobre Delville Archivado el 4 de agosto de 2015 en Wayback Machine
• Listados de ArtCyclopedia para Delville
• Entrada del Museo de Orsay sobre la Escuela de Platón de Delville
• Entrada al Centro de Renovación del Arte en Delville
• Catálogo en línea: Jean Delville: Maïtré de L'Idéal Catálogo de la exposición de 2015 en francés (bien ilustrado).