Joe Scanlan (artista)

Scanlan abandonó sus estudios de posgrado en 1986, pero permaneció en Chicago durante la década siguiente como parte de un grupo de jóvenes artistas y críticos empeñados en expandir los tipos de arte que se creaban y discutían en la ciudad, entre ellos Theaster Gates , Gaylen Gerber, Michelle Grabner , Hudson, Jin Lee , Kerry James Marshall , Hirsch Perlman , Dan Peterman , Kay Rosen , David Sedaris y Tony Tasset . ^{[ 10 ]} Entre sus exposiciones más importantes se encuentran su primera exposición individual, Fairly Recent Work , en la galería Robbin Lockett; ^{[ 11 ]} I, Myself, and Others en Le Magasin, Grenoble; ^{[ 12 ]} y Documenta 9 en Kassel, Alemania. Sobre Documenta 9, el crítico de arte del New York Times, Michael Kimmelman, escribió:

Y sin embargo, si el arte político se minimiza, la estética difícilmente puede considerarse un principio rector. Por cada obra tan cautivadora y conmovedora como la videoinstalación de [Gary] Hill que representa figuras fantasmales que caminan hacia el espectador y se alejan de él, hay numerosas piezas visualmente adormecedoras como la sección del piso de un baño de Joe Scanlan. (Si contamos las obras del Sr. Scanlan y [Mike] Kelley, los azulejos de Wim Delvoye decorados con imágenes de excremento, la reconstrucción de [Ilya] Kabakov de un baño público soviético y el urinario de Attila Richard Lukac, el motivo más dominante de la exposición bien podría ser el inodoro). ^{[ 13 ]}

Scanlan se mudó a la ciudad de Nueva York en 1996, donde continúa viviendo. Estuvo representado por la galería D'Amelio Terras y realizó allí tres exposiciones individuales entre 1996 y 2002, incluyendo una exposición titulada Invention que, según afirmaba, abordaba los temas del consumo, el deseo, la identidad y la muerte. ^{[ 14 ]}

Scanlan dejó D'Amelio Terras en 2002 para establecer su propio medio comercial, el sitio web thingsthatfall.com. El lanzamiento del sitio web coincidió con una serie de exposiciones en Europa que desarrollaron temas planteados por la exposición Invention . Pay Dirt (2002) fue un proyecto específico del sitio encargado por la Ikon Gallery , Birmingham, Inglaterra, en el que Scanlan buscó, obtuvo y puso en práctica la patente de utilidad estadounidense n.° 6,488,732, un proceso para convertir los residuos de consumo en tierra para macetas viable. El proyecto fue una sátira de las fantasías de hacerse rico rápidamente del auge de las puntocom, el acaparamiento de propiedad intelectual y la floreciente industria de la minería de datos. ^{[ 15 ]} Entropy For Sale (2005) fue una exposición en la Galerie Micheline Szwajcer, Amberes, que retomó el tema de la entropía del artista estadounidense Robert Smithson para indagar cómo todo tipo de colapso, destrucción, desastre y caída se estaban convirtiendo en inspiraciones empresariales y fuentes de ganancias. La exposición causó una pequeña controversia cuando la galería retiró el comunicado de prensa de la muestra, escrito por el artista, porque consideraron que su lenguaje era demasiado incendiario. ^{[ 16 ]}

Creative Destruction, Traveling Salesman, Circular Economy (2008) en la Galerie Martin Janda, Viena, continuó la investigación de Scanlan sobre lo que se ha dado en llamar Capitalismo del Desastre . ^{[ 17 ]} La exposición presentó Traveling Salesman , una obra de arte conceptual en forma de una mesa de mercado plegable adaptada con cámaras que contenían las mercancías del artista; Circular Economy , una animación producida en colaboración que representa un breve bucle de objetos de consumo transformándose en otros objetos de consumo; y The Process of Creative Destruction in Action , una instalación del tamaño de una habitación del clásico ensayo de Joseph Schumpeter , The Process of Creative Destruction, alterado cromáticamente y editado para aplicarlo al arte contemporáneo. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

Store A fue la dirección del estudio de Scanlan en Brooklyn desde 1997 hasta 2002, que también funcionó como una serie de espacios comerciales temporales en contextos de arte contemporáneo. La primera plataforma fue en D'Amelio Terras en 1999, ^{[ 20 ]} seguida de iteraciones en Brujas, Amberes, Luxemburgo, Viena, París y Villeurbanne. ^{[ 21 ] [ 22 ]} Store A culminó en la exposición Passing Through (2007–08) en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (K21) en Düsseldorf, en la que K21 encargó un pabellón modular flexible inspirado en el estudio original del artista en Brooklyn. A lo largo de dieciocho meses, la estructura se transformó lentamente y rodeó el jardín de invierno del último piso del museo, mientras que en su interior se desarrollaban diversas exposiciones y exhibiciones de la tienda. ^{[ 23 ]}

Commerce Books comenzó como el brazo editorial de Store A y, más tarde, de Thingsthatfall. Su primer número fue una parodia de October Magazine titulada Commerce que imitaba el estilo académico de la legendaria publicación del MIT e incluía una lista de cinco editores, tres de los cuales eran anagramas de "Joe Scanlan" (Neal Jac[k]son, Anna Lojecs y Jane C. Sloan) y el cuarto de los cuales era Töte Winkel (en alemán "punto ciego"). El quinto editor era Donelle Woolford. ^{[ 24 ]} Commerce ha publicado diecinueve números hasta ahora, muchos de los cuales fueron fabricados bajo la apariencia de los editores ficticios o artistas y escritores de la vida real, incluidos Walter Serner (n.° 5), Joseph Schumpeter (n.° 11), Jonathan Monk (n.° 16) y Elaine Sturtevant (n.° 17). Commerce también ha publicado material auténtico, en particular la complicación Poststructuralism in Country & Western Music (n.° 3); un libro de lectura dedicado a la escultura de Jorge Pardo 4166 Sea View Lane (n.º 4); ^{[ 25 ]} y People In Trade (n.º 10), una colección de ensayos sobre arte y trabajo que incluye una entrevista original con AA Bronson de General Idea . ^{[ 26 ]}

En 2007, después de varios años de desarrollo del personaje, Scanlan realizó audiciones y luego contrató a dos actrices profesionales, Jennifer Kidwell y Abigail Ramsay, para interpretar el papel de una artista negra emergente llamada Donelle Woolford . Como parte de la historia de fondo y el diseño de escenografía del personaje, Scanlan creó un conjunto de collages abstractos que recuerdan al cubismo . El telón se levantó, por así decirlo, en un espectáculo titulado Donelle Woolford: A Narrative by Joe Scanlan en Chez Valentin, París, en 2007. ^{[ 27 ]} Las puestas en escena posteriores incluyeron representaciones dentro del proyecto más amplio que tuvo lugar en Nueva York, Chicago, Londres y Viena. ^{[ 28 ] [ 29 ] [ 30 ] [ 31 ]} En una entrevista con Jeremy Sigler para Bomb en 2010, Scanlan habló sobre el papel que las actrices habían desempeñado en el proyecto hasta ese momento, diciendo que

Jenn [Kidwell] lo ve como un gesto político, una especie de reivindicación territorial de un tipo de comportamiento que supuestamente los artistas negros no tienen permitido tener. Pero yo también creo que es un gesto político dirigido en cierto modo a mí, una negativa a hablar en mi nombre. Abigail Ramsay, por otro lado, interpreta a Donelle con una personalidad bastante alegre, dispuesta a hablar con cualquiera con un encanto juvenil, un tanto entusiasta, propio de una artista joven. Aunque es una actriz bastante complaciente, la Donelle de Abigail es el tipo de persona que muchos habitantes del mundo del arte encuentran irritante, por lo que su caracterización también es una especie de declaración. ^{[ 32 ]}

En una iteración posterior del proyecto Woolford se transformó en otro estado de ánimo y arquetipo del mundo del arte: el "artista de carrera intermedia". Como libro y exposición que se estrenó en París en 2012, Dick Jokes fue un juego de palabras con las pinturas de chistes de Richard Prince e incluyó una gira nacional de comedia basada en una rutina de monólogos de Richard Pryor . El proyecto se incluyó en la Bienal de Whitney de 2014 , lo que provocó controversia que culminó en la decisión del Colectivo Yams de retirarse de la Bienal. ^{[ 33 ] [ 34 ] [ 35 ]} En Dick's Last Stand (2014), Kidwell interpretó a Woolford recreando un segmento de Richard Pryor censurado de su efímero programa de televisión de 1977. ^{[ 36 ]} "Mira, los blancos me quitan todo", entona Donelle Woolford en el personaje de Richard Pryor en The Kitchen en Nueva York. Presentada como parte de la participación de Donelle Woolford en la Bienal de Whitney, la apropiación del material de Pryor por parte de Scanlan y Kidwell pretendía alinear conceptualmente a dos "penes": Pryor y el artista Richard Prince . ^{[ 37 ]}

En 2015, Scanlan fundó la Broodthaers Society of America, una institución dedicada a promover una mayor apreciación del artista belga Marcel Broodthaers en el contexto de los Estados Unidos. La ficción no es muy diferente de una ficción que el propio Broodthaers escenificó, su Musée d'Art Moderne: Département des Aigles (1968–1972). La Sociedad ofrece acceso a su archivo, ^{[ 38 ]} organiza conferencias y eventos públicos, ^{[ 39 ]} y acoge a investigadores a corto y largo plazo en una residencia privada adyacente. ^{[ 40 ] [ 41 ]}

Catalyst era una escultura cosmética con forma de lágrima artificial que se podía adherir al rostro con un adhesivo para pestañas de secado transparente. El producto se lanzó en 1999 y se vendía en paquetes de seis por 20 dólares. Durante un breve periodo, se vieron por la ciudad de Nueva York, sin que nadie se percatara de su condición de obra de arte. ^{[ 43 ]}

DIY es una escultura de un ataúd hecha con productos estándar de Ikea , principalmente una estantería Billy . Fue concebida y realizada por primera vez en la Galería de Arte de Ontario, Toronto, en 1999 como parte de una exposición colectiva organizada por Christina Ritchie titulada Waste Management . ^{[ 44 ] [ 45 ]} La obra de arte fue desarrollada tres años después en DIY, Or How To Kill Yourself Anywhere in the World for Under $399 , un libro de artista que proporciona una lista de compras, un inventario de las herramientas manuales necesarias y 120 páginas de instrucciones paso a paso para la ingeniería inversa de productos estándar de Ikea para convertirlos en un ataúd completamente funcional. El libro fue la contribución de Scanlan al proyecto Annlee de Pierre Huyghe y Philippe Parreno , en el que Scanlan eligió a Annlee como el personaje genérico que demuestra las diversas maniobras técnicas necesarias para construir el ataúd. ^{[ 46 ]}

El libro presentó una forma novedosa de producir una obra de arte. Dado que existen tiendas Ikea en todo el mundo, los museos y coleccionistas privados que deseen tener un ataúd de bricolaje pueden comprar el libro, ir a su Ikea local y crear la obra ellos mismos, en lugar de que el artista la produzca en su estudio y luego se encargue del envío. Hasta la fecha, además de Toronto, se han realizado versiones de bricolaje en Basilea, Cambridge, Chicago, Eindhoven, Leipzig, Londres, Lyon, Miami, Nueva York, San Francisco, Shanghái, Viena, Zúrich y la Universidad Estatal de Kent, en Kent, Ohio. ^{[ 47 ] [ 48 ]}

Pay Dirt, también conocida como patente estadounidense n.° 6,488,732, es una tierra sintética para macetas compuesta en un 99,85 % de residuos posconsumo. La obra se presentó por primera vez como una pila ambiental de tres toneladas en la galería IKON de Birmingham, Inglaterra, en 2003. Estaba hecha de desechos cuidadosamente recolectados del flujo de residuos de Birmingham, y el material reconstituido se empaquetó y revendió en la librería del museo como tierra para macetas de las marcas IKON Earth y Black Country Rock. ^{[ 49 ]}

La Librería Anidada es una obra de arte que Scanlan ha estado creando y difundiendo desde 1989. La versión más reciente del objeto se presentó en el Mu.Zee de Ostende, Bélgica, en 2012. Para la primera parte de la exposición en dos partes, Object Lesson , el Mu.Zee adquirió diecinueve ejemplares de la Librería Anidada para su colección permanente y los exhibió en el primer piso del museo. Para la segunda parte, Truffle Finds Pig , Scanlan y el museo elaboraron un acuerdo de préstamo mediante el cual cualquier ciudadano de la ciudad de Ostende puede solicitar el préstamo y uso de una Librería Anidada durante un período de tiempo en su hogar o lugar de trabajo. ^{[ 50 ] [ 51 ]}

Presentada en 2018, Palermo es una tipografía completa en mayúsculas y minúsculas, cuyas formas de letras se crearon cortando y reorganizando las dos partes componentes del objeto pintado de Blinky Palermo "Blau Scheibe und Stab" (1968). ^{[ 52 ]}