Industria musical

Las canciones , piezas instrumentales y otras composiciones musicales son creadas por compositores y pertenecen originalmente al autor , aunque pueden venderse o cederse los derechos. Por ejemplo, en el caso de una obra por encargo , la composición es propiedad inmediata de otra parte. Tradicionalmente, el titular de los derechos de autor concede licencias o cede algunos de sus derechos a editoriales mediante un contrato editorial . La editorial, o una sociedad de gestión colectiva que opera en nombre de varias editoriales, compositores y autores, cobra una tarifa, conocida como " derechos de autor ", cuando se utiliza la composición.

Una parte de los derechos de autor la paga la editorial al titular de los derechos, según los términos del contrato. Las partituras generan ingresos que se pagan exclusivamente a los compositores y a su editorial. Por lo general, aunque no siempre, la editorial ofrece al titular un anticipo sobre las ganancias futuras al firmar el contrato de publicación. La editorial también promociona las composiciones, por ejemplo, consiguiendo que las canciones se incluyan en programas de televisión o películas .

Las grabaciones son creadas por artistas , entre los que se incluyen cantantes , músicos (incluidos los músicos de sesión ) y conjuntos musicales (por ejemplo , bandas de acompañamiento , secciones rítmicas , orquestas , etc.), generalmente con la ayuda y la guía de productores discográficos e ingenieros de audio . Tradicionalmente, se realizaban en estudios de grabación (que se alquilan por día o por hora) durante una sesión de grabación . En el siglo XXI, los avances en la tecnología de grabación digital han permitido a muchos productores y artistas crear " estudios caseros " utilizando ordenadores de alta gama y programas de grabación digital como Pro Tools , prescindiendo del papel tradicional del estudio de grabación comercial.

El productor discográfico supervisa todos los aspectos de la grabación, tomando muchas de las decisiones logísticas, financieras y artísticas en colaboración con los artistas. Sus responsabilidades incluyen la selección del material y/o el trabajo con los compositores, la contratación de músicos de sesión, la colaboración en los arreglos de las canciones, la supervisión de las interpretaciones de los músicos y la dirección del ingeniero de sonido durante la grabación y la mezcla para obtener el mejor sonido.

Los ingenieros de audio , incluyendo los de grabación , mezcla y masterización , son responsables de garantizar una buena calidad de sonido durante la grabación. Seleccionan y configuran los micrófonos y utilizan unidades de efectos y mesas de mezclas para ajustar el sonido y el nivel de la música. Una sesión de grabación también puede requerir los servicios de un arreglista , orquestador , músicos de estudio , músicos de sesión , entrenadores vocales o incluso un escritor fantasma contratado discretamente para ayudar con la letra o la composición de las canciones .

Tradicionalmente, las grabaciones pertenecen a las compañías discográficas . Algunos artistas son dueños de sus propias compañías (por ejemplo, Ani DiFranco ). Un contrato de grabación especifica la relación comercial entre el artista y la compañía discográfica. En un contrato tradicional, la compañía le entrega un anticipo al artista, quien acepta grabar un disco cuyos derechos serán propiedad de la compañía. El departamento de A&R de la compañía discográfica se encarga de descubrir nuevos talentos y supervisar el proceso de grabación. La compañía cubre los costos de grabación, así como los de promoción y marketing del disco.

Para los soportes físicos, como los CD , la compañía también paga la fabricación y distribución de las grabaciones físicas. Las compañías discográficas más pequeñas (conocidas como " indie ") establecen relaciones comerciales con otras compañías para gestionar muchas de estas tareas. La compañía discográfica paga al artista una parte de los ingresos por la venta de las grabaciones, también conocida como "regalía", pero esto es distinto de las regalías de publicación descritas anteriormente. Esta parte es similar a un porcentaje, pero puede estar limitada o ampliada por una serie de factores (como obsequios, gastos recuperables, bonificaciones, etc.) que se especifican en el contrato discográfico. Los músicos de sesión y los miembros de orquesta (así como algunos artistas de grabación en mercados especiales) tienen un contrato para prestar servicios a cambio de dinero ; por lo general, solo reciben honorarios únicos o salarios regulares por sus servicios, en lugar de regalías continuas.

Los soportes físicos, como los CD o los discos de vinilo, se venden en tiendas de música y, tras su compra, los consumidores son sus propietarios. Por lo general, los compradores no tienen derecho a realizar copias digitales de los CD u otros soportes que adquieren, ni a alquilarlos, ya que no poseen la grabación en sí, sino únicamente el CD físico. Un distribuidor musical entrega las cajas con los soportes físicos empaquetados desde el fabricante al minorista y mantiene relaciones comerciales con minoristas y compañías discográficas. El minorista paga al distribuidor, quien a su vez paga a la compañía discográfica por las grabaciones. La compañía discográfica paga los derechos de autor mecánicos al editor y al compositor a través de una sociedad de gestión colectiva. Posteriormente, la compañía discográfica paga los derechos de autor, si está obligada contractualmente, al artista.

Cuando la música se descarga o se transmite digitalmente , no existe ningún soporte físico más allá de la memoria del ordenador del consumidor en su reproductor multimedia portátil o ordenador portátil. Por esta razón, artistas como Taylor Swift , Paul McCartney , Kings of Leon y otros han pedido cambios legales que nieguen a las redes sociales el derecho a transmitir su música sin pagarles regalías. ^{[ 8 ]} En el mercado de la música digital y en línea de la década de 2000, el distribuidor se vuelve opcional.

Las grandes tiendas online pueden pagar directamente a las discográficas, pero existen distribuidores digitales que ofrecen servicios de distribución tanto a vendedores grandes como pequeños. Al comprar descargas digitales o escuchar música en streaming, es posible que el consumidor deba aceptar los términos de licencia de la discográfica y del vendedor, más allá de los inherentes a los derechos de autor ; por ejemplo, algunos servicios permiten a los consumidores compartir libremente la grabación, mientras que otros restringen el almacenamiento de la música a un número específico de discos duros o dispositivos.

Cuando se emite una grabación (ya sea por radio o por un servicio de música ambiental como Muzak ), las organizaciones de derechos de ejecución (como ASCAP y BMI en EE. UU., SOCAN en Canadá o MCPS y PRS en el Reino Unido) recaudan un tercer tipo de regalías conocido como regalías de ejecución, que se paga a los compositores, autores y artistas de grabación. Estas regalías suelen ser mucho menores que las regalías de publicación o mecánicas . En la última década, más del 15 al 30 por ciento de las pistas en los servicios de streaming no están identificadas con un artista específico. Jeff Price dice: "Audiam, un servicio de streaming de música en línea, ha ganado más de varios cientos de miles de dólares el año pasado por la recaudación de regalías del streaming en línea. ^{[ 9 ]}

Según Ken Levitan, mánager de Kings of Leon, Cheap Trick y otros, "YouTube se ha convertido en la radio para niños". Debido al uso excesivo de YouTube y la transmisión sin conexión, las ventas de álbumes han caído un 60 por ciento en los últimos años. ^{[ 8 ]} Cuando las grabaciones se utilizan en televisión y cine , el compositor y su compañía editorial generalmente reciben un pago a través de una licencia de sincronización . En la década de 2000, los servicios de suscripción en línea (como Rhapsody ) también proporcionaron una fuente de ingresos directamente a las compañías discográficas y, a través de ellas, a los artistas, si los contratos lo permiten.

Un promotor pone en contacto a un artista con el propietario de un recinto y gestiona los contratos. Una agencia de contratación representa al artista ante los promotores, cierra acuerdos y reserva actuaciones. Los consumidores suelen comprar las entradas directamente en el recinto o a través de un servicio de distribución de entradas como Ticketmaster . En Estados Unidos, Live Nation es la empresa dominante en todos estos ámbitos: posee la mayoría de los grandes recintos del país, es la mayor promotora y es propietaria de Ticketmaster. Las decisiones sobre dónde y cuándo realizar una gira las toman el representante del artista y el propio artista, a veces en consulta con la discográfica . Las discográficas pueden financiar una gira con la esperanza de que ayude a impulsar la venta de discos. En el siglo XXI, se ha vuelto más común lanzar grabaciones para promocionar la venta de entradas para conciertos, en lugar de organizar giras con ese fin.

Los artistas más importantes y exitosos suelen contratar un equipo técnico : una organización de gira semipermanente que los acompaña durante sus conciertos. Este equipo está dirigido por un mánager de gira . Sus miembros se encargan de la iluminación del escenario , el refuerzo de sonido en vivo , el mantenimiento de los instrumentos musicales y el transporte . En giras grandes, el equipo técnico también puede incluir un contable, un jefe de escena, un guardaespaldas, peluqueros, maquilladores y personal de catering . Normalmente se contrata personal local para ayudar a subir y bajar el equipo del escenario. En giras pequeñas con menos recursos económicos, todas estas tareas pueden ser realizadas por unos pocos técnicos o por los propios músicos. Las bandas que firman con sellos independientes pequeños y las de géneros como el hardcore punk suelen realizar giras sin equipo técnico o con un apoyo mínimo.

Los artistas, como cantantes y músicos, pueden contratar a varias personas de otros ámbitos para que les ayuden en su carrera. El representante artístico supervisa todos los aspectos de la carrera de un artista a cambio de un porcentaje de sus ingresos. Un abogado especializado en entretenimiento les asesora sobre los detalles de sus contratos con las discográficas y otros acuerdos. Un gestor empresarial se encarga de las transacciones financieras, los impuestos y la contabilidad. Sindicatos como AFTRA y la Federación Estadounidense de Músicos (AFTRA) en Estados Unidos ofrecen seguro médico y seguro para instrumentos musicales a los músicos. ^{[ 10 ]}

Un artista exitoso funciona en el mercado como una marca y, como tal, puede obtener ingresos de muchas otras fuentes, como mercancía , patrocinios personales, apariciones (sin actuar) en eventos o servicios en línea. ^{[ 10 ]} Estas suelen ser supervisadas por el representante del artista y se concretan en relaciones entre el artista y empresas especializadas en estos productos. Los cantantes también pueden contratar a un profesor de canto , un instructor de baile , un profesor de actuación , un entrenador personal o un coach de vida para que los ayuden.

En la década del 2000, las líneas tradicionales que antes dividían a cantantes, instrumentistas, editores, compañías discográficas, distribuidores, minoristas y empresas de electrónica de consumo se desdibujaron o desaparecieron. Los artistas pueden grabar en un estudio casero con una computadora portátil de alta gama y un programa de grabación digital como Pro Tools , o usar Kickstarter para recaudar fondos para una costosa sesión de grabación en un estudio sin la participación de una compañía discográfica. Los artistas pueden optar por promocionarse y comercializarse exclusivamente a través de servicios gratuitos de intercambio de videos en línea como YouTube o mediante redes sociales , evitando así la promoción y el marketing tradicionales de una compañía discográfica.

En la década de 2000, empresas de electrónica de consumo e informática como Apple Computer se convirtieron en distribuidores de música digital . Las nuevas tecnologías de distribución de música digital y la tendencia a utilizar fragmentos de canciones antiguas en nuevas composiciones o a mezclar diferentes canciones para crear grabaciones tipo "mashup" obligaron tanto a los gobiernos como a la industria musical a reconsiderar las definiciones de propiedad intelectual y los derechos de todas las partes involucradas. Además, la definición de "regalías" y "derechos de autor" varía de un país a otro y de una región a otra, lo que modifica los términos de algunas de estas relaciones comerciales.

Tras unos 15 años de la economía de Internet, las plataformas de la industria musical digital como iTunes , Spotify y Google Play representan una mejora sustancial respecto a los inicios del intercambio ilegal de archivos. Sin embargo, la multitud de servicios ofrecidos y modelos de ingresos dificultan la comprensión del verdadero valor de cada uno y lo que pueden aportar a los músicos y a las compañías discográficas. Asimismo, existen importantes problemas de transparencia en toda la industria musical, causados ​​por tecnología obsoleta. Con la aparición de nuevos modelos de negocio como las plataformas de streaming y los servicios de música en línea, se procesa una gran cantidad de datos. ^{[ 11 ]} El acceso a los macrodatos podría aumentar la transparencia en la industria. ^{[ 12 ]}

La publicación musical mediante partituras impresas a máquina se desarrolló durante el Renacimiento, a mediados del siglo XV. Este desarrollo siguió la evolución de las tecnologías de impresión , que inicialmente se habían desarrollado para imprimir libros convencionales . Después de mediados del siglo XV, se desarrollaron las primeras técnicas mecánicas para imprimir partituras. El ejemplo más antiguo, un conjunto de cantos litúrgicos, data de alrededor de 1465, poco después de la impresión de la Biblia de Gutenberg .

Antes de esta época, la música debía copiarse a mano. Copiar la notación musical a mano era un proceso muy costoso, laborioso y que requería mucho tiempo, por lo que generalmente solo lo realizaban monjes y sacerdotes que buscaban preservar la música sacra para la iglesia. Las pocas colecciones de música profana (no religiosa) que se conservan fueron encargadas y pertenecían a aristócratas adinerados. Algunos ejemplos son el Códice Squarcialupi de música italiana del Trecento y el Códice Chantilly de música francesa del Ars subtilior .

El uso de la imprenta permitió reproducir partituras mucho más rápido y a un costo mucho menor que la copia manual de la notación musical. Esto contribuyó a que los estilos musicales se difundieran más rápidamente a otras ciudades y países, y también permitió que la música llegara a zonas más distantes. Antes de la invención de la imprenta, la música de un compositor podía ser conocida únicamente en la ciudad donde vivía y sus alrededores, ya que solo los aristócratas adinerados podían permitirse el lujo de encargar copias manuscritas de su música.

Gracias a la impresión de partituras, la música de un compositor podía imprimirse y venderse a un precio relativamente bajo a compradores de una amplia zona geográfica. A medida que las partituras de obras y canciones de compositores importantes comenzaron a imprimirse y distribuirse en un área más extensa, esto permitió a compositores y oyentes descubrir nuevos estilos y formas musicales. Un compositor alemán podía comprar canciones escritas por un compositor italiano o inglés, y un compositor italiano podía comprar piezas escritas por compositores holandeses y aprender su técnica musical. Esto propició una mayor fusión de estilos musicales de diferentes países y regiones.

Ottaviano Petrucci fue el pionero de la impresión musical moderna (nacido en Fossombrone en 1466 y fallecido en Venecia en 1539). Impresor y editor, logró un monopolio de veinte años sobre la música impresa en Venecia durante el siglo XVI. Venecia fue uno de los principales centros comerciales y musicales de la época. Su obra Harmonice Musices Odhecaton , una colección de canciones impresas en 1501, suele ser erróneamente identificada como el primer libro de partituras impreso con tipos móviles. Dicha distinción corresponde al Missale Romanum de 1476 del impresor romano Ulrich Han .

Sin embargo, la obra posterior de Petrucci destacó por la complejidad de su notación mensural blanca y el reducido tamaño de su tipografía. Imprimió el primer libro de polifonía (música con dos o más líneas melódicas independientes) utilizando tipos móviles. También publicó numerosas obras de los compositores más prestigiosos del Renacimiento, como Josquin des Prez y Antoine Brumel . Su éxito se debió en gran medida a su enfoque en obras flamencas, en lugar de italianas, ya que estas últimas gozaban de gran popularidad en toda Europa durante la época del Renacimiento .

Su imprenta utilizaba el método de triple impresión, en el que una hoja de papel se prensaba tres veces. La primera impresión correspondía a las líneas del pentagrama, la segunda a las palabras y la tercera a las notas. Este método producía resultados muy nítidos y legibles, aunque era laborioso y costoso.

Hasta el siglo XVIII, los procesos de composición formal e impresión de música se llevaron a cabo principalmente con el apoyo del mecenazgo de la aristocracia y las iglesias . A mediados y finales del siglo XVIII, intérpretes y compositores como Wolfgang Amadeus Mozart comenzaron a buscar oportunidades comerciales para promocionar su música y sus interpretaciones entre el público general. Tras la muerte de Mozart, su esposa ( Constanze Weber ) continuó el proceso de comercialización de su música mediante una serie sin precedentes de conciertos conmemorativos, la venta de sus manuscritos y la colaboración con su segundo marido, Georg Nissen , en una biografía de Mozart. ^{[ 13 ]}

En el siglo XIX, las editoriales de partituras dominaban la industria musical. Antes de la invención de las tecnologías de grabación de sonido , la principal forma para que los amantes de la música escucharan nuevas sinfonías y arias de ópera era comprar las partituras (a menudo arregladas para piano o para un pequeño grupo de música de cámara) e interpretarlas en una sala de estar con amigos que eran músicos y cantantes aficionados. En Estados Unidos, la industria musical surgió paralelamente al auge del espectáculo de juglares con la cara pintada de negro . Esta práctica, utilizada principalmente por artistas no negros para representar a una persona negra , ganó popularidad durante el siglo XIX y contribuyó a la difusión de estereotipos raciales negativos sobre las personas afroamericanas. ^{[ 14 ]}

A finales de siglo, el grupo de editores musicales y compositores que dominaba la música popular en Estados Unidos se conoció como Tin Pan Alley . El nombre originalmente hacía referencia a un lugar específico: la calle West 28 entre la Quinta y la Sexta Avenida en Manhattan , y una placa en la acera de la calle 28 entre Broadway y la Sexta lo conmemora. El inicio de Tin Pan Alley suele fecharse alrededor de 1885, cuando varios editores musicales se instalaron en el mismo distrito de Manhattan. El final de Tin Pan Alley es menos claro. Algunos lo sitúan al comienzo de la Gran Depresión en la década de 1930, cuando el fonógrafo y la radio suplantaron a las partituras como motor de la música popular estadounidense, mientras que otros consideran que Tin Pan Alley continuó hasta la década de 1950, cuando los estilos anteriores de música popular estadounidense fueron eclipsados ​​por el auge del rock and roll .

A principios del siglo XX, el desarrollo de la grabación de sonido comenzó a revolucionar el sector comercial de la música. En aquella época, si una persona quería escuchar canciones populares, compraba la partitura y la tocaba en casa al piano, o aprendía la canción tocando el acompañamiento al piano o la guitarra. Los discos de vinilo con grabaciones musicales, disponibles a partir de finales de la década de 1880, y posteriormente la popularización de la radiodifusión en la década de 1920, transformaron para siempre la forma de escuchar y disfrutar de la música.

Los teatros de ópera, las salas de conciertos y los clubes continuaron produciendo música, y los músicos y cantantes siguieron actuando en directo, pero el poder de la radio permitió que bandas, conjuntos y cantantes que antes solo actuaban en una región alcanzaran popularidad a nivel nacional e incluso mundial. Además, mientras que antes de la radio la asistencia a los mejores conciertos de sinfonía y ópera estaba restringida a las personas de altos ingresos, con la radiodifusión , un público mucho más amplio, incluyendo personas de ingresos bajos y medios, pudo escuchar a las mejores orquestas , grandes bandas , cantantes populares y óperas.

La "industria discográfica" acabó reemplazando a las editoriales de partituras como la mayor fuerza de la industria musical. Una multitud de sellos discográficos surgieron y desaparecieron. Algunos sellos notables de las primeras décadas incluyen Columbia Records , Crystalate, Decca Records , Edison Bell, The Gramophone Company , Invicta, Kalliope, Pathé , Victor Talking Machine Company y muchos otros. ^{[ 15 ]} Muchas compañías discográficas desaparecieron tan rápido como se habían formado, y a finales de la década de 1980, los "Seis Grandes" — EMI , CBS , BMG , PolyGram , WEA y MCA — dominaban la industria. Sony compró CBS Records en 1987 y cambió su nombre a Sony Music en 1991. A mediados de 1998, PolyGram Music Group se fusionó con MCA Music Entertainment creando lo que ahora conocemos como Universal Music Group .

Sony y BMG se fusionaron en 2004, ^{[ 16 ]} y Universal adquirió la mayoría de los intereses de música grabada de EMI en 2012. ^{[ 17 ]} EMI Music Publishing , que también formó parte del ahora extinto conglomerado británico, ahora es propiedad conjunta de Sony como filial de Sony/ATV Music Publishing . ^{[ 18 ]} Al igual que en otras industrias, la industria discográfica se caracteriza por numerosas fusiones y/o adquisiciones, tanto de las grandes compañías como de las medianas (un ejemplo reciente lo constituyen el grupo belga PIAS y el grupo francés Harmonia Mundi ). ^{[ 19 ]}

En cuanto a géneros musicales, los empresarios de la industria expandieron sus modelos de negocio a áreas como la música folk , donde la composición y la interpretación se habían practicado durante siglos de forma autosostenible . Crear un sello discográfico independiente , o sello "indie", o firmar con uno, sigue siendo una opción popular para los músicos emergentes, especialmente en géneros como el hardcore punk y el metal extremo , aunque los sellos independientes no pueden ofrecer el mismo respaldo financiero que las grandes discográficas. Algunas bandas prefieren firmar con un sello independiente porque estos suelen brindar a los artistas mayor libertad artística.

En la primera década de los 2000, la música digitalmente descargada y transmitida en streaming se volvió más popular que la compra de grabaciones físicas (por ejemplo, CD , discos y cintas ). Esto brindó a los consumidores un acceso casi "sin fricciones" a una mayor variedad de música que nunca antes, a través de múltiples dispositivos. Al mismo tiempo, los consumidores gastaron menos dinero en música grabada (tanto física como digitalmente distribuida) que en la década de 1990. ^{[ 20 ]} Los ingresos totales de la "industria musical" en los EE. UU. cayeron a la mitad, de un máximo de 14.600  millones de dólares en 1999 a 6.300 millones de dólares  en 2009. ^{[ 21 ]}

Los ingresos mundiales por CD, vinilo , casete y descargas digitales cayeron de 36.900  millones de dólares en 2000 ^{[ 22 ]} a 15.900  millones de dólares en 2010. ^{[ 23 ]} The Economist y The New York Times informaron que se esperaba que la tendencia a la baja continuara en el futuro previsible. ^{[ 24 ] [ 25 ]} Esta drástica disminución de los ingresos ha provocado despidos masivos en la industria, ha llevado a la quiebra a algunos minoristas más venerables (como Tower Records ) y ha obligado a compañías discográficas, productores de discos, estudios, ingenieros de grabación y músicos a buscar nuevos modelos de negocio . ^{[ 8 ]}

En respuesta al auge del intercambio ilegal generalizado de archivos de grabaciones musicales digitales, la industria discográfica emprendió acciones legales agresivas. En 2001, logró cerrar el popular sitio web de música Napster y amenazó con acciones legales contra miles de personas que participaban en el intercambio de archivos de audio de canciones. ^{[ 8 ]} Sin embargo, esto no logró frenar la caída de los ingresos por grabaciones musicales y resultó ser un desastre de relaciones públicas para la industria musical. ^{[ 8 ]}

Algunos estudios académicos incluso han sugerido que las descargas no causaron la disminución en las ventas de grabaciones. ^{[ 26 ]} La encuesta de 2008 sobre derechos musicales británicos ^{[ 27 ]} mostró que el 80 % de las personas en Gran Bretaña deseaban un servicio legal de intercambio de archivos entre pares (P2P), sin embargo, solo la mitad de los encuestados pensaba que los creadores de la música debían recibir una remuneración. La encuesta fue consistente con los resultados de una investigación anterior realizada en los Estados Unidos, en la que se basó el Modelo de Música Abierta . ^{[ 28 ]}

Las descargas digitales legales se hicieron ampliamente disponibles con el lanzamiento de la iTunes Store de Apple en 2003. ^{[ 29 ]} La popularidad de la distribución de música por Internet aumentó, ^{[ 30 ]} y para 2011 las ventas de música digital superaron las ventas físicas de música. ^{[ 31 ]} En 2008, Atlantic Records informó que las ventas digitales habían superado las ventas físicas. ^{[ 24 ]} Sin embargo, como informó The Economist , "las descargas digitales de pago crecieron rápidamente, pero no comenzaron a compensar la pérdida de ingresos de los CD". ^{[ 25 ]}

Después de 2010, servicios en línea como Deezer , Pandora , Spotify e iTunes Radio de Apple comenzaron a ofrecer servicios de streaming por suscripción . Con los servicios de streaming, el usuario paga una suscripción a una empresa para tener derecho a escuchar canciones y otros contenidos multimedia de su biblioteca. Mientras que con los servicios de descarga digital legales, el comprador posee una copia digital de la canción (que puede guardar en su ordenador o en un reproductor multimedia digital), con los servicios de streaming, el usuario nunca descarga el archivo de la canción ni lo posee. El suscriptor solo puede escuchar la canción mientras mantenga la suscripción. Una vez que deja de pagar, ya no puede escuchar audio de los repositorios de la empresa. Los servicios de streaming comenzaron a tener un impacto significativo en la industria en 2014.

Spotify , junto con la industria de la música en streaming en general, enfrenta críticas de artistas que afirman no recibir una compensación justa por su trabajo, dado el descenso de las ventas de música descargada y el aumento de la música en streaming. A diferencia de las ventas físicas o de descarga, que pagan un precio fijo por canción o álbum, Spotify paga a los artistas en función de su "cuota de mercado" (el número de reproducciones de sus canciones en proporción al total de canciones reproducidas en el servicio). ^{[ 32 ]} Spotify distribuye aproximadamente el 70% a los titulares de derechos, quienes luego pagan a los artistas según sus acuerdos. La naturaleza variable, y (según algunos) insuficiente de esta compensación, ^{[ 33 ]} ha generado críticas. Spotify informa que paga en promedio entre US$0,006 y US$0,008 por reproducción. En respuesta a las preocupaciones, Spotify afirma que beneficia a la industria musical al alejarla de la piratería y las plataformas menos monetizadas, permitiéndole generar regalías mucho mayores que antes, al incentivar a los usuarios a utilizar su servicio de pago. ^{[ 34 ] [ 35 ]}

La Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) reveló en su informe de ganancias de 2015 que los servicios de streaming fueron responsables del 34,3 por ciento de los ingresos de la industria de la música grabada en Estados Unidos ese año, creciendo un 29 por ciento con respecto al año anterior y convirtiéndose en la mayor fuente de ingresos, generando alrededor de $2.4 mil millones. ^{[ 36 ] [ 37 ]} Los ingresos por streaming en Estados Unidos crecieron un 57 por ciento hasta $1.6 mil millones en la primera mitad de 2016 y representaron casi la mitad de las ventas de la industria. ^{[ 38 ]} Esto contrasta con los $14.6 mil millones en ingresos que recibió la industria musical estadounidense en 1999 por la venta de CD.

La agitación en la industria de la música grabada en la década de 2000 alteró el equilibrio del siglo XX entre artistas, compañías discográficas, promotores, tiendas de música minoristas y consumidores. A partir de 2010Las grandes superficies como Wal-Mart y Best Buy venden más discos que las tiendas de CD exclusivas, que han dejado de ser un actor importante en la industria musical. Los artistas ahora dependen de las actuaciones en directo y de la venta de merchandising (camisetas, sudaderas, etc.) para la mayor parte de sus ingresos, lo que a su vez los ha hecho más dependientes —como los músicos de antes del siglo XX— de los mecenas, como lo ejemplifican ahora los promotores musicales como Live Nation (que domina la promoción de giras y posee o gestiona un gran número de salas de conciertos ). ^{[ 4 ]}

Para beneficiarse de todas las fuentes de ingresos de un artista, las compañías discográficas recurren cada vez más al " acuerdo 360 ", una nueva relación comercial impulsada por Robbie Williams y EMI en 2007. ^{[ 39 ]} En el otro extremo, las compañías discográficas pueden ofrecer un simple acuerdo de fabricación y distribución , que otorga un porcentaje mayor al artista, pero no cubre los gastos de marketing y promoción.

Empresas como Kickstarter ayudan a los músicos independientes a producir sus álbumes a través de los fans que financian a las bandas que quieren escuchar. ^{[ 40 ]} Muchos artistas nuevos ya no ven un contrato discográfico como una parte integral de su plan de negocios . El hardware y software de grabación de bajo costo hacen posible grabar música de calidad razonable en una computadora portátil en una habitación y distribuirla a través de Internet a una audiencia mundial. ^{[ 41 ]} Esto ha causado problemas para los estudios de grabación, los productores discográficos y los ingenieros de audio : el Los Angeles Times informa que hasta la mitad de las instalaciones de grabación en esa ciudad han quebrado. ^{[ 42 ]} Los cambios en la industria musical han dado a los consumidores acceso a una variedad de música más amplia que nunca, a un precio que gradualmente se acerca a cero. ^{[ 8 ]} Sin embargo, el gasto de los consumidores en software y hardware relacionados con la música aumentó drásticamente durante la última década, proporcionando una nueva y valiosa fuente de ingresos para empresas tecnológicas como Apple Inc. y Pandora Radio .

Según la IFPI, ^{[ 43 ]} las ventas mundiales de álbumes digitales crecieron un 6,9% en 2014.

Fuente: Nielsen SoundScan, Official Charts Company/BPI, GfK y estimación de la IFPI.

Antes de diciembre de 1998, la industria estaba dominada por las "Seis Grandes": Sony Music y BMG aún no se habían fusionado, y PolyGram aún no había sido absorbida por Universal Music Group. Tras la fusión de PolyGram y Universal, la cuota de mercado de 1998 reflejó el dominio de las "Cinco Grandes", que controlaban el 77,4% del mercado, como se detalla a continuación, según el Informe Mundial MEI 2000:

• Universal Music Group — 21,1%
• Sony Music Entertainment — 17,4%
• Cuota mensual: 14,1%
• Warner Music Group — 13,4%
• BMG — 11,4%
• Sellos discográficos independientes combinados: 22,6 %

En 2004, la empresa conjunta de Sony y BMG creó las «Cuatro Grandes» en un momento en que el mercado global se estimaba en 30-40  mil millones de dólares. ^{[ 44 ]} Las ventas totales anuales de unidades (CD, videos musicales, MP3 ) en 2004 fueron de 3  mil millones. Además, según un informe de la IFPI publicado en agosto de 2005, ^{[ 45 ]} las cuatro grandes representaron el 71,7 % de las ventas minoristas de música:

• Universal Music Group—25,5%
• Sony BMG Music Entertainment—21,5%
• Grupo EMI—13,4%
• Warner Music Group—11,3%
• Sellos discográficos independientes combinados: 28,3 %

Nielsen SoundScan señaló en su informe de 2011 que los "cuatro grandes" controlaban alrededor del 88% del mercado: ^{[ 46 ]}

• Universal Music Group (con sede en Estados Unidos) — 29,85%
• Sony Music Entertainment (con sede en Estados Unidos) — 29,29%
• Warner Music Group (con sede en Estados Unidos) — 19,13%
• Grupo EMI — 9,62%
• Sellos independientes : 12,11%

Después de la absorción de EMI por Sony Music Entertainment y Universal Music Group en diciembre de 2011 se crearon los "tres grandes" y el 8 de enero de 2013, después de la fusión, hubo despidos de cuarenta trabajadores de EMI. Los reguladores europeos obligaron a Universal Music a escindir los activos de EMI que se convirtieron en Parlophone Label Group, que fue adquirido por Warner Music Group. ^{[ 47 ]} Nielsen SoundScan publicó un informe en 2012, señalando que estos sellos controlaban el 88,5% del mercado, y además señaló: ^{[ 48 ]}

• Universal Music Group (con sede en Estados Unidos), propietaria de EMI Music — 32,41% + 6,78% de EMI Group
• Sony Music Entertainment (con sede en Estados Unidos), propietaria de la división editorial de EMI Group — 30,25%
• Warner Music Group— 19,15%
• Sellos independientes: 11,42%

Nota: la IFPI y Nielsen Soundscan utilizan metodologías diferentes, lo que hace que sus cifras sean difíciles de comparar de manera informal e imposibles de comparar científicamente. ^{[ 49 ]}

Las cuotas de mercado a septiembre de 2018 son las siguientes: ^{[ 50 ]}

• Warner Music Group — 25,1%
• Universal Music Group — 24,3%
• Sony Corporation — 22,1%
• Otros — 28,5%

Las empresas más importantes de este sector poseen más de 100 sellos discográficos subsidiarios o subsellos, cada uno especializado en un nicho de mercado concreto. Solo los artistas más populares del sector firman directamente con el sello principal. Estas compañías representan más de la mitad de la cuota de mercado estadounidense. Sin embargo, esta cifra ha disminuido ligeramente en los últimos años, ya que el nuevo entorno digital permite a los sellos más pequeños competir con mayor eficacia. ^{[ 50 ]}

Las ventas totales de álbumes han disminuido en las primeras décadas del siglo XXI, lo que ha llevado a algunos críticos musicales a declarar la muerte del álbum . (Por ejemplo, los únicos álbumes que obtuvieron el disco de platino en los EE. UU. en 2014 fueron la banda sonora de la película animada de Disney Frozen y 1989 de Taylor Swift , mientras que varios artistas lo lograron en 2013) . ^{[ 51 ] [ 52 ]} La siguiente tabla muestra las ventas de álbumes y el valor de mercado en el mundo en 2014.

Fuente: Informe anual de la IFPI de 2014. ^{[ 53 ]}

Ingresos del comercio mundial según la IFPI .

• Krasilovsky, M. William; Shemel, Sidney; Gross, John M.; Feinstein, Jonathan (2007), This Business of Music (10.ª  ed.), Billboard Books, ISBN 0-8230-7729-2