Noh

El kanji de Noh (能) significa "habilidad", "artesanía" o "talento", particularmente en el campo de las artes escénicas en este contexto. La palabra Noh puede usarse sola o con gaku (楽; entretenimiento, música) para formar la palabra nōgaku . El Noh es una tradición clásica muy valorada hoy en día. Cuando se usa sola, Noh se refiere al género histórico del teatro que se originó a partir del sarugaku a mediados del siglo XIV y que continúa representándose en la actualidad. ^{[ 4 ]}

Uno de los precursores más antiguos del Noh y el Kyōgen es el sangaku , que se introdujo en Japón desde China en el siglo VIII. En aquel entonces, el término sangaku se refería a varios tipos de espectáculos que incluían acróbatas, canto y danza, así como sketches cómicos. Su posterior adaptación a la sociedad japonesa llevó a la asimilación de otras formas de arte tradicionales. ^{[ 5 ]} Varios elementos de las artes escénicas del sangaku , así como elementos del dengaku (celebraciones rurales relacionadas con la siembra del arroz), el sarugaku (entretenimiento popular que incluía acrobacias, malabares y pantomima), el shirabyōshi (danzas tradicionales interpretadas por bailarinas en la Corte Imperial en el siglo XII), el gagaku (música y danza interpretadas en la Corte Imperial a partir del siglo VII) y el kagura (antiguas danzas sintoístas en cuentos populares) evolucionaron hasta convertirse en el Noh y el Kyōgen . ^{[ 3 ]}

Los estudios sobre la genealogía de los actores de Noh del siglo XIV indican que pertenecían a familias especializadas en las artes escénicas. Según la leyenda, la escuela Konparu, considerada la tradición más antigua del Noh, fue fundada por Hata no Kawakatsu en el siglo VI. Sin embargo, el fundador de la escuela Konparu, según la opinión generalizada entre los historiadores, fue Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) durante el período Nanboku-chō del siglo XIV. De acuerdo con el árbol genealógico de la escuela Konparu, Bishaō Gon no Kami desciende de Hata no Kawakatsu tras 53 generaciones. La escuela Konparu descendía de la compañía sarugaku , que había desempeñado papeles importantes en Kasuga-taisha y Kofuku-ji en la provincia de Yamato . ^{[ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]}

Otra teoría, propuesta por Shinhachirō Matsumoto, sugiere que el Noh se originó entre los marginados que luchaban por alcanzar un estatus social más elevado complaciendo a los poderosos, concretamente a la nueva clase samurái gobernante de la época. El traslado del shogunato de Kamakura a Kioto al comienzo del período Muromachi marcó el creciente poder de la clase samurái y fortaleció la relación entre el shogunato y la corte. A medida que el Noh se convertía en la forma de arte favorita del shōgun , pudo transformarse en una forma de arte cortesana gracias a esta nueva relación. En el siglo XIV, con el firme apoyo y mecenazgo del shōgun Ashikaga Yoshimitsu , Zeami logró establecer el Noh como la forma de arte teatral más destacada de la época. ^{[ 4 ]}

En el siglo XIV, durante el período Muromachi (1336 a 1573), Kan'ami Kiyotsugu y su hijo Zeami Motokiyo reinterpretaron diversas artes escénicas tradicionales y completaron el Noh en una forma significativamente diferente a la tradicional, llevando esencialmente el Noh a su forma actual. ^{[ 9 ]} Kan'ami fue un actor renombrado con gran versatilidad, interpretando papeles que iban desde mujeres gráciles y niños de 12 años hasta hombres fuertes. Cuando Kan'ami presentó por primera vez su obra al joven Ashikaga Yoshimitsu , de 17 años , Zeami era un niño actor en su obra, de unos 12 años. Yoshimitsu se enamoró de Zeami y su posición de favor en la corte hizo que el Noh se representara frecuentemente para Yoshimitsu a partir de entonces. ^{[ 4 ]}

Konparu Zenchiku , bisnieto de Bishaō Gon no Kami, fundador de la escuela Konparu, y esposo de la hija de Zeami, incorporó elementos de waka (poesía) al Noh de Zeami y lo desarrolló aún más. ^{[ 10 ] [ 8 ]}

Para este período, de las cinco principales escuelas de Noh, cuatro estaban establecidas: la escuela Kanze , fundada por Kan'ami y Zeami; la escuela Hōshō, fundada por el hermano mayor de Kan'ami; la escuela Konparu; y la escuela Kongō. Todas estas escuelas eran descendientes de la compañía sarugaku de la provincia de Yamato. El shogunato Ashikaga apoyó únicamente a la escuela Kanze de las cuatro. ^{[ 7 ] [ 11 ]}

Durante el período Edo , el Noh continuó siendo una forma de arte aristocrática apoyada por el shōgun , los señores feudales ( daimyōs ), así como por plebeyos ricos y sofisticados. Mientras que el kabuki y el joruri, populares entre la clase media, se centraban en el entretenimiento nuevo y experimental, el Noh se esforzó por preservar sus altos estándares establecidos y su autenticidad histórica, y permaneció prácticamente inalterado a lo largo de la era. Para capturar la esencia de las representaciones de los grandes maestros, cada detalle de los movimientos y las posiciones era reproducido por otros, lo que generalmente resultaba en un ritmo cada vez más lento y ceremonial con el tiempo. ^{[ 4 ]}

En esta época, el shogunato Tokugawa designó a la escuela Kanze como la principal de las cuatro escuelas. Kita Shichidayū (Shichidayū Chōnō), un actor de Noh de la escuela Konparu que sirvió a Tokugawa Hidetada , fundó la escuela Kita, que fue la última en establecerse de las cinco escuelas principales. ^{[ 7 ] [ 11 ]}

La caída del shogunato Tokugawa en 1868 y la formación de un nuevo gobierno modernizado supusieron el fin del apoyo financiero estatal, y todo el ámbito del Noh experimentó una grave crisis económica. Poco después de la Restauración Meiji , tanto el número de intérpretes como de escenarios de Noh disminuyó considerablemente. El apoyo del gobierno imperial se recuperó finalmente, en parte gracias al atractivo del Noh para los diplomáticos extranjeros. Las compañías que permanecieron activas durante la era Meiji también ampliaron significativamente el alcance del Noh al dirigirse al público general, actuando en teatros de ciudades importantes como Tokio y Osaka . ^{[ 12 ]}

En 1957, el gobierno japonés designó el nōgaku como Bien Cultural Inmaterial Importante , lo que otorga cierto grado de protección legal a la tradición y a sus intérpretes más destacados. El Teatro Nacional Noh, fundado por el gobierno en 1983, presenta funciones regularmente y organiza cursos para formar actores en los papeles principales del nōgaku . En 2008, el noh fue inscrito en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO como teatro nōgaku. ^{[ 5 ]}

Aunque los términos nōgaku y Noh a veces se usan indistintamente, la definición de teatro " nōgaku " del gobierno japonés abarca tanto las obras de Noh como las de kyōgen . ^{[ 13 ]} El kyōgen se representa entre las obras de Noh en el mismo espacio. En comparación con el Noh, " el kyōgen depende menos del uso de máscaras y deriva de las obras humorísticas del sangaku , como se refleja en sus diálogos cómicos". ^{[ 5 ]}

Durante el período Edo , el sistema gremial se endureció gradualmente, lo que excluyó en gran medida a las mujeres del Noh, excepto a algunas mujeres (como las cortesanas ) que interpretaban canciones en situaciones marginales. ^{[ 14 ]} Más tarde, en la era Meiji , los intérpretes de Noh enseñaron a personas ricas y nobles, y esto llevó a más oportunidades para las intérpretes femeninas porque las mujeres insistieron en tener maestras. ^{[ 14 ]} A principios de la década de 1900, después de que se permitió a las mujeres unirse a la Escuela de Música de Tokio , las reglas que prohibían a las mujeres unirse a varias escuelas y asociaciones de Noh se relajaron. ^{[ 14 ]} En 1948, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Intérpretes de Nohgaku. ^{[ 14 ] [ 15 ]} En 2004, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Obras de Noh Japonesas. ^{[ 15 ]} En 2007, el Teatro Nacional de Noh comenzó a presentar anualmente programas regulares de intérpretes femeninas. ^{[ 15 ]} En 2009, había alrededor de 1200 intérpretes profesionales de Noh masculinos y 200 femeninas. ^{[ 16 ]}

Existen cuatro categorías principales de intérpretes de Noh: shite , waki , kyōgen y hayashi . ^{[ 7 ] [ 19 ] [ 20 ]}

1. Shite (仕手, シテ). Shite es el protagonista principal, o el papel principal en las obras de teatro. En las obras donde el shite aparece primero como humano y luego como fantasma, el primer papel se conoce como mae-shite y el segundo como nochi-shite .
   • Shitetsure (仕手連れ, シテヅレ). El compañero de la mierda . En ocasiones, el shitetsure se abrevia como tsure (連れ, ツレ), aunque este término se refiere tanto al shitetsure como al wakitsure .
   • Kōken (後見) son tramoyistas, normalmente de una a tres personas.
   • Jiutai (地謡) es el coro, que generalmente está compuesto por entre seis y ocho personas.
2. Waki (脇, ワキ) desempeña el papel de contraparte o contraste de la mierda .
   • Wakitsure (脇連れ, ワキヅレ) o Waki-tsure es el compañero del waki .
3. Los actores de Kyōgen (狂言) interpretan los aikyōgen (間狂言), que son interludios durante las obras.También actúan en obras independientes entre las representaciones de Noh.
4. Hayashi (囃子) o hayashi-kata (囃子方) son los instrumentistas que tocan los cuatro instrumentos utilizados en el teatro Noh: la flauta travesera (笛, fue ) , el tambor de cadera (大鼓, ōtsuzumi ) u ōkawa (大皮) , el tambor de hombro (小鼓, kotsuzumi ) y el tambor de palo. (太鼓, taiko ) . La flauta utilizada para Noh se llama específicamente nōkan o nohkan (能管) .

Una obra típica de Noh siempre incluye el coro, la orquesta y al menos un actor shite y un actor waki . ^{[ 21 ]}

Los actores comienzan su formación desde muy pequeños, tradicionalmente a los tres años.

Zeami identificó nueve niveles o tipos de actuación Noh. Los niveles inferiores enfatizan el movimiento. Los niveles superiores se comparan metafóricamente con la apertura de una flor e implican destreza espiritual. ^{[ 22 ]}

Existen cinco escuelas que forman a actores de mierda : Kanze (観世), Hōshō (宝生), Komparu (金春), Kongō (金剛) y Kita (喜多). Cada escuela tiene su propia familia iemoto que lleva el nombre de la escuela y es considerada la más importante. El iemoto tiene el poder de crear nuevas obras o modificar letras y modos de interpretación. ^{[ 23 ]}

Los actores de Waki ​​se forman en las escuelas Takayasu (高安), Fukuou (福王) y Hōshō (宝生).

Dos escuelas forman a actores de kyōgen : Ōkura (大蔵) e Izumi (和泉).

Once escuelas forman instrumentistas, cada una especializada en uno a tres instrumentos. ^{[ 24 ]}

La Asociación de Artistas Nohgaku ( Nōgaku Kyōkai ), en la que están registrados todos los profesionales, protege estrictamente las tradiciones transmitidas por los ancestros de los artistas (véase iemoto ). Sin embargo, varios documentos secretos de la escuela Kanze, escritos por Zeami, así como materiales de Konparu Zenchiku , se han difundido entre la comunidad de estudiosos del teatro japonés. ^{[ 24 ]}

Las máscaras Noh (能面nō-men o 面omote ) se tallan en bloques de ciprés japonés (檜 " hinoki ") y se pintan con pigmentos naturales sobre una base neutra de cola y concha marina triturada. Existen aproximadamente 450 máscaras diferentes, basadas principalmente en sesenta tipos, ^{[ 25 ] : 14} todas con nombres distintivos. Algunas máscaras son representativas y se utilizan con frecuencia en muchas obras diferentes, mientras que otras son muy específicas y pueden usarse solo en una o dos obras. Las máscaras Noh indican el género, la edad y el rango social de los personajes, y al usarlas, los actores pueden representar a jóvenes, ancianos, mujeres o personajes no humanos ( divinos o demoníacos ). ^{[ 25 ] : 13} Solo el shite , el actor principal, usa máscara en la mayoría de las obras, aunque el tsure también puede usarla en algunas. ^{[ 25 ] : 13, 260}

Aunque la máscara cubre las expresiones faciales del actor, su uso en el teatro Noh no implica la renuncia total a ellas. Más bien, su propósito es estilizar y codificar las expresiones faciales mediante la máscara y estimular la imaginación del público. Al usar máscaras, los actores pueden transmitir emociones de manera más controlada a través de movimientos y lenguaje corporal. Algunas máscaras utilizan efectos de iluminación para transmitir diferentes emociones mediante una ligera inclinación de la cabeza. Al orientarla ligeramente hacia arriba, o "iluminarla", la máscara capta más luz, revelando más rasgos que parecen reír o sonreír. Al orientarla hacia abajo, o "enturbiarla", la máscara parece triste o enojada. ^{[ 18 ]}

Las máscaras Noh son muy apreciadas por las familias e instituciones Noh, y las escuelas Noh más poderosas conservan las máscaras más antiguas y valiosas en sus colecciones privadas, rara vez vistas por el público. Se dice que la máscara más antigua se guarda como un tesoro oculto por la escuela más antigua, la Konparu. Según el actual director de la escuela Konparu, la máscara fue tallada por el legendario regente Príncipe Shōtoku (572-622) hace más de mil años. Si bien la veracidad histórica de la leyenda de la máscara del Príncipe Shōtoku puede ser cuestionada, la leyenda en sí es antigua, ya que se registra por primera vez en *El estilo y la flor* de Zeami , escrito en el siglo XIV. ^{[ 25 ] : 11} Algunas de las máscaras de la escuela Konparu pertenecen al Museo Nacional de Tokio y se exhiben allí con frecuencia. ^{[ 26 ]}

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  Máscara Noh del tipo hannya . Siglos XVII o XVIII. Declarada Bien Cultural Importante .
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  Máscara Noh del tipo akobujō . Siglo XVI o XVII. Declarada Bien Cultural Importante.
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  Máscara Noh del tipo ayahashi . Siglo XVII. Declarada Bien Cultural Importante.
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  Máscara Noh del tipo chorei-beshimi . Siglo XVII. Declarada Bien Cultural Importante.
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  Máscara Noh del tipo hakushiki-jō . Siglo XV. Declarada Bien Cultural Importante.
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  Máscara Noh del tipo shōjō . Siglo XV o XVI. Declarada Bien Cultural Importante.
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  Máscara Noh del tipo shikami . Siglo XVII o XVIII.
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  Máscara Noh del tipo uba . Siglo XVI. Declarada Bien Cultural Importante.
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  Máscara Noh del tipo wakaotoko . Siglo XVI o XVII.
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  Inro con máscaras Noh. (Anverso y reverso) Principios del siglo XIX.

El escenario tradicional del Noh ( butai ) se caracteriza por su total apertura, que permite una experiencia compartida entre los intérpretes y el público a lo largo de toda la representación. Sin proscenio ni telones que obstruyan la visión, el público puede observar a cada actor incluso antes de que entren (y después de que salgan) del escenario central ( honbutai , "escenario principal"). El teatro en sí se considera simbólico y es tratado con reverencia tanto por los intérpretes como por el público. ^{[ 18 ]}

Una de las características más reconocibles del escenario Noh es su techo independiente que se extiende sobre el escenario incluso en teatros interiores. Sostenido por cuatro columnas, el techo simboliza la sacralidad del escenario, con un diseño arquitectónico derivado del pabellón de culto ( haiden ) o del pabellón de danza sagrada ( kagura-den ) de los santuarios sintoístas . El techo también unifica el espacio teatral y define el escenario como una entidad arquitectónica. ^{[ 18 ]}

Los pilares que sostienen el techo se denominan shitebashira (pilar del personaje principal), metsukebashira (pilar de la mirada), wakibashira (pilar del personaje secundario) y fuebashira (pilar de la flauta), en sentido horario desde la parte trasera derecha del escenario, respectivamente. Cada pilar está asociado con los intérpretes y sus acciones. ^{[ 27 ]}

El escenario está hecho completamente de hinoki (ciprés japonés) sin tratar, prácticamente sin elementos decorativos. El poeta y novelista Tōson Shimazaki escribe que «en el escenario del teatro Noh no hay decorados que cambien con cada pieza. Tampoco hay telón. Solo hay un simple panel ( kagami-ita ) con la pintura de un pino verde . Esto crea la impresión de que se ha desterrado cualquier cosa que pudiera proporcionar sombra. Romper tal monotonía y hacer que algo suceda no es tarea fácil». ^{[ 18 ]}

Otra característica única del escenario es el hashigakari , un estrecho puente situado en la parte trasera derecha del escenario, utilizado por los actores para entrar en escena. Hashigakari significa "puente colgante", lo que simboliza algo aéreo que conecta dos mundos distintos al mismo nivel. El puente simboliza la naturaleza mítica de las obras de Noh, en las que aparecen con frecuencia fantasmas y espíritus de otro mundo. En contraste, el hanamichi en los teatros Kabuki es literalmente un camino ( michi ) que conecta dos espacios en un mismo mundo, por lo que tiene un significado completamente diferente. ^{[ 18 ]}

Los actores de Noh visten trajes de seda llamados shozoku (túnicas), junto con pelucas, sombreros y accesorios como el abanico. Con sus llamativos colores, elaborada textura y tejido y bordado intrincados, las túnicas de Noh son verdaderas obras de arte. Los trajes para el shite, en particular, son extravagantes brocados de seda brillante, pero se vuelven progresivamente menos suntuosos para el tsure, el wakizure y el aikyōgen . ^{[ 18 ]}

Durante siglos, de acuerdo con la visión de Zeami, los trajes del Noh emularon la vestimenta que los personajes usarían en la vida real, como las túnicas formales de un cortesano y la ropa de calle de un campesino o plebeyo. Sin embargo, a finales del siglo XVI, los trajes se estilizaron con ciertas convenciones simbólicas y estilísticas. Durante el período Edo (Tokugawa), las elaboradas túnicas que los nobles y samuráis regalaban a los actores en el período Muromachi se desarrollaron como vestuario. ^{[ 28 ]}

Los músicos y el coro suelen vestir kimonos montsuki formales (negros y adornados con cinco escudos familiares) acompañados de hakama (una prenda similar a una falda) o kami-shimo , una combinación de hakama y chaleco con hombreras exageradas. Por último, los tramoyistas visten prendas negras prácticamente sin adornos, de forma muy parecida a los tramoyistas del teatro occidental contemporáneo. ^{[ 12 ]}

El uso de utilería en el Noh es minimalista y estilizado. El accesorio más común es el abanico , que llevan todos los intérpretes, independientemente de su papel. Los cantantes del coro y los músicos pueden llevar el abanico en la mano al entrar al escenario o llevarlo sujeto al obi (la faja). El abanico suele colocarse al lado del intérprete cuando este toma posición y, a menudo, no se vuelve a coger hasta que abandona el escenario. Durante las secuencias de danza, el abanico se utiliza normalmente para representar cualquier objeto que se sostenga con la mano, como una espada, una jarra de vino, una flauta o un pincel. El abanico puede representar diversos objetos a lo largo de una misma obra. ^{[ 18 ]}

Cuando se utilizan accesorios de mano distintos a los abanicos, estos suelen ser introducidos o recogidos por los kuroko , quienes desempeñan una función similar a la del equipo técnico en el teatro contemporáneo. Al igual que sus homólogos occidentales, los asistentes de escena del Noh tradicionalmente visten de negro, pero a diferencia del teatro occidental, pueden aparecer en escena durante una escena o permanecer en ella durante toda la función, en ambos casos a la vista del público. El traje completamente negro de los kuroko implica que no forman parte de la acción en escena y que, en la práctica, son invisibles. ^{[ 12 ]}

Los elementos de la escenografía del Noh, como los barcos, los pozos, los altares y las campanas, suelen llevarse al escenario antes del comienzo del acto en el que se necesitan. Estos elementos normalmente son solo contornos que sugieren objetos reales, aunque la gran campana, una excepción habitual a la mayoría de las reglas del Noh en cuanto a la utilería, está diseñada para ocultar al actor y permitir un cambio de vestuario durante el interludio kyōgen . ^{[ 25 ]}

El teatro Noh está acompañado por un coro y un conjunto hayashi ( Noh-bayashi能囃子). El Noh es un drama cantado, y algunos comentaristas lo han denominado " ópera japonesa ". Sin embargo, el canto en el Noh implica un rango tonal limitado, con pasajes largos y repetitivos en un rango dinámico estrecho. Los textos son poéticos, basándose en gran medida en el ritmo japonés de siete-cinco común a casi todas las formas de poesía japonesa , con una economía de expresión y abundancia de alusiones. Las partes cantadas del Noh se llaman " Utai " y las partes habladas " Kataru ". ^{[ 29 ]} La música tiene muchos espacios en blanco ( ma ) entre los sonidos reales, y estos espacios en blanco negativos se consideran de hecho el corazón de la música. Además del utai , el conjunto Noh hayashi consta de cuatro músicos, también conocidos como "hayashi-kata", que incluyen tres percusionistas, que tocan el shime-daiko , el ōtsuzumi (tambor de cadera) y el kotsuzumi (tambor de hombro) respectivamente, y un flautista nohkan . ^{[ 18 ]}

El canto no siempre se interpreta "en el personaje"; es decir, a veces el actor recita diálogos o describe eventos desde la perspectiva de otro personaje o incluso de un narrador imparcial. Lejos de romper el ritmo de la representación, esto en realidad concuerda con la atmósfera etérea de muchas obras de Noh, especialmente en aquellas caracterizadas como mugen .

Todas las obras de teatro Noh se pueden clasificar en tres grandes categorías. ^{[ 12 ]}

• El Noh de Genzai (現在能, "Noh del presente") presenta personajes humanos y los acontecimientos se desarrollan según una línea de tiempo lineal dentro de la obra.
• El Mugen Noh (夢幻能, "Noh sobrenatural") se desarrolla en mundos sobrenaturales, con dioses, espíritus, fantasmas o espectros en el papel de shite . El tiempo suele representarse de forma no lineal , y la acción puede alternar entre dos o más marcos temporales de un momento a otro, incluyendo flashbacks.
• El Ryōkake Noh (両掛能, "Noh mixto"), aunque algo poco común, es un híbrido de lo anterior, donde el primer acto es Genzai Noh y el segundo acto Mugen Noh.

Mientras que el Noh Genzai utiliza conflictos internos y externos para impulsar las tramas y evocar emociones, el Noh Mugen se centra en utilizar flashbacks del pasado y de los difuntos para invocar emociones. ^{[ 12 ]}

Además, todas las obras de teatro Noh pueden clasificarse según su estilo.

• Geki Noh (劇能) es una obra dramática basada en el desarrollo de la trama y la narración de la acción.
• Furyū Noh (風流能) es poco más que una pieza de danza caracterizada por una elaborada acción escénica, que a menudo incluye acrobacias, elementos escénicos y múltiples personajes. ^{[ 4 ]}

Todas las obras de Noh se dividen, según sus temas, en las siguientes cinco categorías. Esta clasificación se considera la más práctica y aún se utiliza en la programación formal actual. ^{[ 4 ]} Tradicionalmente, un programa formal de cinco obras se compone de una selección de cada uno de los grupos. ^{[ 12 ]}

1. Las obras de Kami mono (神物, obras de dioses) o waki Noh (脇能) suelen presentar al shite en el papel de una deidad para narrar la historia mítica de un santuario o alabar a un dios en particular. Muchas de ellas están estructuradas en dos actos: la deidad adopta forma humana disfrazada en el primer acto y revela su verdadera identidad en el segundo. (p. ej., Takasago , Chikubushima ) ^{[ 4 ] [ 12 ]}
2. El shura mono (修羅物, obras de guerreros) o ashura noh (阿修羅能) toma su nombre del inframundo budista . El protagonista, que aparece como el fantasma de un famoso samurái, suplica a un monje por la salvación, y el drama culmina en una gloriosa recreación de la escena de su muerte con un traje de guerra completo. (p. ej., Tamura , Atsumori ) ^{[ 4 ] [ 12 ]}
3. Katsura mono (鬘物, obras con peluca) u onna mono (女物, obras con mujer) representan al shite en un rol femenino y presentan algunas de las canciones y danzas más refinadas de todo el Noh, reflejando los movimientos suaves y fluidos que representan a los personajes femeninos. (p. ej. Basho , Matsukaze ) ^{[ 4 ] [ 12 ]}
4. Hay alrededor de 94 obras "diversas" que tradicionalmente se representan en el cuarto lugar en un programa de cinco obras. Estas obras incluyen las subcategorías kyōran mono (狂乱物, obras de locura), onryō mono (怨霊物, obras de fantasmas vengativos ), genzai mono (現在物, obras actuales), entre otras. (por ejemplo, Aya no tsuzumi , Kinuta ) ^{[ 4 ] [ 12 ]}
5. Kiri Noh (切り能, obras finales) u oni mono (鬼物, obras de demonios) suelen presentar a los shite en el papel de monstruos, duendes o demonios, y a menudo se eligen por sus colores brillantes y sus movimientos finales rápidos y tensos. Kiri Noh se representa al final de un programa de cinco obras. ^{[ 4 ]} Hay aproximadamente 30 obras en esta categoría, la mayoría de las cuales son más cortas que las obras de las otras categorías. ^{[ 12 ]}

Además de las cinco anteriores, Okina (翁) (o Kamiuta ) se suele representar al comienzo del programa, especialmente en Año Nuevo, días festivos y otras ocasiones especiales. ^{[ 31 ]} Al combinar la danza con el ritual sintoísta , se considera el tipo más antiguo de teatro Noh. ^{[ 12 ]}

La siguiente categorización es la de la escuela Kanze . ^{[ 23 ]}

• Eugenio Barba  – Entre 1966 y 1972, los maestros japoneses de Noh Hideo Kanze e Hisao Kanze impartieron seminarios sobre Noh en el Laboratorio Teatral de Barba en Holstebro . Barba estudió principalmente los aspectos físicos del Noh. ^{[ 32 ]}
• Samuel Beckett ^{[ 32 ]}  – Yoshihiko Ikegami considera que Esperando a Godot de Beckett es una parodia del Noh, particularmente del Kami Noh, en el que un dios o espíritu aparece ante un personaje secundario como protagonista. Ikegami argumenta que «el conflicto dramático que era tan evidente en Yeats se descarta por completo, de modo que el teatro de Beckett (donde "no pasa nada") llega a parecerse aún más al Noh que el de Yeats». ^{[ 33 ]}
• Bertolt Brecht  – Según Maria P. Alter, Brecht comenzó a leer obras de teatro japonesas a mediados de la década de 1920 y había leído al menos 20 obras de Noh traducidas al alemán para 1929. Der Jasager de Brecht es una adaptación de la obra de Noh Taniko . El propio Brecht identificó Die Massnahme como una adaptación de una obra de Noh. ^{[ 34 ]}
• Peter Brook  – Yoshi Oida, un actor japonés con formación en Noh, comenzó a trabajar con Brook en su producción de La Tempestad en 1968. Oida se unió más tarde a la compañía de Brook. ^{[ 35 ]}
• Paul Claudel ^{[ 32 ]}  – Según John Willett , Paul Claudel conoció el Noh durante su tiempo como embajador de Francia en Japón. La ópera de Claudel, Christophe Colomb, muestra una influencia inconfundible del Noh. ^{[ 36 ]}
• Jacques Copeau  – En 1923, Copeau trabajó en una obra de teatro Noh, Kantan, junto con Suzanne Bing en el Théâtre du Vieux-Colombier , sin haber visto nunca una obra de Noh. Thomas Leabhart afirma que «Jacques Copeau se sintió atraído instintivamente por su gusto y su inclinación hacia un teatro sobrio basado en la espiritualidad». Copeau elogió el teatro Noh por escrito cuando finalmente vio una producción en 1930. ^{[ 37 ]}
• Guillaume Gallienne - Deguchinashi (Huis-Clos) de Jean-Paul Sartre, una versión Noh de la obra de Sartre dirigida por Guillaume Gallienne en el teatro Noh Tessenkai de Tokio en 2006. ^{[ 38 ]}
• Jacques Lecoq ^{[ 32 ]}  – El teatro físico que se enseña en L'École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq, fundada por Lecoq, está influenciado por el Noh.
• Eugene O'Neill ^{[ 32 ]}  – Las obras de O'Neill, The Iceman Cometh , Long Day's Journey into Night y Hughie , tienen varias similitudes con las obras de Noh. ^{[ 39 ]}
• Thornton Wilder ^{[ 32 ] [ 40 ]}  – El propio Wilder expresó su interés en el Noh en el "Prefacio" de Tres obras de teatro , y su hermana Isabel Wilder también confirmó su interés. La obra de Wilder, Nuestra ciudad, incorpora varios elementos del Noh, como la falta de trama, los personajes representativos y el uso de fantasmas. ^{[ 41 ]}

• William Henry Bell  – Compositor inglés. Bell escribió música para la presentación moderna de varias obras de teatro Noh, entre ellas Komachi (1925), Tsuneyo de los tres árboles (1926), Hatsuyuki (1934), La almohada de Kantan (1935) y Kageyiko (1936). ^{[ 42 ]}
• Benjamin Britten ^{[ 32 ]}  – Britten visitó Japón en 1956 y vio por primera vez obras de teatro Noh japonesas, que calificó como "algunos de los dramas más maravillosos que jamás haya visto". ^{[ 43 ]} Las influencias se vieron y oyeron en su ballet El príncipe de las pagodas (1957) y más tarde en dos de las tres "Parábolas para representación en la iglesia" semi-operísticas: Curlew River (1964) y El hijo pródigo (1968). ^{[ 44 ]}
• David Byrne  – Byrne conoció el Noh durante su gira por Japón con Talking Heads y se inspiró en las prácticas altamente estilizadas del Noh, completamente diferentes de sus contrapartes occidentales que se centran en el naturalismo . ^{[ 45 ]} Según Josh Kun , "el teatro Noh japonés lo inspiró a diseñar el traje de negocios extragrande que se convirtió en un elemento visual característico de los conciertos de Talking Heads". ^{[ 46 ]}
• Alan Watts  , filósofo del siglo XX, en las notas de su tercera canción del álbum de 1962 'This is IT' se lee: "Watts en un japonés no-noh".
• Harry Partch  – Partch describió su obra Delusion of the Fury como «una red ritualística». Kate Molleson escribió para The Guardian que «la narrativa es una mezcla borrosa de teatro Noh japonés, mitología popular etíope, drama griego y su propia imaginación extravagante». ^{[ 47 ]} Will Salmon cita al propio Partch, quien escribió: «El Noh ha sido durante siglos un arte refinado, uno de los más sofisticados que el mundo ha conocido». Delusion of the Fury incorpora dos obras de Noh, Atsumori de Zeami e Ikuta de Zenbō Motoyasu, en su historia. ^{[ 48 ]}
• Karlheinz Stockhausen  – El libreto esencialmente sin argumento del gran ciclo operístico de Stockhausen, Licht ("Luz"), se basa en "una mitología que se nutre de múltiples tradiciones culturales, desde el teatro Noh japonés hasta el folclore alemán". ^{[ 49 ]}
• Iannis Xenakis  – Xenakis «admiraba el Noh, la venerable forma teatral conocida por su formalidad ritualista y complejidad gestual». ^{[ 50 ]} La Electronic Music Foundation presentó Xenakis & Japan en marzo de 2010, «un evento de danza y música que resaltaba el interés de toda la vida de Xenakis por la música y el teatro japoneses». El evento contó con la participación de la intérprete femenina de Noh, Ryoko Aoki. ^{[ 51 ]}

• La erudita Akiko Kiso colaboró ​​con Mae J. Smethurst , escribiendo y traduciendo varias obras que comparaban la tragedia griega, forma teatral, con el noh. ^{[ 52 ] [ 53 ]}

• WB Yeats ^{[ 32 ] [ 54 ]}  – Yeats escribió un ensayo sobre el Noh titulado "Ciertas obras nobles de Japón" en 1916. Por mucho que intentó aprender Noh, los recursos disponibles en Inglaterra en ese momento eran limitados. La falta de una comprensión completa del Noh lo llevó a crear obras innovadoras guiadas por su propia imaginación y lo que él fantaseaba que era el Noh. ^{[ 55 ]} Yeats escribió cuatro obras fuertemente influenciadas por el Noh, utilizando fantasmas o seres sobrenaturales como los personajes centrales por primera vez. Las obras son En el pozo del halcón , El sueño de los huesos , Las palabras en el cristal de la ventana y Purgatorio . ^{[ 33 ]}