Pintura de retratos

El retrato es un género pictórico cuyo objetivo es representar a una persona específica. El término « retrato » también puede referirse al retrato pintado en sí. Los retratistas pueden crear sus obras por encargo, tanto para figuras públicas como privadas, o bien pueden inspirarse en la admiración o el afecto que sienten por el sujeto. Los retratos suelen servir como importantes documentos estatales y familiares, además de como recuerdos.

Históricamente, los retratos se han dedicado principalmente a inmortalizar a los ricos y poderosos. Sin embargo, con el tiempo, se hizo más común que los mecenas de clase media encargaran retratos de sus familiares y colegas. Hoy en día, los retratos siguen siendo encargados por gobiernos, corporaciones, grupos, clubes e individuos. Además de la pintura, los retratos también pueden realizarse en otros medios, como grabados (incluyendo aguafuerte y litografía ), fotografía , video y arte digital .

Hoy en día puede parecer obvio que un retrato pintado busca lograr una semejanza con el retratado que sea reconocible para quienes lo han visto, y que idealmente sea un fiel registro de su apariencia. Sin embargo, este concepto se ha desarrollado lentamente, y los artistas de diferentes tradiciones tardaron siglos en adquirir las habilidades necesarias para pintar un retrato fiel.

Se espera que un retrato bien ejecutado muestre la esencia interior del sujeto (desde el punto de vista del artista) o una representación halagadora, no solo un parecido literal. Como afirmó Aristóteles : «El objetivo del arte no es presentar la apariencia externa de las cosas, sino su significado interior; pues esto, y no la manera externa ni los detalles, constituye la verdadera realidad». ^{[ 1 ]} Los artistas pueden esforzarse por lograr un realismo fotográfico o una semejanza impresionista al representar a su sujeto, pero esto difiere de una caricatura que intenta revelar el carácter mediante la exageración de los rasgos físicos. El artista generalmente busca una representación fiel, como afirmó Edward Burne-Jones : «La única expresión permitida en el gran retrato es la expresión del carácter y la calidad moral, no nada temporal, fugaz o accidental». ^{[ 2 ]}

En la mayoría de los casos, esto resulta en una mirada seria y con los labios cerrados, siendo históricamente poco común cualquier expresión que vaya más allá de una leve sonrisa. O como dijo Charles Dickens : «Solo hay dos estilos de retrato: el serio y el burlón». ^{[ 3 ]} Aun con estas limitaciones, es posible expresar una amplia gama de emociones sutiles, desde una silenciosa amenaza hasta una suave satisfacción. Sin embargo, con la boca relativamente neutra, gran parte de la expresión facial debe crearse a través de los ojos y las cejas. Como afirma el autor y artista Gordon C. Aymar: «Los ojos son el lugar donde se busca la información más completa, fiable y pertinente» sobre el sujeto. Y las cejas pueden registrar, «casi por sí solas, asombro, lástima, miedo, dolor, cinismo, concentración, melancolía, disgusto y expectativa, en infinitas variaciones y combinaciones». ^{[ 4 ]}

La pintura de retratos puede representar al sujeto "cuerpo entero " (todo el cuerpo), "medio cuerpo " (desde la cabeza hasta la cintura o las caderas ), "cabeza y hombros " ( busto ), o solo la cabeza. La cabeza del sujeto puede girar desde "rostro completo " (vista frontal) avista de perfil (vista lateral); una "La vista de tres cuartos ("vista de dos tercios") se encuentra en un punto intermedio, abarcando desde casi frontal hasta casi de perfil (la fracción es la suma del perfil [la mitad del rostro] más el "cuarto de rostro" del otro lado; ^{[ 5 ]} alternativamente, se cuantifica como 2 ⁄ 3 , lo que también significa que esta vista parcial es más de la mitad de un rostro). Ocasionalmente, los artistas han creado composiciones con vistas desde múltiples direcciones, como enel triple retrato de Carlos I de Anthony van Dyck en Tres posiciones . ^{[ 6 ]} Incluso hay algunos retratos donde el frente del sujeto no es visible en absoluto. El mundo de Christina (1948) de Andrew Wyeth es un ejemplo famoso, donde la pose de la mujer discapacitada —de espaldas al espectador— se integra con el entorno en el que se encuentra para transmitir la interpretación del artista. ^{[ 7 ]}

Entre las demás variables posibles, el sujeto puede estar vestido o desnudo; en interiores o exteriores; de pie, sentado, reclinado; incluso a caballo. Los retratos pueden representar a individuos, parejas, padres e hijos, familias o grupos de colegas. Se pueden crear con diversos medios, como óleo , acuarela , pluma y tinta , lápiz , carboncillo , pastel y técnicas mixtas . Los artistas pueden emplear una amplia gama de colores, como en el retrato de la señora Charpentier y sus hijos de Pierre-Auguste Renoir (1878), o limitarse al blanco o al negro, como en el retrato de George Washington de Gilbert Stuart (1796).

A veces, el tamaño total del retrato es una consideración importante. Los enormes retratos de Chuck Close , creados para exhibirse en museos, difieren enormemente de la mayoría de los retratos diseñados para encajar en el hogar o para ser transportados fácilmente por el cliente. Con frecuencia, el artista tiene en cuenta dónde se colgará el retrato final, así como los colores y el estilo de la decoración circundante. ^{[ 8 ]}

Crear un retrato puede llevar bastante tiempo, generalmente requiere varias sesiones. Cézanne, en un extremo, insistió en más de 100 sesiones con su modelo. ^{[ 9 ]} Goya, por otro lado, prefería una sesión de un día completo. ^{[ 10 ]} El promedio es de aproximadamente cuatro. ^{[ 11 ]} Los retratistas a veces presentan a sus modelos una carpeta de dibujos o fotos de la cual el modelo selecciona una pose preferida, como hizo Sir Joshua Reynolds . Algunos, como Hans Holbein el Joven , hacen un dibujo del rostro y luego completan el resto de la pintura sin el modelo. ^{[ 12 ]} El tiempo de un retrato generalmente variaba según el artista y la extensión del retrato. En el siglo XVIII, generalmente se tardaba un mes en entregar un retrato completamente terminado.

Gestionar las expectativas y el estado de ánimo del retratado es una preocupación importante para el artista. En cuanto a la fidelidad del retrato a la apariencia del retratado, los retratistas suelen ser consistentes en su enfoque. Los clientes que buscaban a Sir Joshua Reynolds sabían que recibirían un resultado halagador, mientras que los retratados por Thomas Eakins sabían que podían esperar un retrato realista y sin concesiones. Algunos sujetos expresan fuertes preferencias, otros dejan que el artista decida por completo. Oliver Cromwell, en una famosa declaración, exigió que su retrato mostrara «todas estas asperezas, granos, verrugas y todo lo que me veis, de lo contrario jamás pagaré un céntimo por él». ^{[ 13 ]}

Tras tranquilizar a la modelo y animarla a adoptar una pose natural, el artista estudia a su sujeto, buscando, entre muchas posibilidades, la expresión facial que mejor capture su esencia. La postura, así como el vestuario, también se consideran cuidadosamente para revelar su estado emocional y físico. Para mantener a la modelo interesada y motivada, el artista suele mantener un trato agradable y entablar una conversación amena. Élisabeth Vigée-Lebrun aconsejaba a sus colegas artistas halagar a las mujeres y elogiar su apariencia para conseguir su colaboración durante la sesión. ^{[ 13 ]}

Para lograr un retrato exitoso, es fundamental dominar la anatomía humana . Los rostros humanos son asimétricos, y los retratistas expertos reproducen esta asimetría con sutiles diferencias entre el lado izquierdo y el derecho. Para crear un retrato convincente, los artistas deben conocer la estructura ósea y tisular subyacente.

Para composiciones complejas, el artista puede realizar primero un boceto completo a lápiz, tinta, carboncillo o óleo, lo cual es particularmente útil si el tiempo disponible del retratado es limitado. De lo contrario, se esboza la forma general y luego un retrato aproximado sobre el lienzo con lápiz, carboncillo o óleo diluido. En muchos casos, primero se completa el rostro y luego el resto. En los estudios de muchos de los grandes retratistas, el maestro solo pintaba la cabeza y las manos, mientras que la ropa y el fondo eran completados por los aprendices principales. Incluso había especialistas externos que se encargaban de elementos específicos como drapeados y ropa , como Joseph van Aken . ^{[ 14 ]} Algunos artistas de épocas pasadas usaban figuras o muñecos para ayudar a establecer y ejecutar la pose y la ropa. ^{[ 15 ]} El uso de elementos simbólicos colocados alrededor del retratado (incluidos letreros, objetos domésticos, animales y plantas) se usaba a menudo para codificar la pintura con el carácter moral o religioso del sujeto, o con símbolos que representaban la ocupación, los intereses o el estatus social del retratado. El fondo puede ser totalmente negro y sin contenido, o bien una escena completa que sitúe a la persona retratada en su entorno social o recreativo.

Los autorretratos suelen realizarse con la ayuda de un espejo, y el resultado final es un retrato invertido, una inversión de lo que ocurre en un retrato normal cuando el retratado y el artista se encuentran uno frente al otro. En un autorretrato, un artista diestro parecería sostener el pincel con la mano izquierda, a menos que corrija deliberadamente la imagen o utilice un segundo espejo mientras pinta.

En ocasiones, el cliente o su familia no están satisfechos con el retrato resultante y el artista se ve obligado a retocarlo, rehacerlo o renunciar al encargo sin recibir pago alguno, sufriendo la humillación del fracaso. El célebre Retrato de Madame Récamier de Jacques-Louis David , muy popular en exposiciones, fue rechazado por la retratada, al igual que el infame Retrato de Madame X de John Singer Sargent . El retrato de cuerpo entero del general George Washington en Trenton , de John Trumbull , fue rechazado por el comité que lo encargó. ^{[ 16 ]} El famoso y arisco Gilbert Stuart respondió una vez a la insatisfacción de un cliente con el retrato de su esposa replicando: «¡Me trajiste una patata y esperas un melocotón!». ^{[ 17 ]}

Un retrato bien hecho, sin embargo, puede granjearse la gratitud eterna de un cliente. El conde Balthazar quedó tan complacido con el retrato que Rafael había creado de su esposa que le dijo al artista: «Tu imagen… por sí sola puede aliviar mis preocupaciones. Esa imagen es mi deleite; le dedico mis sonrisas, es mi alegría». ^{[ 18 ]}

Es probable que las raíces del retrato se encuentren en tiempos prehistóricos, aunque pocas de estas obras sobreviven hoy en día. En el arte de las antiguas civilizaciones del Creciente Fértil , especialmente en Egipto, abundan las representaciones de gobernantes y gobernantes como dioses. Sin embargo, la mayoría de estas se realizaron de una manera muy estilizada, y casi siempre de perfil, generalmente sobre piedra, metal, arcilla, yeso o cristal. El retrato egipcio ponía relativamente poco énfasis en el parecido, al menos hasta el período de Akenatón en el siglo XIV a. C. La pintura de retratos de notables en China probablemente se remonta a más de 1000 a. C., aunque no se conserva ninguno de esa época. Los retratos chinos existentes se remontan a alrededor del año 1000 d. C., ^{[ 19 ]} pero no pusieron mucho énfasis en el parecido hasta algún tiempo después.

A partir de la evidencia literaria, sabemos que la pintura griega antigua incluía retratos, a menudo muy precisos si se cree en los elogios de los escritores, pero no se conservan ejemplos pintados. Sobreviven algunas cabezas esculpidas de gobernantes y personalidades famosas como Sócrates , y al igual que los bustos individualizados de gobernantes helenísticos en monedas, demuestran que el retrato griego podía lograr un buen parecido, y los sujetos, al menos las figuras literarias, eran representados con relativamente poca adulación; los retratos de Sócrates muestran por qué tenía fama de feo. Los sucesores de Alejandro Magno comenzaron la práctica de añadir su cabeza (como figura deificada ) a sus monedas, y pronto empezaron a usar la suya propia.

El retrato romano adoptó tradiciones tanto etruscas como griegas, desarrollando una sólida tradición vinculada al uso religioso de los retratos de antepasados, así como a la política romana. Si bien los pocos retratos pintados que se conservan, como los de Fayum , la tumba de Aline y el Tondo Severo , todos procedentes de Egipto bajo dominio romano, son claramente producciones provinciales que reflejan estilos griegos más que romanos, contamos con una gran cantidad de cabezas esculpidas, incluyendo numerosos retratos individualizados de tumbas de clase media, y miles de tipos de retratos en monedas.

El grupo más numeroso de retratos pintados son las pinturas funerarias que sobrevivieron en el clima seco del distrito egipcio de Fayum (véase la ilustración a continuación), que datan de los siglos II al IV d. C. Estas son casi las únicas pinturas del período romano que han sobrevivido, aparte de los frescos , aunque se sabe por los escritos de Plinio el Viejo que la pintura de retratos estaba bien establecida en la época griega y era practicada tanto por hombres como por mujeres artistas. ^{[ 20 ]} En su época, Plinio se lamentaba del estado de decadencia del arte del retrato romano: «La pintura de retratos, que solía transmitir a través de los siglos las semejanzas exactas de las personas, ha desaparecido por completo… La indolencia ha destruido las artes». ^{[ 21 ] [ 22 ]} Estos retratos de frente del Egipto romano son afortunadas excepciones. Presentan un sentido de proporción y detalle individual bastante realista (aunque los ojos suelen ser desproporcionados y la habilidad artística varía considerablemente de un artista a otro). Los retratos de Fayum se pintaban sobre madera o marfil con cera y resina (técnica encáustica) o con témpera , y se insertaban en la envoltura de la momia para permanecer con el cuerpo por toda la eternidad.

Si bien la pintura de retratos independientes disminuyó en Roma, el arte del retrato floreció en las esculturas romanas, donde los retratados exigían realismo, incluso si no era halagador. Durante el siglo IV, el retrato esculpido dominó, con un retroceso en favor de un símbolo idealizado de la apariencia de esa persona. (Compárense los retratos de los emperadores romanos Constantino I y Teodosio I ). En el período de la Antigüedad tardía, el interés por la semejanza individual disminuyó considerablemente, y la mayoría de los retratos en las monedas romanas tardías y los dípticos consulares apenas están individualizados, aunque al mismo tiempo el arte paleocristiano estaba desarrollando imágenes bastante estandarizadas para la representación de Jesús y otras figuras importantes del arte cristiano, como Juan el Bautista y San Pedro .

La mayoría de los retratos de principios de la Edad Media eran retratos de donantes , inicialmente sobre todo de papas en mosaicos romanos y manuscritos iluminados , un ejemplo de los cuales es un autorretrato de la escritora, mística, científica, iluminadora y música Hildegarda de Bingen (1152). ^{[ 23 ]} Al igual que con las monedas contemporáneas, había pocos intentos de lograr un parecido. Los monumentos funerarios de piedra se extendieron en el período románico . Entre 1350 y 1400, las figuras seculares comenzaron a reaparecer en frescos y pinturas sobre tabla , como en el Carlos IV recibiendo la lealtad del Maestro Teodorico , ^{[ 24 ]} y los retratos volvieron a ser claros parecidos.

Hacia finales de siglo, surgieron en Borgoña y Francia los primeros retratos al óleo de personajes contemporáneos, pintados sobre pequeños paneles de madera, primero de perfil y luego en otras perspectivas. El Díptico de Wilton, de alrededor de 1400, es uno de los dos retratos sobre tabla que se conservan de Ricardo II de Inglaterra , el primer rey inglés del que tenemos ejemplos contemporáneos.

A finales de la Edad Media , en el siglo XV, la pintura primitiva de los Países Bajos fue clave para el desarrollo del retrato individualizado. Entre los maestros se encontraban Jan van Eyck , Robert Campin y Rogier van der Weyden , entre otros. Se encargaban retratos en tabla , de tamaño reducido (menos de la mitad del tamaño natural), no solo de figuras de la corte, sino también de lo que, por su vestimenta relativamente sencilla, parecían ser ciudadanos adinerados. Las miniaturas de los manuscritos iluminados también incluían retratos individualizados, generalmente del comitente. En las pinturas religiosas, los retratos de los donantes comenzaron a mostrarse presentes o participando en las principales escenas sagradas representadas, y en las imágenes más privadas de la corte, los sujetos incluso aparecían como figuras importantes, como la Virgen María .

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  Mosaico retrato del Papa Gregorio IX , c. 1225-50
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  Robert Campin (c. 1375 – 1444), Retrato de una joven (junto a su marido), 1430–1435. El estilo de Van der Weyden se basó en el de Campin.
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  Retrato de Arnolfini , de Jan van Eyck , 1434
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  Jean Wauquelin presentando sus 'Chroniques de Hainaut' a Felipe el Bueno , miniatura de presentación de Rogier van der Weyden , 1448
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  Rogier van der Weyden , Retrato de una dama , c. 1460
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  Uno de los primeros autorretratos independientes , Jean Fouquet , c. 1450.

La Ginevra de' Benci de Leonardo ( c. 1474–8 ) es uno de los primeros retratos conocidos de tres cuartos de cuerpo en el arte italiano. ^{[ 25 ]}

En parte por el interés en el mundo natural y en parte por el interés en las culturas clásicas de la antigua Grecia y Roma, los retratos —tanto pintados como esculpidos— adquirieron un papel importante en la sociedad renacentista y fueron valorados como objetos y como representaciones del éxito y el estatus terrenales. La pintura en general alcanzó un nuevo nivel de equilibrio, armonía y perspicacia, y los más grandes artistas (Leonardo, Miguel Ángel y Rafael) fueron considerados «genios», elevándose muy por encima de la condición de simples artesanos hasta convertirse en valiosos servidores de la corte y la iglesia. ^{[ 26 ]}

Durante este período fructífero se desarrollaron numerosas innovaciones en las diversas formas de retrato. Surgió la tradición de la miniatura de retrato , que se mantuvo popular hasta la era de la fotografía, a partir de la destreza de los pintores de miniaturas en manuscritos iluminados .

Los retratos de perfil, inspirados en los medallones antiguos, fueron particularmente populares en Italia entre 1450 y 1500. Las medallas, con sus imágenes a doble cara, también inspiraron una moda efímera de pinturas a doble cara a principios del Renacimiento. ^{[ 27 ]} La escultura clásica, como el Apolo Belvedere , también influyó en la elección de las poses utilizadas por los retratistas renacentistas, poses que se han mantenido vigentes a lo largo de los siglos. ^{[ 28 ]}

Los artistas del norte de Europa fueron pioneros en retratos realistas de temas seculares. El mayor realismo y detalle de los artistas del norte durante el siglo XV se debió en parte a las pinceladas más finas y los efectos posibles con los colores al óleo , mientras que los pintores italianos y españoles todavía usaban témpera . Entre los primeros pintores en desarrollar la técnica del óleo se encontraba Jan van Eyck . Los colores al óleo pueden producir más textura y grados de grosor, y se pueden superponer de manera más efectiva, con la adición de capas cada vez más gruesas una sobre otra (lo que los pintores conocen como "graso sobre magro"). Además, los colores al óleo secan más lentamente, lo que permite al artista realizar cambios fácilmente, como alterar detalles faciales. Antonello da Messina fue uno de los primeros italianos en aprovechar el óleo. Formado en Bélgica, se estableció en Venecia alrededor de 1475 y fue una gran influencia para Giovanni Bellini y la escuela del norte de Italia. ^{[ 29 ]} Durante el siglo XVI, el óleo como medio se extendió en popularidad por toda Europa, permitiendo representaciones más suntuosas de ropa y joyas. Otro factor que influyó en la calidad de las imágenes fue el cambio de la madera al lienzo , que comenzó en Italia a principios del siglo XVI y se extendió al norte de Europa durante el siglo siguiente. El lienzo resiste mejor el agrietamiento que la madera, retiene mejor los pigmentos y requiere menos preparación; sin embargo, inicialmente era mucho más escaso que la madera.

Desde sus inicios, los europeos del norte abandonaron el perfil y comenzaron a producir retratos con volumen y perspectiva realistas. En los Países Bajos, Jan van Eyck fue un retratista destacado. El matrimonio Arnolfini (1434, National Gallery , Londres) es un hito del arte occidental, un ejemplo temprano de retrato de cuerpo entero de una pareja, magníficamente pintado con colores intensos y detalles exquisitos. Pero igualmente importante, muestra la técnica de pintura al óleo recientemente desarrollada por van Eyck, que revolucionó el arte y se extendió por toda Europa. ^{[ 30 ]}

Entre los principales retratistas alemanes se encontraban Lucas Cranach , Albrecht Dürer y Hans Holbein el Joven , quienes dominaban la técnica de la pintura al óleo. Cranach fue uno de los primeros artistas en pintar retratos de cuerpo entero a tamaño natural, una tradición que se popularizó a partir de entonces. ^{[ 31 ]} En aquella época, Inglaterra no contaba con retratistas de primer nivel, y artistas como Holbein eran muy solicitados por los mecenas ingleses. ^{[ 32 ]} Su retrato de Sir Thomas More (1527), su primer mecenas importante en Inglaterra, tiene casi el realismo de una fotografía. ^{[ 33 ]} Holbein alcanzó un gran éxito pintando a la familia real, incluyendo a Enrique VIII . Dürer fue un dibujante excepcional y uno de los primeros artistas importantes en realizar una serie de autorretratos, incluyendo un retrato de cuerpo entero. También incluyó su propia figura de autorretrato (como espectador) en varias de sus pinturas religiosas. ^{[ 34 ]} Dürer comenzó a pintar autorretratos a la edad de trece años. ^{[ 35 ]} Más tarde, Rembrandt ampliaría esa tradición.

En Italia, Masaccio fue pionero en la modernización del fresco al adoptar una perspectiva más realista. Filippo Lippi sentó las bases para el desarrollo de contornos más definidos y líneas sinuosas ^{[ 36 ]} y su discípulo Rafael elevó el realismo en Italia a un nivel mucho más alto en las décadas siguientes con sus monumentales pinturas murales. ^{[ 37 ]} Durante este tiempo, el retrato de compromiso se popularizó, una especialidad particular de Lorenzo Lotto . ^{[ 38 ]} Durante el Renacimiento temprano, los retratos eran generalmente pequeños y a veces estaban cubiertos con tapas protectoras, con bisagras o corredizas. ^{[ 39 ]}

Durante el Renacimiento, la nobleza florentina y milanesa, en particular, deseaba representaciones más realistas de sí mismos. El reto de crear retratos convincentes de cuerpo entero y de tres cuartos impulsó la experimentación y la innovación. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi , Leonardo da Vinci y otros artistas ampliaron su técnica en consecuencia, incorporando el retrato a temas religiosos y clásicos tradicionales. Leonardo y Pisanello fueron de los primeros artistas italianos en añadir símbolos alegóricos a sus retratos profanos. ^{[ 37 ]}

Uno de los retratos más conocidos del mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa , llamada así por Lisa del Giocondo , ^{[ 40 ] [ 41 ] [ 42 ]} miembro de la familia Gherardini de Florencia y Toscana y esposa del acaudalado comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. La famosa «sonrisa de la Mona Lisa» es un excelente ejemplo de cómo aplicar una sutil asimetría a un rostro. En sus cuadernos, Leonardo aconseja sobre las cualidades de la luz en la pintura de retratos:

Se añade un alto grado de gracia, gracias al juego de luces y sombras, a los rostros de quienes se sientan en los umbrales de habitaciones oscuras. Allí, los ojos del observador perciben la parte sombreada del rostro, oculta por las sombras de la habitación, y la parte iluminada, con el brillo que le confiere el aire. Mediante este aumento de luces y sombras, el rostro adquiere mayor relieve. ^{[ 43 ]}

Leonardo fue alumno de Verrocchio . Tras ingresar en el Gremio de Pintores, comenzó a aceptar encargos independientes. Debido a sus amplios intereses y a su mentalidad científica, su producción de dibujos y estudios preliminares es inmensa, aunque su obra artística terminada es relativamente escasa. Entre sus retratos más memorables se encuentran los de las nobles Ginevra de' Benci y Cecilia Gallerani . ^{[ 44 ]}

Los retratos por encargo de Rafael que se conservan son mucho más numerosos que los de Leonardo, y muestran una mayor variedad de poses, iluminación y técnica. En lugar de producir innovaciones revolucionarias, el gran logro de Rafael fue fortalecer y refinar las corrientes en evolución del arte renacentista. ^{[ 45 ]} Era particularmente experto en el retrato de grupo. Su obra maestra, La Escuela de Atenas, es uno de los frescos de grupo más importantes, que contiene retratos de Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y el propio Rafael, disfrazados de filósofos antiguos. ^{[ 46 ]} No fue el primer retrato de grupo de artistas. Décadas antes, Paolo Uccello había pintado un retrato de grupo que incluía a Giotto , Donatello , Antonio Manetti y Brunelleschi . ^{[ 34 ]} A medida que ganaba prominencia, Rafael se convirtió en uno de los retratistas favoritos de los papas. Si bien muchos artistas del Renacimiento aceptaban con entusiasmo los encargos de retratos, algunos los rechazaban, sobre todo el rival de Rafael , Miguel Ángel , quien en su lugar emprendió los enormes encargos de la Capilla Sixtina . ^{[ 37 ]}

En Venecia, alrededor de 1500, Gentile Bellini y Giovanni Bellini dominaban la pintura de retratos. Recibían los encargos más importantes de los principales funcionarios del estado. El retrato del Dux Loredan, obra de Bellini, se considera uno de los mejores retratos del Renacimiento y demuestra con maestría el dominio del artista de las nuevas técnicas de la pintura al óleo. ^{[ 47 ]} Bellini fue también uno de los primeros artistas en Europa en firmar sus obras, aunque rara vez las fechaba. ^{[ 48 ]} Más tarde, en el siglo XVI, Tiziano asumió un papel muy similar, en particular al ampliar la variedad de poses y posturas de sus modelos reales. Tiziano fue quizás el primer gran retratista infantil. ^{[ 49 ]} Después de Tiziano, Tintoretto y Veronese se convirtieron en destacados artistas venecianos, contribuyendo a la transición al Manierismo italiano . Los Manieristas aportaron muchos retratos excepcionales que enfatizaban la riqueza material y poses elegantemente complejas, como en las obras de Agnolo Bronzino y Jacopo da Pontormo . Bronzino se hizo famoso retratando a la familia Medici . Su audaz retrato de Cosimo I de' Medici muestra al austero gobernante con armadura y una mirada cautelosa hacia su extremo derecho, en marcado contraste con la mayoría de las pinturas reales que muestran a sus retratados como soberanos benévolos. ^{[ 50 ]} El Greco , quien se formó en Venecia durante doce años, tomó una dirección más extrema después de su llegada a España, enfatizando su "visión interior" del retratado hasta el punto de disminuir la realidad de la apariencia física. ^{[ 51 ]} Una de las mejores retratistas de la Italia del siglo XVI fue Sofonisba Anguissola de Cremona, quien infundió a sus retratos individuales y grupales nuevos niveles de complejidad.

El retrato cortesano en Francia comenzó cuando el artista flamenco Jean Clouet pintó su opulento retrato de Francisco I de Francia alrededor de 1525. ^{[ 52 ]} El rey Francisco fue un gran mecenas de los artistas y un coleccionista de arte codicioso que invitó a Leonardo da Vinci a vivir en Francia durante sus últimos años. La Mona Lisa permaneció en Francia después de la muerte de Leonardo. ^{[ 52 ]}

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  Pisanello , quizás Ginevra d'Este , c. 1440
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  Joven, de Sandro Botticelli , c. 1483. Una pose temprana de rostro completo en Italia.
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  Posiblemente Rafael , c. 1518, Isabel de Requesens . El estilo y el formato del Alto Renacimiento influyeron enormemente en los grandes retratos posteriores.
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  Christiane von Eulenau por Lucas Cranach el Viejo , 1534
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  Lucrecia Panciatichi de Bronzino , 1540
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  El Papa Pablo III y sus nietos , Tiziano , 1546
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  Maarten van Heemskerck (1498-1574), familia de Pieter Jan Foppesz , antes de c.1532, considerado el primer retrato familiar del retrato holandés. ^{[ 53 ]}
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  Carlos V, de Tiziano , 1548, un retrato ecuestre fundamental .
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  El retrato de la Armada de Isabel I , c. 1588. El retrato estilizado de Isabel I de Inglaterra fue único en Europa.
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  Retrato de un cardenal , probablemente Fernando Niño de Guevara , El Greco , c. 1600

Durante los periodos barroco y rococó (siglos XVII y XVIII, respectivamente), los retratos adquirieron aún mayor importancia como testimonios de estatus y posición social. En una sociedad cada vez más dominada por líderes seculares en cortes poderosas, las imágenes de figuras ricamente ataviadas servían para afirmar la autoridad de individuos importantes. Los pintores flamencos Sir Anthony van Dyck y Peter Paul Rubens destacaron en este tipo de retratos, mientras que Jan Vermeer retrató principalmente a la clase media, en escenas de trabajo y ocio en el interior de sus hogares. El retrato que Rubens se hizo de sí mismo y de su primera esposa (1609) con sus trajes de boda es un ejemplo magistral del retrato de pareja. ^{[ 54 ]}

La fama de Rubens trascendió su arte: fue cortesano, diplomático, coleccionista de arte y un exitoso hombre de negocios. Su taller fue uno de los más extensos de la época, con especialistas en bodegones, paisajes, escenas de animales y género, además de retratos. Van Dyck se formó allí durante dos años. ^{[ 55 ]} Carlos I de Inglaterra contrató primero a Rubens y luego contrató a Van Dyck como pintor de la corte, nombrándolo caballero y otorgándole un estatus cortesano. Van Dyck no solo adoptó los métodos de producción y las habilidades comerciales de Rubens, sino también sus elegantes modales y apariencia. Como se registró: «Siempre iba magníficamente vestido, tenía un numeroso y elegante séquito, y mantenía una mesa tan noble en su habitación que pocos príncipes no recibían más visitas o mejor servicio». ^{[ 56 ]} En Francia, Hyacinthe Rigaud dominó de manera similar, como un notable cronista de la realeza, pintando los retratos de cinco reyes franceses. ^{[ 57 ]}

Una de las innovaciones del arte renacentista fue la mejora en la representación de las expresiones faciales para acompañar diferentes emociones. En particular, el pintor holandés Rembrandt exploró las múltiples expresiones del rostro humano, especialmente como uno de los principales autorretratos (de los cuales pintó más de 60 a lo largo de su vida). ^{[ 58 ]} Este interés por el rostro humano también impulsó la creación de las primeras caricaturas, atribuidas a la Accademia degli Incamminati , dirigida por pintores de la familia Carracci a finales del siglo XVI en Bolonia, Italia.

Durante el período barroco, se produjeron numerosos retratos de grupo, especialmente en los Países Bajos. A diferencia del resto de Europa, los artistas neerlandeses no recibieron encargos de la Iglesia calvinista, que había prohibido tales imágenes, ni de la aristocracia, prácticamente inexistente. En cambio, los encargos provenían de asociaciones cívicas y empresariales. El pintor neerlandés Frans Hals utilizó pinceladas fluidas y colores vivos para dar vida a sus retratos de grupo, incluidos los de la guardia civil a la que pertenecía. Rembrandt se benefició enormemente de estos encargos y de la apreciación general del arte por parte de la clientela burguesa, que apoyaba tanto el retrato como la pintura de bodegones y paisajes. Además, en aquella época florecieron en los Países Bajos los primeros mercados importantes de arte y de comerciantes. ^{[ 59 ]}

Con una gran demanda, Rembrandt pudo experimentar con composiciones y técnicas poco convencionales, como el claroscuro . Demostró estas innovaciones, iniciadas por maestros italianos como Caravaggio , sobre todo en su famosa Ronda de noche (1642). ^{[ 60 ]} La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632) es otro excelente ejemplo del dominio de Rembrandt en la pintura de grupo, en la que baña el cadáver con una luz brillante para atraer la atención hacia el centro del cuadro, mientras que la ropa y el fondo se funden en negro, haciendo que los rostros del cirujano y los estudiantes resalten. Es también el primer cuadro que Rembrandt firmó con su nombre completo. ^{[ 61 ]}

En España, Diego Velázquez pintó Las Meninas (1656), uno de los retratos de grupo más famosos y enigmáticos de todos los tiempos. Conmemora al artista y a los hijos de la familia real española, y aparentemente los retratados son los reyes, que solo se ven reflejados en un espejo. ^{[ 62 ]} Aunque comenzó principalmente como pintor de género, Velázquez ascendió rápidamente a la fama como pintor de la corte de Felipe IV , destacando en el arte del retrato, en particular al aumentar la complejidad de los retratos de grupo. ^{[ 63 ]}

Los artistas rococó, particularmente interesados ​​en la ornamentación rica y elaborada, fueron maestros del retrato refinado. Su atención a los detalles de la vestimenta y la textura aumentó la eficacia de los retratos como testimonios de riqueza mundana, como lo demuestran los famosos retratos de Madame de Pompadour, obra de François Boucher, ataviada con vaporosos vestidos de seda.

Los primeros grandes retratistas nativos de la escuela británica fueron los pintores ingleses Thomas Gainsborough y Sir Joshua Reynolds , quienes también se especializaron en vestir a sus modelos de manera llamativa. El Niño Azul de Gainsborough es uno de los retratos más famosos y reconocidos de todos los tiempos, pintado con pinceles muy largos y pintura al óleo diluida para lograr el efecto brillante del traje azul. ^{[ 65 ]} Gainsborough también se destacó por sus elaborados fondos para sus modelos.

Los dos artistas británicos tenían opiniones opuestas sobre el uso de asistentes. Reynolds los empleaba con regularidad (a veces realizando él mismo solo el 20 por ciento de la pintura), mientras que Gainsborough rara vez lo hacía. ^{[ 66 ]} A veces, un cliente obtenía una promesa del artista, como hizo Sir Richard Newdegate con el retratista Peter Lely (sucesor de van Dyck en Inglaterra), quien prometió que el retrato sería "dibujado de principio a fin con mis propias manos". ^{[ 67 ]} A diferencia de la exactitud empleada por los maestros flamencos, Reynolds resumió su enfoque del retrato afirmando que "la gracia, y, podríamos añadir, el parecido, consiste más en captar el aire general que en observar la similitud exacta de cada rasgo". ^{[ 68 ]} También fue prominente en Inglaterra William Hogarth , quien se atrevió a desafiar los métodos convencionales introduciendo toques de humor en sus retratos. Su "Autorretrato con carlino" es claramente más una visión humorística de su mascota que una pintura autocomplaciente. ^{[ 69 ]}

En el siglo XVIII, las pintoras adquirieron una nueva relevancia, especialmente en el campo del retrato. Entre las artistas femeninas más destacadas se encuentran la pintora francesa Élisabeth Vigée-Lebrun , la artista italiana de pastel Rosalba Carriera y la artista suiza Angelica Kauffman . Asimismo, durante ese siglo, antes de la invención de la fotografía, los retratos en miniatura —pintados con una precisión increíble y a menudo enmarcados en oro o medallones esmaltados— eran muy apreciados.

En Estados Unidos, John Singleton Copley , formado en el refinado estilo británico, se convirtió en el principal pintor de retratos de tamaño natural y miniaturas, siendo especialmente apreciados sus retratos hiperrealistas de Samuel Adams y Paul Revere . Copley también destaca por sus esfuerzos por fusionar el retrato con el arte, académicamente más venerado, de la pintura histórica , lo cual intentó con sus retratos grupales de militares famosos. ^{[ 70 ]} Igualmente famoso fue Gilbert Stuart , quien pintó más de 1000 retratos y fue especialmente conocido por sus retratos presidenciales. Stuart pintó más de 100 réplicas solo de George Washington . ^{[ 71 ]} Stuart trabajaba con rapidez y empleaba pinceladas más suaves y menos detalladas que Copley para capturar la esencia de sus sujetos. A veces hacía varias versiones para un cliente, permitiendo que el retratado eligiera su favorita. ^{[ 72 ]} Conocido por sus mejillas sonrosadas, Stuart escribió: «La carne no se parece a ninguna otra sustancia bajo el cielo. Tiene toda la alegría de la tienda del mercero de seda sin su ostentación de brillo, y toda la suavidad de la vieja caoba, sin su tristeza». ^{[ 73 ]} Otros destacados retratistas estadounidenses de la época colonial fueron John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale y Rembrandt Peale .

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  Felipe IV vestido de marrón y plata , Diego Velázquez , 1632
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  Sir Kenelm Digby, obra de Anthony van Dyck , c. 1640.
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  Rembrandt van Rijn , Retrato de Jan Six , 1654
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  Gerrit Sichterman, de Cornelis Troost , 1725
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  Pastel de Madame de Pompadour , Maurice Quentin de La Tour , mediados del siglo XVIII.
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  Tomás Kerrich (1748-1828), de Pompeo Batoni
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  John Durand, Los niños Rapalje , 1768, Sociedad Histórica de Nueva York , Ciudad de Nueva York
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  John Singleton Copley , Paul Revere , 1770

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas neoclásicos continuaron la tradición de representar a sus personajes con las últimas modas, que para las mujeres en aquel entonces significaban vestidos diáfanos inspirados en la indumentaria de la antigua Grecia y Roma. Los artistas utilizaban la luz dirigida para definir la textura y la sencilla redondez de rostros y extremidades. Los pintores franceses Jacques-Louis David y Jean-Auguste-Dominique Ingres demostraron virtuosismo en esta técnica de dibujo, así como una aguda percepción del carácter. Ingres, alumno de David, destaca por sus retratos en los que pinta un espejo detrás del sujeto para simular una vista posterior. ^{[ 74 ]} Su retrato de Napoleón en su trono imperial es una obra maestra del retrato regio. (Véase la galería a continuación).

Los artistas románticos que trabajaron durante la primera mitad del siglo XIX pintaron retratos de líderes inspiradores, mujeres hermosas y sujetos agitados, utilizando pinceladas vivaces y una iluminación dramática, a veces melancólica. Los artistas franceses Eugène Delacroix y Théodore Géricault pintaron retratos particularmente buenos de este tipo, especialmente de jinetes apuestos. ^{[ 75 ]} Un ejemplo notable de artista del período romántico en Polonia , que practicó el retrato de jinetes fue Piotr Michałowski (1800–1855). También es notable la serie de retratos de pacientes mentales de Géricault (1822–1824). El pintor español Francisco de Goya pintó algunas de las imágenes más inquietantes y provocativas del período, incluyendo La maja desnuda (c. 1797–1800), así como los famosos retratos de la corte de Carlos IV .

Los artistas realistas del siglo XIX, como Gustave Courbet , crearon retratos objetivos que representaban a personas de clase baja y media. Demostrando su romanticismo, Courbet pintó varios autorretratos que lo mostraban en diversos estados de ánimo y expresiones. ^{[ 76 ]} Otros realistas franceses incluyen a Honoré Daumier , quien produjo muchas caricaturas de sus contemporáneos. Henri de Toulouse-Lautrec documentó a algunos de los artistas más famosos del teatro, incluyendo a Jane Avril, capturándolos en movimiento. ^{[ 77 ]} El pintor francés Édouard Manet fue un importante artista de transición cuya obra oscila entre el realismo y el impresionismo . Fue un retratista de perspicacia y técnica excepcionales, siendo su pintura de Stéphane Mallarmé un buen ejemplo de su estilo de transición. Su contemporáneo Edgar Degas fue principalmente un realista y su pintura Retrato de la familia Bellelli es una representación perspicaz de una familia infeliz y uno de sus mejores retratos. ^{[ 78 ]}

En Estados Unidos, Thomas Eakins reinó como el retratista más destacado, llevando el realismo a un nuevo nivel de franqueza, especialmente con sus dos retratos de cirujanos trabajando, así como con los de atletas y músicos en acción. En muchos retratos, como el «Retrato de la Sra. Edith Mahon», Eakins transmite con audacia las emociones poco halagadoras de tristeza y melancolía. ^{[ 79 ]}

Los realistas cedieron en su mayoría el paso a los impresionistas hacia la década de 1870. En parte debido a sus escasos ingresos, muchos impresionistas dependían de familiares y amigos para posar para ellos, y pintaban grupos íntimos y figuras individuales tanto al aire libre como en interiores luminosos. Conocidos por sus superficies brillantes y ricas pinceladas, los retratos impresionistas suelen ser sorprendentemente íntimos y atractivos. Los pintores franceses Claude Monet y Pierre-Auguste Renoir crearon algunas de las imágenes más populares de personas y grupos. La artista estadounidense Mary Cassatt , que se formó y trabajó en Francia, sigue siendo popular hoy en día por sus cautivadoras pinturas de madres e hijos, al igual que Renoir. ^{[ 80 ]} Paul Gauguin y Vincent van Gogh , ambos postimpresionistas , pintaron retratos reveladores de personas que conocían, llenos de color pero no necesariamente halagadores. Son igualmente, o incluso más, célebres por sus poderosos autorretratos.

John Singer Sargent también abarcó el cambio de siglo, pero rechazó el impresionismo y el postimpresionismo explícitos. Fue el retratista más exitoso de su época, utilizando una técnica mayoritariamente realista a menudo impregnada del brillante uso del color. Era igualmente hábil en retratos individuales y grupales, particularmente de familias de clase alta. Sargent nació en Florencia, Italia, de padres estadounidenses. Estudió en Italia y Alemania, y en París. Sargent es considerado el último gran exponente de la tradición del retrato británico que comenzó con van Dyck. ^{[ 80 ]} Otro destacado retratista estadounidense que se formó en el extranjero fue William Merritt Chase . La pintora de la sociedad estadounidense Cecilia Beaux , llamada la "Sargent femenina", nació de padre francés, estudió en el extranjero y obtuvo éxito en su país, manteniéndose fiel a los métodos tradicionales. Otro retratista comparado con Sargent por su exuberante técnica fue el artista parisino de origen italiano Giovanni Boldini , amigo de Degas y Whistler .

El internacionalista estadounidense James Abbott McNeill Whistler estaba bien relacionado con artistas europeos y también pintó algunos retratos excepcionales, el más famoso de los cuales es su Arreglo en gris y negro, La madre del artista (1871), también conocido como La madre de Whistler . ^{[ 81 ]} Incluso en sus retratos, como en sus paisajes tonales, Whistler quería que sus espectadores se centraran en la disposición armónica de la forma y el color en sus pinturas. Whistler utilizó una paleta sobria para crear los efectos deseados, enfatizando el equilibrio del color y los tonos suaves. Como afirmó, "así como la música es la poesía del sonido, la pintura es la poesía de la vista, y el tema no tiene nada que ver con la armonía del sonido o del color". ^{[ 82 ]} La forma y el color también fueron centrales en los retratos de Cézanne , mientras que el color y la técnica de pincelada aún más extremos dominan los retratos de André Derain y Henri Matisse . ^{[ 83 ]}

El desarrollo de la fotografía en el siglo XIX tuvo un efecto significativo en el retrato, suplantando la cámara oscura anterior , que también se había utilizado previamente como ayuda en la pintura. Muchos modernistas acudieron en masa a los estudios fotográficos para hacerse retratos, incluido Baudelaire , quien, aunque proclamó la fotografía como una "enemiga del arte", se sintió atraído por la franqueza y el poder de la fotografía. ^{[ 84 ]} Al proporcionar una alternativa económica, la fotografía suplantó gran parte del nivel más bajo de la pintura de retratos. Algunos artistas realistas, como Thomas Eakins y Edgar Degas , se entusiasmaron con la fotografía y la encontraron una ayuda útil para la composición. Desde los impresionistas en adelante, los retratistas encontraron una miríada de maneras de reinterpretar el retrato para competir eficazmente con la fotografía. ^{[ 85 ]} Sargent y Whistler fueron algunos de los que se estimularon a expandir su técnica para crear efectos que la cámara no podía capturar.

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  Francisco de Goya , Carlos IV de España y su familia , 1800–1801
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  Jean Auguste Dominique Ingres , retrato de Napoleón en su trono imperial , 1806, Musée de l'Armée , París
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  Jacques-Louis David , El emperador Napoleón en su estudio de las Tullerías (1812), Galería Nacional de Arte , Washington, D.C.
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  Gustave Courbet , Retrato de Charles Baudelaire , 1848
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  Pierre-Auguste Renoir , Retrato de Alfred Sisley , 1868
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  Pedro Américo , Discurso del Trono . Retrato de Pedro II de Brasil en la inauguración de la Asamblea General, 1872, Museo Imperial de Brasil , Petrópolis.
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  Edgar Degas , Retrato de la señorita Cassatt , sentada, sosteniendo cartas , 1876-1878
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  John Singer Sargent , Retrato de Robert Louis Stevenson , 1887
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  Paul Gauguin , El pintor de girasoles , Retrato de Vincent van Gogh , 1888
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  Vincent van Gogh , Retrato del doctor Gachet (primera versión), 1890

Otros artistas de principios del siglo XX también ampliaron el repertorio del retrato en nuevas direcciones. El artista fauvista Henri Matisse produjo retratos poderosos utilizando colores no naturalistas, incluso chillones, para los tonos de piel. Cézanne se basó en formas muy simplificadas en sus retratos, evitando el detalle y enfatizando las yuxtaposiciones de color. ^{[ 87 ]} El estilo único del austriaco Gustav Klimt aplicó motivos bizantinos y pintura dorada a sus memorables retratos. Su alumno Oskar Kokoschka fue un importante retratista de la clase alta vienesa. El prolífico artista español Pablo Picasso pintó muchos retratos, incluyendo varias representaciones cubistas de sus amantes, en las que la semejanza del sujeto está groseramente distorsionada para lograr una declaración emocional que va mucho más allá de los límites de la caricatura normal. ^{[ 88 ]} Una destacada retratista femenina de principios del siglo XX, asociada con el impresionismo francés , fue Olga Boznańska (1865-1940). Los pintores expresionistas proporcionaron algunos de los estudios psicológicos más inquietantes y convincentes jamás producidos. Artistas alemanes como Otto Dix y Max Beckmann produjeron ejemplos notables de retratos expresionistas. Beckmann fue un prolífico autorretrato, produciendo al menos veintisiete. ^{[ 89 ]} Amedeo Modigliani pintó muchos retratos en su estilo alargado que menospreciaba la "persona interior" en favor de estudios estrictos de forma y color. Para ayudar a lograr esto, restó importancia a los ojos y cejas normalmente expresivos hasta el punto de convertirlos en rendijas negras y arcos simples. ^{[ 90 ]}

El arte británico estuvo representado por los vorticistas , quienes pintaron algunos retratos notables a principios del siglo XX. El pintor dadaísta Francis Picabia realizó numerosos retratos con su estilo único. Además, los retratos de Tamara de Lempicka capturaron con éxito la era Art Déco con sus curvas estilizadas, colores intensos y ángulos definidos. En Estados Unidos, Robert Henri y George Bellows fueron excelentes retratistas de las décadas de 1920 y 1930, pertenecientes a la escuela realista estadounidense. Max Ernst produjo un ejemplo de retrato colegial moderno con su pintura de 1922, Todos los amigos juntos . ^{[ 91 ]}

Una contribución significativa al desarrollo de la pintura de retrato entre 1930 y 2000 la realizaron artistas rusos, principalmente aquellos que trabajaban dentro de las tradiciones de la pintura realista y figurativa. Entre ellos cabe mencionar a Isaak Brodsky , Nikolai Fechin , Abram Arkhipov y otros. ^{[ 92 ]}

La producción de retratos en Europa (excluyendo Rusia) y América disminuyó en general durante las décadas de 1940 y 1950, como resultado del creciente interés por la abstracción y el arte no figurativo. Una excepción, sin embargo, fue Andrew Wyeth, quien se convirtió en el principal retratista realista estadounidense. En Wyeth, el realismo, aunque evidente, es secundario a las cualidades tonales y el ambiente de sus pinturas. Esto se demuestra claramente en su emblemática serie de cuadros conocida como las pinturas de "Helga", el mayor grupo de retratos de una sola persona realizado por un artista importante (247 estudios de su vecina Helga Testorf, vestida y desnuda, en diversos entornos, pintados entre 1971 y 1985). ^{[ 93 ]}

En las décadas de 1960 y 1970, se produjo un resurgimiento del retrato. Artistas ingleses como Lucian Freud (nieto de Sigmund Freud ) y Francis Bacon crearon pinturas impactantes. Los retratos de Bacon destacan por su cualidad onírica. En mayo de 2008, el retrato de Freud de 1995, Benefits Supervisor Sleeping, fue vendido en subasta por Christie's en Nueva York por 33,6 millones de dólares, estableciendo un récord mundial para el precio de venta de una pintura de un artista vivo. ^{[ 94 ]}

Muchos artistas estadounidenses contemporáneos, como Andy Warhol , Alex Katz y Chuck Close , han hecho del rostro humano un elemento central de su obra.

Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. Su pintura Orange Shot Marilyn, de Marilyn Monroe, es un ejemplo icónico de su obra temprana de la década de 1960, y Orange Prince (1984), del cantante pop Prince , es un ejemplo posterior; ambas exhiben el estilo gráfico único de Warhol en el retrato. ^{[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ] [ 98 ]}

La especialidad de Close eran los enormes retratos hiperrealistas de cabezas, del tamaño de una pared, basados ​​en imágenes fotográficas. Jamie Wyeth continúa la tradición realista de su padre, Andrew, creando retratos famosos cuyos sujetos van desde presidentes hasta cerdos.

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  Henri Matisse , La franja verde , Retrato de Madame Matisse , 1905
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  Olga Boznańska , Autorretrato , 1906, Museo Nacional de Varsovia
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  Umberto Boccioni , Autorretrato , 1906
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  Gustav Klimt , Retrato de Adele Bloch-Bauer I , 1907
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  Pablo Picasso , Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler , 1910, Instituto de Arte de Chicago.
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  Juan Gris , Retrato de Pablo Picasso , 1912
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  Amedeo Modigliani , Retrato de Chaïm Soutine , 1916
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  Boris Grigoriev , Retrato de Vsevolod Meyerhold , 1916
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  Boris Kustodiev , Kapitsa y Semyonov , 1921

La tradición miniatura persa evitó durante mucho tiempo dotar a las figuras de rasgos faciales individualizados, en parte por motivos religiosos, para evitar cualquier indicio de idolatría . Los gobernantes del mundo islámico nunca plasmaron sus imágenes en las monedas, y su apariencia no formaba parte de sus relaciones públicas como ocurría en Occidente. Incluso cuando es evidente que una escena muestra la corte del príncipe que encargó la obra, los rasgos de la figura principal presentan las mismas características, de aspecto más bien chino, que las del resto. Esta arraigada convención parece tener su origen en los inicios de la tradición miniatura bajo los Iljánidas mongoles , pero perduró mucho tiempo después de su muerte.

Cuando la tradición persa se desarrolló como la miniatura mogol en la India, las cosas cambiaron rápidamente. A diferencia de sus predecesores persas, los mecenas mogoles pusieron gran énfasis en los retratos naturalistas y detallados de todas las formas naturales desconocidas de su nuevo imperio, como animales, aves y plantas. Tenían la misma actitud hacia el retrato humano, y los retratos individuales, normalmente de perfil, se convirtieron en un rasgo importante de la tradición. Esto recibió un énfasis particular bajo el emperador Akbar el Grande , quien parece haber sido disléxico y apenas sabía leer ni escribir. Mandó hacer un gran álbum ( muraqqa ) con retratos de todos los miembros principales de su enorme corte, y lo utilizó al considerar nombramientos en todo el imperio con sus consejeros. ^{[ 99 ]}

Los emperadores posteriores, especialmente Jahangir y Shah Jahan , hicieron un amplio uso de retratos en miniatura idealizados de sí mismos como forma de propaganda, distribuyéndolos entre aliados importantes. Estos retratos solían presentar aureolas más grandes que las que se otorgaban a cualquier figura religiosa. Dichas imágenes difundieron la idea del retrato del gobernante a cortes menores, de modo que, para el siglo XVIII, muchos pequeños rajás mantenían artistas de corte que los retrataban disfrutando de actividades principescas en imágenes bastante estilizadas que combinaban una sensación de informalidad y majestuosidad.

Las miniaturas otomanas generalmente presentaban figuras con rostros aún menos individualizados que sus equivalentes persas, pero se desarrolló un género de pequeños retratos de varones de la familia imperial. Estos retratos tenían rasgos muy individuales y bastante exagerados, algunos rozando la caricatura ; probablemente solo los veía un círculo muy reducido.

La dinastía persa Qajar , a partir de 1781, adoptó la técnica de los grandes retratos reales al óleo, así como las miniaturas y los tapices textiles. Estos últimos suelen estar dominados por los magníficos trajes y las largas barbas de los shahs.

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  Sultán otomano Selim II , c. 1570
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  Dama, obra de Nainsukh , pintor de la corte del pequeño estado rajput de Jasrota , década de 1750. Pintura pahari .
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  Shah Fath Ali Shah , por Mihr 'Ali , c. 1813

La pintura de retratos china tardó en buscar o lograr una semejanza real. Muchos "retratos" representaban a figuras famosas del pasado y mostraban una idea de cómo deberían verse. El clero budista, especialmente en la escultura, constituía una excepción. Los retratos del emperador nunca se exhibieron en público, en parte por temor a que un trato inapropiado pudiera deshonrar al emperador o incluso traerle mala suerte. Los ministros de mayor rango tenían permitido, una vez al año, rendir homenaje a las imágenes de la galería imperial de retratos de ancestros , como un honor especial.

Durante la dinastía Han , el auge del confucianismo , que consideraba al ser humano como el centro del universo y de la sociedad, propició un mayor interés en el estudio de la psicología. Paralelamente, los eruditos taoístas iniciaron el estudio de la fisonomía . El interés combinado por las características psicológicas y físicas humanas impulsó el desarrollo de la biografía y el retrato. Los retratos pintados durante la dinastía Han se consideran prototipos de los primeros retratos chinos, la mayoría de los cuales se encuentran en las paredes de palacios, tumbas y santuarios. Por ejemplo, la figura grabada de un hombre hallada en una baldosa de una tumba del oeste de Henan, que data del siglo III a. C., evidencia la perspicacia del pintor y su deseo de crear figuras dinámicas. Sin embargo, la mayoría de los retratos murales representan figuras anónimas en plena conversación. A pesar de la vívida representación de los rasgos físicos y la expresión facial, debido a la falta de identidad y a su estrecha vinculación con el contexto narrativo, muchos estudiosos clasifican estas pinturas murales de la dinastía Han como «figuras de personajes en acción» en lugar de retratos reales de individuos específicos. ^{[ 100 ]}

La dinastía Jin fue uno de los periodos más turbulentos de la historia antigua china. Tras décadas de guerras entre los tres estados de Wei , Shu y Wu , desde el 184 hasta el 280 d. C., Sima Yan fundó la dinastía Jin Occidental en el 266 d. C. El entorno sociopolítico inestable y el declive de la autoridad imperial propiciaron una transición del confucianismo al neotaoísmo . A medida que florecía la actitud de romper con la jerarquía social y el decoro, la autoexpresión y el individualismo comenzaron a crecer entre la intelectualidad.

El relieve de hilo sobre azulejo, conocido como " Los Siete Sabios del Bosque de Bambú y Rong Qiqi", fue hallado en una tumba de ladrillo de la dinastía Jin en Nanjing . Mide 244 cm de largo y 89 cm de ancho, y está compuesto por más de 300 ladrillos. Es uno de los relieves de hilo mejor conservados de la dinastía Jin, lo que refleja una artesanía de alta calidad. El relieve consta de dos partes, cada una con cuatro retratos. Según los nombres inscritos junto a las figuras, de arriba abajo y de izquierda a derecha, las ocho figuras son Rong Qiqi , Ruan Xian , Liu Ling , Xiang Xiu , Ji Kang , Ruan Ji , Shan Tao y Wang Rong . Además de Rong Qiqi, las otras siete personas fueron eruditos neotaoístas de renombre de la dinastía Jin, conocidos como los " Siete Sabios del Bosque de Bambú ". Eran intelectuales eminentes, versados ​​en literatura, música o filosofía. El relieve representa una escena narrativa de ocho caballeros cultos sentados en el suelo de la arboleda, realizando diversas actividades. Las figuras aparecen en una postura relajada y absorta, vestidas con ropas holgadas y descalzas.

Las inscripciones de nombres históricamente registradas junto a las figuras hacen que la pintura en relieve funcione como "el retrato representa a personas específicas". ^{[ 101 ]} Además, los detalles iconográficos de cada figura basados ​​en la biografía proporcionan cierto grado de individualización. Por ejemplo, la biografía de Liu Ling en el Libro de Jin registra su obsesión con el alcohol. En la pintura en relieve, la figura de Liu Ling está sentada en una postura informal con una rodilla curvada y sostiene un erbei , un recipiente para alcohol, mientras sumerge la otra mano en la copa para probar la bebida. El retrato refleja la esencia de las características y el temperamento de Liu Ling. La figura de Ruan Xian, quien era famoso por sus talentos musicales según el Libro de Jin, toca una flauta en el retrato.

Gu Kaizhi , uno de los artistas más famosos de la dinastía Jin Oriental, enseñó cómo reflejar las características del retratado mediante la representación precisa de sus rasgos físicos en su libro Sobre la pintura . También hizo hincapié en la importancia de capturar el espíritu del retratado a través de la representación vívida de los ojos. ^{[ 100 ]}

Durante la dinastía Tang se observó un aumento en la humanización y personalización de la pintura de retratos. Debido a la influencia del budismo , los retratos adoptaron rasgos más realistas, especialmente en los retratos de monjes. La creencia en la "incorruptibilidad temporal" del cuerpo inmortal en el budismo Mahayana vinculaba la presencia en una imagen con la presencia en la realidad. Un retrato se consideraba la encarnación visual y el sustituto de una persona real. Por lo tanto, la semejanza fiel era muy valorada en las pinturas y estatuas de budistas. ^{[ 100 ]} Por el contrario, los retratos en los murales de las tumbas valoraban la cualidad espiritual: la "animación a través de la consonancia espiritual" ( qi yun shen tong ). ^{[ 102 ]}

El emperador Taizong , segundo emperador de la dinastía Tang, utilizó retratos para legitimar la sucesión y consolidar su poder. Encargó el Rollo de los Trece Emperadores, que contiene los retratos de trece emperadores de dinastías anteriores en orden cronológico. El denominador común entre los emperadores seleccionados era que eran hijos de los fundadores de las dinastías. Dado que el padre del emperador Taizong, el emperador Gaozu , fue el fundador de la dinastía Tang, la elección de emperadores anteriores en una posición similar a la suya sirvió como alusión política. Su sucesión estaba en entredicho y era objeto de críticas, ya que había asesinado a dos de sus hermanos y obligado a su padre a cederle el trono. Al encargar los retratos colectivos de los emperadores anteriores, pretendía legitimar la transmisión del reinado. Además, la diferencia en la vestimenta de los emperadores retratados implicaba la opinión del emperador Taizong sobre ellos. Los emperadores retratados con vestimenta informal eran considerados ejemplos de malos gobernantes, como aquellos considerados débiles o violentos, mientras que los que vestían de gala eran vistos como ejemplos de logros civiles o militares. El encargo fue un método indirecto del emperador Taizong para proclamar que sus logros habían superado a los de los emperadores anteriores. El emperador Taizong también encargó una serie de retratos de famosos eruditos e intelectuales antes de convertirse en emperador. Intentó ganarse la amistad de los intelectuales colocando los retratos en la pared del Pabellón Pingyan como muestra de respeto. Los retratos también servían como prueba de que había obtenido apoyo político de los famosos eruditos retratados, para intimidar a sus oponentes. Durante su reinado, el emperador Taizong encargó retratos de sí mismo recibiendo ofrendas de los embajadores de los países extranjeros conquistados para celebrar y publicitar sus logros militares. ^{[ 103 ]}

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  Retrato del emperador Wen de Sui del Rollo de los Trece Emperadores , atribuido a Yan Liben , c. siglo VII.
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  Retrato de Confucio, obra de Wu Daozi , c. siglo VIII .
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  Retrato de Ańgaja perteneciente a un conjunto que representa a los Dieciséis Arhats atribuidos a Guanxiu , c. siglos IX-X
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  Ofrenda de la esposa del gobernador en las cuevas de Mogao , que representa a la esposa y las dos hijas del gobernador del condado de Jinchang, junto con nueve doncellas , c. 742–756.
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  Retrato del rey Viśa' Saṃbhava de Jotan y su reina consorte Cao Yijin en las cuevas de Mogao, c. siglo X.

Durante la dinastía Song , el emperador Gaozong encargó retratos de Confucio y setenta y dos discípulos sobre fondo blanco con una inscripción manuscrita suya. Las figuras fueron representadas con trazos vívidos y gestos dinámicos, y sus expresiones faciales se plasmaron con un carácter narrativo. El retrato de los santos y sus discípulos se encontró en una tablilla de piedra en la pared de la Universidad Imperial como código moral para la educación de los estudiantes. Sin embargo, los estudiosos argumentaron que el verdadero propósito del emperador Gaozong al encargar estos retratos era anunciar que sus políticas se apoyaban en el confucianismo, así como su control sobre la herencia confuciana. ^{[ 104 ]}

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  Detalle de Retratos de Confucio y setenta y dos discípulos, c. siglo XII .
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  Retrato sedente del emperador Taizu de Song , fundador de la dinastía Song, c. siglo X.
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  Retrato de corte de la emperatriz Renhuai , esposa del emperador Qinzong , c. siglo XII .
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  Retrato del Magu Inmortal , atribuido a Ma Hezhi (activo entre 1131 y 1189), aunque posiblemente realizado en una fecha posterior.
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  Retrato de Yu el Grande, obra de Ma Lin , c. 1225–1264.
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  Retrato del budista zen Wuzhun Shifan , 1238
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  Retrato de Laozi por Muqi , c. 1225-1264

La dinastía Yuan marcó un punto de inflexión en la historia china. Tras la conquista de la China continental por el Imperio mongol y el fin de la dinastía Song, la intelectualidad tradicional china se enfrentó al dilema de elegir entre el aislamiento del gobierno extranjero o la búsqueda de nuevas carreras políticas. Los retratos de "hombres de cultura" ( wen ren hua ) de ese período reflejan este dilema. Por ejemplo, el Retrato de Yang Qian lo representa de pie en un bosque de bambú. Si bien el bambú simboliza su rectitud moral, el espacio semicerrado y semiabierto del fondo alude a su posibilidad de elegir entre el aislamiento y el servicio al gobierno mongol. ^{[ 105 ]}

En cuanto a los retratos imperiales, el Retrato de Kublai y el Retrato de Chabi , realizados por el pintor imperial mongol Araniko en 1294, reflejan la fusión de las técnicas tradicionales chinas de retrato imperial con la estética himalaya-mongola. Kublai Khan fue retratado como un anciano, mientras que la emperatriz Chabi fue representada en su juventud, ambos ataviados con trajes imperiales mongoles tradicionales. Araniko adoptó la técnica china de delinear la figura con tinta y reforzarla con color, mientras que los reflejos en las joyas de Chabi, con el mismo tono pero de menor intensidad, evidencian una continuación del estilo himalayo. La orientación frontal de los retratados y sus pupilas centradas generan un impacto visual directo en el espectador, reflejo de la estética y el estilo nepalíes. La composición altamente simétrica y la representación rígida del cabello y la vestimenta se diferencian del estilo pictórico de la dinastía Song. Hay poca implicación sobre el mérito moral de los retratados o su personalidad, lo que indica un distanciamiento del pintor respecto del retratado, lo cual contradice el énfasis de la dinastía Song en la captura del espíritu. ^{[ 106 ]}

Durante la dinastía Qing , se importó a China el retrato de la corte europea del siglo XVIII, que representaba a los aristócratas realizando diversas actividades con distintos atuendos. El emperador Yongzheng y su hijo, el emperador Qianlong , encargaron varios retratos de este tipo con diversas implicaciones políticas. En la mayoría de los retratos del emperador Yongzheng, este viste trajes exóticos, como el traje de un caballero europeo. La ausencia de inscripciones en el retrato deja su intención en la incertidumbre, pero algunos estudiosos creen que el atuendo exótico refleja su interés por la cultura extranjera y su deseo de gobernar el mundo. En contraste con la actitud ambigua del emperador Yongzheng, el emperador Qianlong escribió inscripciones en sus retratos para anunciar su filosofía del "Método de Gobierno", que consistía en ocultar y engañar para que sus subordinados y enemigos no pudieran descifrar sus estrategias. En comparación con el entusiasmo del emperador Yongzheng por los trajes exóticos, el emperador Qianlong mostró mayor interés en los trajes tradicionales chinos, como vestirse de erudito confuciano, sacerdote taoísta y monje budista, lo que manifiesta su deseo de conquistar la herencia tradicional china.

El emperador Qianlong encargó el cuadro «Mensaje de paz de primavera» tras heredar el trono de su padre. Se trata de un retrato doble en el que aparecen él y su padre vestidos con atuendos de eruditos confucianos en lugar de las túnicas manchúes tradicionales, de pie uno al lado del otro junto a bambúes. Los estudiosos creen que el encargo tenía como objetivo legitimar su sucesión al trono, enfatizando la similitud física entre él y su padre, como la estructura facial, la vestimenta y el peinado idénticos. El bosque de bambú al fondo simboliza su rectitud moral, propia del confucianismo tradicional. El retrato representa al emperador Yongzheng, de mayor tamaño, entregando una rama florida al emperador Qianlong como metáfora política de la autoridad imperial para reinar. El emperador Qianlong también demostró su piedad filial, propia del confucianismo, mediante una pose modesta. ^{[ 107 ]}

El pintor jesuita Giuseppe Castiglione pasó 50 años en la corte imperial antes de su muerte en 1766, y fue pintor de la corte de tres emperadores. En sus retratos, al igual que en otros géneros, combinó aspectos del estilo tradicional chino con la pintura occidental contemporánea.

La pintura de retratos de mujeres en la antigua China, desde la dinastía Han hasta la dinastía Qing (206 a. C. – 1912), se desarrolló bajo la gran influencia de la cosmología patriarcal confuciana; sin embargo, el tema y el estilo variaron según la cultura de cada dinastía.

Durante la dinastía Han (206 a. C. – 220 d. C.), las mujeres en los retratos se representaban principalmente como un arquetipo, más que como una figura individual. El tema principal eran las mujeres ejemplares idealizadas ( lie nü ), cuyas virtudes, inspiradas en el confucianismo, eran la castidad y la triple obediencia ( san cong ) al padre, al esposo y al hijo. El rollo de Gu Kaizhi titulado «Mujeres ejemplares» (lie nü tu) , creado poco después de la dinastía Han, representa este género.

Durante la dinastía Tang (618-906), las damas de palacio ( shi nü ) realizando tareas cotidianas o entreteniendo a los demás se convirtieron en un tema popular. Se valoraba la belleza y el encanto femenino de las damas de palacio, pero el tema permanecía indefinido bajo el nombre de "Damas de Palacio". Las características promovidas por el confucianismo, como la sumisión y la amabilidad, se englobaban como cánones de belleza y se enfatizaban en el retrato. Los pintores buscaban la exactitud y el parecido con la retratada, con el objetivo de revelar la pureza del alma.

Durante la dinastía Song (960-1279), se crearon retratos de mujeres basados ​​en poemas de amor escritos por poetas de la corte. Si bien se las representaba viviendo con lujo y en cómodas viviendas, las mujeres solían ser retratadas como solitarias y melancólicas, pues se sentían abandonadas o atrapadas en las tareas domésticas mientras sus maridos permanecían fuera, dedicados a sus carreras. Los escenarios comunes incluían senderos de jardín vacíos y divanes sin camas, lo que sugiere la ausencia de figuras masculinas. El fondo también incluía árboles en flor, asociados con la belleza, y plataneros, que simbolizaban la vulnerabilidad de la mujer.

Durante la dinastía Ming (1368-1644), la pintura literaria ( wenren hua ), que combinaba pintura, caligrafía y poesía, se popularizó entre las élites. La mayoría de las mujeres representadas en esta pintura eran figuras abstractas que servían como metáfora visual y permanecían sin personalidad. En la dinastía Qing (1644-1912), la pintura literaria adquirió mayor variedad en la pincelada y en el uso de colores brillantes. ^{[ 108 ]}

• 
  Retrato de Ho Bun (何斌), un erudito y burócrata de finales de la dinastía Ming , entre finales del siglo XVI y principios del siglo XVII, chino.
• 
  Tres bellezas de nuestros días, de Utamaro , 1793

• Jerarquía de géneros
• El retrato ahora
• Real Sociedad de Pintores de Retratos
• Richard Butler Bowdon

Referencias

Notas

• La columna "Notas de Arte" de The New Age del 28 de febrero de 1918 es un análisis minucioso de la lógica y la estética del retrato, realizado por BH Dias (seudónimo de Ezra Pound ), un marco de referencia esclarecedor para contemplar cualquier retrato, antiguo o moderno.

• Woodall, Joanna . Retratos: Enfrentando al sujeto . Manchester University Press , Manchester, 1997.
• West, S. Retrato (Historia del Arte de Oxford) , Oxford: Oxford University Press , 2004
• Brilliant, R. Retrato (Ensayos sobre arte y cultura) , Cambridge: Harvard University Press , 1991
• Christiansen, K. y Weppelmann, S., eds. El retrato renacentista: de Donatello a Bellini , Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, distribuido por Yale University Press, 2011.

• Joanna Woodall imparte una conferencia sobre " Identidades comerciales: la imagen del comerciante" en Gresham College.