Pintura con arena

En la pintura de arena de los nativos americanos del suroeste (los más famosos son los navajos [conocidos como diné]), el curandero (o hatałii ) pinta con soltura sobre el suelo de un hogan , donde se celebra la ceremonia, o sobre una lona de piel de venado o tela, dejando que las arenas de colores fluyan entre sus dedos con control y destreza. Los navajos conocen entre 600 y 1000 diseños tradicionales diferentes de pinturas de arena. No consideran las pinturas como objetos estáticos, sino como seres espirituales y vivos a los que se debe tratar con gran respeto. Más de 30 pinturas de arena diferentes pueden estar asociadas a una sola ceremonia.

Los colores para la pintura se suelen obtener con arena de colores naturales, yeso triturado (blanco), ocre amarillo , arenisca roja , carbón vegetal y una mezcla de carbón vegetal y yeso (azul). El marrón se puede obtener mezclando rojo y negro; el rojo y el blanco dan rosa. Otros agentes colorantes incluyen harina de maíz, polen de flores o raíces y corteza en polvo.

Las pinturas tienen fines exclusivamente curativos . Muchas de ellas contienen imágenes de Yeibicheii (los Seres Sagrados). Mientras se crea la pintura, el curandero recita un conjuro , pidiendo a los Yeibicheii que entren en ella y ayuden a sanar al paciente.

Cuando el curandero termina de pintar, comprueba su precisión. El orden y la simetría de la pintura simbolizan la armonía que el paciente desea restablecer en su vida. Se cree que la precisión de una pintura de arena determina su eficacia como herramienta sagrada. Se le pedirá al paciente que se siente sobre la pintura de arena mientras el curandero recita el canto curativo. Se afirma que la pintura de arena actúa como un portal para atraer a los espíritus y permitirles entrar y salir. Los practicantes creen que sentarse sobre la pintura de arena ayuda al paciente a absorber energía espiritual, mientras que, a su vez, los Seres Sagrados absorberán la enfermedad y la eliminarán. Posteriormente, cuando la pintura de arena ha cumplido su propósito, se considera tóxica, ya que ha absorbido la enfermedad. Por esta razón, la pintura se destruye. Debido a la naturaleza sagrada de las ceremonias, las pinturas de arena se comienzan, se terminan, se utilizan y se destruyen en un plazo de 12 horas.

Las ceremonias que incluyen pinturas de arena suelen realizarse en secuencias, denominadas "cantos", y duran un número determinado de días según la ceremonia. Se realiza al menos una pintura de arena nueva cada día.

Algunas leyes y tabúes navajos están relacionados con las pinturas de arena y protegen su carácter sagrado:

• Las mujeres en edad fértil no deben cantar los cánticos asociados con el yeibicheii . Esto se debe tanto al riesgo de que la ceremonia dañe al feto como al tabú que impide la asistencia de mujeres menstruantes. (Algunas culturas consideraban la menstruación y la presencia de sangre como eventos espirituales poderosos que debían ser controlados, ya que representaban fuerzas vitales). Las mujeres posmenopáusicas suelen ser quienes cantan o realizan diagnósticos.
• Las auténticas pinturas de arena rara vez se fotografían para no interrumpir el desarrollo de la ceremonia. Por diversas razones, los chamanes rara vez permiten la entrada de personas ajenas a una ceremonia sagrada. Debido a la gran curiosidad que despiertan las pinturas de arena, algunos chamanes crean piezas exclusivamente para exhibición, utilizando colores invertidos y variaciones. Crear una pintura de arena auténtica únicamente para ser contemplada sería un acto profano . Las pinturas de arena que se venden en tiendas y en internet son de producción comercial y contienen errores deliberados, ya que las auténticas se consideran sagradas.
• El primer caso documentado de pinturas de arena tradicionales navajo (realizadas con arenas de colores, a diferencia de los tapices u otros materiales) creadas de forma permanente para su venta, se remonta a entre 1945 y 1955. El mérito principal se atribuye generalmente a un hatałii navajo llamado Fred Stevens, Jr. (Grey Squirrel/Fred Fernando Stevens Jr.) , quien desarrolló el método principal de "permanencia" para pinturas de arena comerciales que aún se utiliza. ^{[ 1 ]}

El arte indígena australiano tiene una historia que abarca más de 30 000 años y una amplia gama de tradiciones y estilos nativos. Estos han sido estudiados en las últimas décadas y su complejidad ha obtenido un creciente reconocimiento internacional. ^{[ 2 ]} El arte aborigen abarca una gran variedad de medios, incluyendo pintura con arena, pintura sobre hojas, talla en madera, talla en roca, escultura y vestimenta ceremonial, así como adornos artísticos que se encuentran en armas y herramientas. El arte es uno de los rituales clave de la cultura aborigen. Se utilizaba y aún se utiliza para marcar el territorio, registrar la historia y contar historias sobre " El Sueño ".

Los aborígenes han comenzado a transformar sus pinturas tradicionales de arena en formas más permanentes utilizando técnicas y materiales modernos. ^{[ 3 ]}

Geoffrey Bardon fue un profesor de arte australiano que desempeñó un papel fundamental en la creación del movimiento de arte aborigen del Desierto Occidental y en dar a conocer el arte indígena australiano al mundo. "... [bajo la dirección de Bardon, los ancianos] comenzaron a interactuar con ciertos temas de la pintura internacional de los años 60 y 70, especialmente la esquematización extrema del minimalismo neoyorquino." En la Historia de la Pintura, "la abstracción lírica de finales de los años 60 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen , Ronnie Landfield , Peter Young y otros, y junto con el movimiento Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) ^{[ 4 ]} buscó expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, los nuevos materiales y las nuevas formas de expresión."

Esta conexión se observa más claramente en la relación entre las pinturas de finales de los años sesenta de Peter Young (artista) y las pinturas posteriores de principios de los setenta producidas en Papunya Tula . ^{[ 5 ] [ 6 ]}

Papunya Tula , o Papunya Tula Artists Pty Ltd, es una cooperativa de artistas fundada en 1972, propiedad de aborígenes del desierto occidental de Australia, quienes también la gestionan. Kaapa Tjampitjinpa es uno de los primeros artistas de Papunya Tula y es conocido por su obra Gulgardi . Esta obra destaca por ser la primera de un artista indígena australiano en ganar un premio de arte contemporáneo y el primer reconocimiento público a una pintura de Papunya. ^{[ 1 ]}

Las pinturas de arena budistas tibetanas suelen estar compuestas por mandalas . En tibetano, se denomina dul-tson-kyil-khor (mandala de polvos de colores). La arena se coloca cuidadosamente sobre una mesa grande y plana. El proceso de construcción dura varios días, y el mandala se destruye poco después de su finalización. Esto se realiza como herramienta didáctica y metáfora de la "impermanencia" (Pali: anicca ) de todos los fenómenos contingentes y compuestos (Sánscrito: Pratītya-samutpāda ).

El proceso de creación de mandalas en la arena comienza con una ceremonia de apertura, durante la cual los lamas , o sacerdotes tibetanos, consagran el lugar e invocan las fuerzas del bien. Cantan, declaran intenciones, realizan mudras , asanas , pranayama , visualizaciones, tocan música, recitan mantras , etc.

El primer día, los lamas comienzan dibujando el contorno del mandala que pintarán sobre una plataforma de madera. Los días siguientes se procede a la colocación de las arenas de colores, que se realiza vertiendo la arena desde embudos metálicos tradicionales llamados chak-pur . Cada monje sostiene un chak-pur en una mano, mientras pasa una varilla metálica sobre su superficie dentada; la vibración hace que las arenas fluyan como un líquido. Formado con iconografía tradicional prescrita que incluye formas geométricas y multitud de antiguos símbolos espirituales (por ejemplo, Ashtamangala y atributos divinos de yidam ), sílabas semilla y mantras , el mandala pintado con arena se utiliza como herramienta o instrumento para innumerables propósitos. Un propósito principal es reconsagrar la tierra y sus habitantes. Cuando la meditación termina, la pintura de arena se destruye ceremonialmente con un Vajra y la arena se recoge y se lleva a un cuerpo de agua para ofrecerla.

El emperador Tenmu (631-686), el cuadragésimo emperador de Japón, empleó técnicas de bonseki para describir paisajes y objetos naturales. Se cree que varios jardines de Kioto también fueron diseñados utilizando esta técnica. El ensayo de 1300 del monje zen japonés Kokan Shiren , "Prosa rimada sobre un jardín paisajístico en miniatura", trata sobre los principios del bonseki y la arquitectura de jardines. El bonseki se popularizó entre la aristocracia japonesa durante el reinado de Ashikaga Yoshimasa (1443-1490). Sen no Rikyū (1522-1591), figura histórica con la mayor influencia en el "Camino del Té" japonés, practicó el bonseki. Desde el siglo XV en Japón, los artistas budistas de la época de los shōguns practicaban el arte del bonseki esparciendo arena y guijarros secos de colores sobre la superficie de bandejas lisas lacadas en negro. Utilizaban plumas de pájaro como pinceles para dar forma a la superficie arenosa y crear paisajes marinos y terrestres. Estas pinturas en bandejas se usaban en ceremonias religiosas. Aunque la práctica del bonseki casi desapareció después de la Segunda Guerra Mundial, todavía existen escuelas que la practican activamente.

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  Una mujer creando un paisaje en una bandeja que muestra la luna llena. Grabado en madera Ukiyo-e de Yōshū Chikanobu, 1899.
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  monte fuji bonseki
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  Artista de Bonseki trabajando

Durante los siglos XVII y XVIII, las cortes reales europeas empleaban a decoradores de mesa, quienes adornaban las mesas auxiliares de los banquetes reales, adaptando la técnica japonesa del bonseki. Estos decoradores esparcían arenas de colores, polvo de mármol, azúcar, etc., sobre manteles blancos lisos para crear imágenes fluidas de frutas, flores, pájaros y paisajes rústicos. Entre cada diseño, se dejaban espacios para fruteros y platos de dulces, de modo que los comensales pudieran refrescarse entre los platos principales del banquete. Estas elaboradas imágenes se desechaban junto con los restos del banquete.

Como un excelente ejemplo del arte de los decoradores de mesas, la Abadía de Woburn en Bedfordshire , Inglaterra, posee un biombo ornamentado de tres paneles, decorado con figuras de arena protegidas por cristal. El panel central tiene cinco espacios para platos piramidales de dulces , mientras que los dos laterales tienen tres espacios para bandejas de fruta. En cada esquina de los paneles laterales hay cuatro figuras de arena con escenas pastorales del siglo XVIII, mientras que el resto del biombo está decorado con mariposas, palomas, frutas, flores, etc. El biombo se colocaba sobre una mesa auxiliar. Servía también como base para servir elaborados platos de porcelana y bandejas de cristal con frutas, bombones y dulces, de los que los anfitriones y sus invitados podían servirse mientras socializaban o estiraban las piernas entre los platos que se servían en la mesa principal del comedor. Este biombo podría ser obra del artesano alemán F. Schweikhardt , especializado en bodegones al estilo del pintor holandés Jan van Huysum .

La pintura con arena georgiana fue introducida por el rey Jorge III, un hábil relojero y artesano por derecho propio que se interesó por las habilidades demostradas por los funcionarios reales, conocidos como Table Deckers, que decoraban los manteles blancos de los banquetes reales con centros de mesa ornamentados decorados con arenas de colores sin fijar y azúcares como pintura, una técnica introducida por viajeros que habían observado a los artesanos trabajando en Japón.

Mientras observaba a los artesanos trabajando en los manteles, el rey sugirió que si las figuras de arena que se extendían temporalmente sobre la superficie de los manteles se pudieran fijar permanentemente en lugar de desecharlas con los restos del banquete, se ahorraría mucho tiempo y energía al emplear a una multitud de hábiles bordadores en un trabajo tan minucioso. Así que, en una ocasión, el rey les gritó a los artesanos: «¡Por qué no lo arreglan!». Esto impulsó a varios artesanos, entre ellos Haas, Schweikhardt y Benjamin Zobel (Memmingen, Alemania, 21 de septiembre de 1762 – Londres, Inglaterra, 24 de octubre de 1830), todos de origen alemán, a desarrollar, de forma independiente, métodos adecuados para lograr este objetivo. Estas figuras fueron encargadas por la realeza de la época y se convirtieron en objetos muy apreciados por la aristocracia. El hermano del rey , el duque de York, encargó varias obras a Zobel y a los demás, aunque los artistas de arena guardaban celosamente su método de sus competidores. Zobel representó "cerdos al estilo de Morland"; "Nelson", el perro favorito del duque de York; "Tigre según George Stubbs" y un impresionante "Buitre y serpiente". Aunque muchas de las obras de Zobel han sobrevivido, pocas de las de Haas han resistido el paso del tiempo, si bien los observadores consideraban su obra superior a la de Zobel. Esto puede reflejar las diferentes técnicas empleadas por cada artista. Un diarista observó que Zobel cubría la superficie del zócalo con una mezcla de goma arábiga y albayalde , y esparcía arena sobre la superficie pegajosa usando un embudo de papel doblado como pincel. Tenía que trabajar con rapidez, ya que el adhesivo se secaba en pocas horas. Varias de sus pinturas conservadas tienen trabajos sin terminar en el reverso. Haas siguió más de cerca las técnicas desarrolladas en Japón, pero mezclando goma arábiga en polvo con la arena, esparciendo la mezcla a través de un tamiz y usando plumas como pinceles para crear las imágenes sobre el zócalo, para luego fijarlas mediante un método que mantuvo en secreto. Debido a la humedad que imperaba en muchas de las mansiones señoriales de la época, sus cuadros no duraban más de unos pocos años. En una ocasión, Haas tuvo que ausentarse mientras trabajaba en un cuadro de arena sin fijar. Al regresar, encontró a uno de los gatos del Castillo de Windsor acurrucado sobre el cuadro, dañándolo.

Finalmente, Zobel regresó a Memmingen, en Baviera, donde continuó desarrollando con éxito su oficio. Algunas de sus obras se exhiben en el Ayuntamiento de Memmingen. Haas se vio obligado a abandonar la pintura con arena, probablemente debido a los constantes desastres con sus cuadros. En su lugar, abrió una panadería en Windsor, y es muy posible que la glasa de sus pasteles estuviera decorada con dibujos hechos con azúcar de colores en lugar de arena.

Con el fallecimiento de estos artesanos georgianos y la venta de la colección del duque de York, el interés y las habilidades desarrolladas en la creación de pinturas de arena disminuyeron. La única figura de la realeza que retomó el interés por este arte fue la difunta reina María, consorte del rey Jorge V, quien legó sus pinturas de arena georgianas al Museo Victoria y Alberto , y su colección de pinturas de arena de la Isla de Wight al Museo del Castillo de Carisbrooke, en la misma isla.

En la primera mitad del siglo XX, el teniente coronel Rybot fue un ávido coleccionista de pinturas de arena, que sirvieron de base para los artículos sobre el tema publicados en las revistas de arte y artesanía de la época. Finalmente, 37 de sus pinturas de arena fueron la pieza central de una subasta celebrada en la galería de Sotheby's en New Bond Street el 15 de junio de 1956.

Existen miles de lugares donde se pueden recolectar arenas de colores naturales para manualidades, con una enorme variedad de tonalidades disponibles en todo el mundo, que varían según el contenido de las aguas minerales que se filtran a través de la arena. Para el turista, los acantilados verticales de arena en Alum Bay , en la Isla de Wight, forman la parte central de un fenómeno geológico visual (que se aprecia mejor después de una lluvia) que enmarca las agujas de tiza de The Needles y Tennyson Downs . Si bien ya no se anima a los turistas a obtener su propia arena de los acantilados, numerosas empresas en la isla venden arena para pintar con arena.

Tras su matrimonio con el príncipe Alberto y después de haber elegido Osborne House, cerca de Cowes , como su nuevo refugio familiar, la reina Victoria fue la principal impulsora de la gentrificación de este antiguo rincón apartado. Los artesanos locales se beneficiaron de la afluencia de visitantes adinerados, y varios artesanos vendieron sus cuadros de arena fijos y jarrones de arena sueltos con vistas de la isla como recuerdos únicos de la Isla de Wight.

Algunas de estas pinturas de arena eran pequeñas y toscas, y no estaban firmadas, pero Edwin y John Dore de Arreton realizaron obras de gran calidad en la década de 1840. Las pinturas eran del tamaño de una postal y representaban paisajes locales, como el castillo de Carisbrooke, y otros temas turísticos. Edwin siempre firmaba sus pintorescas pinturas con una caligrafía elegante, utilizando una pluma de cartografía y tinta china. Uno de sus temas más exitosos, producido en masa, fue "Recogiendo huevos de pájaros en los acantilados de Needles". John Dore utilizaba una cartulina adornada con un borde impreso de encaje para realizar sus pinturas de arena, aunque la calidad de su trabajo era inferior a la de su hermano.

Pocos artistas de arena de la isla rellenaban el cielo, dándole a ese detalle una ligera capa de color como toque final, a veces dejando puertas y ventanas sin arena que luego rellenaban con tinta china. En las décadas de 1860 y 1870, J. Symons de Cowes produjo vistas locales mucho más grandes que el tamaño de una postal, montadas en marcos de roble o arce acristalados y firmadas con la firma del artista en el reverso. El equipo de padre e hijo, los Neates de Newport, vendían sus obras en un puesto a las afueras de las puertas del castillo de Carisbrooke, donde se ofrecían a los visitantes cuadros y frascos de arena a precios que oscilaban entre 1/- y 2/6 cada uno, y el hijo se dejaba crecer las uñas anormalmente largas para distribuir la arena en sus cuadros. Durante las décadas de 1930 y 1940, RJSnow de Lake fue quien más se acercó a producir cuadros de arena al estilo de los artesanos georgianos, pero en tamaño postal, aunque también realizó algunos trabajos por encargo de gran calidad, en particular una vista de Oddicombe en Devon, en la que el mar y el cielo también fueron "pintados" con arena. Sin embargo, después de los años de la guerra, la calidad de los cuadros de arena para postales se deterioró, y el artículo producido en masa, con poco gusto o habilidad, se ofrecía a la venta por unos pocos chelines.

En Senegal, los diseños se pegan a un cartón y suelen representar figuras del paisaje.

Entre las décadas de 1860 y 1890, Andrew Clemens , un hombre sordomudo nacido en Dubuque, Iowa, Estados Unidos, se hizo famoso por su arte de crear imágenes sin fijar utilizando arenas multicolores comprimidas dentro de botellas de vidrio o frascos de farmacia ornamentados. La arena se recogía en los acantilados que dominan el río Misisipi. Los motivos de sus botellas de arena incluían versos sentimentales ricamente decorados, veleros, plantas, animales y retratos.

Exhibió su obra en la feria comercial de San Luis y, tras pasar horas creando una imagen dentro de una botella, demostraba a un público incrédulo que la imagen interior no estaba fijada, destruyendo la botella con un martillo. Las botellas de arena de Clemens se han convertido en piezas de museo y antigüedades muy valiosas que posteriormente se han vendido en subasta por miles de dólares estadounidenses.

En la provincia de Drenthe, en los Países Bajos, a finales del siglo XIX y principios del XX, era costumbre usar una escoba rígida para dibujar figuras en arena blanca y crear sencillas decoraciones en los suelos de baldosas de las casas, sobre todo para ocasiones especiales o celebraciones. Al día siguiente, se barría. Esta costumbre también se practicaba en el norte de Bélgica por las comunidades de habla neerlandesa, mientras que en Hekelgem, en 1973, se celebró el centenario del arte de la "Antigua Zandtapijt". Los hoteles y cafés contrataban a artesanos para que esparcieran elaboradas figuras de arena de colores sobre los suelos de baldosas de sus locales, animando así a los turistas a detenerse y disfrutar de la hospitalidad local de camino a Bruselas. Roger de Boeck, nacido en 1930, fue un respetado exponente de este arte, que utilizaba pegamento para fijar sus figuras de arena a una base adecuada y las vendía a los visitantes de su taller. Además de escenas bíblicas, entre sus mejores obras se incluyen un retrato de la reina Isabel II en 1953 y otro del presidente estadounidense John Kennedy a principios de los años 60. Esta actividad continúa, y el 1 de febrero de 1973 se publicó un folleto para celebrar el centenario. ^{[ 7 ]}

La mayoría de los artistas utilizan arenas de colores naturales, oxidadas y ricas en minerales, añadiendo carbón vegetal en polvo para ampliar la paleta y, en algunos casos, materiales singulares como limaduras de hierro o polvo de cantero desechado en sitios eclesiásticos. Otros artistas emplean arenas de cuarzo teñidas industrialmente , resistentes a la intemperie, y adhesivos de alta resistencia de última generación. La obra se protege con una capa de barniz en aerosol. No se necesita un marco de vidrio protector con estas arenas y adhesivos, ya que las pinturas han demostrado resistir la luz solar directa sin que el barniz amarillee.