Wadsworth Jarrell

Wadsworth Aikens Jarrell (nacido el 20 de noviembre de 1929) es un pintor, escultor y grabador estadounidense . Nació en Albany, Georgia , y se mudó a Chicago, Illinois, donde asistió al Art Institute of Chicago . Después de graduarse, se involucró mucho en la escena artística local y, a través de sus primeros trabajos, exploró la vida laboral de los afroamericanos en Chicago y encontró influencia en las imágenes y los sonidos de la música jazz. A fines de la década de 1960, abrió WJ Studio and Gallery, donde él, junto con su esposa, Jae, recibió a artistas y músicos regionales.

A mediados de la década de 1960, Chicago fue testigo de un aumento de la violencia racial que llevó a los artistas locales a examinar las relaciones raciales y el empoderamiento de los negros. Jarrell se involucró en la Organización de la Cultura Negra Estadounidense (OBAC), un grupo que serviría como plataforma de lanzamiento para el movimiento de las Artes Negras de la época . En 1967, los artistas de la OBAC crearon el Muro del Respeto , un mural en Chicago que representaba a héroes afroamericanos y al que se le atribuye el desencadenamiento del movimiento de murales políticos en Chicago y más allá. En 1969, Jarrell cofundó AFRICOBRA : Comuna Africana de Artistas Malos Relevantes. AFRICOBRA sería aclamada internacionalmente por su arte de temática política y el uso de "colores coolade" en sus pinturas.

La carrera de Jarrell lo llevó a África en 1977, donde encontró inspiración en el pueblo senufo de Costa de Marfil, Mali y Burkina Faso. A su regreso a los Estados Unidos, se mudó a Georgia y enseñó en la Universidad de Georgia . En Georgia, comenzó a usar una paleta de albañil en sus lienzos, creando una apariencia texturizada dentro de sus pinturas ya visualmente activas. Las figuras que se ven a menudo en sus pinturas son abstractas y están inspiradas en las máscaras y esculturas de Nigeria. Estas artes nigerianas también han inspirado las esculturas de tótem de Jarrell. Viviendo y trabajando en Cleveland, Jarrell continúa explorando la experiencia afroamericana contemporánea a través de sus pinturas, esculturas y grabados. Su trabajo se encuentra en las colecciones del Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana , el High Museum of Art , el Studio Museum en Harlem y la Universidad de Delaware .

Jarrell nació en Albany, Georgia , en 1929, hijo de Solomon Marcus y Tabitha Jarrell. Bautizado con el nombre del poeta Henry Wadsworth Longfellow , ^[1] era el menor de seis hijos. ^[2] Un año después del nacimiento de Jarrell, la familia se mudó a una granja de 28 acres cerca de Athens, Georgia , donde cultivaban verduras y algodón. ^[1] El padre de Jarrell era carpintero y fabricante de muebles que tenía su propio negocio, SM Jarrell Furniture Store. ^[3] Los tres hijos de Jarrell trabajaban allí, uno de ellos aprendiendo a hacer sillas de mimbre . ^[1] La capacidad artística de su padre y la habilidad de su madre como fabricante de colchas contribuyeron al amor de toda la familia por el arte. ^[4] Cuando era niño, Jarrell asistió por primera vez a una escuela de una sola aula ^[5] donde su maestra, Jessie Lois Hall, lo alentó a explorar su lado artístico. ^[3] Luego fue a una escuela bautista privada a partir del séptimo grado antes de transferirse a Athens High en el décimo grado. En la escuela secundaria, su talento para el arte se hizo evidente cuando comenzó a crear su propia tira cómica , caricaturas para el periódico escolar e ilustraciones para eventos deportivos, y finalmente se dedicó a la pintura al óleo . Cuando era un joven interesado en el arte, a fines de la década de 1930 y principios de la de 1940, aprendió sobre pintura e ilustración a través de revistas como Saturday Evening Post y Collier's . Incapaz de distinguir entre ilustración y pintura, Jarrell pensó que "los artistas finalmente se enriquecieron, pero fueron los ilustradores los que ganaron grandes sumas de dinero". ^[6]

La relación de Jarrell con su madre se hizo más estrecha una vez que su padre y uno de sus hermanos se fueron a trabajar a un astillero durante la Segunda Guerra Mundial . ^[1] Su padre murió de malaria mientras trabajaba allí. ^[7] Mientras estaba en la escuela secundaria, Jarrell ayudó a su madre a cuidar la granja, pero no le gustaba el trabajo. ^[1] Después de graduarse de la escuela secundaria, se unió al ejército , estuvo destinado en Fort Polk , Luisiana y sirvió brevemente en Corea . En Fort Polk se convirtió en artista de la compañía y ganó dinero extra diseñando camisetas y haciendo pinturas para sus compañeros soldados. ^[8]

Después del servicio militar, Jarrell se mudó a Chicago, donde su hermana Nellie asistió a la Universidad Northwestern . Fue en Chicago donde Jarrell tendría sus primeras experiencias en museos. Al crecer en Georgia, a los afroamericanos no se les permitió visitar museos hasta la Ley de Derechos Civiles de 1964 , por lo tanto, estas primeras visitas a museos le causaron una gran impresión. ^[8] Un año después, se inscribió en el Art Institute of Chicago para arte publicitario y diseño gráfico , donde asistió a clases nocturnas. Sus días los pasaba trabajando en la empresa International Paint , donde mezclaba pinturas. También tomó clases en la Ray Vogue School for Commercial Arts . Comenzó a asistir al Art Institute a tiempo completo en 1954. Jarrell finalmente perdió el interés en el arte comercial y se centró en clases sobre pintura y dibujo, inspirándose en la instructora Laura McKinnon y sus ideas sobre la teoría de la relación espacial . En 1958, se graduó con su especialización original, conservando un fuerte deseo de seguir la vida de un artista plástico. En esta época también conoció al artista Jeff Donaldson , quien se convirtió en un amigo que influyó en su carrera. En 1959, el año de su primer matrimonio, se convirtió en fotógrafo publicitario y tomó fotografías de tipos y estilos de letras. La pareja se divorciaría poco después del matrimonio. ^[9]

En 1963, Jarrell conoció a Elaine Annette Johnson, conocida como Jae, quien dirigía una boutique de ropa , ^[10] la mujer que se convirtió en su segunda esposa el 2 de junio de 1967. ^[11] Pasaron su luna de miel en Nassau ^[11] y el 7 de enero de 1968, nació Wadsworth Jr. Durante el embarazo, Jae cerró su boutique y se mudó al estudio de Jarrell, dirigiendo en su lugar un servicio de pedidos por correo. ^[12] A medida que el mundo social y económico de Chicago declinaba , la violencia de pandillas amenazaba el vecindario de la familia. Después de que naciera su segundo hijo, Jennifer, la familia decidió mudarse al área de la ciudad de Nueva York. ^[13] En mayo de 1971, se mudaron, primero se dirigieron a Waterbury, Connecticut , luego a New Haven antes de pasar tres meses en Boston . Luego, la familia se mudó a Washington, DC, donde Jarrell comenzó a enseñar en la Universidad Howard en 1971, reclutado por Jeff Donaldson . ^[14] En Howard realizó sus estudios de maestría en bellas artes , centrándose en la cultura africana, específicamente en el pueblo senufo . ^[15] La pareja tendría otra hija, Roslyn Angela, en 1972.

En su lucha por encajar en Howard, sin poder conseguir la titularidad, ^[16] y con la preocupación por el aumento de las tasas de criminalidad en Washington, la familia decidió mudarse una vez más en 1977, ^[17] esta vez a Athens, Georgia. ^[17] Poco después de la mudanza, Jarrell se convirtió en profesor asistente en la Universidad de Georgia . Él y su esposa comenzaron una empresa de juguetes educativos de alta gama que surgió del amor de sus hijos por juguetes similares cuando vivían en Washington, DC. ^[18] Abrieron una pequeña tienda llamada Tadpole Toys and Hobby Center en Athens con gran recepción. Sin embargo, como resultado de las bajas ventas en mayo de 1982 se vieron obligados a cerrarla. Poco después, Jarrell recibió la titularidad en la Universidad. ^[19] En 1988, se retiró de su puesto y de la docencia en su conjunto para centrarse en su trabajo creativo. ^[4] En 1994, los tres hijos ya eran adultos; las dos hijas asistieron al Instituto de Arte de Chicago y Wadsworth Jr. se convirtió en marinero . Ese año, Jae y su hija Jennifer se mudaron a Nueva York para buscar un lugar donde vivir, estableciéndose en SoHo , donde se les unió Jarrell unos meses después. ^[20] Actualmente, Jarrell y Jae viven y trabajan en Cleveland , Ohio. ^[21]

Todos los años se nos recuerda el cumpleaños de George Washington... mis hijos aprenden sobre esto en la escuela, pero no se dice nada sobre los héroes negros. Si los estadounidenses blancos pueden participar en lo que yo llamo publicidad repetitiva, entonces me siento justificado al hacer publicidad para los estadounidenses negros.

—Wadsworth  Jarrell, 1978 ^[22]

Después de graduarse en el Art Institute, Jarrell vivió de su salario mezclando pintura y perfeccionó sus habilidades en su estudio durante un año. Comenzó a presentar su trabajo a concursos, siendo aceptado en el Chicago Show en el Navy Pier y el Union League Show. Jarrell produjo obras de arte inspiradas en teorías aprendidas en la escuela y escenas de la vida cotidiana en el Chicago negro. Con un interés en las carreras de caballos , los clubes de jazz y los bares, a menudo llevaba un bloc de dibujo en sus exploraciones, finalmente creando pinturas como Neon Row (1958), una escena callejera, Shamrock Inn (1962), una escena de bar, y The Jockeys # 1 (1962), de una visita a una pista de carreras de caballos. ^[9] Estos temas se repetirían a lo largo de su carrera. Sus primeras obras muestran el "ilusionismo bidimensional" que aprendió en la escuela: perspectiva lineal y geométrica con objetos superpuestos que se alejan hacia un punto de fuga en el horizonte. El color se utiliza para representar el movimiento y la estabilidad, un contraste que se observa en Shamrock Inn y The Jockeys #1 ; sin embargo, la paleta de Jarrell había evolucionado hacia combinaciones de colores más brillantes y atrevidas, a veces contrastantes en su ejecución final. La influencia del postimpresionismo es evidente en estas obras anteriores, en línea con las tendencias de la educación artística de la época. ^[23]

Un punto de inflexión notable para su carrera llegó en 1964 cuando su acuarela titulada "The Art Pub" (similar a Jazz Giants #1 (1962)) fue aceptada para la exposición del Art Institute "Second Biennial of Prints, Drawings, Watercolors By Illinois Artists" (cat. 48). La exhibición le valió premios, atención de los medios y la oportunidad de exhibir su trabajo en otras galerías en todo el Medio Oeste. Se mudó a un gran estudio en el vecindario de Hyde Park y continuó expandiendo su trabajo y centrándose en temas relacionados con la música y el deporte. ^[23] Su aplicación de pigmentos se volvió rápida, ya sea que estuviera representando a un músico de jazz o a un jinete en su caballo, lo que permitía que la imagen expresara un fuerte movimiento. Cockfight (1965) muestra la evolución del trabajo de Jarrell: bandas de color intensas, remolinos y, a veces, una apariencia psicodélica del ave en foco, un estilo que se convirtió en un pilar de su trabajo. ^[24]

Influenciado por su luna de miel en el Caribe , Jarrell se interesó en los efectos de la luz solar natural y artificial sobre el medio ambiente. La experimentación con pigmentos, medios, imágenes y diseño le permitió crear obras de arte que expresaban plenamente sus mensajes previstos. Refiriéndose a obras como Nassau (1968) y Sign of the Times (1966), Jarrell comentó: "Los colores de las Bahamas influyeron en mi uso del color y en mi enfoque de mi trabajo". Con Sign of the Times muestra una escena callejera, su primer intento de una pintura que implica interacción social. ^[11] En 1968, Jarrell se convirtió en director de arte en Sander Line Graphics, solo para renunciar poco después para convertirse en autónomo. Además de crear su arte, también comenzó un exitoso negocio de procesamiento de fotografías por correo . Poco después, Jarrell y Jae decidieron abrir un espacio de galería debajo de su estudio: WJ Studio and Gallery. ^[12] Mientras el estudio y la galería florecían, Jarrell enseñaba clases de arte a tiempo parcial en la Escuela Primaria Wadsworth y consideró mudarse a Nueva York, buscando refugio en el corazón del mundo del arte. ^[25]

En 1964, Chicago experimentó dos grandes disturbios raciales . Desencadenados por las luchas por los derechos civiles y la angustia, se produjeron más disturbios en los años siguientes y el movimiento Black Power cobró forma. Los artistas comenzaron a explorar formas de expresar el orgullo negro, la autodeterminación y la autosuficiencia, lo que condujo en 1966 a la Organización de la Cultura Negra Estadounidense (OBAC). ^[10] El artista Norman Parish le pidió a Jarrell que asistiera a una reunión para el Taller de Artistas de la OBAC. Las reuniones consistirían en que los artistas llevaran su trabajo para que se criticara y reflexionaran sobre las ideas de la experiencia negra en el arte, lo que llevó al concepto detrás del Muro del Respeto . El mural consistía en héroes y personalidades afroamericanas, y cada artista decidía quién debería representarse en su sección. Sylvia Abernathy diseñó el diseño, dándole a Jarrell un espacio de 12 × 14 pies para compartir con el fotógrafo Bill Abernathy. ^[26] Jarrell se centró en un tema favorito, el rhythm and blues , y presentó representaciones de James Brown , BB King , Billie Holiday , Muddy Waters , Aretha Franklin y Dinah Washington . El Taller de Artistas se agrió hacia el final del proyecto: hubo controversias derivadas de la pintura en la sección de Norman Parish, conflictos sobre derechos de autor que se vendieron sin permiso, desacuerdos sobre la participación de las fuerzas del orden, así como engaños. Sin embargo, el Muro se consideró un éxito, lo que desencadenó la creación de murales con temática de liberación en Chicago y más allá. ^[11]

En 1968, Jarrell y su esposa abrieron WJ Studio and Gallery, debajo de su casa y estudio. ^[12] El espacio no solo exhibía el trabajo de la pareja y el de otros artistas, sino que también mostraba el talento de los poetas y músicos de Chicago. El amor de Jarrell por el blues y el jazz le facilitó el acceso al talento de la ciudad y su participación en OCAC le proporcionó contactos en el mundo de la poesía. Artistas como Muhal Richard Abrams , John Stubblefield , Henry Threadgill , Anthony Braxton y el Art Ensemble of Chicago actuarían en el espacio. ^[27] La ​​galería también sirvió como lugar de reunión para personas como Jeff Donaldson , Barbara Jones-Hogu , Gerald Williams y otros, que venían a discutir conceptos de una estética de arte negro relevante. El grupo luchó: Jarrell describió la búsqueda como un intento de encontrar "un concepto colectivo que dijera 'arte negro' de un vistazo". ^[28] Finalmente, el grupo logró un gran avance al enumerar principios e ideas sobre el concepto de arte negro; El término "coolade colors" fue aportado por un diseñador de telas. El término abarcaba la moda brillante de los hombres afroamericanos elegantes de la época, que Jarrell describió como "ropa de color lima chillón, amarillos chulos, rosas fuertes y colores muy llamativos". El concepto final de su búsqueda estética sería el arte orientado al mensaje, que girara en torno a un contenido socialmente consciente. Se incluiría el diseño africano y la importancia para la gente negra sería una necesidad. La formación de este grupo sería considerada uno de los colectivos mejor alineados y organizados del Movimiento de las Artes Negras . Este grupo pasó a formar COBRA. ^[29]

Al igual que muchas organizaciones de base afroamericanas , el grupo de la galería de Jarrell luchó por llevar la antorcha después de las muertes de Martin Luther King, Jr. y Malcolm X. Jarrell y sus compañeros artistas de Chicago tomaron el camino de la no violencia a través de sus talentos artísticos y un sentido de propiedad a través de sus contribuciones en WJ Studio and Gallery. Con estos ideales que los respaldaban y su nueva filosofía estética, el grupo adoptó el nombre de COBRA - Coalición de Artistas Revolucionarios Negros. ^[29] Con la creación de COBRA, Jarrell completó su primera obra que conceptualizaba el concepto detrás del grupo, Black Family (1969), que utilizó el esquema de color de los colores coolade como el azul claro y el naranja en contraste con áreas blancas, que realzaban la intensidad de los colores brillantes. Esta técnica le permitió a Jarrell crear lo que describió como un "espacio intuitivo", atrayendo la atención del espectador hacia la familia en el lienzo: una madre cariñosa, un padre protector y dos niños relajados. Con un padre que representa fuerza y ​​honestidad, y lo que Robert Douglas describe como una "cualidad heroica", Jarrell expresa aspectos importantes del ideal de COBRA. También aparecen escritos en el lienzo, con la palabra "negritud" representada por la letra B. El grupo decidió pasar de centrarse en exposiciones temáticas a fomentar obras de arte que "retraten los problemas generales de la gente negra o intenten visualizar algunas soluciones para ellos". ^[30]

Los artistas de AFRICOBRA son griots visuales de la comunidad afroamericana, una imaginería que ilumina la belleza y la gloria de la experiencia de los africanos en Occidente. Nos presentan una iconografía que les ha sido otorgada por la apremiante y siempre apasionante cultura de los afroamericanos.

—Larry  Neal ^[31]

En 1969, COBRA revisó su filosofía y concepto artístico para expandir su preocupación por la liberación negra y los derechos civiles a nivel internacional. Inspirados por las palabras de Malcolm X , "Todos los negros, independientemente de su base territorial, tienen los mismos problemas, el control de su tierra y economía por parte de europeos o euroamericanos", cambiaron su nombre a AfriCOBRA : Comuna Africana de Artistas Malos Relevantes. ^[30] El trabajo de Jarrell había evolucionado para llevar la figura central al primer plano de sus pinturas, como se ve en Coolade Lester (1970), un retrato del músico Lester Lashley. Las letras hacen otra aparición: D (abajo), B (negro), F (fino) y Q (pregunta). La obra se describe como una "representación humanista del genio de los africanos en la creación del jazz". Otras obras de Jarrell en ese momento se cargaron política y socialmente con la estética propuesta por AfriCOBRA. Homenaje a un gigante (1970) es el primer tributo de Jarrell a Malcolm X. Jarrell utiliza esta obra para hablar de la lucha negra contra la opresión y la muerte de los manifestantes estudiantiles que luchan por esa causa. ^[32] Cuatro imágenes de Malcolm X están pintadas junto a las de Huey Newton , Jesse Jackson y Stokley Carmichael . "B" hace su aparición habitual representando "negritud" y "maldad", así como una cita del elogio de Ossie Davis en el funeral de Malcolm. Esta pieza, junto con Coolade Lester , apareció en la primera exposición de AFRI-COBRA en 1970 en el Studio Museum de Harlem : "AFRI-COBRA I: Ten in Search of a Nation". La respuesta a la muestra fue de incomprensión por parte de muchos espectadores, con el resultado de que los conceptos presentados se interpretaron como "arte de protesta". ^[33]

"AFRICOBRA II" se realizó en 1971 en el Studio Museum de Harlem antes de viajar a otros cinco museos y galerías. Jarrell exhibió Revolutionary y Black Prince (ambos de 1971) en la muestra. El historiador de arte Robert Douglas describe estos dos retratos como una muestra de "la magistral comprensión de Jarrell del retrato, realizada a través de una técnica de claroscuro que emplea una multitud de B meticulosamente pintadas en diferentes tamaños y tonos coolade". Revolutionary es un homenaje a Angela Davis . Lleva un traje revolucionario que fue diseñado por Jae Jarrell para la exposición AFRICOBRA II. Se hicieron copias de la obra. Sin embargo, en el original, la cartuchera está unida al lienzo, una idea de Jae. Las palabras "amor", "negro", "nación", "tiempo", "descanso", "lleno de mierda", "revolución" y "belleza" brotan de su cabeza en el lienzo. El mensaje "He dado mi vida en la lucha. Si tengo que perderla, así será", recorre su pecho y su brazo izquierdo. La "B", como es habitual, representa la "negrura", "lo malo" y, en este cuadro, "lo bello". La obra personifica el objetivo de los artistas de AFRICOBRA de utilizar todo el espacio posible en sus creaciones, descritas como "repletas y compactas". ^[33] Revolutionary fue reseñada por Nancy Tobin Willig como "un retrato de una joven negra gritando consignas, con una bandolera cargada con balas reales colgada del hombro. La pintura de Jarrell es una exageración. No es el arte como arma. Es el arma como arte". ^[34] Black Prince es el segundo homenaje de Jarrell a Malcolm X. La "B" aparece en la pintura, así como la "P"; "PRINCE" y "BLACK" que recorren el rostro y la mano de Malcolm. En su pecho y brazo está pintada la cita "Creo en todo lo necesario para corregir las condiciones injustas, políticas, económicas, sociales, físicas. Todo lo necesario siempre que dé resultados". ^[33] Su segunda muestra, "AFRICOBRA III", se inauguró en 1973. Los críticos eran más conscientes de la estética y el movimiento en esta muestra; el crítico Paul Richard comentó que las obras de Nelson Stevens , Jeff Donaldson y Jarrell "contradicen juntas algo que he creído durante mucho tiempo: que el arte que es tan descaradamente político no es arte en absoluto". ^[34]

A pesar de las ofertas de trabajo que recibió de Jeff Donaldson, quien dirigía el departamento de arte de la Universidad Howard , Jarrell buscó permanecer independiente y la familia se mudó a Nueva York. ^[13] Jarrell consiguió trabajo como fotógrafo en Boston, y finalmente decidió aceptar la oferta de Donaldson, mudándose con la familia a tiempo para que Jarrell diera clases de fotografía durante el semestre de otoño. ^[14] Durante este tiempo, "AFRICOBRA II" viajó a Howard y Jarrell exhibió Together We Will Win (1973), que mostraba a "guerreros" negros, niños, mujeres y trabajadores "ofreciendo soluciones a los problemas de los africanos", y Liberation Soldiers (1972), que representaba a los Panteras Negras . Ambas obras incluían el uso de papel de aluminio y oro pegado al lienzo. ^[34] En 1973 se realizó la muestra final de AFRICOBRA , "AFRICOBRA III". Sin embargo, los miembros continuaron reuniéndose y practicando los ideales propuestos por el grupo. ^[15]

Los estudios de Jarrell sobre el arte africano y el pueblo senufo surgieron como una influencia importante a mediados de la década de 1970. Pinturas como Profecía, Reorientación y Navaga representan figuras humanas que parecen mezcladas con esculturas senufo . Navaga (1974) muestra a un tallador de madera sentado , sosteniendo un bastón en el que trabaja, que parece estar hecho de madera él mismo. Lleva ropa de y está rodeado de colores coolade. El rostro es el del padre de Jarrell, manipulado en un estilo escultórico senufo. En el tríptico Profecía, Jarrell muestra a mujeres africanas como figuras senufo sosteniendo esculturas de la deidad yoruba Shango , y se lo describe como "repleto" ^[35] de imágenes, lo que dificulta su desciframiento en poco tiempo. ^[36]

En el invierno de 1977, Jarrell y Jae visitaron Lagos, Nigeria , como parte de la delegación estadounidense al FESTAC '77 , el Segundo Festival Mundial de Artes y Cultura Negra y Africana, lo que convirtió a esta en la primera exposición internacional de la pareja. Otros miembros de AFRICOBRA también viajaron allí. Jarrell estuvo muy influenciado por las fundiciones de bronce a la cera perdida de Benin y las artes textiles y de tallado en madera de Oshogbo , que creía que solidificaron la misión del trabajo simbólico de AFRI-COBRA a través del "espacio intuitivo". Jarrell también revisó su pasión por las carreras de caballos, asistiendo al Grand Durbar en Kaduna . A la vuelta de Jarrell, AFRI-COBRA formó su siguiente espectáculo "AFRI-COBRA/Farafindugu"; farafindugu deduce "mundo negro" en mandinga . ^[37]

La exhibición, en el Museo Afroamericano de Filadelfia , presentó dos obras de Jarrell creadas como respuesta a su viaje a África: Mojo Workin y Soweto (ambas de 1977). Mojo Workin contó con una contribución de su hija mayor, Jennifer, que entonces tenía seis años. ^[38] Ella creó el dibujo The Magic Lady y con la pintura de Jarrell se creía que el mojo se expresaba cuando otros se encontraban con la obra. Esta es una de las primeras veces que Jarrell usa un lienzo teñido . Soweto refleja las luchas de los africanos, específicamente aquellos que sufren el apartheid en Sudáfrica. ^[39] La pintura lleva el nombre de la ciudad de Soweto , donde ocurrió una masacre de estudiantes en 1976. ^[17] Siguiendo inspirado por sus viajes a Nigeria, Jarrell completó la obra Zulu Sunday que fue creada para expresar similitudes entre afroamericanos y nigerianos a través de una celebración de un evento social de domingo por la tarde. La pintura muestra a zulúes vestidos con trajes tradicionales ornamentados , socializando en la calle, unificados por un resplandor solar . ^[40]

En 1977, los Jarrell se mudaron de Washington, DC a Athens, Georgia . Con sus hijos creciendo y la compañía de juguetes de la pareja luchando por mantenerse a flote, Jarrell se convirtió en profesor asistente en la Universidad de Georgia . ^[18] Su puesto en la universidad le aseguró un espacio de estudio. En 1979 tuvo dos exposiciones individuales y participó en tres exposiciones de AFRICOBRA. Su trabajo continuó siendo social y políticamente consciente con pinturas como Festival # 1 (1978) que muestra brillantes figuras senufo, una obra de apoyo a los sudafricanos en la guerra. Las imágenes africanas se hicieron más evidentes en sus pinturas con patrones en zigzag y lagartijas que aparecen, representando "que los africanos, como los primeros pueblos, tienen el derecho de hablar en su propio nombre", como se ve en Midnight Poet at 125th Street & Lenox (1979). En 1979, Jarrell recibió una subvención para crear un mural de 52 x 31 pies en el East Athens Community Center. Un equipo de estudiantes de arte ayudó a Jarrell y Jae a completar la obra, titulada Ascensión , que permanece en Atenas hoy. ^[22]

A mediados de la década de 1980, Jarrell estaba siendo representado por la Fay Gold Gallery en Atlanta. En 1984, la familia se mudó a Atlanta cuando Jae aceptó un puesto de profesor en The Lovett School . Jarrell continuó viajando a Atenas para enseñar. La mudanza a Atlanta proporcionó más ingresos para la familia al tiempo que le permitió vender más obras y generar relaciones con clientes potenciales, galerías y museos de la región. ^[19] Jarrell se convirtió en profesor de pintura del Programa de Estudios en el Extranjero de la Universidad en 1986. Durante dos meses vivió en Cortona , Italia, con Jae y sus dos hijas, mientras que Wadsworth Jr. permaneció en Atlanta terminando la escuela secundaria. La oportunidad le permitió explorar el país, visitando sitios históricos en toda Italia y la Bienal de Venecia . ^[41] A su regreso, fue ascendido a profesor titular de la universidad en febrero de 1987, pero renunció en 1988. ^[42]

Durante la década de 1990, Jarrell continuó explorando aspectos de la vida negra en sus pinturas. Dudes on the Street (1991) es una representación de la vida negra en la ciudad; dos hombres y dos mujeres con apariencia de caricatura están parados en la calle con un parquímetro vencido a su lado. El fondo presenta un restaurante de costillas y una tienda de discos , con colores coolade empapando todo el paisaje. Robert Douglas comparó la pieza con Chicken Shack de Archibald Motley , afirmando que "ambos artistas han cumplido la misión de celebrar la vida negra". También se crearon dos pinturas sobre el boxeo durante esta época: Stride of a Legend/Tribute to Papa Tall , un homenaje a Muhammad Ali y al diseñador textil Papa Tall de Senegal , y The Champion (1991), una representación de Evander Holyfield . ^[43]

Mientras estaba en Georgia, Jarrell revisó su interés por las carreras de caballos. Se interesó en los jockeys afroamericanos, creando las pinturas The Jocks #2 (1981), Master Tester (1981) y Homage to Isaac Murphy (1981). The Jocks #2 es un retrato grupal de James "Soup" Perkins , William Walker , Jimmy Winkfield e Isaac Murphy . Las figuras parecen una pintura mural kemética con toques de verde y azul claro. En el centro está Isaac Murphy, un legendario jockey del Derby de Kentucky , con una corona brillante . Un homenaje completo a Murphy se ve en Homage to Isaac Murphy , un gran políptico que consta de cuatro lienzos. Los motivos de hojas recortadas se adhieren al lienzo y se aplican con manchas acrílicas, lo que hace que los motivos parezcan un espacio negativo en la superficie de la pintura. Los zigzags son prominentes, un lagarto parece representar la velocidad, un jockey de césped y las fechas de las victorias de Murphy, los títulos y los nombres de los caballos están en la parte superior. La pintura está terminada con un retrato estilizado de Murphy y conchas de cauri pegadas al lienzo que representan el dinero ganado por Murphy durante su carrera. Master Tester es un abstracto del entrenador de caballos Marshall Lilly, montando a caballo y luciendo un sombrero de copa . ^[44] En 1993, Jarrell tendría una exposición individual, titulada "Edge Cutters", en el Kentucky Derby Museum en Lexington, Kentucky . ^[43]

En diciembre de 1982, la Westinghouse Electric Company encargó a Jarrell la creación de un mural de trescientos pies en su sede de Atenas, para levantar la moral de los empleados. El mural fue la primera vez que utilizó una paleta de albañil en su trabajo, una herramienta que le presentó Adger Cowans . The Apple Birds y The Return of the Apple Birds , de 1983, muestran su uso dramático de la paleta. Las pinturas se inspiraron en un dibujo de su hija, Jennifer, a la edad de dos años. Los Apple Birds fueron dibujados por Jennifer y ella misma habló de ellos como si tuvieran cabezas en forma de manzana con tallos en la parte superior, brazos largos y cuerpos cortos. Zigzags, formas geométricas y capas conforman el entorno en el que viven los Apple Birds en el lienzo. La paleta se utiliza en todo momento para crear capas y superposiciones en 3D. ^[44]

Jarrell creó muchos tributos al jazz a partir de la década de 1980. Cookin' n Smokin' (1986) es un tributo al músico de jazz Oscar Peterson , que se muestra tocando el piano con un diseño de rayos de sol alrededor de su cabeza. A la izquierda de Peterson está el bajista Ray Brown . Ambas figuras tienen cabezas grandes, sus rostros tienen rasgos exagerados similares a las máscaras africanas y Robert Douglas las describe como "un punto medio entre el naturalismo y la abstracción ". La paleta se usa en todo momento para mezclar el color. ^[41] Jazz Giants (1987), otro tributo al jazz, muestra a Dizzy Gillespie , Harry Carney , Johnny Hodges y Cootie Williams tocando. Los patrones de hojas y los círculos comunes en el trabajo de Jarrell se ven en todas partes. La paleta se usa para crear retratos reconocibles de los músicos, con la pintura sobre un fondo blanco que parece un grabado en madera . Priestess (1988) representa a otro ícono del jazz, Nina Simone , que aparece dos veces: tocando el piano y cantando en solitario, respaldada por una banda. ^[42] I Remember Bill de 1979 es un homenaje al amigo guitarrista de Jarrell, Bill Harris, originalmente de The Clovers . ^{[43] [45]} Jarrell viajaba ocasionalmente con Harris, colgando sus pinturas detrás de Harris mientras actuaba. La pintura es un gran políptico de técnica mixta de lienzo moldeado, y una guitarra de seis cuerdas pintada se encuentra en la parte superior de la obra. La pintura presenta fotografías pegadas de Harris y dos retratos pintados del músico, rodeados de los símbolos, diseños y patrones característicos de Jarrell. ^[45]

Otras obras incluyen: Corners of Jazz (1988), un gran mural con Ray Charles , Lester Young y Billie Holiday , Shon'nuf (1989), con Ray Charles, At the Three Deuces (1991) con Miles Davis , Charlie Parker y Sam Potter, Basie at the Apollo (1992) con la orquesta de Count Basie , The Empress (1992) para Bessie Smith , y Lady & Prez #2 , que muestra a Holiday y Young actuando juntos. ^[46]

Inspirado por su viaje a Italia, Jarrell creó la escultura Tribute to Ovambo Bellows , un homenaje pintado de forma cónica al pueblo Ovambo , que sería la base para un nuevo giro en su trabajo, hacia la escultura. ^[42] Las nuevas obras se categorizarían por su fuerte naturaleza espiritual, reflejo de la cultura y la herencia africanas. Hausa Space – a Village (1993) representa las aldeas que Jarrell visitó en Nigeria. Las casas que vio estaban decoradas con iconos y símbolos de significado espiritual y ritual, pintados en colores brillantes. Estas decoraciones se utilizan para luchar contra los malos espíritus, mientras que las piezas de Jarrell hablan de paz. ^[47] Muchas de las esculturas combinan elementos del arte y el diseño africanos; Sorcerer (1993) y Messenger of Information (1993) muestran sus influencias anteriores del arte Senufo y otras inspiraciones relacionadas con el diseño, la espiritualidad y la gente de África. ^{[48] ​​Las esculturas tipo} tótem comenzaron a crearse en 1995. Las tres esculturas que componen la serie Ensemble (1995) miden cada una más de cinco pies de alto y están pintadas con colores brillantes, rematadas con un pequeño animal. Por primera vez, en Days of the Kings (1995), las carreras de caballos aparecen en las esculturas de Jarrell. Dieciséis tótems sirven como tributos a los afroamericanos en las carreras de caballos, que recuerdan los diseños de Bijogo y Alberto Giacometti . ^[20] Epiphany (1996) conmemora la Marcha del Millón de Hombres , celebrada en Washington, DC el año anterior, un evento que Jarrell describió como uno de los más importantes de ese siglo. Esta pieza, y otras obras, se exhibieron más tarde en los Juegos Olímpicos de Verano de 1996. ^[49]

La Dra. Stacy Morgan, profesora asociada del Departamento de Estudios Americanos de la Universidad de Alabama, describe la obra de Jarrell como "un notable conjunto de arte vibrante, estilísticamente innovador y políticamente comprometido". ^[21]

• Primer premio, 1988, Exposición por invitación de Atlanta Life , Southeastern Center for Contemporary Art ^[42]
• Portada, 1985, Art Papers
• Premio a la excelencia en pintura, 1985, Southern Home Shows Exposition ^[50]
• Premio, 1974, Comisión de las Artes del Distrito de Columbia
• Artista residente, 1974, Escuelas públicas del Distrito de Columbia ^[15]

• Cortadores de bordes. 1993, Museo del Derby de Kentucky .
• Gran formato. 1987, Hospital del Suroeste de Atlanta .
• Pinturas y esculturas, Wadsworth Jarrell. 1987, Museo de Arte de Albany .
• El poder y la gloria. 1979, Universidad de Georgia .
• Regreso a casa , 1976, Universidad Howard .

• AFRI-COBRA: No hay término medio. 1992, Museo de Ciencia e Industria , Chicago, Illinois.
• Duodécima Exposición Anual por Invitación de Atlanta Life. 1992, Herndon Plaza, Atlanta.
• Signos vitales. 1991, Centro de Arte Contemporáneo de Atlanta .
• AFRI-COBRA: Los primeros veinte años. 1990, Florida A&M University .
• Carne de caballo. 1990, Museo del Derby de Kentucky .
• Exposición anual de playas. 1989, Museo de Arte Contemporáneo de Jacksonville .
• Artistas en Georgia 1988. , 1988 Centro de Arte Contemporáneo de Atlanta.
• El arte en Atlanta. 1988, Centro del Sureste para el Arte Contemporáneo .
• Bienal de Birmingham. 1987, Museo de Arte de Birmingham .
• ÁFRICOBRA ESTADOS UNIDOS. 1987, Galería Sermac, Fort-de-France , Martinica.
• Ot Och In. 1986, Museo de Arte de Malmö .
• Artistas en Georgia. 1985, Museo de Arte de Georgia .
• Atlanta en Francia. 1985, Capilla de la Sorbona .
• Estados Unidos Volta Del Sud. 1985, Palacio Venecia .
• Conmemoración de Soweto. AFRI-COBRA, 1980, Sede de las Naciones Unidas .
• Direcciones y dimensiones. 1980, Museo de Ciencias Naturales de Mississippi .
• Artistas en Georgia. 1980, High Museum of Art .
• Artistas en las escuelas. 1976, Museo de Arte de Delaware .
• Direcciones en el arte afroamericano. 1974, Museo de Arte Herbert F. Johnson . ^[51]

• Museo de Arte de Cleveland
• Museo Superior de Arte
• Museo de Arte Contemporáneo de Georgia
• Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana
• Nortel
• El Museo del Estudio en Harlem
• Universidad de Delaware

• Abstraccionismo negro
• Jae Jarrell
• AfriCOBRA

• Donaldson, Jeff. "Africobra 1 (Comuna africana de artistas poco relevantes): '10 en busca de una nación'", Black World XIX, núm. 12 (octubre de 1970): 89–89.
• Douglas, Robert L. Wadsworth Jarrell: El artista como revolucionario . Rohnert Park, California: Pomegranate, 1996. ISBN 0-7649-0012-9 
• Dyke, Kristina Van. "Wadsworth Jarrell: City Gallery East, Atlanta; exposición". Art Papers 20 (noviembre/diciembre de 1996): 31–32.
• Harris, Juliette. "AFRICOBRA AHORA!", Revista internacional de arte afroamericano. 21 (2) (2007): 2–11. Museo de la Universidad de Hampton.

• Entrevistas a los fundadores de AfriCOBRA, 2010, de los Archivos Smithsonian de Arte Estadounidense
• Wadsworth Jarrell en africobra.com (archivado)
• "Wadsworth y Jae Jarrell", nunca lo mismo
• "Wadsworth Jarrell, Sr.", Hacedores de Historia