Era del álbum

La era del álbum (a veces, era del rock de álbum ) fue un período en la música popular , generalmente definido como desde mediados de la década de 1960 hasta mediados de la década de 2000 , en el que el álbum —una colección de canciones publicadas en soporte físico— fue la forma dominante de expresión y consumo de música grabada. ^{[ 1 ] [ 2 ]} Estuvo impulsada principalmente por tres formatos de almacenamiento: el disco de larga duración (LP) de 33⅓ rpm, la cinta de casete y el disco compacto (CD). Los músicos de rock de Estados Unidos y el Reino Unido a menudo estuvieron a la vanguardia de esta era. El término "era del álbum" también se usa para referirse al período de marketing y estética que rodea el lanzamiento de un álbum por parte de un artista.

Los álbumes de larga duración, lanzados por primera vez en 1948, ofrecían la posibilidad de vender mayor cantidad de música que los sencillos . La era del álbum llegó en serio a mediados de la década de 1960, cuando los Beatles comenzaron a lanzar LP artísticamente ambiciosos y de gran éxito. La industria adoptó los álbumes con gran éxito, y la creciente crítica de rock validó su valor cultural. Para la década de 1970, el LP se había consolidado como una unidad artística fundamental y un producto muy popular entre los jóvenes. Algunos eran álbumes conceptuales , especialmente de músicos progresivos de rock y soul .

Durante la década de 1980, las ventas de LP disminuyeron debido al auge de géneros orientados a los sencillos como el punk rock y la música disco , y a los videoclips en MTV . Esto amenazó las ganancias de las compañías discográficas, que respondieron en las décadas siguientes lanzando menos sencillos y aumentando los precios de los álbumes en el popular formato CD. El éxito de las grandes estrellas del pop propició el desarrollo de un modelo de lanzamiento extendido entre las discográficas: promocionar un álbum en torno a un sencillo principal pegadizo , un videoclip llamativo, merchandising novedoso, cobertura mediática y una gira de conciertos de apoyo . Las mujeres y los músicos negros continuaron ganando reconocimiento de la crítica dentro del canon predominantemente masculino blanco y orientado al rock de la era del álbum, mientras que el floreciente género hip hop desarrolló sus propios estándares basados ​​en álbumes. En la década de 1990, la industria musical experimentó un auge del rock alternativo y la música country , lo que llevó a un pico de ingresos de 15  mil millones de dólares en 1999 (según las ventas de CD).

El auge de Internet comenzó a socavar el concepto de álbum. En primer lugar, las redes de intercambio de archivos como Napster permitieron a los consumidores copiar y compartir ilegalmente sus canciones favoritas de los CD. A principios del siglo XXI, los servicios de descarga y transmisión de música se consolidaron como los principales medios de distribución, las ventas de álbumes sufrieron un fuerte descenso y los artistas se centraron en general en los sencillos, poniendo fin, en la práctica, a la era del álbum.

Los avances tecnológicos de principios del siglo XX provocaron cambios radicales en la forma de producir y vender música grabada. Antes del LP, el soporte estándar para la música grabada era el disco de gramófono de 78 rpm , fabricado con goma laca y con una capacidad de tres a cinco minutos por cara. ^{[ 3 ]} Las limitaciones de capacidad restringían los procesos de composición de los artistas, mientras que la fragilidad de la goma laca propiciaba el empaquetado de estos discos en libretos vacíos similares a álbumes de fotos , ^{[ 3 ]} con papel de envolver generalmente de color marrón como cubierta. ^{[ 4 ]} La introducción del cloruro de polivinilo en la producción de discos dio lugar a los discos de vinilo, que se reproducían con menos ruido y eran más duraderos. ^{[ 3 ]}

En la década de 1940, el mercado de grabaciones comerciales y domésticas estaba dominado por las compañías competidoras RCA Victor y Columbia Records , cuyo ingeniero jefe, Peter Carl Goldmark, fue pionero en el desarrollo del disco de vinilo de larga duración (LP) de 12 pulgadas . ^{[ 3 ]} Este formato podía contener grabaciones de hasta 52 minutos, o 26 minutos por cara, ^{[ 5 ]} a una velocidad de 33⅓ rpm, y se podía reproducir con una aguja de "microsurco" de punta pequeña diseñada para sistemas de reproducción domésticos . ^{[ 3 ]} Introducidos en 1948 por Columbia, los LP se conocieron como "álbumes de discos", término que hacía referencia al empaque de los discos de 78 rpm, similar a un álbum de fotos. ^{[ 3 ]} Otra innovación de Columbia fue la adición de diseño gráfico y tipográfico a las portadas de los álbumes, introducida por Alex Steinweiss, el director artístico del sello. Animada por su efecto positivo en las ventas de LP, la industria musical adoptó las portadas de álbumes ilustradas como estándar en la década de 1950. ^{[ 4 ]}

Originalmente, el álbum se comercializó principalmente para oyentes de música clásica, ^{[ 6 ]} y el primer LP lanzado fue Mendelssohn: Concierto en mi menor para violín y orquesta Op. 64 (1948) por Nathan Milstein y la Orquesta Filarmónica-Sinfónica de Nueva York bajo la dirección de Bruno Walter . ^{[ 7 ]} Bandas sonoras de películas , grabaciones de elencos de espectáculos de Broadway , músicos de jazz y algunos cantantes de pop como Frank Sinatra pronto utilizaron el nuevo formato más largo. Artistas de jazz en particular, como Duke Ellington , Miles Davis y Dave Brubeck , prefirieron el LP porque les permitía grabar sus composiciones con arreglos de duración de concierto e improvisaciones . ^{[ 7 ]} La grabación original del elenco de Broadway del musical Kiss Me, Kate (1949) vendió 100.000 copias en su primer mes de lanzamiento y, junto con South Pacific (que encabezó las listas de álbumes durante 63 semanas), atrajo más atención a los LP, mientras que la grabación del elenco de Broadway de My Fair Lady se convirtió en el primer LP en vender un millón de copias. ^{[ 8 ] [ 9 ]} Sin embargo, en las décadas de 1950 y 1960, las ventas de sencillos de siete pulgadas a 45 rpm todavía se consideraban el mercado principal para la industria musical, y los álbumes seguían siendo un mercado secundario. Las carreras de notables artistas de rock and roll como Elvis Presley se impulsaron principalmente por las ventas de sencillos. ^{[ 6 ]} 

El periodo comprendido entre mediados de la década de 1960 y finales de la de 1970 fue la era del LP y la "época dorada" del álbum. Según el programa When Albums Ruled the World (2013) de BBC Four , "Estos fueron los años en que la industria musical explotó hasta convertirse en algo más grande que Hollywood ". ^{[ 42 ]} "La era del álbum había introducido la noción del cantante de rock como un artista al que vale la pena prestar atención más allá de la duración de un éxito", observó Pareles más tarde. "Los intérpretes podían convertirse en presencias vívidas para sus fans incluso cuando no eran omnipresentes en el Top 40 , y se formaron lealtades que continuaron hasta la década de 1990 para algunos intérpretes de las décadas de 1960 y 1970, desde los Kinks hasta Michael Jackson y Sting ". ^{[ 43 ]} Entre los que surgieron en la década de 1970 estaba Bruce Springsteen , a quien Powers llama "la estrella de rock por excelencia de la era del álbum" por cómo "utilizó el formato del álbum de larga duración de manera más poderosa a lo largo de su carrera, no solo para establecer un mundo a través de la canción, sino para habitar una personalidad perdurable". ^{[ 44 ]}

Los músicos de rock progresivo y soul utilizaron enfoques altamente conceptuales orientados al álbum en la década de 1970. ^{[ 45 ]} Pink Floyd lanzó LPs temáticamente conceptuales y de producción intrincada que reinventaron los estándares del rock durante la década siguiente, particularmente con su álbum de 1973 , The Dark Side of the Moon . ^{[ 46 ]} El músico y productor Brian Eno emergió a través de un trabajo prolífico que utilizó completamente el formato con enfoques progresivamente experimentales del rock, alcanzando su punto máximo durante la era del álbum con sus grabaciones en solitario, así como álbumes producidos para Roxy Music , David Bowie , Talking Heads y U2 . ^{[ 47 ]} Bajo el liderazgo de Berry Gordy en el sello de soul Motown , los cantautores Marvin Gaye y Stevie Wonder recibieron control creativo para abordar sus álbumes más seriamente en lo que generalmente había sido un género centrado en los sencillos, lo que llevó a una serie de LPs innovadores de ambos a medida que avanzaba la década. ^{[ 48 ]} Por su trabajo innovador, Gaye y Wonder fueron las pocas excepciones en lo que Marc Hogan de Pitchfork observa que se convertiría en un "canon repleto de rock" predominantemente masculino blanco durante la era del álbum, uno que excluía en gran medida las obras de músicas femeninas y afroamericanas. ^{[ 49 ]}

Según Eric Olsen , Pink Floyd fue "la banda multiplatino más excéntrica y experimental de la era del rock de álbumes", mientras que el artista de reggae Bob Marley fue "la única figura imponente de la era del rock que no era de Estados Unidos ni del Reino Unido" ^{[ 50 ]} El LP de Joni Mitchell de 1970, Ladies of the Canyon, es comúnmente considerado como uno de los discos más importantes de la era del álbum. ^{[ 51 ]} Las producciones de Bob Ezrin , quien trabajó en los álbumes de la década de 1970 de Alice Cooper y Kiss ' Destroyer (1976)', también se destacan de esta época. Como escribe el periodista musical James Campion, "La era del álbum de la década de 1970 se adaptaba perfectamente a su enfoque cinematográfico. Su formato, con sus dos caras, como si fueran dos actos en una obra de teatro con un intermedio, permite un arco crucial en la narración". ^{[ 52 ]} Junto con el disco LP, la cinta de 8 pistas fue otro formato popular en los EE. UU. en este período. ^{[ 42 ]}

Al profundizar en la estética del LP de la década de 1970, Campion identifica factores culturales y ambientales que, en su opinión, hicieron que el formato fuera ideal para los jóvenes de la época. Describe el "ambiente solitario" que ofrecían a los oyentes el tocadiscos y los auriculares, que "los envolvía en una intrincada panoramización estéreo, sonidos atmosféricos y trucos vocales de múltiples capas". ^{[ 52 ]} Warren Zanes considera la astuta secuenciación de las pistas del LP como "el arte menos reconocido de la era del álbum". ^{[ 53 ]} La popularidad de las drogas recreativas y las lámparas de ambiente en ese momento proporcionó entornos adicionales para experiencias de escucha más concentradas, como señala Campion: "Esto mantenía al oyente absorto en cada canción: cómo una fluía hacia la otra, su contenido lírico que las conectaba y la fusión de la instrumentación". ^{[ 52 ]}

En comparación con las generaciones futuras, Campion explica que quienes crecieron en la década de 1970 valoraban más la escucha de discos, en parte debido a su acceso limitado a otros aparatos de entretenimiento doméstico: «Muchos no podían controlar el televisor familiar ni siquiera la radio de la cocina. Esto los llevó a priorizar el dormitorio o la sala de estar». Campion describe este entorno como una «cápsula de la imaginación» para los oyentes de la época, quienes «se encerraban en el paisaje onírico de los auriculares, estudiando cada rincón de la portada del vinilo de 12 pulgadas y profundizando en el subtexto de las letras, ya fuera de forma intencionada por el artista o no». Otras influencias culturales de la época también influyeron en la experiencia auditiva, según Campion, quien cita las fantasías y las imágenes de terror y ciencia ficción de los cómics, así como la publicidad, la propaganda y «la promesa estadounidense de grandeza ». En su análisis, Campion concluye: «Como si estuvieran sentados en su propio teatro de la mente  ... participaban voluntariamente en el lúdico deambular de sus héroes del rock and roll». ^{[ 52 ]} Añadiendo a esta observación, Pareles dice: «Las canciones sucesivas se convierten en una especie de narrativa, unida por la imagen y las fantasías sobre el intérprete». A medida que «el afecto y la fascinación de los oyentes  ... se transferían de una canción exitosa, o una serie de éxitos, al cantante», los artistas de grabación particularmente exitosos desarrollaban una «permanencia» entre el público, según Pareles. ^{[ 43 ]}

Según Hogan, con Sgt. Pepper como impulsor, la idea de un "álbum conceptual" se convirtió en una herramienta de marketing en la década de 1970, ya que "no faltaron bandas que usaron el pretexto del 'arte' para vender decenas de millones de discos". Citando álbumes de gran éxito como The Dark Side of the Moon como precursores de la tendencia, Hogan dice que "las ventas de discos se dispararon" hasta mediados de la década de 1970. ^{[ 49 ]} En 1974, "las ventas en dólares de discos y cintas en los Estados Unidos alcanzaron un máximo histórico de $2.2 mil millones", según la Enciclopedia World Book , con grabaciones de pop y rock que representaron dos tercios de todas las ventas de música grabada. Sin embargo, el libro atribuye esto en parte a un aumento en los precios de los discos durante el año, mientras que estima que el número real de ventas netas de LP había disminuido de 280 millones a 276  millones de copias y señala un aumento en las ventas de cintas de 108  millones a 114  millones. A medida que las compañías discográficas concentraban sus esfuerzos en el pop y el rock, los lanzamientos de otros géneros como la música clásica, el jazz y la música ligera quedaron marginados en el mercado. Muchos artistas de jazz de la época grabaron álbumes crossover con canciones pop para aumentar sus ventas. ^{[ 55 ]}

Para 1977, las ventas de álbumes habían comenzado a "descender", según Hogan. ^{[ 49 ]} Pareles atribuye este declive al desarrollo del punk rock y la música disco a finales de la década de 1970: "El punk volvió a centrarse en la canción corta y ruidosa. La música disco se concentró en el momento físico en que una canción hace que un cuerpo se mueva". ^{[ 43 ]} Christgau señala de manera similar que "la estética de los sencillos comenzó a reafirmarse con la música disco y el punk", lo que sugiere que esto puso fin a la "Era del Álbum Excepcional". ^{[ 56 ]} En un análisis diferente, el historiador Matthew Restall observa que en este período los artistas populares luchaban por mantener el alto nivel de éxito que se les había otorgado a sus álbumes anteriores. Citando la decepcionante recepción de Blue Moves (1976) de Elton John y Tusk (1979) de Fleetwood Mac , Restall dice: "[Estos] son ​​ejemplos dramáticos de cómo los artistas de la gran era del álbum ... sufrieron las consecuencias de un horizonte de expectativas". ^{[ 57 ]} 

A principios de la década de 2000, Kot publicó un falso obituario para el formato LP de 33⅓ rpm en el Chicago Tribune . En él, argumentaba que el LP había "quedado obsoleto por las descargas de MP3, las bandas sonoras de películas y los reproductores de CD, sin mencionar los videojuegos, la televisión por cable, Internet y la explosión mundial de medios que se aprovechan de la capacidad de atención de lo que antes se conocía como compradores de álbumes". ^{[ 34 ]} En 1999, el servicio de intercambio de archivos peer-to-peer de Internet Napster permitió a los usuarios de Internet descargar fácilmente canciones individuales en formato MP3 , que habían sido extraídas de los archivos digitales ubicados en CD. ^{[ 71 ]} En medio del auge de Napster en 2000, David Bowie predijo en una entrevista que la era del álbum terminaría con la inevitable adopción de archivos de música digital por parte de la industria musical. ^{[ 72 ] [ nb 2 ]} A principios de 2001, el uso de Napster alcanzó su punto máximo con 26,4  millones de usuarios en todo el mundo. ^{[ 73 ]} Aunque Napster fue clausurado más tarde ese año por violaciones de derechos de autor, varios otros servicios de descarga de música lo reemplazaron. ^{[ 74 ]}

En 2001, se presentó el servicio iTunes de Apple Inc. , y el iPod (un reproductor de MP3 fácil de usar) se lanzó más tarde ese año, al que pronto se unieron alternativas legales similares. Esto, junto con un aumento continuo en el intercambio ilícito de archivos, llevó a una fuerte caída en las ventas de música grabada en formatos físicos ^{[ 68 ]} durante los siguientes tres años. ^{[ 75 ]} Las ventas se recuperaron brevemente a finales de 2004 cuando la industria registró aproximadamente 667 millones de álbumes vendidos, liderados por 8 millones de Confessions de Usher , ^{[ 75 ]} cuyo éxito ejemplificó el dominio comercial de la música urbana sobre el pop en la década. ^{[ 76 ]} Eminem y 50 Cent estuvieron entre los éxitos de las grandes discográficas del auge del rap que había continuado desde la década anterior. ^{[ 67 ]} Tanto Confessions como The Eminem Show (2002) de Eminem serían certificados Diamante por la Recording Industry Association of America , alcanzando 10 millones de copias vendidas cada uno para finales de la década. ^{[ 76 ]} 

Según Hogan, los discos más innovadores también se producían en los géneros urbanos de R&B , hip hop y pop, incluyendo álbumes de Kanye West y D'Angelo, así como producciones de Timbaland y The Neptunes . Para los críticos, estas obras se convirtieron en otra forma de los discos de art pop de larga duración que habían definido la era del álbum con una tradición basada en la guitarra rock, lo cual se complicó aún más por el reconocimiento canónico otorgado al álbum electrónico post-rock Kid A (2000) de Radiohead. Sin alcanzar las ventas históricas de OK Computer , los álbumes de rock más aclamados de principios de la década de 2000 a menudo revisitaban sonidos antiguos, como Is This It (2001) de The Strokes, White Blood Cells (2001) de The White Stripes y Turn on the Bright Lights (2002) de Interpol , o simplemente carecían del extenso presupuesto de producción y marketing de Radiohead, como en el caso de Funeral (2004) de Arcade Fire . Estos acontecimientos llevaron a que el prestigio comercial y cultural del rock disminuyera y el paradigma crítico cambiara del rockismo al poptimismo en los años posteriores. ^{[ 49 ]}

Mientras tanto, la capacidad de la industria musical para vender álbumes seguía enfrentándose a amenazas de piratería y medios de la competencia, como DVD, videojuegos y descargas de canciones individuales. Según los datos de Nielsen SoundScan de 2004, las pistas digitales habían vendido más de 140 millones de copias a unos 99 centavos cada una a través de vendedores en línea como iTunes, lo que indica que los consumidores preferían descargar canciones individuales en lugar del álbum completo, que era más caro. ^{[ 75 ]} En 2006, las ventas de CD fueron superadas por primera vez por las descargas de sencillos, con los consumidores de música digital comprando sencillos sobre álbumes por un margen de 19 a 1. ^{[ 68 ]} Para 2009, las ventas de álbumes se habían reducido a más de la mitad desde 1999, pasando de una  industria de 14.600 millones de dólares a 6.300 millones de dólares. ^{[ 78 ]} También para entonces, el dance-pop había sucedido a la música urbana como el género dominante en la radio top 40 , ^{[ 76 ]} con artistas pop como Rihanna emergiendo durante este período basando sus carreras en sencillos digitales en lugar de ventas de álbumes. ^{[ 79 ]} Grupos de rock veteranos como U2 prosperaron durante la caída de las ventas de álbumes mejor que los grupos más jóvenes debido a un público leal que aún mantenía un apego al formato. "Como hijos de la era del álbum, U2 nunca dejaría de considerar el álbum como la declaración central de su creatividad" a pesar de las ventas progresivamente más bajas, dice Mat Snow, señalando que los conciertos en vivo se convirtieron en consecuencia en su mayor fuente de ingresos. ^{[ 70 ]}

Con el auge de los medios digitales en la década de 2000, el "coleccionista popular" de álbumes físicos pasó a ser el coleccionista "digital" y "electrónico". Sobre estos coleccionistas, Roy afirma que se puede argumentar que "no cuentan con los conocimientos o herramientas de archivado suficientes para preservar su colección a largo plazo", citando la vulnerable vida útil de los archivos digitales. ^{[ 63 ]} Simultáneamente, la desaparición de las tiendas de música físicas permitió que surgieran sitios web como dominios para la colección de álbumes, incluyendo la base de datos de reseñas musicales AllMusic , el servicio de streaming Spotify y Discogs , que comenzó como una base de datos musical antes de convertirse en un mercado en línea para lanzamientos de música física. ^{[ 80 ]}

La frase «muerte del álbum» se utilizó en los medios durante el declive, generalmente atribuyéndola al intercambio y descarga por Internet, ^{[ 81 ] [ 82 ]} y a las cambiantes expectativas de los oyentes de música. ^{[ 83 ]} El director de operaciones de Capitol-EMI, Jeff Kempler, dijo en 2007 que menos artistas se dedicarían a campañas orientadas al álbum, mientras que el investigador de medios Aram Sinnreich predijo sin rodeos la muerte del álbum, ya que los consumidores escucharían listas de reproducción en sus reproductores de MP3. ^{[ 68 ]} En una entrevista varios años después, Lee Phillips, del bufete de abogados de entretenimiento californiano Manatt, Phelps & Phillips, creía que la era del álbum había terminado y culpaba a las compañías discográficas por no reconocer la inevitabilidad del streaming como el medio preferido de distribución musical y por no trabajar con Napster en una solución. ^{[ 84 ]}

Expertos de la industria musical ^{[ 85 ]} y escritores de la década de 2010, como Jon Caramanica ^{[ 86 ]} y Kevin Whitehead [ ^{87 ], describieron} este período en la historia del álbum como la "era post-álbum". A lo largo de la década, las discográficas invirtieron en plataformas de streaming como Spotify y Pandora Radio , con estrategias centradas en listas de reproducción seleccionadas y canciones individuales en lugar de álbumes. ^{[ 2 ]} Spotify, en particular, se convirtió en una plataforma dominante y redefinitoria para el consumo de música durante la década de 2010. En un reportaje posterior para Deseret News , Court Mann afirmó que "servicios como Spotify y Apple Music han trasladado nuestras bibliotecas [musicales] de discos duros personales, iPods y CDs a la nube . Nuestra música es cada vez menos autónoma y privada". ^{[ 88 ]} En 2011, las ventas netas de álbumes en EE. UU. aumentaron por primera vez desde 2004, y algunos escritores lo atribuyeron al éxito de Adele de 2011, 21 (con 5,8  millones de unidades y más de tres millones de CD vendidos en enero de 2012) ^{[ 89 ]} , pero continuaron cayendo nuevamente al año siguiente. ^{[ 76 ]} Con los consumidores abandonando los álbumes, más artistas se centraron en lanzar sencillos, una tendencia que los críticos consideraron que socavaba su potencial artístico y produjo muchos artistas de un solo éxito . ^{[ 90 ]} Sin embargo, los críticos, que habían escrito principalmente reseñas de álbumes durante la era de dominio del formato, también habían comenzado a reseñar canciones individuales. ^{[ 31 ]}

Si bien el formato de álbum estaba "muerto" comercialmente, artistas de renombre como U2 , The 1975 , Taylor Swift y Katy Perry seguían presentando su trabajo dentro de una "era del álbum" autodefinida, según Peter Robinson de The Guardian . Estos artistas presentaban la estética de su proyecto al estilo de las campañas temáticas de álbumes de artistas del pasado como Bowie, Madonna y Pet Shop Boys . ^{[ 91 ]} Los álbumes se comercializaron en extravagantes lanzamientos de productos , similares a las artes escénicas , que alcanzaron "un punto bajo" en 2013, según la escritora de Vulture, Lindsay Zoladz, quien cita los intentos fallidos de artistas como Kanye West, Arcade Fire y Lady Gaga de utilizar el arte visual y los espacios públicos en la estrategia: "La campaña cómicamente excesiva de Artpop de Gaga presentó una escultura de Jeff Koons y una conferencia de prensa en la que presentó 'VOLANTIS, el primer vestido volador del mundo'; Daft Punk grabó interminables anuncios promocionales al estilo de VH1 Classic Albums que inmortalizaron Random Access Memories antes de que nadie lo hubiera escuchado  ... y luego, ¿quién podría olvidar a [Perry] conduciendo por las calles de Los Ángeles en un camión dorado de 18 ruedas que gritaba KATY PERRY PRISM 10-22-13 y que parecía, extrañamente, un ladrillo de diez toneladas de queso Cracker Barrel?" ^{[ 92 ]} A pesar de esto, Swift siguió siendo la principal defensora y planificadora meticulosa de las campañas de la era de los álbumes en la industria musical durante toda la década, creando un arte distintivo de la estrategia, en opinión de Curto. ^{[ 58 ]}

A mediados de la década de 2010, los artistas de grabación populares habían adoptado el álbum sorpresa como estrategia de lanzamiento, publicando sus álbumes con poco o ningún anuncio y promoción previos, en parte como una forma de combatir las filtraciones en Internet . Esta estrategia fue precedida por Radiohead y Bowie, pero popularizada por Beyoncé con su álbum homónimo en 2013, lo que llevó a lo que Zoladz en 2015 llamó la "era actual del álbum sorpresa". ^{[ 92 ]} Al año siguiente, la cantante repitió la estrategia con su álbum Lemonade y nuevamente demostró que "el Zeitgeist podía ser capturado y mantenido en solo una noche", como explica Curto. ^{[ 58 ]} Sin embargo, Zoladz continuó informando una "fatiga colectiva" entre los críticos profesionales y los oyentes ocasionales de mantenerse conectados con los lanzamientos sorpresa y el ciclo de noticias en redes sociales que los rodea. También señaló la capacidad de Drake para mantener su atractivo popular a lo largo del tiempo con lanzamientos de sencillos y, por lo tanto, dominar el "deseo de gratificación instantánea y anticipación a largo plazo" de la era digital. ^{[ 92 ]} La segunda mitad de la década de 2010 tendió hacia un marketing igualmente minimalista para los lanzamientos de álbumes de hip hop, con anuncios en forma de publicaciones en redes sociales que revelaban solo la portada, la lista de canciones o la fecha de lanzamiento unas pocas semanas antes como máximo. ^{[ 58 ]}

Otros críticos seguían creyendo en el álbum como un concepto viable en el siglo XXI. En 2003, la revista Wired le encargó a Christgau un artículo sobre si el álbum era "una forma de arte en extinción", al que concluyó: "Mientras los artistas sigan de gira, venderán recopilaciones de canciones junto con el resto de su merchandising, y esas recopilaciones se concebirán con la mayor maestría posible". En 2019, cuando las ventas de CD y descargas digitales se desplomaron y persistían las teorías sobre la "muerte" del formato físico del álbum, Christgau encontró aún más válida su premisa original. "Porque el ordenador da como quita", escribió en un ensayo que acompañaba la encuesta musical de Pazz & Jop de ese año, explicando que la actual accesibilidad a equipos de grabación adecuados hace que la producción de álbumes sea accesible a músicos de diversos niveles de competencia. Respecto a los artistas profesionales, afirmó: "Componer canciones está en su ADN, y si dichas canciones son buenas, grabarlas para la posteridad pronto se vuelve irresistible". ^{[ 93 ]}

En un ensayo de fin de año sobre el álbum en 2019, Ann Powers escribió para Slate que el año encontró el formato en un estado de "metamorfosis" en lugar de muerto. En su observación, muchos artistas discográficos habían revitalizado el álbum conceptual en torno a narrativas autobiográficas y temas personales, como la intimidad, la interseccionalidad , la vida afroamericana, los límites entre mujeres y el duelo asociado con la muerte. Citó álbumes como Jaime de Brittany Howard , Jimmy Lee de Raphael Saadiq , Eve de Rapsody , On the Line de Jenny Lewis y Ghosteen de Nick Cave . ^{[ 94 ]} Escribiendo contemporáneamente, la periodista de arte y cultura Michelle Zipkin creía que los álbumes siguen siendo "un componente integral, relevante y celebrado de la creación y el arte musical". Citó la lista de los álbumes más aclamados de la década de 2010 elaborada por el agregador de reseñas Metacritic , que mostraba la maestría musical de una amplia gama de artistas y temas a menudo serios, como el duelo, las relaciones raciales y la política de identidad , y añadió que «los álbumes de hoy ofrecen una nueva forma de abordar una industria en constante cambio». ^{[ 2 ]}

Para 2019, Swift seguía siendo la única artista "que aún vendía CDs" y aún no había adoptado los servicios de streaming porque, según Quartz , estos no habían compensado justamente a los artistas discográficos . Profundizando en este punto, el crítico del Los Angeles Times , Mikael Wood, dijo: "Sin embargo, mientras ella mantenía su música fuera de Spotify —condicionando a su público fiel a considerar la compra de sus canciones y álbumes como un acto de devoción—, artistas más jóvenes como Ariana Grande emergieron para establecerse como favoritas del streaming". No obstante, Swift utilizó todos los principales servicios de streaming para lanzar su álbum Lover de 2019 , que según Quartz "podría ser el último CD que compremos" y fue "quizás la nota de muerte final para el CD". ^{[ 95 ]}

Tendencias internacionales

A mediados de la década de 2010, las ventas físicas de CD y vinilos representaban el 39% de las ventas mundiales de música. Del total de ventas de música en EE. UU. ( el mercado musical más grande del mundo en términos de ingresos), menos del 25% correspondían a copias físicas, mientras que Francia y el Reino Unido registraban entre un 30% y un 40% en esta misma estadística. Sin embargo, esa cifra era de aproximadamente el 60% para Alemania y el 75% para Japón, que tenía el segundo mercado más grande del mundo con más de 254 mil millones de yenes  (o 2440  millones de dólares) vendidos anualmente en grabaciones musicales, la mayoría en formato CD. Ambos países lideraban el mundo en ventas de música física en parte debido a la afinidad mutua de sus culturas por los "objetos físicos", según el periodista de Quartz, Mun Keat Looi. ^{[ 96 ]}

La industria japonesa había favorecido especialmente el formato CD, debido en parte a su facilidad de fabricación, distribución y control de precios. En 2016, Japón contaba con 6000 tiendas de música físicas, superando a Estados Unidos (aproximadamente 1900) y Alemania (700) como la mayor cantidad en el mundo. A pesar de que el internet de banda ancha estaba disponible en Japón desde el año 2000, los consumidores se habían resistido al cambio hacia el consumo de música descargada y en streaming, que representaba el 8% de los ingresos totales de la industria musical del país, en comparación con el 68% en el mercado estadounidense. Mientras que los sencillos en los países occidentales habían quedado obsoletos hacía más de una década, el mercado japonés para estos se mantuvo vigente en gran medida debido a la inmensa popularidad de los ídolos musicales, las boy bands y los grupos femeninos. Aprovechando la popularidad de estos artistas, las compañías discográficas y las agencias de marketing explotaron el aspecto comercial de los CD con estrategias promocionales ingeniosas, como el lanzamiento de diversas ediciones de un mismo álbum, su inclusión con entradas para eventos de los artistas y el contabilizado de las compras de sencillos en CD como votos de los fans en concursos de popularidad. Según Ronald Taylor, corresponsal de The Japan Times , la atención se desvió de la música hacia la experiencia de conexión del fan con su ídolo favorito. ^{[ 96 ]}

El comportamiento inusual de los consumidores japoneses en el mercado de la música grabada fue un ejemplo del síndrome de Galápagos , un concepto empresarial inspirado en la teoría evolutiva de Charles Darwin . Según Looi, esto explica cómo el carácter innovador pero aislacionista del país había dado como resultado "un amor por una tecnología que el resto del mundo prácticamente ha olvidado". Sobre la perdurable popularidad comercial de los CD en Japón, el analista musical global Mark Mulligan explicó que el poder adquisitivo y la demanda de los consumidores japoneses se habían concentrado en su población, que envejecía rápidamente y era más propensa a seguir a ídolos veteranos como la banda Arashi y el cantautor Masaharu Fukuyama , mientras que se concentraban menos entre los jóvenes familiarizados con los servicios digitales y de streaming. Sin embargo, a mediados de la década de 2010 también se observó un aumento en las ventas de música digital y suscripciones, lo que indicaba una tendencia a alejarse de las compras físicas en el país. ^{[ 96 ]}

En 2019, la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) informó que entre los 10 principales mercados de música grabada del mundo se encontraban Japón, China, Corea del Sur y Australia, al tiempo que señaló el surgimiento de mercados fuera de Occidente en general, incluidos los de América Latina, Asia y África. El informe también observó un cambio desde el dominio global de los artistas populares en lengua inglesa hacia éxitos regionales con atractivo intercultural, como BTS y J Balvin , debido en parte a una cultura de consumo más abierta y a la conexión social entre artistas y oyentes. Si bien los principales artistas de grabación de Occidente continuaron dependiendo de los roles tradicionales de las grandes discográficas, otros utilizaron proveedores de servicios digitales como Spotify y Apple Music para lanzar sus grabaciones de forma independiente o en asociación con un distribuidor independiente. ^{[ 98 ]}

período pandémico

En 2020, los lanzamientos de álbumes se vieron obstaculizados por la pandemia de COVID-19 y sus medidas de distanciamiento social relacionadas . ^{[ 58 ]} Entre el 6 y el 12 de marzo, las ventas de álbumes físicos cayeron un 6% debido en parte a la pandemia. Más tarde ese mes, Amazon suspendió temporalmente los envíos entrantes de CD de música y discos de vinilo de proveedores estadounidenses en un esfuerzo por priorizar los artículos considerados más esenciales. ^{[ 2 ]} El cierre de minoristas físicos y sistemas de distribución debido a la pandemia afectó especialmente a los artistas veteranos, ya que sus fans tendían a ser mayores y más propensos a seguir comprando CD y discos de vinilo. En consecuencia, muchos de estos artistas que aún se adherían a un modelo de lanzamiento tradicional, como Willie Nelson y Alicia Keys , retrasaron los lanzamientos de sus álbumes. ^{[ 99 ]} Al informar sobre el desarrollo en marzo, el periodista de Rolling Stone, Elias Leight, explicó:

Esto se debe a que decenas de miles de canciones nuevas aparecen diariamente en los servicios de streaming. Para destacar entre la avalancha, es necesario grabar videos con meses de anticipación, gestionar apariciones en televisión, contactar a los curadores de los servicios de streaming, asegurar oportunidades de prensa, programar fechas de giras, visitas a estaciones de radio y presentaciones en tiendas de discos. Sin estos elementos, los artistas corren el riesgo de lanzar música a un público desinteresado, desinformado o simplemente abrumado. Y ahora mismo, casi todas estas opciones para aumentar su visibilidad están fuera de su alcance. ^{[ 100 ]}

Algunas grandes estrellas del pop reinventaron sus estrategias de lanzamiento durante la pandemia. Taylor Swift lanzó por sorpresa sus álbumes Folklore y Evermore en julio y diciembre de 2020, respectivamente, abandonando por primera vez en su carrera una campaña de lanzamiento adecuada, y estableciendo varios récords de ventas y reproducciones en streaming. Ariana Grande, más inspirada por las estrategias de lanzamiento del rap, lanzó su álbum Positions (2020) con un anuncio y promoción igualmente mínimos. El éxito de ambas artistas durante la pandemia se produjo mientras que estrellas del pop más consagradas habían planeado lanzamientos de álbumes tradicionales, incluyendo a Katy Perry, Lady Gaga y Dua Lipa . ^{[ 58 ]} Keys también lanzó por sorpresa su álbum Alicia después de un retraso indefinido debido a la pandemia. ^{[ 101 ]} Simultáneamente, los álbumes de rap se beneficiaron aún más de la cultura de consumo bajo demanda y de streaming del período, con raperos como Lil Uzi Vert , Bad Bunny y DaBaby encabezando las listas de álbumes. ^{[ 58 ]}

2020 demostró ser el año más exitoso para los álbumes de vinilo en la historia de MRC Data (desde 1991), con 27,5  millones vendidos en EE. UU. En junio de 2021, Billboard informó que las ventas netas de álbumes físicos habían aumentado por primera vez en años debido a la pandemia. Los artistas de pop y hip hop/R&B obtuvieron más ventas que nunca en el mercado estadounidense de vinilos, mientras que los discos de rock experimentaron un descenso a pesar de representar más de la mitad de las ventas totales del mercado. Entre los principales vendedores de vinilos del año se encontraban Harry Styles , Billie Eilish , Kendrick Lamar y Swift, cuyo álbum Evermore lideró las ventas tanto de CD como de álbumes de vinilo lanzados en 2021. ^{[ 102 ]}

Al informar sobre las tendencias de lanzamiento musical durante la pandemia, los escritores observaron que ofrecían una mayor conexión para los artistas con sus oyentes durante un período de cambio de paradigma, empoderando a ambos grupos a expensas de las grandes discográficas. ^{[ 58 ]}

En 2022, Michael Cragg escribió un artículo para la revista i-D en el que cuestionaba si Swift era "nuestra última estrella del pop auténtica", destacando su capacidad para combinar métodos tradicionales de marketing de música pop, como las metanarrativas basadas en álbumes y las giras de conciertos masivas, con tácticas contemporáneas, como abstenerse de lanzar canciones antes del álbum. Refiriéndose al lanzamiento de su álbum Midnights (2022) y la gira Eras Tour , que abarcó toda su carrera , Cragg escribió que Swift había "aprovechado [un] sentido de comunión pop" como "su propia suma sacerdotisa" y creado "una histeria nunca vista desde la época dorada de la industria". ^{[ 103 ]}

• Unidad equivalente a un álbum
• Lista de álbumes más vendidos
• Lista de álbumes más vendidos por país
• Lista de artistas musicales más vendidos
• Lista de los álbumes más vendidos
• El resurgimiento del vinilo

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• Albumism : revista en línea dedicada a contenido relacionado con álbumes.