Francis Ford Coppola

Coppola coescribió el guion de Patton a partir de 1963 junto con Edmund H. North . Esto le valió su primer Premio de la Academia al Mejor Guion Original . Sin embargo, no fue fácil para Coppola convencer a Franklin J. Schaffner de que la escena inicial funcionaría. Coppola reveló más tarde en una entrevista:

Escribí el guion de Patton . Y el guion fue muy controvertido cuando lo escribí, porque lo consideraban demasiado estilizado. Se suponía que iba a ser algo así como, ya sabes, El día más largo . Y mi guion de Patton era... yo estaba interesado en la reencarnación. Y tenía esta escena inicial muy extraña en la que se para frente a una bandera estadounidense y da un discurso. Al final, no me despidieron, pero sí me despidieron, es decir, cuando el guion estuvo listo, dijeron: "De acuerdo, muchas gracias", y contrataron a otro guionista y ese guion quedó en el olvido. Y recuerdo muy vívidamente todo este tiempo, cómo me criticaron duramente por esa escena inicial. ^{[ 45 ]}

Cuando le ofrecieron el papel principal a George C. Scott , recordó haber leído el guion de Coppola con anterioridad. Declaró rotundamente que solo aceptaría el papel si utilizaban el guion de Coppola. «Scott fue quien resucitó mi versión», dijo Coppola. ^{[ 46 ]}

La película comienza con la interpretación de Scott del famoso discurso motivacional de Patton a los miembros del Tercer Ejército, con una enorme bandera estadounidense de fondo. Coppola y North tuvieron que suavizar el lenguaje de Patton para evitar una clasificación R ; en el monólogo inicial, la palabra "fornicando" reemplazó a "jodiendo" al criticar a The Saturday Evening Post . Con el paso de los años, este monólogo inicial se ha convertido en una escena icónica y ha dado lugar a parodias en numerosas películas, caricaturas políticas y programas de televisión.

El Padrino (1972) fue un punto de inflexión en la carrera de Coppola. Sin embargo, se enfrentó a varias dificultades durante el rodaje. Paramount poseía los derechos de la novela de Mario Puzo , sobre una familia mafiosa italoamericana, desde hacía varios años. Coppola no era la primera opción de Paramount para dirigir; inicialmente se le ofreció el trabajo a Sergio Leone , pero lo rechazó para dirigir su propia obra maestra de gánsteres, Érase una vez en América . ^{[ 47 ]} Robert Evans quería que la película fuera dirigida por un italoamericano para que fuera "étnica en esencia". ^{[ 48 ] [ 49 ]} El asistente principal de Evans, Peter Bart, sugirió a Coppola, como director de ascendencia italiana que trabajaría por una suma y un presupuesto bajos después de la mala recepción de La gente de la lluvia . ^{[ 50 ] [ 48 ]} Coppola inicialmente rechazó el trabajo porque encontró la novela de Puzo sórdida y sensacionalista, describiéndola como "cosa bastante barata". ^{[ 51 ] [ 52 ]} En ese momento, el estudio de Coppola, American Zoetrope, debía más de 400 000 dólares a Warner Bros. por sobrecostos en THX 1138 y, sumado a su precaria situación financiera, junto con los consejos de amigos y familiares, Coppola revirtió su decisión inicial y aceptó el trabajo. ^{[ 53 ] [ 54 ]}

Coppola fue anunciado oficialmente como director de la película el 28 de septiembre de 1970. ^{[ 55 ]} Aceptó recibir $125,000 y el seis por ciento de los alquileres brutos. ^{[ 56 ] [ 57 ]} Coppola luego encontró un tema más profundo para el material y decidió que no debía ser solo una película sobre el crimen organizado, sino también una saga familiar y una metáfora del capitalismo en Estados Unidos. ^{[ 48 ]} La historia sigue a la familia Corleone cuando el patriarca Vito Corleone pasa las riendas del poder a su hijo Michael . Hubo desacuerdo entre Paramount y Coppola sobre el reparto; Coppola quería a Marlon Brando como Vito, aunque Paramount quería a Ernest Borgnine o Danny Thomas . Orson Welles también fue considerado. En un momento dado, el entonces presidente de Paramount le dijo a Coppola que "Marlon Brando nunca aparecerá en esta película". Tras suplicar a los ejecutivos, Coppola solo pudo contratar a Brando si aparecía en la película por mucho menos dinero que en sus películas anteriores, realizaba una prueba de pantalla y presentaba una fianza comprometiéndose a no causar retrasos en la producción (como había hecho en rodajes anteriores). ^{[ 58 ]} Coppola eligió a Brando por encima de Borgnine basándose en la prueba de pantalla de Brando, que también convenció a la dirección de Paramount. Coppola recordaría más tarde:

El Padrino fue una película muy poco apreciada cuando la estábamos rodando. Estaban muy descontentos con ella. No les gustaba el reparto. No les gustaba mi forma de rodar. Siempre estaba al borde del despido. Así que fue una experiencia de pesadilla. Tenía dos hijos pequeños, y el tercero nació durante ese tiempo. Vivíamos en un apartamento pequeño, y básicamente me aterraba que no les gustara. Prácticamente lo habían dicho, así que cuando todo terminó no tenía ninguna confianza en que fuera a tener éxito, ni en que fuera a conseguir otro trabajo. ^{[ 39 ]}

La película fue un éxito de crítica y público, estableciendo un récord de taquilla. ^{[ 59 ]} Pauline Kael escribió:

Coppola, un joven director que nunca ha tenido un gran éxito, puede que haya hecho la película por dinero, como afirma —para poder hacer las películas que realmente quiere hacer, dice—, pero esta película se hizo a plena capacidad. Ha rescatado la energía de Puzo y le ha dado dignidad a la narrativa. Dadas las circunstancias y la prisa por terminar la película y llevarla al mercado, Coppola no solo ha hecho lo mejor que ha podido, sino que se ha exigido más de lo que quizás se da cuenta. La película está a la altura de las obras anteriores sobre temas amplios, como On the Waterfront , From Here to Eternity y The Nun's Story . Ofrece una visión amplia y sorprendentemente vívida de una dinastía mafiosa. La abundancia proviene del libro; la calidad de la sensación es de Coppola... La dirección es tenazmente inteligente. Coppola se mantiene firme y lo cohesiona todo. La novela de serie B está ahí debajo, pero él intenta extraer los patrones de los detalles. Es sorprendente lo abarcadora que parece ser la visión: la sensación de una perspectiva histórica tan amplia que se obtiene, considerando que el lapso es solo desde 1945 hasta mediados de los años cincuenta, momento en el que la familia Corleone, ya obligada por las presiones competitivas a traficar con narcóticos, está trasladando su base de operaciones a Las Vegas. ^{[ 60 ]}

Además de Brando, la película contó con Al Pacino , James Caan , John Cazale y Robert Duvall . También participaron Richard Castellano , Sterling Hayden , Diane Keaton y la hermana de Coppola, Talia Shire . Brando ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor , pero se negó a aceptarlo. La película ganó el premio a la Mejor Película y al Mejor Guion Adaptado . Coppola fue nominado a Mejor Director , pero perdió ante Bob Fosse por Cabaret . ^{[ 61 ]} Para la banda sonora , Coppola encargó la música a Nino Rota , quien había compuesto la música de muchas películas de Fellini . La cinematografía en claroscuro de Gordon Willis fue aclamada, al igual que el diseño de producción de época de Dean Tavoularis . ^{[ 62 ]}

La película suele figurar entre las mejores de la historia. En 1997, ocupó el tercer lugar, detrás de Ciudadano Kane (1941) y Casablanca (1942), en la lista inaugural del American Film Institute , AFI's 100 Years...100 Movies. En 2007, ascendió al segundo puesto, por delante de Casablanca y detrás de Kane . ^{[ 63 ]} David Thomson escribe que « El Padrino mereció todo su éxito porque tuvo el valor de tomarse sus 175 minutos con calma... Posee una fe serena en el control narrativo que no se veía en Hollywood desde hacía veinte años. Era como una película de los años cuarenta por su ambientación nostálgica; su dominio de grandes actores secundarios; la audaz exploración de Gordon Willis del cine negro en color; y su fascinación por el mal». ^{[ 41 ]}

La Conversación (1974) consolidó aún más la reputación de Coppola. Influenciada por Blow-Up (1966)de Michelangelo Antonioni ^{[ 64 ]} , generó gran interés cuando se filtró la noticia de que presentaba el mismo equipo de vigilancia y escuchas telefónicas que miembros de la administración Nixon usaron para espiar a opositores políticos en el escándalo Watergate . Coppola afirmó que esto fue pura coincidencia, ya que el guion de La Conversación se completó a mediados de la década de 1960. Sin embargo, el público interpretó la película como una reacción al Watergate y sus consecuencias. Está protagonizada por Gene Hackman como Harry Caul, "el mejor soplón de la Costa Oeste", contratado para espiar a una joven pareja interpretada por Cindy Williams y Frederic Forrest . Cazale aparece como su compañero, Stan. La película fue un éxito de crítica y le valió a Coppola su primera Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1974 . ^{[ 65 ]} La película recibió tresnominaciones al Oscar : Mejor Película , Mejor Guion Original y Mejor Sonido . El cuñado de Coppola, David Shire, compuso la banda sonora y Walter Murch editó la película, mientras Coppola comenzaba a trabajar en su siguiente proyecto. ^{[ 66 ]}

El Padrino II es a la vez precuela y secuela de la primera película, y narra historias paralelas del ascenso del joven Vito Corleone y la caída de su hijo Michael. Tras su preestreno de cinco horas, George Lucas le dijo a Coppola: «Tienes dos películas. Si quitas una, no funciona». Coppola afirma que fue la primera película importante en usar «Parte II» en su título; se inspiró en la obraen dos partes de Sergei Eisenstein , Iván el Terrible . ^{[ 67 ]} Paramount se opuso inicialmente a su decisión de titular la película El Padrino II . Según Coppola, la objeción del estudio se debía a la creencia de que el público sería reacio a ver una película con ese título, ya que supuestamente pensarían que, habiendo visto ya El Padrino , había pocas razones para ver una continuación de la película original. Sin embargo, el éxito de El Padrino II dio inicio a la tradición hollywoodense de las secuelas numeradas. ^{[ 68 ]}

La película recibió una aclamación tremenda por parte de la crítica, y muchos la consideraron superior a su predecesora. Kael escribió:

Coppola nos ha sumergido de nuevo en la sensualidad y el terror de la primera película. Y, con la implacabilidad de un maestro, va cada vez más lejos. La audacia de la segunda parte reside en que amplía el alcance y profundiza el significado de la primera... La primera película abarcaba el periodo desde 1945 hasta mediados de los cincuenta. La segunda parte, que contrasta la juventud de Vito (interpretado por Robert De Niro ) con la vida de Michael, su heredero (Al Pacino), abarca casi setenta años. En la primera película solo vimos la mitad de la historia; ahora tenemos el principio y el final. Estructuralmente, la obra completa no es otra cosa que el auge y la caída de una dinastía estadounidense de gobernantes extraoficiales... La segunda parte tiene el mismo esquema visual mítico y operístico que la primera; una vez más, el director de fotografía es Gordon Willis. Visualmente, sin embargo, la película es mucho más compleja y bella que la primera, al igual que es temáticamente más rica, más sombría, más completa. La maestría de Willis ha evolucionado, al igual que la de Coppola; incluso las secuencias a la luz del sol tienen tonos profundos, elegíacos pero líricos, como en El conformista , y siempre al servicio de la narrativa, como también lo hace la banda sonora de Nino Rota. ^{[ 69 ]}

Además de Pacino, Cazale, Duvall, Keaton y Shire retomaron sus papeles de la primera película. Entre los nuevos integrantes se encontraban Michael V. Gazzo y el mentor de Pacino, Lee Strasberg . El Padrino II fue nominada a 11 premios de la Academia y ganó seis, incluyendo Mejor Película, Mejor Guion Adaptado y Mejor Director. ^{[ 70 ]} De Niro ganó el premio a Mejor Actor de Reparto por su interpretación de Vito, convirtiéndose junto a Brando en los primeros actores en ganar un Oscar por interpretar al mismo personaje. La película se ubicó en el puesto n.° 32 en la lista inaugural de AFI de 100 Years...100 Movies, manteniendo su posición diez años después. ^{[ 63 ]} Ocupa el puesto n.° 1 en la lista de TV Guide de las "50 Mejores Películas de Todos los Tiempos" ^{[ 71 ]} y el puesto n.° 7 en la lista de Entertainment Weekly de las "100 Mejores Películas de Todos los Tiempos". ^{[ 72 ]} En conjunto, los dos Padrinos se ubicaron en el No. 4 en la lista de Sight & Sound de 2002 de las diez mejores películas de todos los tiempos. ^{[ 73 ]} Thomson escribe que "exhibió un dominio de tantos períodos y lugares que resultaba fascinante". ^{[ 41 ]} Fue una de las últimas grandes películas estadounidenses en ser filmada en Technicolor . ^{[ 74 ]}

Tras el éxito de El Padrino , La Conversación y El Padrino II , Coppola comenzó a filmar Apocalypse Now , una adaptación de El corazón de las tinieblas (1899) de Joseph Conrad, ambientada en Camboya durante la guerra de Vietnam . La película sigue a Willard ( Martin Sheen ) en su viaje río arriba para encontrar y asesinar al renegado Kurtz (Brando). La producción en Filipinas estuvo plagada de numerosos problemas, incluyendo tifones, crisis nerviosas, el despido de Harvey Keitel , el infarto de Sheen, la llegada de Brando con sobrepeso y sin preparación, y la partida de extras del ejército filipino y de la mitad de los helicópteros suministrados en medio de las escenas para combatir a los rebeldes. Se retrasó tanto que se la apodó ¿ Apocalipsis cuándo? ^{[ 75 ]}

Apocalypse Now se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1979 , donde Coppola hizo afirmaciones grandilocuentes, entre ellas: "Mi película no trata sobre Vietnam, es Vietnam". ^{[ 75 ]} A pesar de tales declaraciones y las quejas de los críticos de que el mensaje de la película era confuso, compartió la Palma de Oro con El tambor de hojalata de Volker Schlöndorff ^{[ 65 ]} y ganó los premios Óscar a la Mejor Fotografía ( Vittorio Storaro ) y al Mejor Sonido (Murch, Mark Berger , Richard Beggs y Nat Boxer ). ^{[ 76 ]} Roger Ebert escribió:

En su libro Las películas de mi vida , el director francés François Truffaut hizo una declaración curiosa. Antes creía, según cuenta, que una película exitosa debía expresar simultáneamente "una idea del mundo y una idea del cine". Pero ahora, escribe, "exijo que una película exprese o bien la alegría de hacer cine o bien la agonía de hacerlo. No me interesa en absoluto nada intermedio; no me interesan todas esas películas que no tienen vida".

Puede parecer extraño comenzar una reseña de Apocalypse Now de Francis Coppola con esas palabras, pero si las consideramos un momento, se aplican perfectamente a esta extensa película. Los críticos que han rechazado la película de Coppola lo hicieron principalmente basándose en los argumentos de Truffaut; tienen discrepancias con las ideas sobre el mundo y la guerra que se presentan en Apocalypse Now ... Como todas las grandes obras de arte sobre la guerra, Apocalypse Now contiene esencialmente una sola idea o mensaje: la observación, no especialmente esclarecedora, de que la guerra es un infierno. No vamos a ver la película de Coppola por esa razón, algo que Coppola, pero no algunos de sus críticos, sabe bien. Coppola también sabe bien (y lo demostró en las películas de El Padrino ) que el cine no es especialmente bueno para tratar ideas abstractas —para eso es mejor recurrir a la palabra escrita—, pero es excelente para presentar estados de ánimo y sentimientos, la apariencia de una batalla, la expresión de un rostro, el estado de ánimo de un país. Apocalypse Now alcanza la grandeza no analizando nuestra "experiencia" en Vietnam, sino recreando, a través de personajes e imágenes, algo de esa experiencia.

Un ejemplo: la escena en la que Robert Duvall, como un teniente coronel enloquecido, lidera a sus tropas en un ataque con helicópteros contra un pueblo es, sencillamente, la mejor escena de batalla jamás filmada. Es a la vez sobrecogedora, deprimente y emocionante: mientras los cohetes salen disparados de los helicópteros y surcan el aire, nos sentimos eufóricos como niños durante medio segundo, hasta que la realidad de las consecuencias se hace patente...

Lo grandioso de esta película, y lo que la hará perdurar por muchos años y conectar con un público amplio, es lo que Coppola logra al nivel que Truffaut describía: los momentos de agonía y alegría en la creación cinematográfica. Algunos de esos momentos se presentan simultáneamente; recordemos el ataque con helicópteros y su inquietante mezcla de horror y euforia. Recordemos la extraña belleza de los helicópteros elevándose sobre los árboles en un plano general, y la fuerza arrolladora de la música de Wagner , que suena a todo volumen durante el ataque, y comprenderemos a qué se refería Coppola: esos momentos tan comunes en la vida como en el arte, cuando todo el inmenso misterio del mundo, tan bello, tan terrible, parece pender de un hilo. ^{[ 77 ]}

La reputación de la película ha crecido y ahora muchos la consideran una obra maestra del Nuevo Hollywood, y se la cita con frecuencia como una de las mejores películas jamás realizadas, ocupando el puesto número 19 en la encuesta de Sight and Sound de 2022. ^{[ 78 ]} Para la película, Murch fue la primera persona en recibir un crédito como diseñador de sonido. ^{[ 79 ]}

El documental Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse (1991), dirigido por George Hickenlooper , Fax Bahr y la esposa de Francis, Eleanor Coppola , quien estuvo presente durante la producción, narra las dificultades que el equipo atravesó al realizar Apocalypse Now e incluye imágenes detrás de cámaras filmadas por Eleanor. Coppola declaró célebremente: "Estábamos en la jungla, éramos demasiados, teníamos acceso a demasiado dinero, demasiado equipo y, poco a poco, nos volvimos locos". ^{[ 80 ]}

En 1990, estrenó el tercer y último capítulo de la saga de El Padrino : El Padrino Parte III . Coppola sentía que las dos primeras películas habían contado la saga completa de los Corleone. Coppola pretendía que la Parte III fuera un epílogo de las dos primeras películas. ^{[ 95 ]} En su comentario de audio para la Parte II , afirmó que solo una situación financiera crítica causada por el fracaso de One from the Heart (1982) lo obligó a aceptar la oferta de Paramount de realizar una tercera entrega. ^{[ 96 ]} Coppola y Puzo preferían el título La muerte de Michael Corleone , pero Paramount Pictures lo consideró inaceptable. ^{[ 95 ]} Aunque no fue tan aclamada por la crítica como las dos primeras películas, ^{[ 97 ] [ 98 ] [ 99 ]} aun así tuvo éxito comercial, recaudando 136  millones de dólares frente a un  presupuesto de 54 millones de dólares. ^{[ 100 ]} Algunos críticos criticaron la elección de Sofia Coppola, hija del director , quien asumió el papel principal de Mary Corleone después de que Winona Ryder lo abandonara justo al comenzar el rodaje. ^{[ 97 ]} A pesar de esto, El Padrino III obtuvo siete nominaciones a los Premios de la Academia , incluyendo Mejor Director y Mejor Película . La película no ganó ninguno de estos premios, lo que la convirtió en la única película de la trilogía en no ganar ninguno.

En septiembre de 2020, con motivo del 30 aniversario de la película, se anunció que un nuevo montaje, titulado Mario Puzo's The Godfather, Coda: The Death of Michael Corleone, tendría un estreno limitado en cines en diciembre de 2020, seguido de su lanzamiento digital y en Blu-ray. ^{[ 101 ]} Coppola afirmó que la película es la versión que él y Puzo habían imaginado originalmente y que «reivindica» su estatus dentro de la trilogía y la actuación de su hija Sofía. ^{[ 102 ] [ 103 ]}

En 1992, Coppola dirigió y produjo Drácula de Bram Stoker . Adaptada de la novela de Bram Stoker , pretendía seguir el libro más fielmente que las adaptaciones cinematográficas anteriores. ^{[ 104 ]} Coppola eligió a Gary Oldman para el papel principal, con Keanu Reeves , Winona Ryder y Anthony Hopkins en papeles secundarios. La película se convirtió en un éxito de taquilla, recaudando $82,522,790 en Estados Unidos, convirtiéndose en la 15.ª película más taquillera del año. ^{[ 105 ]} Le fue aún mejor fuera del país, recaudando $133,339,902 para una recaudación mundial total de $215,862,692 frente a un presupuesto de $40 millones, ^{[ 106 ]} convirtiéndose en la novena película más taquillera del año a nivel mundial. ^{[ 107 ]} La película ganó los Premios de la Academia al Diseño de Vestuario , Maquillaje y Edición de Sonido . 

El siguiente proyecto de Coppola fue Jack , que se estrenó el 9 de agosto de 1996. Protagonizada por Robin Williams como Jack Powell, un niño de diez años cuyas células crecen a cuatro veces la velocidad normal debido al síndrome de Werner , lo que hace que parezca un hombre de 40 años a la edad de diez años. Con Diane Lane , Brian Kerwin y Bill Cosby , Jack también contó con Jennifer Lopez , Fran Drescher y Michael McKean en papeles secundarios. No fue un éxito de taquilla, recaudando 58  millones de dólares en Estados Unidos con un presupuesto estimado de 45  millones de dólares, ^{[ 108 ]} fue duramente criticada, a muchos de los cuales no les gustó el abrupto contraste de la película entre la comedia real y el melodrama trágico. ^{[ 109 ]} También fue comparada desfavorablemente con la película de 1988 Big , en la que Tom Hanks también interpretó a un niño en el cuerpo de un hombre adulto. ^{[ 110 ]} La mayoría de los críticos consideraron que el guion estaba mal escrito, no era gracioso y tenía un drama poco convincente e inverosímil. ^{[ 111 ]} Otros críticos consideraron que Coppola era demasiado talentoso para hacer este tipo de película. ^{[ 112 ]} Aunque ridiculizado por hacer la película, Coppola la ha defendido, diciendo que no se avergüenza del montaje final de la película. Había sido amigo de Robin Williams durante muchos años y siempre había querido trabajar con él como actor. ^{[ 113 ]} Cuando a Williams le ofrecieron el guion de Jack , dijo que solo aceptaría hacerlo si Coppola aceptaba firmar como director.

La última película que Coppola dirigió en la década de 1990, El abogado del diablo , se basó en la novela homónima de John Grisham de 1995. Este drama judicial coral fue bien recibido por la crítica. ^{[ 114 ]} Roger Ebert le otorgó a El abogado del diablo tres estrellas de cuatro, comentando: «He disfrutado de varias películas basadas en novelas de Grisham  ... pero generalmente he visto reflejado el oficio del narrador más que el arte del novelista. Al mantener a todos los personajes secundarios en primer plano, Coppola muestra la variedad de la vida de un joven abogado, donde cada cliente es necesario y la mayoría de ellos necesitan mucho más que un abogado». ^{[ 115 ]} James Berardinelli también le dio a la película tres estrellas de cuatro, diciendo que «la inteligencia y la sutileza de El abogado del diablo me sorprendieron» y que la película «está por encima de cualquier otra adaptación cinematográfica de Grisham». ^{[ 116 ]} Grisham dijo sobre la película: "Para mí es la mejor adaptación de cualquiera de [mis libros]  ... Me encanta la película. Está muy bien hecha". ^{[ 117 ]} La película recaudó alrededor de 45  millones de dólares en Estados Unidos, ^{[ 118 ]} más que el presupuesto de producción estimado de 40  millones de dólares, pero una decepción en comparación con películas anteriores adaptadas de novelas de Grisham.

Según Coppola, después de esta película dejó de trabajar como "director profesional" y prefirió comportarse más como un estudiante. Optó por autofinanciar algunas películas "muy pequeñas y de bajo presupuesto" para aprender "qué era realmente hacer películas" sin la necesidad de que fueran exitosas. ^{[ 119 ]}

A finales de los 90, Coppola era miembro de la junta directiva de MGM, y en una discusión sobre las películas que ya tenían pero que no podían estrenarse, Supernova fue una de las más caras. Se le propuso supervisar varias de ellas, incluyendo The Fantastiks y Supernova , para lo cual utilizó su estudio American Zoetrope en el norte de California . Este trabajo incluyó colocar digitalmente los rostros de Angela Bassett y James Spader en los cuerpos de Robin Tunney y Peter Facinelli (con color digital) para que sus personajes pudieran tener una escena de amor . ^{[ 120 ]} Sin embargo, la versión reeditada de Coppola tuvo una proyección de prueba negativa y no obtuvo la clasificación PG-13 de la MPAA que el estudio deseaba. El diseñador de criaturas Patrick Tatopoulos , cuyos efectos especiales fueron en su mayoría eliminados de la película, dijo que Walter Hill quería que la película fuera mucho más grotesca, extraña e inquietante, mientras que MGM quería hacerla más moderna y sexy en el espacio, y no con efectos de maquillaje completos. «Espero que mi experiencia en la industria cinematográfica haya ayudado a mejorar la imagen y a rectificar algunos de los problemas que causó la pérdida de un director», dijo Coppola. ^{[ 120 ]} En octubre de 1999, MGM decidió vender la película. ^{[ 121 ]} La película finalmente se estrenó el 17 de enero de 2000, casi dos años después de lo previsto. ^{[ 122 ]} 

Coppola fue presidente del jurado en el Festival de Cine de Cannes de 1996 y también participó como invitado especial en el 17º Festival de Cine Sol de Medianoche en Sodankylä , Finlandia, ^{[ 123 ]} y en el 46º Festival Internacional de Cine de Tesalónica en Tesalónica , Grecia.

A finales de los 90, Coppola comenzó a revisar sus películas y a crear nuevas versiones del director para su lanzamiento en vídeo doméstico. La primera película en recibir este tratamiento fue Apocalypse Now . La nueva versión, Apocalypse Now Redux , recuperó 49 minutos que habían sido eliminados de la película antes de su estreno original en 1979, en particular una visita a una plantación francesa. Varios actores volvieron a grabar sus diálogos para las escenas eliminadas, cuya calidad de audio era inconsistente, y se compuso música nueva. Esta versión se estrenó en cines en 2001 y posteriormente se lanzó en DVD. En 2006, se incluyó junto con la versión cinematográfica en un DVD de lujo; los lanzamientos posteriores en vídeo doméstico han incluido ambas versiones.

AO Scott escribió: « Apocalypse Now Redux llega en esta época de poca actividad para recordarnos una era perdida del cine visionario, un tiempo de autoconfianza creativa que a menudo coqueteaba con la arrogancia, pero también un tiempo de asumir riesgos y de gran seriedad. La visión artística que se muestra en Apocalypse Now —la locura divina que inspiró al Sr. Coppola a arriesgar su salud, su cordura, su fortuna y el bienestar de su elenco, equipo y familia— es, en última instancia, menos impresionante y menos importante para el poder perdurable de la película que el arte en sí mismo». ^{[ 124 ]}

En 2005, Coppola creó una nueva versión de Rebeldes sin causa para el formato doméstico. Esta versión, titulada Rebeldes sin causa: La novela completa , añadió más de 20 minutos de metraje y eliminó tres escenas, aumentando la duración de la película de 91 a 114 minutos. También incorporó música nueva de Michael Seifert y Dave Pruitt, así como varias canciones de la época a la banda sonora de Carmine Coppola. Coppola incluyó tanto la versión estrenada en cines como «La novela completa» en todos los lanzamientos posteriores en formato doméstico.

Después de una pausa de diez años, Coppola regresó a la dirección con Juventud sin juventud en 2007, basada en la novela homónima del autor rumano Mircea Eliade . La película recibió críticas generalmente negativas. ^{[ 125 ]} Se realizó con un presupuesto de aproximadamente 19  millones de dólares y tuvo un estreno limitado, recaudando solo 2.624.759 dólares en taquilla. ^{[ 126 ]} Como resultado, Coppola anunció sus planes de producir sus propias películas para evitar la inversión en marketing que se aplica a la mayoría de las películas, las cuales están destinadas a atraer a un público demasiado amplio.

En 2009, Coppola estrenó Tetro . Ambientada en Argentina , narra el reencuentro de dos hermanos. La historia sigue las rivalidades nacidas de las diferencias creativas transmitidas de generación en generación en una familia de artistas inmigrantes italianos . ^{[ 127 ]} La película recibió críticas generalmente positivas. ^{[ 128 ] [ 129 ]} El consenso del sitio Rotten Tomatoes fue: "Una compleja meditación sobre la dinámica familiar, las impactantes imágenes y el núcleo emocional de Tetro compensan su narrativa irregular". ^{[ 129 ]} Roger Ebert del Chicago Sun-Times le dio a la película tres estrellas, elogiándola por ser "audazmente operística, involucrando drama familiar, secretos, generaciones en guerra, melodrama, romance y violencia". Ebert también elogió la actuación de Vincent Gallo y afirmó que Alden Ehrenreich es "el nuevo Leonardo DiCaprio ". ^{[ 130 ]} Todd McCarthy de Variety le dio a la película una B+, opinando que "cuando Coppola encuentra el nirvana creativo , frecuentemente tiene problemas para ofrecer todo el producto". ^{[ 131 ]} Richard Corliss de Time le dio a la película una crítica mixta, elogiando la actuación de Ehrenreich, pero afirmando que Coppola "ha hecho una película en la que pasan muchas cosas, pero nada suena creíble". ^{[ 132 ]} La película recaudó $2,636,774 en todo el mundo, ^{[ 133 ]} frente a un presupuesto de $5,000,000.

Twixt , protagonizada por Val Kilmer , Elle Fanning , Joanne Whalley y Bruce Dern , y narrada por Tom Waits , se estrenó en festivales de cine a finales de 2011 ^{[ 134 ]} y en cines a principios de 2012. Recibió elogios de la crítica en Francia, ^{[ 135 ]} pero críticas mayoritariamente negativas en otros lugares. ^{[ 136 ]}

En 2015, Coppola declaró

Por eso terminé mi carrera: decidí que ya no quería hacer lo que se podría llamar "películas de fábrica". Prefería experimentar con la forma, ver qué podía hacer y crear cosas propias. Y poco a poco, la industria cinematográfica comercial se metió en el negocio de los superhéroes, y todo era a una escala enorme. Los presupuestos eran enormes, porque querían hacer grandes series de películas de las que pudieran hacer dos o tres partes. Sentí que ya no me interesaba lo suficiente como para dedicarle el esfuerzo extraordinario que requiere una película [hoy en día]. ^{[ 137 ]}

Distant Vision es un proyecto de transmisión en vivo semiautobiográfico e inacabado, creado en tiempo real.Se realizaron pruebas de concepto ante un público reducido en el Oklahoma City Community College en junio de 2015 y en la Escuela de Teatro de la UCLA en julio de 2016. ^{[ 138 ]}

En 2015, Coppola encontró una vieja cinta Betamax con su montaje original de The Cotton Club y decidió restaurarla. Había recortado aproximadamente media hora de la película antes de su estreno original por insistencia de los patrocinadores financieros europeos. Debido a una combinación de derechos musicales, la pérdida del negativo original, problemas de audio y la falta de interés de MGM en el proyecto, Coppola terminó gastando 500.000 dólares de su propio dinero en la restauración de la película. ^{[ 139 ]} Finalmente se terminó en 2017 y se estrenó en el Festival de Cine de Telluride en 2019 como The Cotton Club Encore .

Tras finalizar el rodaje de The Cotton Club , Coppola comenzó a trabajar en el montaje del director de su primera película, Dementia 13. Para esta película, Coppola eliminó varios minutos de metraje que había añadido el productor, Roger Corman. ^{[ 140 ]} En 2019, le siguió otro montaje del director de Apocalypse Now , esta vez titulado "The Final Cut". Eliminó 20 minutos de metraje que se habían incluido en Apocalypse Now Redux y restauró la película a partir del negativo original por primera vez. ^{[ 141 ]}

En diciembre de 2020, una reedición de El Padrino III , El Padrino Coda: La muerte de Michael Corleone, tuvo un estreno limitado en cines, seguido de un lanzamiento digital y en Blu-ray en 2021. ^{[ 142 ]} Coppola declaró que El Padrino: Parte IV nunca se realizó porque Mario Puzo murió antes de que tuvieran la oportunidad de escribir la película. ^{[ 143 ]} Andy García afirmó posteriormente que el guion de la película estuvo a punto de producirse. ^{[ 143 ]}

El montaje del director más reciente de Coppola hasta la fecha fue B'Twixt Now and Sunrise , una versión abreviada de su película Twixt . Se reestrenó en 2022. ^{[ 144 ]}

En la 94.ª edición de los Premios Óscar , celebraron el 50.º aniversario de El Padrino . Coppola asistió junto a Robert De Niro y Al Pacino , quienes fueron recibidos con una ovación de pie. ^{[ 145 ]}

En abril de 2019, Coppola anunció que planeaba dirigir Megalópolis , proyecto que había estado desarrollando durante muchos años. ^{[ 146 ]} En declaraciones a Deadline , dijo: "Este año planeo comenzar mi antigua ambición de realizar una obra importante utilizando todo lo que he aprendido durante mi larga carrera, que comenzó a los 16 años haciendo teatro, y será una epopeya a gran escala, a la que he titulado Megalópolis ". ^{[ 147 ]}

Había planeado dirigir la película, una historia sobre las consecuencias y la reconstrucción de la ciudad de Nueva York después de un megadesastre, muchos años antes, pero después del desastre real de los ataques del 11 de septiembre , el proyecto fue considerado demasiado delicado. ^{[ 148 ]}

En agosto de 2021, se anunció que Coppola había comenzado conversaciones con actores para el proyecto y que tenía como objetivo comenzar la fotografía principal en el otoño de 2022. ^{[ 149 ]} En abril de 2022, se informó que el rodaje se llevaría a cabo del 6 de septiembre de 2022 al 2 de febrero de 2023. En mayo de 2022, se reveló el elenco estelar: Adam Driver , Forest Whitaker , Nathalie Emmanuel , Jon Voight y Laurence Fishburne . ^{[ 150 ]} En julio, se informó que el rodaje comenzaría en noviembre de 2022 en Trilith Studios en Fayetteville , Georgia . ^{[ 151 ] [ 152 ]} En agosto, se reveló que Aubrey Plaza , Talia Shire , Shia LaBeouf , Jason Schwartzman , Kathryn Hunter , Laurence Fishburne , James Remar y Grace VanderWaal se unieron al elenco. ^{[ 153 ] [ 154 ]} A principios de octubre, se anunció que Chloe Fineman , Dustin Hoffman , Bailey Ives, Isabelle Kusman y DB Sweeney también se unirían al elenco. ^{[ 155 ]}

El 29 de febrero de 2024, Deadline informó que Megalopolis se estrenará en IMAX en otoño de 2024. ^{[ 156 ]} El 9 de abril de 2024, se reveló que Megalopolis se estrenaría en competencia en el 77.º Festival de Cine de Cannes .

En agosto de 2024, un mes antes del estreno de Megalópolis , Coppola declaró a Rolling Stone que no se retiraría tras el lanzamiento de su proyecto más anhelado, sino que trabajaría en dos proyectos: una adaptación de The Glimpses of the Moon con "fuertes elementos de danza y música" ^{[ 157 ]} que planea producir en Inglaterra y Distant Vision , un proyecto de "cine en vivo" en el que lleva trabajando desde 2015 y que narra la historia ficticia de tres generaciones de una familia italoamericana durante el fenómeno de la invención de la televisión . ^{[ 119 ]}

American Zoetrope también administra el Zoetrope Virtual Studio, un estudio completo de producción cinematográfica exclusivo para miembros. Lanzado en junio de 2000 como culminación de más de cuatro años de trabajo, reúne departamentos para guionistas, directores, productores y otros artistas cinematográficos, así como nuevos departamentos para otras iniciativas creativas, como el proyecto de la máquina expendedora de cuentos cortos. ^{[ 161 ]}

A finales de la década de 1980, Coppola comenzó a considerar ideas para una película basada en la novela del siglo XIX de Carlo Collodi , Las aventuras de Pinocho , y en 1991, Coppola y Warner Bros. comenzaron a discutir el proyecto, así como otros dos, uno sobre la vida de J. Edgar Hoover y el otro basado en la novela infantil El jardín secreto . Estas conversaciones llevaron a negociaciones para que Coppola produjera y dirigiera el proyecto de Pinocho para Warner Bros., así como El jardín secreto (que se realizó en 1993 y fue producida por American Zoetrope , pero dirigida por Agnieszka Holland ) y Hoover , que nunca se concretó. Finalmente, Clint Eastwood realizó una película en 2011 titulada J. Edgar , que fue distribuida por Warner Bros.

Sin embargo, a mediados de 1991, Coppola y Warner Bros. llegaron a un desacuerdo sobre la compensación de Coppola por sus servicios de dirección en Pinocho . ^{[ 162 ]} En 1994, Coppola se acercó a otro estudio, Columbia Pictures , para producir la película. ^{[ 163 ]} Warner Brothers escribió entonces a Columbia, afirmando que poseía los derechos del proyecto de Coppola, lo que llevó a que Columbia posteriormente abandonara el proyecto. Coppola presentó una demanda contra Warner Bros., alegando que habían impedido indebidamente que Columbia Pictures realizara la película. ^{[ 164 ]}

Las partes aplazaron este asunto y finalmente se llegó a un acuerdo el 3 de julio de 1998, cuando los jurados en el caso judicial resultante otorgaron a Coppola 20  millones de dólares como compensación por perder el proyecto cinematográfico de Pinocho . ^{[ 165 ]} Ese mismo día, Warner Bros. declaró que apelaría la decisión. ^{[ 166 ]} Una semana después, a Coppola se le otorgaron otros 60  millones de dólares en daños punitivos, derivados de sus acusaciones de que Warner Bros. saboteó su versión prevista. ^{[ 164 ]} Sin embargo, en octubre de 1998, la entonces jueza del Tribunal Superior Madeleine Flier revocó la  indemnización de 60 millones de dólares otorgada por el jurado a Coppola. ^{[ 167 ]} Warner Bros. y Coppola apelaron entonces la decisión del otro, en la que Coppola solicitó que se le restituyera su  indemnización de 60 millones de dólares. En marzo de 2001, el Tribunal de Apelaciones de California falló en contra de Coppola en ambos cargos. ^{[ 168 ]} En julio de 2001, la Corte Suprema de California se negó a escuchar la decisión de apelación, poniendo fin de manera definitiva a la batalla legal. ^{[ 169 ]}

Durante el rodaje de Contact el 28 de diciembre de 1996, Coppola presentó una demanda contra Carl Sagan y Warner Bros. Sagan había fallecido una semana antes, ^{[ 170 ] [ 171 ]} y Coppola afirmó que la novela Contact de Sagan se basaba en una historia que ambos habían desarrollado para un especial de televisión en 1975 titulado First Contact . ^{[ 170 ]} Según su acuerdo de desarrollo, Coppola y Sagan debían repartirse las ganancias del proyecto, así como cualquier novela que Sagan escribiera con American Zoetrope y Children's Television Workshop Productions . El programa de televisión nunca se produjo, pero en 1985, Simon & Schuster publicó Contact de Sagan y Warner Bros. siguió adelante con el desarrollo de una adaptación cinematográfica. Coppola solicitó al menos 250 000 dólares en daños compensatorios y una orden judicial contra la producción o distribución de la película. ^{[ 170 ]} Aunque se demostró que Sagan había violado algunos de los términos del acuerdo, el caso fue desestimado en febrero de 1998 porque Coppola había esperado demasiado tiempo para presentar la demanda. ^{[ 172 ]}

La bodega Francis Ford Coppola, ubicada entre Healdsburg y Geyserville, California , ^{[ 177 ]} en la antigua bodega Chateau Souverain, ^{[ 178 ]} donde abrió un establecimiento familiar, está influenciada por la idea de los Jardines de Tivoli en Copenhague , ^{[ 179 ]} con piscinas, canchas de bochas y un restaurante llamado Rustic. La bodega exhibe varios de los premios Oscar de Coppola junto con recuerdos de sus películas, incluyendo el escritorio de Vito Corleone de El Padrino y un Tucker Sedan de 1948 restaurado , como el que se usó en Tucker: El hombre y su sueño .

En agosto de 2021, Coppola vendió Francis Ford Coppola Winery y Virginia Dare Winery a Delicato Family Wines. ^{[ 180 ]}

Coppola, junto con su familia, expandió sus negocios para incluir la producción de vino en el Valle de Napa , California , cuando en 1975 compró la antigua casa y el viñedo contiguo de Gustave Niebaum en Rutherford, California, con las ganancias de El Padrino . ^{[ 181 ]} Su bodega produjo su primera cosecha en 1977 con la ayuda de su padre, su esposa y sus hijos, quienes pisaron las uvas descalzos. Cada año, la familia celebra una fiesta de la vendimia para continuar con la tradición. ^{[ 182 ]}

Tras adquirir la propiedad, produjo vino bajo la etiqueta Niebaum-Coppola. Compró el antiguo castillo de la bodega Inglenook en 1995, ^{[ 183 ]} y lo renombró como Rubicon Estate Winery en 2006. El 11 de abril de 2011, Coppola adquirió la marca registrada Inglenook ^{[ 184 ]} pagando, según él, más por la marca que por toda la finca ^{[ 185 ]} y anunció que la finca volvería a ser conocida por su nombre histórico original, Inglenook. Sus uvas son cultivadas completamente de forma orgánica.

En octubre de 2018, Coppola y su familia compraron la bodega Vista Hills en Dayton, Oregón, ^{[ 186 ]} y en 2019 la rebautizaron como Domaine de Broglie, ^{[ 187 ]} que ahora es Domaine Lumineux después de trasladarse a Newberg, Oregón en 2024.