Don Ellis

Donald Johnson Ellis (25 de julio de 1934 - 17 de diciembre de 1978) fue un trompetista, baterista, compositor y director de orquesta de jazz estadounidense. Es conocido principalmente por su extensa experimentación musical, sobre todo en lo que respecta a los compases . En sus últimos años, trabajó como compositor de bandas sonoras, contribuyendo con la música de The French Connection (1971) y The Seven-Ups (1973 ).

Ellis nació en Los Ángeles, California , el 25 de julio de 1934. Su padre era pastor metodista y su madre organista de iglesia. Asistió a la escuela secundaria West High School en Minneapolis, Minnesota. Tras asistir a un concierto de la Tommy Dorsey Big Band, se interesó por primera vez en el jazz. Otras de sus primeras inspiraciones fueron Louis Armstrong y Dizzy Gillespie . Se graduó de la Universidad de Boston en 1956 con una licenciatura en composición musical. ^{[ 1 ]}

El primer trabajo de Ellis fue con la banda del fallecido Glenn Miller , entonces dirigida por Ray McKinley . Permaneció con la banda hasta septiembre de 1956, cuando se unió a la Séptima Orquesta Sinfónica del Ejército de los Estados Unidos y a la Compañía de Espectáculos de los Soldados. Ellis fue trasladado a Frankfurt , Alemania, para cumplir con su deber. En la banda del Ejército, Ellis conoció al pianista Cedar Walton y a los saxofonistas Eddie Harris y Don Menza . Mientras estuvo en esa banda, Ellis tuvo su primera oportunidad de componer y hacer arreglos para una big band.

Después de dos años, Don Ellis dejó la banda del ejército y se mudó a Greenwich Village en la ciudad de Nueva York . Consiguió algunos trabajos, pero principalmente con orquestas de baile y otros trabajos locales. Hizo una breve gira con el director de orquesta Charlie Barnet y se unió a la banda de Maynard Ferguson en la primavera de 1959. Permaneció con Ferguson durante nueve meses. ^{[ 2 ]}

Poco después, Ellis se involucró en la escena del jazz de vanguardia de Nueva York . Participó en álbumes de Charles Mingus , Eric Dolphy y George Russell , y formó parte de ese sexteto durante dos años. Bajo su propio nombre, Ellis dirigió varias sesiones con pequeños grupos entre 1960 y 1962, en las que participaron, entre otros, Jaki Byard , Paul Bley , Gary Peacock , Ron Carter , Charlie Persip y Steve Swallow . La última, Essence , se grabó a mediados de julio de 1962.

El 3 de junio de 1962, Ellis interpretó la liturgia de jazz Evensong , compuesta por Edgar Summerlin . La actuación tuvo lugar en el Primer Festival Internacional de Jazz de Washington, D.C., y fue transmitida por Look Up and Live el 12 de agosto de 1962. Ellis tocó junto a Lou Gluckin a la trompeta, JR Monterose al saxofón tenor, Eric Dolphy a la flauta, Slide Hampton al trombón, Dick Lieb al trombón bajo, Barry Galbraith a la guitarra, Ron Carter al bajo y Charlie Persip a la batería. ^{[ 3 ]}

En octubre de 1962, Ellis viajó a Polonia para participar en el Jazz Jamboree de Varsovia de 1962 ; su actuación con cuarteto quedó parcialmente documentada en un EP de 10 pulgadas (250 mm) publicado exclusivamente en Polonia . Ellis narró su experiencia en un artículo titulado « Diario de Varsovia» , que se publicó en la edición del 3 de enero de 1963 de la revista DownBeat . ^{[ 4 ]} En diciembre, Ellis participó en el Taller de Jazz de la NDR en Hamburgo , Alemania , ^{[ 5 ]} y a principios de 1963 viajó a Estocolmo , Suecia . Allí, se hizo algo conocido por su experimentación con happenings , similares a los utilizados por los miembros del movimiento artístico Fluxus . ^{[ 6 ]} 

De regreso en Nueva York, Ellis formó la Improvisational Workshop Orchestra, que debutó el 10 de febrero de 1963 en el Five Spot . ^{[ 7 ]} (Otra grabación del mismo grupo figura en la Colección Don Ellis como grabada el 9 de febrero, ^{[ 8 ]} pero podría tratarse de un ensayo). La actuación tuvo una calidad similar a las que Ellis ofreció en Suecia: se emplearon recursos artísticos inusuales, como el uso de tarjetas por parte de los intérpretes para determinar el orden de los eventos, y la interpretación de la obra de un pintor por parte de los músicos con sus instrumentos. También se incorporaron algunos elementos musicales poco comunes, como el uso de ritmos y escalas árabes, y el zapateo. ^{[ 7 ]}

En 1964, Ellis comenzó estudios de posgrado en etnomusicología en la UCLA , donde estudió con el músico indio Harihar Rao . Inspirado profundamente por Rao, Ellis buscó implementar compases irregulares en un contexto de improvisación occidental y (junto con Rao) fue coautor del artículo de 1965 "Una introducción a la música india para el músico de jazz". ^{[ 9 ]} En ese momento, Ellis formó brevemente la primera versión de su big band, pero la disolvió cuando recibió una beca Rockefeller para trabajar en la Universidad Estatal de Nueva York en Buffalo durante un año. ^{[ 7 ] [ 10 ] [ 11 ]}

Durante su estancia en Nueva York, Ellis participó en varios proyectos de Third Stream . Una actuación en directo del 8 de febrero de 1964 en el Lincoln Center fue filmada para la serie de Conciertos para Jóvenes de Leonard Bernstein . Actuó con otros músicos de jazz junto a la Filarmónica de Nueva York en "Improvisations for Orchestra and Jazz Soloists" (1961) de Larry Austin y en "Journey Into Jazz" (1962) de Gunther Schuller . Una grabación posterior de la pieza de Austin, con Ellis, el bajista Barre Phillips , el batería Joe Cocuzzo y la Filarmónica de Nueva York (dirigida por Bernstein), se publicó en el álbum titulado Leonard Bernstein Conducts Music Of Our Time (1965).

En noviembre de 1967, la primera sinfonía de Ellis, "Contrastes para dos orquestas y trompeta", fue estrenada por la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Zubin Mehta . ^{[ 7 ]}

De regreso a la Costa Oeste, Ellis formó The Hindustani Jazz Sextet , que exploraba algunos de los conceptos que había aprendido en la UCLA. El Sexteto es considerado generalmente la primera banda de este tipo en Estados Unidos. El grupo se centraba en Ellis y su mentor Harihar Rao , quien tocaba el sitar y la tabla , pero también contaba con el vibrafonista Emil Richards , el baterista Steve Bohannon , los bajistas Chuck Domanico y Ray Neapolitan , y el pianista Dave Mackay . En al menos una presentación, también participó el saxofonista Gabe Baltazar . La banda interpretaba principalmente composiciones propias con títulos como "Sweet Nineteen", "Turks Works" y "Bombay Bossa Nova".

El Sexteto se hizo bastante conocido en Los Ángeles, a pesar de no tener grabaciones disponibles comercialmente. Quizás su mayor repercusión fue con "Synthesis", una composición de Ellis en la que el Sexteto actuó junto a la Orquesta Neofónica de Stan Kenton . El concierto tuvo lugar en febrero de 1966 en el Centro Musical de Los Ángeles.

El 14 de julio de ese año, el Sexteto actuó en el Fillmore Auditorium de Bill Graham , abriendo los conciertos de Grateful Dead y Big Brother and the Holding Company . ^{[ 12 ]}

Además de trabajar con el Hindustani Jazz Sextet , Ellis continuó escribiendo arreglos y ensayando para lo que se convertiría en la Orquesta Don Ellis. Esta banda de ensayo/taller tocaba todos los lunes por la noche durante casi un año, ^{[ 13 ]} primero en un local llamado Club Havana (club) y luego trasladándose a un club llamado Bonesville en Hollywood, donde comenzaron a ganar un público considerable. ^{[ 14 ]} El grupo comenzó a ganar dinero cobrando una pequeña entrada a los ensayos y comenzó una campaña de envío de cartas para conseguir un lugar en el Festival de Jazz de Monterey de 1966. La campaña finalmente tuvo éxito y la banda fue programada para actuar ese septiembre. ^{[ 15 ]}

La Orquesta de Don Ellis se diferenciaba de la mayoría de las big bands en varios aspectos; el más evidente era su instrumentación (que se analiza más adelante), pero también la incorporación de elementos musicales indios a la composición moderna para big band. Basándose en su experiencia como compositor y arreglista, así como en sus estudios de música india, Ellis comenzó a escribir música con influencias de jazz utilizando los compases que había estudiado con Rao. Estos incluían no solo 5/4 , 7/8 y 9/4 , sino también ciclos rítmicos más complejos como 19/8 y 27/16 . En el futuro, Ellis utilizaría compases mucho más complejos , así como subdivisiones complejas de compases más estándar. Muchos de estos ciclos más complejos se inspiraron en el interés posterior de Ellis por la música folclórica de Europa del Este, como la de Grecia y Bulgaria .

Ellis también encargó una trompeta personalizada a la compañía Holton , que recibió en septiembre de 1965. ^{[ 16 ]} Su válvula adicional (la cuarta) le permitía producir cuartos de tono . Algunos afirman que esto pudo haber sido inspirado por sus estudios de música india, ya que contiene tonos alterados que algunos etnomusicólogos denominan "microtonos". Sin embargo, probablemente fue más bien el resultado de la participación previa de Ellis en la música clásica de vanguardia , en la que muchos compositores experimentaban con la tonalidad y los intervalos occidentales, especialmente Harry Partch , con quien se sabe que Ellis se reunió e intercambió ideas. ^{[ 17 ]}

Todos estos elementos inusuales se combinaron para crear una experiencia musical sin precedentes para el público de Monterey. La orquesta recibió un estruendoso aplauso y una ovación de pie al concluir su primera pieza, titulada "33 222 1 222" en referencia a su subdivisión de 19 compases. La banda continuó interpretando piezas en 7, 9 y 27, así como un par en compases más convencionales. Fragmentos del concierto se publicaron en Pacific Jazz al año siguiente. La reedición en CD de 1998 incluye varias piezas más del concierto; las notas del CD también revelan que una de ellas, "Concierto para trompeta", se grabó un mes después en un "Festival de Jazz del Pacífico" en Costa Mesa. (Al parecer, la interpretación de esta pieza en Monterey no estuvo a la altura de las expectativas de Ellis y del productor del álbum, Richard Bock).

Tras esta exitosa actuación revelación, la banda actuó en el Pacific Jazz Festival en octubre de 1966 y en Shelly's Manne Hole en marzo de 1967, publicando fragmentos de cada una en el álbum Live in 3 + 2 ⁄ 3 /4 Time (Pacific Jazz) de 1967.

Por esa época, John Hammond, productor y director artístico de Columbia Records, intentó fichar a la banda para el sello. La banda firmó y en septiembre de 1967 entró al estudio para grabar Electric Bath , que se publicó al año siguiente con gran éxito, fue nominado a un premio Grammy, ganó el premio Down Beat al "Álbum del Año" en 1968 y alcanzó el puesto número 8 en las listas de jazz de Billboard . La canción "Indian Lady" se convirtió en uno de los temas más populares de la banda. En "Open Beauty", Ellis interpretó un solo de trompeta con efecto eco , una innovadora combinación de instrumentos acústicos y tecnología electrónica. Ellis continuaría desarrollando la "trompeta electrofónica" durante los siguientes cinco años (véase más abajo). 

En febrero de 1968, la Orquesta de Don Ellis regresó al estudio para grabar un segundo álbum, que se convertiría en Shock Treatment . Sin embargo, surgieron malentendidos y el álbum se lanzó con ediciones deficientes y tomas alternativas inferiores que Ellis no aprobó. En palabras del propio Ellis:

"Tras finalizar el álbum, realicé la mezcla y edición aquí en California y luego envié el producto final a Nueva York. No fue hasta que el álbum ya se había publicado que escuché una copia. Para mi horror, descubrí que, sin consultarme, todo el álbum había sido alterado: se utilizaron másteres rechazados y tomas no aprobadas (no las que yo había seleccionado y editado), había melodías equivocadas en el álbum, se hicieron empalmes no autorizados que perturbaron el flujo musical de algunas composiciones (incluso faltaban compases), se cortaron secciones enteras, algunas de ellas los puntos culminantes del álbum. Por lo tanto, las notas del libreto, que se hicieron para el álbum original, no coinciden con lo que realmente hay en el álbum, llamando la atención sobre solos y momentos culminantes que no están presentes. [...] Además, el personal que aparece en la carátula es incorrecto.

Cuando descubrí lo que había sucedido, naturalmente me sentí perturbado y le pedí a Columbia que rehiciera el álbum. Amablemente accedieron y pude devolver el álbum a su forma original, excepto que dejé Mercy Maybe Mercy, que a mi productor le gustaba particularmente, en lugar de Zim, que espero aparezca en un álbum futuro." ^{[ 18 ]}

A finales de 1968, la Orquesta regresó al estudio varias veces para grabar canciones que conformarían el álbum Autumn . El disco incluía la obra de veinte minutos "Variations for Trumpet", que mostraba el virtuosismo de Ellis con la trompeta. También se incluía "Pussy Wiggle Stomp", la canción que sucedería a "Indian Lady" como tema emblemático de la Orquesta. La cara B del disco contenía dos extensas piezas de un concierto en la Universidad de Stanford en agosto de 1968. Estas grabaciones destacan por revelar el sonido en directo contemporáneo de la banda de Ellis, mucho más enérgico que el de sus anteriores grabaciones en vivo.

A principios de 1969, la orquesta regresó a los estudios Columbia para grabar The New Don Ellis Band Goes Underground , una colección de varias canciones pop (arregladas por Ellis) y algunas composiciones originales de Ellis. El álbum cuenta con la participación de la vocalista Patti Allen en canciones de Laura Nyro , The Isley Brothers y Sly Stone ; también incluye "Bulgarian Bulge", una composición basada en una melodía folclórica búlgara en compás de 33/16 .

Las enérgicas presentaciones en vivo de la banda, como la que tuvieron en Stanford, contribuyeron a aumentar su popularidad entre el público universitario. En junio de 1970, la orquesta actuó durante tres noches en el auditorio Fillmore West de Bill Graham , abriendo los conciertos de Quicksilver Messenger Service y Leon Russell . La grabación resultante se convirtió en un doble LP y fue lanzado por Columbia a finales de 1970. "Live at Fillmore" supuso un feliz regreso al material original e incluso incluyó una versión de los Beatles , una interpretación muy experimental de " Hey Jude ", así como otra versión de "Pussy Wiggle Stomp".

Por aquella época, la popularidad de Ellis entre los educadores también iba en aumento; se publicaban copias de las partituras de su banda, que eran interpretadas por numerosas orquestas de institutos y universidades. En consecuencia, Ellis impartió muchos talleres y tocó con muchas bandas escolares.

En mayo de 1971, Ellis añadió un cuarteto de cuerdas a la Orquesta. También contrató al virtuoso pianista búlgaro Milcho Leviev, quien era capaz de improvisar con fluidez en compases que inicialmente serían intimidantes para la mayoría de los improvisadores estadounidenses. Fue un activo importante para la banda de Ellis y permaneció con él durante cinco años. La Orquesta fue grabada a finales de mayo en Basin Street West en San Francisco. El álbum resultante, Tears of Joy , fue otro doble LP en vivo y fue lanzado a finales de 1971. ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ] [ 22 ] [ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]} The Exotic Rhythms of Don Ellis (mayo de 2002), una disertación presentada al Instituto Peabody de la Universidad Johns Hopkins en cumplimiento parcial de los requisitos para el grado de Doctor en Artes Musicales. ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]} El álbum incluía una composición llamada "Strawberry Soup" que ha sido objeto de varias disertaciones doctorales debido a su complejidad métrica, su tema simple y sus variaciones complejas, y el amplio espectro tímbrico que abarca.

Por esa época, el director de cine William Friedkin se puso en contacto con Ellis para que compusiera la música de su película *The French Connection * . Ellis aceptó el proyecto y escribió la música para ser interpretada por su propia orquesta. Posteriormente, Ellis ganó un premio Grammy por este trabajo ("Mejor arreglo instrumental") y, en 1975, se le pidió que compusiera la música de la secuela de la película, * French Connection II* .

El último álbum de Ellis para Columbia, Connection , se grabó en agosto de 1972. El álbum incluía "The Theme from 'The French Connection'", una versión abreviada de la banda sonora de Ellis, y "Chain Reaction", una pieza magistral de 1 3/8 del colaborador habitual Hank Levy . Junto a estos temas destacados, se incluyen arreglos de varias canciones pop de artistas como Carole King , Yes , Andrew Lloyd Webber y The Carpenters . Los arreglos solían ser irónicos; a menudo, Ellis los adaptaba a compases diferentes a los originales o les daba un toque humorístico a la melodía. Este álbum no cuenta con cantante.

Independientemente de lo que inspirara las interpretaciones liberales que Ellis hizo del material popular, Connection fue el último álbum de la orquesta para Columbia.

En 1973, la orquesta grabó Soaring , una colección de composiciones originales. Milcho Leviev contribuyó con "Sladka Pitka", basada en una canción folclórica búlgara. Una melodía de Hank Levy del álbum, "Whiplash", apareció posteriormente en una película del mismo nombre . El disco fue lanzado por MPS Records , que también lanzaría el siguiente álbum de Ellis, Haiku . El disco, con Milcho Leviev , el bajista Ray Brown , el baterista John Guerin y una gran orquesta de cuerdas, está compuesto por diez canciones, cada una basada en un poema haiku japonés . El álbum es relajado e introspectivo. Se presume que Haiku fue grabado a finales de 1973 y lanzado en 1974.

Ellis influyó notablemente en aquellos con quienes trabajó. El ex músico de acompañamiento Stu Blumberg reconoció que Ellis lo preparó para las peculiaridades de la música poco convencional en las bandas sonoras de películas. El saxofonista tenor Jim Snodgrass comentó: "Creo que, en muchos sentidos, Don fue un maestro. Una de las cosas que su música me enseñó fue que podía tocar cualquier cosa que fuera absolutamente necesario". Músicos de acompañamiento como Tom Scott , John Klemmer , Glenn Ferris , Milcho Leviev y algunos otros han desarrollado prolíficas carreras en solitario. Otros, como Ralph Humphrey y Fred Selden, han tenido carreras exitosas como músicos de acompañamiento, músicos de sesión o educadores. Ellis era un ferviente libertario . Esto se debía a su mentalidad abierta hacia la música de otras culturas, según algunos de sus alumnos. ^{[ 32 ]}

La mayoría de los álbumes de Ellis se han reeditado en CD. Columbia Records, responsable del lanzamiento original de siete de sus álbumes, solo reeditó Electric Bath (su mayor éxito) en 1997; el resto se cedieron a otras compañías para su reedición. Hoy en día, gracias a sellos como Koch Jazz , Wounded Bird y Mighty Quinn Productions , casi todos sus álbumes se han reeditado en CD y están fácilmente disponibles. La discográfica británica Sleepy Night ha publicado recientemente varios CD con grabaciones en directo de la colección privada de Don Ellis.

Ellis también escribió numerosos artículos y varios libros. Su libro The New Rhythm Book (1972) presenta métodos de práctica e interpretación en compases inusuales e incluye un LP/cassette complementario para practicar, titulado New Rhythms . Su segundo libro, Quarter Tones , publicado en 1975, es una guía teórica sobre el uso de los cuartos de tono. Ambos libros son exhaustivos y ofrecen un amplio contexto histórico y cultural sobre sus temas. Quarter Tones también incluye estudios y ejercicios. Ambos libros son difíciles de encontrar, ya que presumiblemente no se han vuelto a imprimir desde sus primeras ediciones.

La Biblioteca y Colección Don Ellis reside en los Archivos de Etnomusicología de la UCLA. Anteriormente (de 1981 a 2000), estuvo ubicada en Eastfield College , parte del Distrito de Colegios Comunitarios del Condado de Dallas ( DCCCD) en Mesquite , Texas . Junto con escritos, instrumentos y otros objetos, se encuentra su premio Grammy a la mejor banda sonora por la película The French Connection en 1971. ^{[ 11 ]}

El interés de Ellis por expandir las posibilidades dentro de la instrumentación de big band es obvio incluso en su primer lanzamiento de Orchestra, Live at Monterey de 1966. Inspirado por sus experiencias con bandas latinas, ^{[ 13 ]} Ellis amplió su sección rítmica a dos baterías, tres contrabajos, al menos dos percusionistas auxiliares, piano y órgano. En la canción "Turkish Bath" de Electric Bath (1967), el bajista Ray Neapolitan también toca el sitar. Sus secciones de metales a menudo eran bastante típicas, aunque más tarde agregó una tuba y una trompa para aumentar la sección de metales, y a veces hizo que los saxofonistas también tocaran instrumentos como la flauta , el oboe , el clarinete y el saxello .

En 1967, Ellis comenzó a experimentar con la electrónica. Su pianista empezó a usar el piano eléctrico Fender-Rhodes , el clavinet y el clavecín eléctrico . Ellis mismo empezó a usar lo que él llamaba la "trompeta electrofónica"; es decir, una trompeta cuyo sonido se amplificaba y a menudo se procesaba mediante diversos efectos. La primera aparición de esta innovación se encuentra en "Open Beauty" del álbum Electric Bath de 1967 , en la que Ellis interpreta un extenso solo con su trompeta procesada a través de un echoplex . Ellis también utilizó en varias ocasiones el modulador de anillo , que le construyó Tom Oberheim . ^{[ 33 ]}

En 1968, Ellis reemplazó a sus contrabajistas por un único bajista eléctrico, primero Joe Julian, luego Dennis F. Parker y finalmente Dave McDaniel. También contrató al guitarrista Jay Graydon , quien permaneció en la banda durante varios años.

En 1971, para la gira Tears of Joy , Ellis añadió un cuarteto de cuerdas a su banda. Los instrumentos se amplificaron con pastillas de nuevo diseño fabricadas por Barcus-Berry para que pudieran oírse por encima de los metales y los saxofones. Estos nuevos timbres le ofrecieron a Ellis un sinfín de posibilidades creativas. Como explicó: «La gente pasa noches enteras escuchando un quinteto de metales, un cuarteto de viento-madera o de cuerdas, así que pensé que tener todos estos instrumentos en el contexto de una big band nos daría una fantástica variedad de colores de los que nutrirnos». ^{[ 34 ]}

El álbum Haiku, de 1974 , fue grabado con un cuarteto de jazz acompañado por una orquesta de cuerdas completa. Debido al tamaño del grupo, probablemente nunca se concibió como un sustituto de la Orquesta de Don Ellis para las giras.

La "Organic Band" de Ellis, que estuvo de gira durante la primavera y el verano de 1974, redujo el número de integrantes de 21 o 22 a 15. La sección de metales se redujo a menos de la mitad, se eliminó el cuarteto de cuerdas, se añadió un cuarteto vocal y no se utilizó ningún aparato electrónico (salvo la amplificación) para alterar el sonido de la banda.

Tras su infarto, Ellis volvió brevemente a la trompeta electrofónica y continuó utilizando sintetizadores y teclados electrónicos. El cuarteto de cuerdas, un pilar fundamental desde 1971, se mantuvo junto a la sección de metales. También empezó a tocar dos nuevos instrumentos, el superbone y el firebird , que eran una combinación de trombón de varas y trompeta, respectivamente. Ambos instrumentos también fueron tocados por Maynard Ferguson .

• El nuevo libro de ritmos (Ellis Music Enterprises, 1972)
• Cuartos de tono: Un texto con ejemplos musicales, ejercicios y estudios (Harold Branch Publishing, Inc., 1975)
• Ritmo: Un nuevo sistema rítmico basado en las antiguas técnicas hindúes. [Inédito] (Objective Music Company, Inc., 1977)

(Esta es una lista incompleta)

• Ed Shaughnessy
• Ralph Humphrey (baterista)
• David Garibaldi (músico) ^{[ 35 ]}

• Electric Heart en IMDb , una biografía cinematográfica de Ellis.
• Colección Don Ellis, 2000.02 en el Archivo de Etnomusicología de la UCLA.
• Sinopsis y créditos de Don Ellis archivados el 19/01/2012 en Wayback Machine por John Vizzusi en home.earthlink.net/~centralhsd fanpage
• Archivo web de Don Ellis en la página de fans de mattendahl.com
• Don Ellis en IMDb
• Don Ellis en Find a Grave