Marcel Duchamp

Henri-Robert-Marcel Duchamp (Reino Unido: /ˈdjuːʃɒ̃/, EE. UU.: /djuːˈʃɒ̃, djuːˈʃɑːmp / ; [ ^1] Francés : [ maʁsɛl dyʃɑ̃ ] ; 28 de julio de 1887 - 2 de octubre de 1968 ⁾ fue ^un artista , ajedrecista e inventor franco - estadounidense que desempeñó un papel clave en el desarrollo de la vanguardia en los Estados Unidos y en la ciudad de Nueva York, donde pasó los últimos 25 años de su vida. ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ]}

Duchamp fue el primer artista en elevar un urinario a la categoría de forma artística. ^{[ 6 ]} En su charla en la Federación Americana de las Artes en Houston, "Sobre el acto creativo", en la que se autodenominó "simple artista", Duchamp dijo: "Consideremos dos factores importantes, los dos polos de la creación artística: el artista, por un lado, y por otro el espectador que luego se convierte en la posteridad... si le atribuimos al artista las características de un medio, entonces debemos negarle el estado de conciencia en el plano estético sobre lo que está haciendo o por qué lo está haciendo. Todas sus decisiones en la ejecución artística de la obra se basan en la pura intuición y no pueden traducirse en un autoanálisis, hablado o escrito, ni siquiera pensado". ^{[ 7 ]}

Duchamp es comúnmente considerado, junto con Pablo Picasso y Georges Braque , como uno de los tres artistas que ayudaron a establecer la perspectiva postindustrial en la historia del arte , y su obra es considerada la precursora del arte conceptual . Su definición del coeficiente artístico, "una relación aritmética entre lo no expresado pero intencionado y lo expresado involuntariamente", sentó las bases para una generación más reciente de artistas que trabajan a través del arte de la apropiación, como Andy Warhol , Beatrice Wood , Sherrie Levine , Richard Prince y Sturtevant . ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]}

Eugene y Lucie Duchamp tuvieron siete hijos, uno de los cuales murió siendo un bebé y cuatro de los cuales se convirtieron en artistas exitosos: Jacques Villon (1875–1963), pintor, grabador, Raymond Duchamp-Villon (1876–1918), escultor y Suzanne Duchamp-Crotti (1889–1963), pintora, han sido objeto de exposiciones junto a Marcel Duchamp. ^{[ 10 ]} Duchamp era cercano a su hermana Suzanne. A los ocho años, Duchamp comenzó a estudiar en el Lycée Pierre-Corneille , en Rouen. Otros dos estudiantes de su clase también se convirtieron en artistas reconocidos y amigos duraderos: Robert Antoine Pinchon y Pierre Dumont . ^{[ 11 ]} Estudió arte en la Académie Julian ^{[ 12 ] [ 13 ]} de 1904 a 1905, pero prefería jugar al billar a asistir a clases, y la Académie Julian fue una de las varias academias "independientes" que surgieron en reacción a la École des Beaux-Arts . En 1905, Duchamp comenzó su servicio militar obligatorio con el 39.º Regimiento de Infantería, ^{[ 14 ]} trabajando para un impresor en Rouen. Allí aprendió tipografía y procesos de impresión, habilidades que usaría en su trabajo posterior.

Debido a que su hermano mayor, Jacques, pertenecía a la prestigiosa Académie royale de peinture et de sculpture, la obra de Duchamp se exhibió en el Salon d'Automne de 1908 y, al año siguiente, en el Salon des Indépendants . Los fauvistas y el protocubismo de Paul Cézanne influyeron en sus pinturas, aunque el crítico Guillaume Apollinaire —quien con el tiempo se convertiría en amigo suyo— criticó lo que llamó «los desnudos muy feos de Duchamp» («les nus très vilains de Duchamp»), también profetizó que Duchamp podría reconciliar el arte y la gente. ^{[ 15 ] [ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]}

Junto con muchos artistas de la época, le intrigaba el concepto de representar la cuarta dimensión en el arte . ^{[ 19 ]} Su pintura Joven triste en un tren encarna esta preocupación:

Primero, está la idea del movimiento del tren, y luego la del joven triste que se encuentra en un pasillo y se mueve de un lado a otro; así, hay dos movimientos paralelos que se corresponden entre sí. Luego, está la distorsión del joven —a esto lo llamé paralelismo elemental— . Era una descomposición formal; es decir, elementos lineales que se suceden como paralelos y distorsionan el objeto. El objeto se estira por completo, como si fuera elástico. Las líneas se suceden en paralelo, mientras cambian sutilmente para formar el movimiento, o la forma del joven en cuestión. También utilicé este procedimiento en Desnudo bajando una escalera . ^{[ 20 ]}

Entre las obras de esta época también se incluye su primera pintura de "máquina", Molino de café (Moulin à café) (1911), que regaló a su hermano Raymond Duchamp-Villon. La posterior pintura de máquina, más figurativa, de 1914, Molinillo de chocolate ( Broyeuse de chocolat ), prefigura el mecanismo incorporado al Gran vidrio en el que comenzó a trabajar en Nueva York al año siguiente. ^{[ 21 ]}

La primera obra de Duchamp que provocó una controversia significativa fue Desnudo bajando una escalera, n.° 2 (Nu descendant un escalier n° 2) (1912). La pintura representa el movimiento mecánico de un desnudo, con facetas superpuestas, similar al de las películas. Muestra elementos de la fragmentación y síntesis de los cubistas , así como el movimiento y el dinamismo de los futuristas .

Inicialmente, presentó la obra para exponerla en el Salón Cubista de los Independientes , pero Albert Gleizes (según Duchamp en una entrevista con Pierre Cabanne, p. 31) ^{[ 22 ]} pidió a los hermanos de Duchamp que retirara voluntariamente el cuadro o que repintara el título que había escrito en la obra y le pusiera otro nombre. Los hermanos de Duchamp le comunicaron la petición de Gleizes, pero Duchamp se negó discretamente. Sin embargo, no había jurado en el Salón de los Independientes y Gleizes no estaba en posición de rechazar la obra. ^{[ 22 ]} La controversia, según el historiador de arte Peter Brooke, no radicaba en si la obra debía exponerse o no, sino en si debía exponerse junto con las obras del grupo cubista. ^{[ 22 ]}

Sobre el incidente, Duchamp recordó más tarde: «No les dije nada a mis hermanos. Pero fui inmediatamente a la exposición y me llevé mi cuadro a casa en taxi. Fue un verdadero punto de inflexión en mi vida, se lo aseguro. Me di cuenta de que después de eso no me interesarían mucho los grupos». ^{[ 23 ]} Sin embargo, Duchamp sí apareció en las ilustraciones de «Du Cubisme» , participó en La Maison Cubiste (Casa Cubista) , organizada por el diseñador André Mare para el Salón de Otoño de 1912 (pocos meses después de los Indépendants); firmó la invitación de la Section d'Or y participó en la exposición de la Section d'Or durante el otoño de 1912. La impresión es, escribe Brooke, que «fue precisamente porque deseaba seguir formando parte del grupo que retiró el cuadro; y que, lejos de ser maltratado por el grupo, se le concedió una posición bastante privilegiada, probablemente gracias al mecenazgo de Picabia». ^{[ 22 ]}

La pintura se exhibió por primera vez en las Galerías Dalmau , Exposició d'Art Cubista , Barcelona, ​​1912, la primera exposición de cubismo en España. ^{[ 24 ]} Duchamp presentó posteriormente la pintura al " Armory Show " de 1913 en la ciudad de Nueva York. Además de exhibir obras de artistas estadounidenses, esta muestra fue la primera gran exposición de tendencias modernas provenientes de París, que abarcaba estilos experimentales de la vanguardia europea , incluyendo el fauvismo, el cubismo y el futurismo . Los visitantes estadounidenses, acostumbrados al arte realista, se escandalizaron, y el Desnudo estuvo en el centro de gran parte de la controversia.

Por esta época, Duchamp leyó el tratado filosófico de Max Stirner , El yo y su propiedad , estudio que consideró otro punto de inflexión en su desarrollo artístico e intelectual. Lo calificó de «un libro extraordinario... que no plantea teorías formales, sino que simplemente afirma que el yo siempre está presente en todo». ^{[ 25 ]}

Durante su estancia en Múnich en 1912, pintó la última de sus obras de estilo cubista. Comenzó La novia desnudada por sus solteros, imagen uniforme, y empezó a planificar El gran vidrio , garabateando breves notas para sí mismo, a veces con bocetos apresurados. Esta obra tardaría más de diez años en completarse. No se sabe mucho más sobre su estancia de dos meses en Múnich, salvo que el amigo que visitó estaba empeñado en mostrarle los lugares de interés y la vida nocturna, y que se vio influenciado por las obras del pintor alemán del siglo XVI Lucas Cranach el Viejo en la famosa Alte Pinakothek de Múnich , conocida por sus pinturas de los grandes maestros. Duchamp recordaba que daba un corto paseo para visitar este museo a diario. Los estudiosos de Duchamp han reconocido desde hace tiempo en Cranach la gama de colores ocre y marrón apagados que Duchamp empleó posteriormente. ^{[ 26 ]}

Ese mismo año, Duchamp también asistió a una representación de la adaptación teatral de la novela de Raymond Roussel de 1910, Impresiones de África, que presentaba tramas que se replegaban sobre sí mismas, juegos de palabras, decorados surrealistas y máquinas humanoides. Atribuyó a la obra el haber transformado radicalmente su enfoque artístico y haberlo inspirado para comenzar la creación de su obra La novia desnudada por sus solteros, incluso , también conocida como El gran vidrio . El trabajo en El gran vidrio continuó hasta 1913, con la invención de un repertorio de formas. Tomó notas, realizó bocetos y pintó estudios, e incluso plasmó algunas de sus ideas en la pared de su apartamento.

Hacia finales de 1912, viajó con Picabia, Apollinaire y Gabrielle Buffet-Picabia por las montañas del Jura , una aventura que Buffet-Picabia describió como una de sus "incursiones de desmoralización, que también fueron incursiones de ingenio y payasadas... la desintegración del concepto de arte". ^{[ 27 ]} Las notas de Duchamp sobre el viaje evitan la lógica y el sentido, y tienen una connotación surrealista y mítica.

Duchamp pintó pocos lienzos después de 1912, y en los que pintó, intentó eliminar los efectos " pictóricos " y utilizar en su lugar un enfoque de dibujo técnico.

Sus amplios intereses lo llevaron a una exposición de tecnología aeronáutica durante este período, tras la cual Duchamp le dijo a su amigo Constantin Brâncuși : «La pintura está acabada. ¿Quién hará algo mejor que esa hélice? Dime, ¿puedes hacerlo?». ^{[ 27 ]} Posteriormente, Brâncuși esculpió figuras de pájaros . Los funcionarios de aduanas estadounidenses las confundieron con piezas de aviación e intentaron cobrarles aranceles de importación.

En 1913, Duchamp se retiró de los círculos pictóricos y comenzó a trabajar como bibliotecario en la Biblioteca Sainte-Geneviève para ganarse la vida mientras se concentraba en el ámbito académico y trabajaba en su Gran Vidrio . Estudió matemáticas y física, áreas donde se estaban produciendo nuevos y apasionantes descubrimientos. Los escritos teóricos de Henri Poincaré intrigaron e inspiraron particularmente a Duchamp. Poincaré postulaba que las leyes que se creía que regían la materia eran creadas únicamente por las mentes que las "entendían" y que ninguna teoría podía considerarse "verdadera". "Las cosas en sí mismas no son lo que la ciencia puede alcanzar..., sino solo las relaciones entre las cosas. Fuera de estas relaciones no hay realidad cognoscible", escribió Poincaré en 1902. ^{[ 28 ]} Reflejando la influencia de los escritos de Poincaré, Duchamp toleraba cualquier interpretación de su arte, considerándolo como la creación de quien lo formuló, no como la verdad. ^{[ 29 ]}

Los experimentos artístico-científicos de Duchamp comenzaron durante su estancia en la biblioteca. Para crear una de sus obras favoritas, 3 Stoppages Standard ( 3 stoppages étalon ), dejó caer tres trozos de hilo de un metro de longitud sobre lienzos preparados, uno a uno, desde una altura de un metro. Los hilos cayeron en tres posiciones onduladas aleatorias. Los barnizó sobre las tiras de lienzo azul oscuro y los fijó a un cristal. A continuación, cortó tres listones de madera con la forma de los hilos curvos y colocó todas las piezas en una caja de croquet. Tres pequeños letreros de cuero con el título impreso en oro fueron pegados a los fondos que simulaban las "paradas". La obra parece seguir literalmente la Escuela del Hilo de Poincaré , parte de un libro sobre mecánica clásica.

En su estudio, montó una rueda de bicicleta boca abajo sobre un taburete, haciéndola girar ocasionalmente solo para observarla. Aunque a menudo se asume que la Rueda de Bicicleta representa el primero de los "Readymades" de Duchamp , esta instalación en particular nunca se presentó a ninguna exposición de arte y finalmente se perdió. Sin embargo, inicialmente, la rueda simplemente se colocó en el estudio para crear ambiente: "Disfrutaba mirándola igual que disfruto mirando las llamas danzando en una chimenea". ^{[ 30 ]}

Después de que la Primera Guerra Mundial comenzó en agosto de 1914, con sus hermanos y muchos amigos en el servicio militar y él mismo exento (debido a un soplo cardíaco), ^{[ 31 ] [ 32 ]} Duchamp se sentía incómodo en París. Mientras tanto, Desnudo bajando una escalera n.° 2 había escandalizado a los estadounidenses en el Armory Show y ayudó a asegurar la venta de sus cuatro pinturas en la exposición. Así, pudiendo financiar el viaje, Duchamp decidió emigrar a los Estados Unidos en 1915. Para su sorpresa, descubrió que era una celebridad al llegar a Nueva York en 1915, donde rápidamente entabló amistad con la mecenas Katherine Dreier y el artista Man Ray . El círculo de Duchamp incluía a los mecenas Louise y Walter Conrad Arensberg , la actriz y artista Beatrice Wood y Francis Picabia , así como otras figuras de la vanguardia . Aunque hablaba poco inglés, al ganarse la vida dando clases de francés y trabajando en bibliotecas, aprendió rápidamente el idioma. Duchamp pasó a formar parte de una colonia de artistas en Ridgefield, Nueva Jersey , al otro lado del río Hudson, frente a la ciudad de Nueva York. ^{[ 33 ]}

Durante dos años, los Arensberg, quienes serían sus amigos y mecenas durante 42 años, fueron los arrendadores de su estudio. En lugar de alquiler, acordaron que su pago sería La Gran Vidriera . Una galería de arte le ofreció a Duchamp 10 000 dólares anuales a cambio de toda su producción anual, pero él rechazó la oferta, prefiriendo continuar trabajando en La Gran Vidriera .

Duchamp creó la Société Anonyme en 1920, junto con Katherine Dreier y Man Ray, como un contexto de exposición experimental que precede al Museo de Arte Moderno como la primera colección de arte moderno en los Estados Unidos.

El dadaísmo fue un movimiento artístico de la vanguardia europea a principios del siglo XX. Comenzó en Zúrich , Suiza, en 1916 y se extendió a Berlín poco después. ^{[ 34 ]} Para citar a Dona Budd en su obra El lenguaje del conocimiento artístico ,

El dadaísmo nació como reacción negativa a los horrores de la Primera Guerra Mundial . Este movimiento internacional fue iniciado por un grupo de artistas y poetas asociados al Cabaret Voltaire de Zúrich. El dadaísmo rechazaba la razón y la lógica, valorando el sinsentido, la irracionalidad y la intuición. El origen del nombre Dada es incierto; algunos creen que es una palabra sin sentido. Otros sostienen que proviene del uso frecuente que los artistas rumanos Tristan Tzara y Marcel Janco hacían de las palabras «da, da», que significan «sí, sí» en rumano . Otra teoría afirma que el nombre «Dada» surgió durante una reunión del grupo cuando un abrecartas clavado en un diccionario francés-alemán señaló casualmente «dada», palabra francesa que significa «caballito de juguete». ^{[ 35 ]}

El movimiento abarcó principalmente las artes visuales, la literatura, la poesía, los manifiestos artísticos , la teoría del arte , el teatro y el diseño gráfico , y concentró su postura antibelicista mediante el rechazo de los cánones artísticos imperantes a través de obras culturales antiartísticas . Además de ser antibelicista, el dadaísmo también era antiburgués y tenía afinidades políticas con la izquierda radical.

Las actividades dadaístas incluían reuniones públicas, manifestaciones y la publicación de revistas de arte y literatura; la cobertura apasionada del arte, la política y la cultura eran temas frecuentes en diversos medios. Entre las figuras clave del movimiento, además de Duchamp, se encontraban: Hugo Ball , Emmy Hennings , Hans Arp , Raoul Hausmann , Hannah Höch , Johannes Baader , Tristan Tzara , Francis Picabia , Richard Huelsenbeck , Georg Grosz , John Heartfield , Beatrice Wood , Kurt Schwitters y Hans Richter , entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores, como la vanguardia y los movimientos musicales alternativos , y en grupos como el surrealismo , el Nuevo Realismo , el arte pop y Fluxus .

El dadaísmo es la base del arte abstracto y la poesía sonora, un punto de partida para el arte performativo, un preludio del posmodernismo , una influencia en el arte pop, una celebración del antiarte que posteriormente se adoptó con fines anarcopolíticos en la década de 1960 y el movimiento que sentó las bases del surrealismo. ^{[ 36 ]}

El dadaísmo neoyorquino tenía un tono menos serio que el dadaísmo europeo y no era una iniciativa particularmente organizada. Francis Picabia, amigo de Duchamp , se unió al grupo dadaísta de Zúrich, trayendo a Nueva York las ideas dadaístas de absurdo y "antiarte". Duchamp y Picabia se conocieron en septiembre de 1911 en el Salón de Otoño de París, donde ambos exponían. Duchamp mostró una versión más grande de su Joven y muchacha en la primavera de 1911, una obra con un tema edénico y una sexualidad apenas velada que también se encuentra en Adán y Eva de Picabia, de 1911. Según Duchamp, "nuestra amistad comenzó allí mismo". ^{[ 37 ]} Un grupo se reunía casi todas las noches en la casa de los Arensberg o se divertía en Greenwich Village . Junto con Man Ray, Duchamp aportó sus ideas y humor a las actividades neoyorquinas, muchas de las cuales se desarrollaron simultáneamente con el desarrollo de sus Readymades y El gran vidrio .

El ejemplo más destacado de la asociación de Duchamp con el dadaísmo fue la presentación de Fuente , un urinario, a la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en 1917. Las obras de arte en las exposiciones de Artistas Independientes no eran seleccionadas por un jurado, y todas las piezas presentadas se exhibían. Sin embargo, el comité organizador insistió en que Fuente no era arte y la rechazó. Esto provocó un gran revuelo entre los dadaístas y llevó a Duchamp a renunciar a la junta directiva de Artistas Independientes. ^{[ 38 ] : 181–186}

Junto con Henri-Pierre Roché y Beatrice Wood, Duchamp publicó varias revistas dadaístas en Nueva York, entre ellas The Blind Man y Rongwrong , que incluían arte, literatura, humor y comentarios.

Cuando regresó a París después de la Primera Guerra Mundial, Duchamp no participó en el grupo dadaísta.

Los "readymades" eran objetos encontrados que Duchamp seleccionaba y presentaba como arte. En 1913, Duchamp instaló una rueda de bicicleta en su estudio. La idea de la rueda de bicicleta fue de Elsa von Freytag-Loringhoven. Sin embargo, el concepto de readymades no se desarrolló por completo hasta 1915. La idea era cuestionar la noción misma de arte y la adoración del arte, que Duchamp consideraba "innecesaria". ^{[ 39 ]}

Mi idea era elegir un objeto que no me atrajera, ni por su belleza ni por su fealdad. Encontrar un punto de indiferencia al mirarlo, ¿entiendes? ^{[ 39 ]}

Bottle Rack (1914), un tendedero de botellas firmado por Duchamp, se considera el primer ready-made "puro". In Advance of the Broken Arm (1915), una pala para nieve, también llamada Prelude to a Broken Arm , le siguió poco después. Su Fountain , un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", conmocionó al mundo del arte en 1917. ^{[ 32 ]} Fountain fue seleccionada en 2004 como "la obra de arte más influyente del siglo XX" por 500 artistas e historiadores de renombre. ^{[ 40 ]}

En 1919, Duchamp hizo una parodia de la Mona Lisa adornando una reproducción barata del cuadro con bigote y perilla. A esto añadió la inscripción LHOOQ , un juego fonético que, leído en voz alta en francés, suena rápidamente como "Elle a chaud au cul" . Esto puede traducirse como "Tiene un culo caliente", lo que implica que la mujer del cuadro está en un estado de excitación y disponibilidad sexual. También podría haber sido una broma freudiana, en referencia a la supuesta homosexualidad de Leonardo da Vinci . Duchamp dio una traducción "libre" de LHOOQ como "hay fuego abajo" en una entrevista posterior con Arturo Schwarz . Según Rhonda Roland Shearer , la aparente reproducción de la Mona Lisa es en realidad una copia modelada parcialmente a partir del propio rostro de Duchamp. ^{[ 42 ]} La investigación publicada por Shearer también especula que el propio Duchamp creó algunos de los objetos que afirmó que eran "objetos encontrados". Según Rosa Ulpiano (2024), la obra de Duchamp puede entenderse a través de la regla lógica modus tollens , que ofrece una perspectiva sobre la relación entre original y copia en su producción artística. ^{[ 43 ]}

En 2017-2018, el experto francés Johann Naldi encontró e identificó diecisiete obras inéditas en una colección privada, clasificada como tesoro nacional el 7 de mayo de 2021 por el Ministerio de Cultura francés, incluyendo Des souteneurs encore dans la force de l'âge et le ventre dans l'herbe de Alphonse Allais , que consiste en una cortina de carruaje verde suspendida de un cilindro de madera. ^{[ 44 ]} Esta obra fue exhibida en las exposiciones Incoherents de París entre 1883 y 1893. Según Johann Naldi, esta obra es el ready-made más antiguo conocido y fue fuente de inspiración para Marcel Duchamp. ^{[ 45 ]}

Duchamp trabajó en su compleja obra de inspiración futurista , La novia desnudada por sus solteros, incluso (El gran vidrio) , desde 1915 hasta 1923, con la excepción de periodos en Buenos Aires y París entre 1918 y 1920. Realizó la obra sobre dos paneles de vidrio con materiales como lámina de plomo, alambre fusible y polvo. Combina procedimientos aleatorios, estudios de perspectiva trazados y una laboriosa artesanía. Publicó notas para la obra, La caja verde , destinadas a complementar la experiencia visual. Estas notas reflejan la creación de reglas físicas únicas y una mitología que describe la obra. Afirmó que su "hilarante cuadro" pretende representar el encuentro erótico entre una novia y sus nueve solteros.

Una representación de la adaptación teatral de la novela de Raymond Roussel , Impresiones de África , a la que Duchamp asistió en 1912, inspiró la obra. Ya en 1913, dibujaba notas, bocetos y planos para la misma en las paredes de su estudio. Para concentrarse en la obra sin ataduras materiales, Duchamp trabajó como bibliotecario mientras vivía en Francia. Tras emigrar a Estados Unidos en 1915, comenzó a trabajar en la obra, con el apoyo financiero de la familia Arensberg.

La obra se concibe en parte como una retrospectiva de los trabajos de Duchamp, incluyendo una reproducción tridimensional de sus pinturas anteriores: La novia (1912), El molinillo de chocolate (1914) y El planeador que contiene un molino de agua en metales vecinos (1913-1915), lo que ha dado lugar a numerosas interpretaciones. La obra fue declarada formalmente como "Inacabada" en 1923. Tras su primera exposición pública, al regresar en una caja de embalaje, el vidrio sufrió una gran grieta. Duchamp la reparó, pero dejó intactas las grietas más pequeñas, aceptando el factor azar como parte de la pieza.

Joseph Nechvatal ha arrojado mucha luz sobre El Gran Vidrio al señalar las implicaciones autoeróticas tanto de la soltería como de la máquina repetitiva y frenética; luego discierne una constelación de temas más amplia al insinuar que el autoerotismo —y con la máquina como compañera y practicante omnipresente— se abre a una pansexualidad subversiva, tal como se expresa en otras partes de la obra y la carrera de Duchamp, en la que un placer que induce al trance se convierte en el principio operativo en oposición a los dictados del acoplamiento tradicional hombre-mujer; y también documenta la existencia de este conjunto de temas a lo largo del modernismo, comenzando con el controvertido Monumento a Balzac de Rodin , y culminando en una visión duchampiana de un tecnouniverso en el que todos pueden sentirse bienvenidos. ^{[ 46 ]}

Hasta 1969, cuando el Museo de Arte de Filadelfia reveló el cuadro Étant donnés de Duchamp , se creía que El gran vidrio había sido su última obra importante.

El interés de Duchamp por las obras de arte cinético se puede apreciar ya en las notas para el ready-made «El gran vidrio y la rueda de bicicleta », y a pesar de perder interés en el «arte retiniano», conservó su interés por los fenómenos visuales. En 1920, con la ayuda de Man Ray, Duchamp construyó una escultura motorizada, «Placas de vidrio giratorias, óptica de precisión». La pieza, que él no consideraba arte, consistía en un motor que hacía girar piezas de vidrio rectangulares sobre las que estaban pintados segmentos de un círculo. Al girar el aparato, se producía una ilusión óptica en la que los segmentos parecían círculos concéntricos cerrados . Man Ray instaló el equipo para fotografiar el experimento inicial, pero al girar la máquina por segunda vez, una correa de transmisión se rompió y atrapó un trozo de vidrio, que tras rozar la cabeza de Man Ray, se hizo añicos. ^{[ 38 ] : 227–228}

Tras regresar a París en 1923, a instancias de André Breton y con financiación de Jacques Doucet , Duchamp construyó otro dispositivo óptico basado en el primero: Rotative Demisphère, optique de précision (Misfera Rotativa, Óptica de Precisión) . En esta ocasión, el elemento óptico era un globo terráqueo cortado por la mitad, con círculos concéntricos negros pintados sobre él. Al girar, los círculos parecen moverse hacia adelante y hacia atrás en el espacio. Duchamp pidió a Doucet que no exhibiera el aparato como obra de arte. ^{[ 38 ] : 254–255}

Los rotorelieves fueron la siguiente fase de las obras giratorias de Duchamp. Para crear estos "juguetes" ópticos, pintó diseños en círculos planos de cartón y los hizo girar en un tocadiscos. Al girar, los discos planos parecían tridimensionales. Encargó a una imprenta la producción de 500 juegos de seis diseños y montó un puesto en una feria de inventores de París en 1935 para venderlos. La empresa fue un desastre financiero, pero algunos científicos ópticos pensaron que podrían ser útiles para restaurar la visión estereoscópica tridimensional a personas que habían perdido la visión en un ojo. ^{[ 38 ] : 301–303} En colaboración con Man Ray y Marc Allégret , Duchamp filmó versiones tempranas de los Rotorelieves y titularon la película Anémic Cinéma (1926). Más tarde, en el estudio de Alexander Calder en 1931, mientras observaba las obras cinéticas del escultor, Duchamp sugirió que se las llamara móviles . Calder aceptó usar este novedoso término en su próxima exposición. Hasta el día de hoy, las esculturas de este tipo se denominan "móviles". ^{[ 38 ] : 294}

Entre 1912 y 1915, Duchamp trabajó con diversas ideas musicales. Al menos tres piezas han sobrevivido: dos composiciones y una nota para un happening musical. Las dos composiciones se basan en operaciones aleatorias . Erratum Musical , escrita para tres voces, se publicó en 1934. La Mariée mise à nu par ses célibataires même. Erratum Musical está inacabada y nunca se publicó ni se exhibió en vida de Duchamp. Según el manuscrito, la pieza estaba destinada a un instrumento mecánico "en el que se suprime al intermediario virtuoso". El manuscrito también contiene una descripción de "Un aparato que graba automáticamente períodos musicales fragmentados", que consiste en un embudo , varios carros abiertos y un conjunto de bolas numeradas. ^{[ 47 ]} Estas piezas son anteriores a Music of Changes (1951) de John Cage , que a menudo se considera la primera pieza moderna concebida en gran medida mediante procedimientos aleatorios. ^{[ 48 ]}

En 1968, Duchamp y John Cage aparecieron juntos en un concierto titulado "Reunión", jugando una partida de ajedrez y componiendo música aleatoria activando una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez . ^{[ 49 ]}

«Rrose Sélavy», también escrito Rose Sélavy, fue uno de los seudónimos de Duchamp. El nombre, un juego de palabras , suena como la frase francesa Éros , c'est la vie , que puede traducirse como «Eros, así es la vida». También se ha interpretado como arroser la vie («brindar por la vida») y se ha dicho que es «un anagrama libre de Sorry, Elsa». ^{[ 50 ]} Sélavy surgió en 1921 en una serie de fotografías de Man Ray que mostraban a Duchamp vestido de mujer. A lo largo de la década de 1920, Man Ray y Duchamp colaboraron en más fotografías de Sélavy. Posteriormente, Duchamp utilizó el nombre como firma en material escrito y firmó varias creaciones con él.

Duchamp utilizó el nombre en el título de al menos una escultura, ¿ Por qué no estornudar, Rose Sélavy? (1921). La escultura, un tipo de ready-made llamado ensamblaje , consiste en un termómetro oral , una veintena de pequeños cubos de mármol que se asemejan a terrones de azúcar y un hueso de sepia dentro de una jaula para pájaros . Sélavy también aparece en la etiqueta de Belle Haleine, Eau de Voilette (1921), un ready-made que es un frasco de perfume en su caja original. Duchamp también firmó su película Anémic Cinéma (1926) con el nombre de Sélavy.

Se cree que la inspiración para el nombre Rrose Sélavy proviene de Belle da Costa Greene , bibliotecaria de JP Morgan en la Biblioteca y Museo Morgan (anteriormente Biblioteca Pierpont Morgan). Tras la muerte de Morgan, Greene se convirtió en directora de la Biblioteca, donde trabajó durante cuarenta y tres años. Con el apoyo de JP Morgan, y luego de su hijo Jack, Greene amplió la colección mediante la compra y venta de manuscritos , libros y obras de arte raros. ^{[ 51 ]}

Duchamp dijo en una entrevista: «Crees que estás haciendo algo completamente tuyo, y un año después lo miras y ves las raíces de donde proviene tu arte sin siquiera saberlo». ^{[ 52 ]} El Pérez Art Museum Miami , en Florida, conserva en su colección la pieza Boîte-en-valise (De ou par Marcel Duchamp ou Rrose Sélavy), o en español, Box in a Valise (From or by Marcel Duchamp or Rrose Sélavy), creada entre 1941 y 1961. ^{[ 53 ]}

A partir de 1922, el nombre Rrose Sélavy también comenzó a aparecer en una serie de aforismos , juegos de palabras y lapsus linguae del poeta surrealista francés Robert Desnos . Desnos intentó retratar a Rrose Sélavy como una aristócrata perdida y legítima reina de Francia. El aforismo 13 rendía homenaje a Marcel Duchamp: Rrose Sélavy connaît bien le marchand du sel (en español: «Rrose Sélavy conoce bien al comerciante de sal»); en francés, las últimas palabras suenan como Mar-champ Du-cel. Cabe destacar que el aforismo «vendedor de sal» («mar-chand-du-sel») es un anagrama fonético del nombre del artista: «mar-cel-du-champ». (Las notas recopiladas de Duchamp se titulan "El vendedor de sal"). En 1939 se publicó una colección de estos aforismos bajo el nombre de Rrose Sélavy, titulada Poils et coups de pieds en tous genres .

En 1918, Duchamp se retiró del panorama artístico neoyorquino, interrumpiendo su trabajo en el Gran Vidrio , y se trasladó a Buenos Aires , donde permaneció nueve meses y jugaba al ajedrez con frecuencia . Talló su propio juego de ajedrez en madera con la ayuda de un artesano local que fabricó los caballos . Se mudó a París en 1919 y regresó a Estados Unidos en 1920. A su regreso a París en 1923, Duchamp ya no ejercía como artista. Su principal interés era el ajedrez, al que dedicó el resto de su vida, excluyendo casi todas las demás actividades.

Duchamp aparece brevemente jugando al ajedrez con Man Ray en el cortometraje Entr'acte (1924) de René Clair . Diseñó el cartel de 1925 para el Tercer Campeonato Francés de Ajedrez y, como participante, obtuvo un resultado del cincuenta por ciento (3-3, con dos empates), lo que le valió el título de maestro de ajedrez . Durante este periodo, su fascinación por el ajedrez llegó a angustiar tanto a su primera esposa que esta pegó sus piezas al tablero . Duchamp continuó participando en los Campeonatos Franceses y en las Olimpiadas de Ajedrez desde 1928 hasta 1933, favoreciendo aperturas hipermodernas como la Nimzo-India .

A principios de la década de 1930, Duchamp alcanzó la cúspide de su talento, pero se dio cuenta de que tenía pocas posibilidades de obtener reconocimiento en el ajedrez de alto nivel. En los años siguientes, su participación en torneos de ajedrez disminuyó, pero descubrió el ajedrez por correspondencia y se convirtió en periodista ajedrecístico, escribiendo columnas semanales para periódicos. Mientras sus contemporáneos alcanzaban un éxito espectacular en el mundo del arte vendiendo sus obras a coleccionistas de la alta sociedad, Duchamp observó: «Sigo siendo víctima del ajedrez. Tiene toda la belleza del arte, y mucho más. No se puede comercializar . El ajedrez es mucho más puro que el arte en su posición social». ^{[ 54 ]} En otra ocasión, Duchamp explicó: «Las piezas de ajedrez son el alfabeto en bloques que da forma a los pensamientos; y estos pensamientos, aunque crean un diseño visual en el tablero, expresan su belleza de forma abstracta, como un poema. ... He llegado a la conclusión personal de que, si bien no todos los artistas son ajedrecistas, todos los ajedrecistas son artistas». ^{[ 55 ]}

En 1932, Duchamp se asoció con el teórico del ajedrez Vitaly Halberstadt para publicar L'opposition et cases conjuguées sont réconciliées ( La oposición y las casillas conjugadas se reconcilian), conocido como " casillas correspondientes" . Este tratado describe la posición Lasker-Reichhelm , un tipo de posición extremadamente rara que puede surgir en el final de partida . Utilizando diagramas tipo eneagrama que se pliegan sobre sí mismos, los autores demostraron que, en esta posición, lo máximo a lo que pueden aspirar las negras es a un empate .

El tema del "final de partida" es importante para comprender la compleja actitud de Duchamp hacia su carrera artística. El dramaturgo irlandés Samuel Beckett fue colaborador de Duchamp y utilizó este tema como recurso narrativo en su obra homónima de 1957, Fin de partida . En 1968, Duchamp disputó una partida de ajedrez de gran relevancia artística con el compositor vanguardista John Cage, en un concierto titulado "Reunión". La música se producía mediante una serie de células fotoeléctricas situadas bajo el tablero, que se activaban esporádicamente durante el desarrollo normal de la partida. ^{[ 49 ]}

Sobre la elección de una carrera en el ajedrez, Duchamp dijo: «Si Bobby Fischer viniera a mí en busca de consejo, desde luego no lo desanimaría —como si alguien pudiera—, pero intentaría dejarle bien claro que nunca ganará dinero con el ajedrez, vivirá una existencia monástica y conocerá más rechazo que ningún otro artista, luchando por ser conocido y aceptado». ^{[ 57 ]}

Duchamp dejó un legado al ajedrez en forma de un enigmático problema de final de partida que compuso en 1943. El problema se incluyó en el anuncio de la exposición de Julian Levi, Through the Big End of the Opera Glass , impreso en papel translúcido con la tenue inscripción: «Blancas juegan y ganan». Desde entonces, grandes maestros y especialistas en finales de partida han intentado resolver el problema, y ​​la mayoría ha concluido que no tiene solución. ^{[ 58 ]}

Aunque Duchamp ya no era considerado un artista en activo, continuó asesorando a artistas, marchantes de arte y coleccionistas. Desde 1925 viajó frecuentemente entre Francia y Estados Unidos, y en 1942 se estableció en Greenwich Village, Nueva York. También trabajó ocasionalmente en proyectos artísticos como el cortometraje Anémic Cinéma (1926), Box in a Valise (1935–1941), Self Portrait in Profile (1958) y la obra de mayor formato Étant Donnés (1946–1966). En 1943, participó con Maya Deren en su película inacabada The Witch's Cradle , filmada en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim , en la que sus manos manipulan el juego de cuerdas Cat's Cradle, mientras su cuerpo está enredado en una cuerda animada con la técnica de stop-motion.

Desde mediados de la década de 1930 colaboró ​​con los surrealistas ; sin embargo, no se unió al movimiento, a pesar de la insistencia de André Breton . Desde entonces hasta 1944, junto con Max Ernst , Eugenio Granell y Breton, Duchamp dirigió la revista surrealista VVV y fue editor asesor de la revista View , que lo incluyó en su edición de marzo de 1945, dándolo a conocer así a un público estadounidense más amplio.

La influencia de Duchamp en el mundo del arte permaneció entre bastidores hasta finales de la década de 1950, cuando fue "descubierto" por jóvenes artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns , quienes ansiaban escapar del dominio del expresionismo abstracto . En 1959, la publicación en francés e inglés del catálogo razonado de Robert Lebel hizo que su obra fuera más accesible. ^{[ 59 ]} Se convirtió en corresponsal extranjero del grupo literario Oulipo en 1962. ^{[ 60 ]} El interés por Duchamp se reavivó en la década de 1960, y obtuvo reconocimiento público internacional. En 1963, el curador Walter Hopps organizó la primera exposición retrospectiva de Duchamp en el Museo de Arte de Pasadena , y allí apareció en una fotografía icónica jugando al ajedrez frente a la modelo desnuda Eve Babitz , fotografiada por Julian Wasser . ^{[ 61 ] [ 62 ]} Posteriormente, los Archivos Smithsonianos de Arte Americano describieron la fotografía como "una de las imágenes documentales clave del arte moderno estadounidense". ^{[ 63 ]}

El artista y colaborador Richard Hamilton organizó una retrospectiva en la Tate Gallery en 1966. Otras importantes instituciones, como el Museo de Arte de Filadelfia y el Museo de Arte Moderno de Nueva York, organizaron una retrospectiva de la obra de Duchamp en 1973. Fue invitado a dar conferencias sobre arte y a participar en debates formales, además de conceder entrevistas a importantes publicaciones. Como último miembro superviviente de la familia de artistas Duchamp, en 1967 ayudó a organizar una exposición en Rouen, Francia, titulada Les Duchamp: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp, Suzanne Duchamp . Parte de esta exposición familiar se mostró posteriormente en el Museo Nacional de Arte Moderno de París.

Duchamp participó en el diseño de la Exposición Internacional del Surrealismo de 1938 , celebrada en la Galería de Bellas Artes de París. La muestra fue organizada por André Breton y Paul Éluard , y presentó «Doscientas veintinueve obras de arte de sesenta expositores de catorce países... en esta exposición multimedia». ^{[ 64 ]} Los surrealistas querían crear una exposición que en sí misma fuera un acto creativo, por lo que trabajaron en colaboración en su puesta en escena. Marcel Duchamp fue nombrado «Generador-árbitro», Salvador Dalí y Max Ernst figuraban como directores técnicos, Man Ray fue el técnico jefe de iluminación y Wolfgang Paalen fue responsable del «agua y el follaje». ^{[ 65 ]}

Plus belles rues de Paris (Las calles más bellas de París) llenaban un lado del vestíbulo con maniquíes vestidos por varios surrealistas. ^{[ 64 ]} La sala principal, o Salle de Superstition (Sala de la Superstición), era "una Gesamtkunstwerk con aspecto de cueva " que incluía notablemente la instalación de Duchamp , Mil doscientos sacos de carbón suspendidos del techo sobre una estufa , que eran literalmente 1200 sacos de carbón llenos suspendidos del techo. ^{[ 66 ] [ 67 ]} Paalen cubrió el suelo con hojas muertas y barro del cementerio de Montparnasse . En el centro de la gran sala, debajo de los sacos de carbón de Duchamp, Paalen instaló un estanque artificial lleno de agua con nenúfares y juncos reales, al que llamó Avant La Mare . Una sola bombilla proporcionaba la única iluminación, ^{[ 68 ]} así que a los visitantes se les entregaron linternas para que pudieran ver las obras (una idea de Man Ray), mientras el aroma a café tostado impregnaba el ambiente. Alrededor de la medianoche, los visitantes presenciaron el brillo danzante de una muchacha con poca ropa que surgió repentinamente de entre los juncos, saltó sobre una cama, gritó histéricamente y desapareció con la misma rapidez. Para gran satisfacción de los surrealistas, la exposición escandalizó a muchos de los invitados.

En 1942, para la exposición First Papers of Surrealism en Nueva York, los surrealistas recurrieron a Duchamp para diseñar la muestra. Creó una instalación, His Twine , comúnmente conocida como la "milla de cuerda", que consistía en una red tridimensional de cuerdas que recorría las salas del espacio, en algunos casos haciendo casi imposible ver las obras. ^{[ 67 ] [ 69 ]} Duchamp hizo un arreglo secreto con el hijo de un asociado para llevar a unos jóvenes amigos a la inauguración de la exposición. Cuando los asistentes, elegantemente vestidos, llegaron, encontraron a una docena de niños con ropa deportiva jugando con pelotas y saltando a la comba. Al ser interrogados, los niños respondieron: "El Sr. Duchamp nos dijo que podíamos jugar aquí". El diseño del catálogo de la exposición, a cargo de Duchamp, incluía fotografías de los artistas "encontradas", en lugar de fotografías posadas.

Breton, junto con Duchamp, organizó la exposición "Le surréalisme en 1947" en la Galerie Maeght de París después de la guerra y nombró al escenógrafo Frederick Kiesler como arquitecto. ^{[ 66 ]}

La última gran obra de arte de Duchamp sorprendió al mundo del arte, que creía que había abandonado el arte por el ajedrez 25 años antes. Titulada Étant donnés : 1° la chute d'eau / 2° le gaz d'éclairage ("Dado: 1. La cascada, 2. El gas de alumbrado"), es un cuadro, visible solo a través de una mirilla en una puerta de madera. ^{[ 70 ]} Se puede ver a una mujer desnuda tumbada boca arriba con el rostro oculto, las piernas separadas y una mano sosteniendo una lámpara de gas en el aire contra un paisaje de fondo. ^{[ 71 ]} Duchamp había trabajado en secreto en la pieza desde 1946 hasta 1966 en su estudio de Greenwich Village, mientras que incluso sus amigos más cercanos pensaban que había abandonado el arte. El torso de la figura desnuda está basado en la amante de Duchamp, la escultora brasileña Maria Martins , con quien tuvo una relación amorosa desde 1946 hasta 1951. ^{[ 72 ]}

Durante toda su vida adulta, Duchamp fue un fumador apasionado de puros habanos. ^{[ 73 ]}

Duchamp se convirtió en ciudadano estadounidense en 1955. ^{[ 74 ]}

En junio de 1927, Duchamp se casó con Lydie Sarazin-Levassor; sin embargo, se divorciaron seis meses después. Se rumoreaba que Duchamp había optado por un matrimonio de conveniencia , ya que Sarazin-Levassor era hija de un acaudalado fabricante de automóviles. A principios de enero de 1928, Duchamp declaró que ya no podía soportar la responsabilidad y las limitaciones del matrimonio, y pronto se divorciaron. ^{[ 75 ]}

Entre 1946 y 1951 mantuvo una relación con la escultora brasileña Maria Martins , quien también fue modelo y colaboradora. ^{[ 76 ]} Un libro sobre su relación, Imposible: El romance entre Marcel DuChamps y Maria Martins, y la obra de arte que inspiró, de Francis M. Naumann , fue publicado por Abbeville Press en 2026. ^{[ 77 ]}

En 1954, él y Alexina "Teeny" Sattler se casaron. Permanecieron juntos hasta su muerte.

Duchamp era ateo. ^{[ 78 ]}

Duchamp falleció repentina y plácidamente en la madrugada del 2 de octubre de 1968 en su casa de Neuilly-sur-Seine , Francia. Tras cenar en casa con sus amigos Man Ray y Robert Lebel , Duchamp se retiró a la 1:05 de la madrugada, se desplomó en su estudio y murió de insuficiencia cardíaca. ^{[ 79 ]}

Está enterrado en el cementerio de Rouen, en Rouen, Francia, con el epitafio : "D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent" ("Además, siempre son los otros los que mueren").

Muchos críticos consideran a Duchamp uno de los artistas más importantes del siglo XX, ^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ] [ 83 ] [ 84 ]} y su producción influyó en el desarrollo del arte occidental posterior a la Primera Guerra Mundial . Asesoró a coleccionistas de arte moderno, como Peggy Guggenheim y otras figuras prominentes, ayudando así a moldear los gustos del arte occidental durante este período. ^{[ 38 ]} Desafió el pensamiento convencional sobre los procesos artísticos y rechazó el mercado del arte emergente, a través del antiarte subversivo. ^{[ 85 ]} Famosamente, bautizó un urinario como arte y lo llamó Fuente . Duchamp produjo relativamente pocas obras de arte y se mantuvo mayormente alejado de los círculos de vanguardia de su tiempo. Luego fingió abandonar el arte y dedicar el resto de su vida al ajedrez, mientras que secretamente continuó creando arte. ^{[ 86 ]} En 1958, Duchamp dijo sobre la creatividad:

El acto creativo no lo realiza únicamente el artista; el espectador pone la obra en contacto con el mundo exterior al descifrar e interpretar sus cualidades internas y, de este modo, añade su contribución al acto creativo. ^{[ 87 ]}

En sus últimos años, Duchamp expresó explícitamente su negatividad hacia el arte. En una entrevista con la BBC, realizada por Joan Bakewell en 1968, comparó el arte con la religión, afirmando que deseaba eliminarlo del mismo modo que muchos habían eliminado la religión. Duchamp continuó explicando a la entrevistadora que «la palabra arte etimológicamente significa hacer», que arte significa actividad de cualquier tipo, y que es nuestra sociedad la que crea distinciones «puramente artificiales» sobre lo que significa ser artista. ^{[ 88 ] [ 89 ]}

Una cita atribuida erróneamente a Duchamp sugiere una actitud negativa hacia las tendencias posteriores del arte del siglo XX:

Este neodadaísmo, al que llaman Nuevo Realismo, Pop Art, Ensamblaje, etc., es una salida fácil y se basa en lo que hizo el dadaísmo. Cuando descubrí los ready-mades, intenté desalentar la estética. En el neodadaísmo, han tomado mis ready-mades y han encontrado belleza estética en ellos; les lancé el botellero y el urinario a la cara como un desafío y ahora los admiran por su belleza estética.

Sin embargo, esto fue escrito en 1961 por su compañero dadaísta Hans Richter , en segunda persona, es decir, «Tiraste el botellero…». Aunque una nota al margen de la carta sugiere que Duchamp generalmente aprobaba la afirmación, Richter no aclaró la distinción hasta muchos años después. ^{[ 90 ]}

Sin embargo, la actitud de Duchamp fue más favorable, como lo demuestra otra declaración que hizo en 1964:

El Pop Art supone un retorno a la pintura «conceptual», prácticamente abandonada, salvo por los surrealistas, desde [Gustave] Courbet, en favor de la pintura retiniana... Si tomas una lata de sopa Campbell y la repites 50 veces, no te interesa la imagen retiniana. Lo que te interesa es el concepto que quiere plasmar 50 latas de sopa Campbell en un lienzo. ^{[ 91 ]}

El Premio Marcel Duchamp , establecido en 2000, es un galardón anual otorgado a un artista joven por el Centro Georges Pompidou . En 2004, como testimonio del legado de la obra de Duchamp en el mundo del arte, un panel de destacados artistas e historiadores del arte votó a Fuente como "la obra de arte más influyente del siglo XX". ^{[ 40 ] [ 92 ]} En su libro de historia del arte de 2025 Shock Factory: The Visual Culture of Industrial Music , Nicolas Ballet señala la influencia explícita de Duchamp en la música industrial . ^{[ 93 ]}

Una revista en línea interdisciplinaria de acceso abierto dedicada al estudio de Marcel Duchamp y su círculo, llamada Tout-Fait: The Marcel Duchamp Studies Online Journal (estilizada como Tout-Fait ), se lanzó en 1999 y es publicada por CyberBOOK+ Publications, la rama de publicación digital del Art Science Research Laboratory (ASRL), una organización sin fines de lucro con sede en Nueva York. ^{[ 94 ] [ 95 ] [ 96 ]} La revista, que es gratuita, publica artículos de investigación revisados ​​por pares, reportajes, entrevistas, notas y multimedia relacionados con la obra e influencia de Duchamp, enfatizando a menudo las conexiones entre el arte, la ciencia y los estudios de medios. ^{[ 95 ] [ 97 ]}

El 17 de noviembre de 1999, una versión de Fountain (propiedad del crítico y galerista Arturo Schwarz ) se vendió en Sotheby's , Nueva York, por 1.762.500 dólares a Dimitris Daskalopoulos, quien declaró que Fountain representaba el origen del arte contemporáneo . ^{[ 98 ]} El precio estableció un récord mundial, en ese momento, para una obra de Marcel Duchamp en subasta pública. ^{[ 99 ] [ 100 ]} El récord fue superado posteriormente por una obra vendida en Christie's París, titulada Belle Haleine, Eau de Voilette (1921). El ready-made de un frasco de perfume en su caja se vendió por la cifra récord de 11,5 millones de dólares (8,9 millones de euros). ^{[ 101 ]}

• 
  Marcel Duchamp, 1910, Joueur d'échecs ( Jugador de ajedrez ), óleo sobre lienzo, 114 x 146,5 cm, Museo de Arte de Filadelfia.
• 
  Marcel Duchamp, 1911, Molinillo de café (Moulin à café) , óleo y grafito sobre tabla, 33 x 12,7 cm, Tate , Londres. Reproducido en Du "Cubisme".
• 
  Marcel Duchamp, 1911, La sonate (Sonata) , óleo sobre lienzo, 145,1 x 113,3 cm, Museo de Arte de Filadelfia . Expuesta en la Exposició d'Art Cubista , Barcelona, ​​Galerías Dalmau , Barcelona, ​​1912 (reproducida en catálogo)
• 
  Marcel Duchamp, 1912, Le Roi et la Reine entourés de Nus vites ( El rey y la reina rodeados de veloces desnudos ), óleo sobre lienzo, 114,6 x 128,9 cm, Museo de Arte de Filadelfia.
• 
  Marcel Duchamp, Desnudo bajando una escalera, n.° 2 , en la casa de Frederick C. Torrey, c. 1913.

• Retrospectiva de Marcel Duchamp , Museo Norton Simon , 8 de octubre–3 de noviembre de 1963 ^{[ 102 ]}
• Homenaje a Marcel Duchamp , Museo de Arte Moderno, 22 de octubre–17 de noviembre de 1968 ^{[ 103 ]}
• Marcel Duchamp , Museo de Arte Moderno, ^{[ 104 ]} 28 de diciembre de 1973 – 24 de febrero de 1974; Museo de Arte de Filadelfia, 20 de septiembre de 1973 – 11 de noviembre de 1973; Instituto de Arte de Chicago , ^{[ 105 ]} 23 de marzo – 5 de mayo de 1974 [retrospectiva organizada por el Museo de Arte de Filadelfia y el Museo de Arte Moderno]
• Marcel Duchamp Belle Haleine: Eau de Voilette , Nationalgalerie , 27-30 de enero de 2011 ^{[ 106 ]}
• Relaciones periféricas : la influencia de Marcel Duchamp en el arte neozelandés. Adam Art Gallery, 2012 ^{[ 107 ]}
• El efecto Duchamp , Museo de Arte de Seattle , 10 de enero de 2015 – 24 de julio de 2016 ^{[ 108 ]}
• Marcel Duchamp y el escándalo de la fuente , Museo de Arte de Filadelfia, 1 de abril–3 de diciembre de 2017 ^{[ 109 ]}
• Dalí/Duchamp , Real Academia de las Artes , ^{[ 110 ]} Londres, 7 de octubre de 2017 – 3 de enero de 2018; Museo Dalí , ^{[ 111 ]} 10 de febrero – 27 de mayo de 2018
• Marcel Duchamp: Boîte-en-valise , Museo de Arte de Cincinnati , 10 de febrero a 6 de mayo de 2018 ^{[ 112 ]}
• Lo esencial de Duchamp , Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , 27 de abril–11 de agosto de 2019 ^{[ 113 ]}
• Marcel Duchamp: La colección de Barbara y Aaron Levine , Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , 9 de noviembre de 2019 – 5 de junio de 2022 ^{[ 114 ]}
• Marcel Duchamp , MMK - Museum für moderne Kunst , Frankfurt am Main, 2 de abril a 3 de octubre de 2022 ^{[ 115 ]}
• Marcel Duchamp y el atractivo de la copia , Colección Peggy Guggenheim , Venecia, 14 de octubre de 2023 – 18 de marzo de 2024 ^{[ 116 ]}
• Marcel Duchamp [retrospectiva], Museo de Arte Moderno, ^{[ 117 ]} 12 de abril – 22 de agosto de 2026, Museo de Arte de Filadelfia, 10 de octubre de 2026 – 31 de enero de 2027; una versión diferente de la exposición se presentará en el Grand Palais de París en la primavera de 2027.
• Marcel Duchamp [readymades], Galería Gagosian , 25 de abril – 27 de junio de 2026 ^{[ 118 ]}

• Archivo de fuentes
• Cuarta dimensión en el arte
• Hommage à Marcel Duchamp (pintura de 1947 de su amigo Victor Brauner )
• Arte impactante
• estímulo estereocinético
• Transatlántico (representación en la serie de televisión de 2023)

• Tomkins, Calvin (1996). Duchamp: Una biografía . Henry Holt and Company, Inc. ISBN 0-8050-5789-7.
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• Marc Décimo (dir.), Marcel Duchamp et l'érotisme , Les presses du réel, coll. « L'écart absolu / Chantier », Dijon, 2008
• Editores: Matthew Affron, Michelle Kuo y Ann Temkin.   Marcel Duchamp . Nueva York: Museo de Arte Moderno, 2026.  ISBN 978-1-633-45180-3
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Obras de Duchamp

• Obras de o sobre Marcel Duchamp en el Archivo de Internet
• El Museo de Arte de Filadelfia alberga la extensa colección de obras de Duchamp de la familia Arensberg . ( sitio web )
• Marcel Duchamp en el Museo de Arte Moderno
• Una explicación sobre la Roue de bicyclette de Duchamp ( sitio web )
• Dossier: Marcel Duchamp, Centro Pompidou
• Museo de Arte de Filadelfia Retrato de ajedrecistas ( Retrato de joueurs d'échecs ) (1911).
• Museo de Arte de Filadelfia. La Caja Verde . Notas y estudios para La novia desnudada por sus solteros, incluso . (1915–1923)
• Película Anémic Cinéma (1926)
• Marcel Duchamp, "A propósito de mí mismo". Museo de Arte de Baltimore: Baltimore, Maryland, 1963. Archivado el 22 de mayo de 2013 en Wayback Machine. Consultado el 26 de junio de 2012.
• Centro de Investigación Duchamp en el Staatliches Museum Schwerin
• Marcel Duchamp en colecciones públicas estadounidenses, en el sitio web del Censo de Escultura de Francia.
• readymade.wiki Recurso federado para datos estructurados en torno a readymades básicos alojados en viki.wiki .

Ensayos de Duchamp

• Marcel Duchamp: El acto creativo (1957) Audio

Recursos generales

• Toutfait : La revista en línea sobre los estudios de Marcel Duchamp
• Inventando a Marcel Duchamp: La dinámica de la poraiture – exposición en línea de la National Portrait Gallery, Smithsonian Institution
• Entrevista de historia oral con Eve Babitz, 14 de junio de 2000 , una maqueta de Duchamp procedente de los Archivos Smithsonianos de Arte Americano.
• Portal de investigación Duchamp , colecciones de archivo y obras de arte del Museo de Arte de Filadelfia , el Centro Pompidou y la Asociación Marcel Duchamp.
• duchamp.cat es una wiki federada para proyectos de datos abiertos de Duchamp alojada en la granja de viki.wiki .
• Archivos del Museo de Arte de Filadelfia - Registros de la Exposición de Marcel Duchamp: contienen material creado y recopilado por el Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo del PMA (anteriormente Departamento de Arte del Siglo XX) durante la organización y/o participación en exposiciones (de 1967 a 1993) sobre el artista Marcel Duchamp.

Audio y vídeo

• [1] Duchamp audio CD Errata musical + En conversación en LTM
• [2] Marcel Duchamp: Diversas declaraciones y entrevistas en Ubuweb
• Voces del dadaísmo , Futurismo y dadaísmo a la vista y Surrealismo a la vista : lecturas de Duchamp en CD de audio.
• [3] Películas de Marcel Duchamp en Ubuweb
• El legado de Duchamp con Richard Hamilton y Sarat Maharaj de la Tate Britain . ( Se requiere RealPlayer ).
• Una conversación con Marcel Duchamp y James Johnson Sweeney , National Broadcasting Company, 1956

Ajedrez

• Perfil y partidas del jugador Marcel Duchamp en Chessgames.com
• Marcel Duchamp y el ajedrez, por Edward Winter
• El Fondo Marcel Duchamp de la Fundación Americana de Ajedrez