Stan Kenton

Con poco dinero, Kenton viajó a San Diego y Las Vegas tocando el piano en bares clandestinos . ^{[ 3 ]} Para 1932, tocaba con la banda Francis Gilbert Territory y realizó una gira por Arizona. Trabajó con la Orquesta de Everett Hoagland en 1933, siendo esta su primera vez tocando en el Rendezvous Ballroom en Balboa, California, donde más tarde grabó álbumes en vivo muy populares. Después de tocar con Russ Plummer y Hal Grayson , Kenton finalmente tuvo su gran oportunidad con Gus Arnheim . ^{[ 3 ]}

En abril de 1936, Arnheim reorganizó su banda al estilo de los grupos de Benny Goodman y Kenton ocupó el puesto de pianista. Fue allí donde Kenton realizó sus primeras grabaciones, cuando Arnheim grabó 14 temas para el sello Brunswick en el verano de 1937. Tras su salida del grupo de Gus Arnheim , Kenton retomó sus estudios con profesores particulares, tanto de piano como de composición. En 1938, Kenton se unió a Vido Musso en una banda de corta duración, pero que resultó ser una experiencia muy enriquecedora para él.

Del núcleo de este grupo surgió la formación de los primeros grupos de Stan Kenton de la década de 1940. Kenton trabajó con la banda de la NBC y en varios estudios y clubes de Hollywood. El productor George Avakian se fijó en Kenton durante este tiempo, mientras trabajaba como pianista y subdirector musical en el Earl Carroll Theatre Restaurant de Hollywood . A partir de esta experiencia, Kenton empezó a tener la idea de dirigir su propia banda, así que creó una banda de ensayo propia, que finalmente se convirtió en su grupo en la década de 1940. ^{[ 2 ]}

En 1940, Kenton formó su primera orquesta. En sus inicios, Kenton trabajó con sus propios grupos más como arreglista que como pianista principal. Aunque no había músicos de renombre en su primera banda (con la posible excepción del bajista Howard Rumsey y el trompetista Chico Alvarez ), Kenton pasó el verano de 1941 tocando regularmente ante el público en el Rendezvous Ballroom en la península de Balboa en Newport Beach, California. Influenciada por Benny Carter y Jimmie Lunceford , la Stan Kenton Orchestra tuvo dificultades durante un tiempo después de su éxito inicial. Sus grabaciones para Decca no fueron grandes éxitos de ventas y su paso por la banda de acompañamiento de Bob Hope en la radio durante la temporada 1943-44 fue una experiencia desafortunada, ya que Les Brown ocupó definitivamente el lugar de Kenton. ^{[ 4 ]}

La primera aparición de Kenton en Nueva York fue en febrero de 1942 en el Roseland Ballroom , con el cartel luciendo un respaldo de Fred Astaire . ^{[ 5 ]} A finales de 1943, con un contrato con la recién formada Capitol Records , un disco popular en "Eager Beaver" y un reconocimiento creciente, la Stan Kenton Orchestra estaba ganando terreno gradualmente; se convirtió en uno de los conjuntos más conocidos de la Costa Oeste de la década de 1940. Sus solistas durante los años de la guerra incluyeron a Art Pepper , brevemente Stan Getz , el alto Boots Mussulli y la cantante Anita O'Day . Para 1945, la banda había evolucionado. ^{[ 4 ]} El compositor Joe Greene proporcionó las letras de canciones exitosas como " And Her Tears Flowed Like Wine " y " Don't Let the Sun Catch You Cryin' ". ^{[ 6 ]} Pete Rugolo se convirtió en el arreglista principal (ampliando las ideas de Kenton), Bob Cooper y Vido Musso ofrecieron estilos de tenor muy diferentes, y June Christy fue la nueva cantante de Kenton; sus éxitos (incluidos " Tampico " y " Across the Alley from the Alamo " de Greene ) hicieron posible que Kenton financiara sus proyectos más ambiciosos.

Arte en el ritmo

Cuando el compositor y arreglista Pete Rugolo se unió a la Orquesta de Stan Kenton como arreglista de planta a finales de 1945, trajo consigo su pasión por el jazz, Stravinsky y Bartók . Con total libertad creativa gracias a Kenton, Rugolo experimentó. Si bien el propio Kenton ya estaba experimentando con composiciones experimentales antes de la llegada de Rugolo, fue este último quien aportó influencias adicionales de jazz y música clásica, muy necesarias para impulsar el desarrollo artístico de la banda.

Durante sus primeros seis meses en la banda, Rugolo intentó imitar el sonido de Kenton; animado por el líder, exploró su propia voz. Al incorporar técnicas de composición tomadas de la música clásica moderna que había estudiado, Rugolo fue una pieza clave en uno de los periodos más fructíferos y creativos de Kenton. ^{[ 7 ]}

Después de una serie de arreglos, Rugolo compuso tres temas originales que Kenton incluyó en el primer álbum de la banda en 1946 ( Artistry in Rhythm ): "Artistry in Percussion", "Safranski" y "Artistry in Bolero". A esta mezcla se añadieron "Machito", "Rhythm Incorporated", "Monotony" e "Interlude" a principios de 1947 (aunque algunos no se grabaron hasta más adelante ese año). Estas composiciones, junto con la voz de June Christy , llegaron a definir a la banda Artistry in Rhythm . La escritura afrocubana se incorporó al repertorio de Kenton con composiciones como "Machito" de Rugolo. La instrumentación resultante, que utilizaba una cantidad significativa de metales, fue descrita como un " muro de sonido " (término acuñado posteriormente de forma independiente por Andrew Loog Oldham para referirse a los métodos de producción de Phil Spector ). ^{[ 8 ]}

El conjunto Artistry in Rhythm fue una banda formativa, con solistas excepcionales. A principios de 1947, la Orquesta de Stan Kenton había alcanzado la cima del éxito financiero y popular. Tocaban en los mejores teatros y salones de baile de Estados Unidos y tenían numerosos discos de éxito. Los bailes en los salones de baile solían durar cuatro horas por noche, y las presentaciones en el teatro generalmente incluían miniconciertos entre cada proyección de la película. Esto a veces eran cinco o seis al día, desde la mañana hasta altas horas de la noche. La mayoría de los días que no tocaban los pasaban en autobuses o coches. Los días libres eran raros. Para Kenton, simplemente le permitían firmar más discos, conceder entrevistas a emisoras de radio y promocionar Capitol Records . Debido a las exigencias financieras y personales, tras una presentación en Tuscaloosa en abril , disolvió la encarnación de Artistry in Rhythm de los conjuntos de Kenton.

Jazz progresivo

Tras una pausa de cinco meses, Kenton formó un nuevo conjunto, más numeroso, para presentar Conciertos de Jazz Progresivo . Mantener el conjunto por sí solo resultó bastante factible, pero la banda aún tenía que completar su agenda aceptando actuaciones en bailes y cines, especialmente durante el verano.

Pete Rugolo compuso y arregló la mayor parte de la nueva música; Kenton declaró que estas obras eran jazz progresivo. Bob Graettinger , alumno del famoso compositor y pedagogo Russ Garcia , escribió numerosas obras para la banda, comenzando con su composición Thermopylae. Su innovadora composición City of Glass fue estrenada por la banda en Chicago en abril de 1948, pero no se grabó hasta dos años y medio después, en una versión revisada para la Innovations Orchestra. Ken Hanna , quien comenzó la gira como trompetista, aportó algunas composiciones a la nueva banda, incluyendo Somnambulism . Kenton no aportó nuevas partituras a la banda de jazz progresivo , aunque varias de sus obras anteriores se interpretaron en conciertos, incluyendo Concerto to End All Concertos , Eager Beaver , Opus in Pastels y Artistry in Rhythm .

Entre los títulos con influencias cubanas del período del jazz progresivo se incluyen Introducción a un ritmo latino de Rugolo , Carnaval cubano , El vendedor de cacahuetes , Viaje a Brasil y Pastoral cubana de Bob Graettinger . La incorporación de un percusionista de bongos a tiempo completo y un guitarrista brasileño a la banda permitió al grupo de compositores de Kenton explorar ritmos afrolatinos con mayor amplitud.

El período del jazz progresivo duró 14 meses, comenzando el 24 de septiembre de 1947, cuando la Stan Kenton Orchestra ofreció un concierto en el Rendezvous Ballroom . Terminó después del último concierto en el Paramount Theatre de Nueva York el 14 de diciembre de 1948. La banda produjo solo un álbum y un puñado de sencillos, debido a una prohibición de grabación impuesta por la Federación Estadounidense de Músicos que duró todo 1948. ^{[ 9 ]}

El único disco, " A Presentation of Progressive Jazz ", ^{[ 10 ]} recibió una calificación de 3 sobre 4 de Tom Herrick en DownBeat . ^{[ 11 ]} Metronome lo calificó con una "C", describiéndolo como una "mezcla chapucera de efectos y contraefectos" y "este álbum presenta muy poco que pueda justificadamente llamarse jazz o progresivo". ^{[ 12 ]} Billboard lo calificó con 80 sobre 100, pero lo declaró "una colección de cacofonía tan incoherente como jamás se haya lanzado a un público desprevenido". ^{[ 13 ]}

Muchos músicos de la banda Artistry regresaron, pero hubo cambios significativos. ^{[ 14 ]} Laurindo Almeida en la guitarra clásica y Jack Costanzo en los bongos cambiaron drásticamente el timbre de la banda. Ambos fueron novedades para la banda de Kenton, o para cualquier banda de jazz, de hecho. La sección rítmica incluyó a los ya conocidos Eddie Safranski (bajo) y Shelly Manne (batería), ambos destinados a ganar el primer lugar en los premios Down Beat.

Los niños se están volviendo locos con el ruido ensordecedor de esta banda... Existe el peligro de que toda una generación crezca con la idea de que el jazz y la bomba atómica son esencialmente el mismo fenómeno natural.

— Barry Ulanov, Metrónomo , 1948 ^{[ 15 ]}

Cuatro de los cinco trompetistas regresaron: Buddy Childers , Ray Wetzel , Chico Alvarez y Ken Hanna . Al Porcino se unió a la ya formidable sección. Conte Candoli se incorporó a la banda, reemplazando a Porcino, en febrero de 1948.

Kai Winding , el trombonista estrella de la banda Artistry in Rhythm , no formaría parte de la era del jazz progresivo , salvo en algunas fechas en las que sustituyó a otros músicos. Milt Bernhart se unió como trombón principal. Y Bart Varsalona regresó como trombón bajo. El primer gran solo de Bernhart con la banda de Kenton resultó ser un gran éxito: The Peanut Vendor .

La sección de saxofones mejoró y se modernizó notablemente. Entre los saxofonistas que regresaron se encontraban el barítono Bob Gioga, quien ocupaba su puesto desde el principio, y Bob Cooper en el tenor. Tras la partida de Vido Musso , Cooper y su sonido modernista se convirtieron en el solista principal de tenor. Art Pepper se unió como segundo alto, el encargado del jazz. Y el nuevo saxo alto principal fue George Weidler .

Obtuvieron cinco primeros premios en la encuesta de Down Beat a finales de 1947, ^{[ 16 ]} y premios similares de otras revistas. Los arreglistas continuaron impulsando los límites de los instrumentistas en sus composiciones. Las obras de este período se encuentran entre las primeras y más exitosas composiciones de la " tercera corriente ".

La banda recorrió el país de punta a punta, presentándose en las salas de conciertos más importantes, como el Carnegie Hall , el Boston Symphony Hall , la Chicago Civic Opera House , la Academy of Music (Filadelfia) y el Hollywood Bowl . Tuvieron largas temporadas en el Paramount Theatre y el Hotel Commodore de Nueva York, el Click de Filadelfia, el Eastwood Gardens de Detroit, el Radio City Theater de Minneapolis y el Rendezvous Ballroom , un lugar especial en la vida musical de Kenton.

La banda de Kenton fue la primera en ofrecer un concierto en el famoso estadio al aire libre, el Hollywood Bowl. Su concierto allí, el 12 de junio de 1948, atrajo a más de 15 000 personas y fue un éxito tanto artístico como comercial. Kenton se embolsó la mitad de la taquilla, llevándose 13 000 dólares estadounidenses ( equivalentes a 174 204 dólares en 2025 ) por el concierto de esa noche. ^{[ 17 ]}

La banda batió récords de asistencia en todo el país. Gracias a la habilidad de Kenton para las relaciones públicas, logró convencer a los asistentes a los conciertos y a los compradores de discos de la importancia de su música. Los números cómicos y la voz de June Christy ayudaron a aligerar la seriedad de las nuevas canciones.

Los éxitos de Kenton no fueron del agrado de todos. En un ensayo titulado Economía y raza en el jazz , Leslie B. Rout Jr. escribió:

"El verdadero azote del periodo 1946-1949 fue la orquesta de Stan Kenton, compuesta exclusivamente por músicos blancos. Kenton bautizó su repertorio musical como jazz progresivo y, en 1948, su orquesta se convirtió en la primera de la historia del jazz en alcanzar una recaudación anual de 1.000.000 de dólares estadounidenses." (equivalente a 13,4  millones de dólares en 2025)

— Leslie Rout (1968) ^{[ 18 ]}

Rout contrastó esto con la relativa falta de reconocimiento de la crítica y del público hacia otro destacado artista de jazz:

" Dizzy Gillespie, como el principal exponente del bopper, no podía convertirse en moneda de cambio."

— Leslie Rout (1968) ^{[ 18 ]}

A finales de 1948, mientras la banda cumplía una larga temporada en el Teatro Paramount de Nueva York, el líder anunció a sus músicos, a sus promotores y a la prensa que se disolvería una vez más. La banda más exitosa artística y comercialmente de Kenton dejó de estar en la cima. El 14 de diciembre de 1948, la Orquesta de Stan Kenton tocó sus últimas notas por más de un año. Regresarían con nuevos integrantes, nueva música y una sección de cuerdas.

Tras un año de pausa, en 1950 Kenton formó la gran orquesta Innovations in Modern Music Orchestra, compuesta por 39 músicos, incluyendo 16 cuerdas, una sección de viento madera y dos trompas. La música era una extensión de las obras compuestas y grabadas desde 1947 por Bob Graettinger , Manny Albam , Franklyn Marks y otros. Músicos de jazz de renombre como Maynard Ferguson , Shorty Rogers , Milt Bernhart , John Graas , Art Pepper , Bud Shank , Bob Cooper , Laurindo Almeida , Shelly Manne y June Christy formaron parte de estos conjuntos musicales. Los grupos realizaron dos giras entre 1950 y 1951; desde el punto de vista comercial, este sería el primer gran fracaso de Stan Kenton. Kenton pronto volvió a una formación más estándar de 19 músicos. ^{[ 2 ]}

Para ser más viable comercialmente, Kenton reformó la banda en 1951 con una instrumentación mucho más estándar: cinco saxofones, cinco trombones, cinco trompetas, piano, guitarra, bajo y batería. Los arreglos de compositores como Gerry Mulligan , Johnny Richards y, en particular, Bill Holman y Bill Russo comenzaron a dominar el repertorio. La música fue escrita para reflejar mejor el estilo de las big bands vanguardistas orientadas al bebop, como las de Dizzy Gillespie o Woody Herman . Jóvenes y talentosos músicos y destacados solistas de jazz como Maynard Ferguson , Lee Konitz , Conte Candoli , Sal Salvador y Frank Rosolino hicieron importantes contribuciones al nivel de la banda de 1952-53. La música compuesta y arreglada durante este tiempo estaba mucho más adaptada a los gustos del jazz contemporáneo; El álbum de 1953, New Concepts of Artistry in Rhythm, se considera uno de los puntos álgidos de la carrera de Kenton como líder de banda. Si bien la banda contaba con un repertorio de conciertos muy sólido, Kenton también se aseguró de que el repertorio de baile fuera novedoso, fresco y contemporáneo. El álbum Sketches on Standards, de 1953, es un excelente ejemplo de cómo Kenton atraía a un público más amplio, aprovechando al máximo el potencial de la banda y las habilidades de arreglista de Bill Russo . Aunque la formación cambiaba con bastante rapidez, Kenton tenía muy claro hacia dónde quería dirigir la banda musicalmente. Para entonces, el productor Lee Gillette colaboraba estrechamente con Kenton para crear un conjunto de grabaciones equilibradas, comercialmente viables y musicalmente vanguardistas.

Podría decirse que la banda más "swing" que Kenton tuvo fue cuando el baterista Mel Lewis se unió a la orquesta en 1954. Los álbumes de Kenton, Contemporary Concepts (1955) y Kenton in Hi-Fi (1956), de esta época son una grabación de be-bop y luego una grabación de baile estándar (respectivamente). ^{[ 2 ]} La popularidad y las ventas de Kenton in Hi-Fi se beneficiaron del hecho de que eran sus grandes éxitos de diez años antes regrabados en estéreo con una banda contemporánea y de mayor nivel. El álbum llegó hasta el número 22 en la lista de álbumes de Billboard y proporcionó ingresos muy necesarios en un momento en que el rock and roll había comenzado a convertirse en la música pop dominante en los Estados Unidos. ^{[ 2 ]} Se le haría cada vez más difícil a Kenton alternar entre álbumes de "baile" y álbumes de "jazz" serios sin perder solvencia económica.

Durante el verano de 1955 (julio-septiembre), Kenton iba a ser el presentador de la serie de televisión de la CBS, Music 55. Si bien ofrecía 10 semanas de gran exposición a una audiencia televisiva en rápida expansión, el programa fracasó. Estuvo plagado de malas técnicas de producción y una extraña combinación de invitados que no encajaba con la visión de Kenton. Terminó mostrándose rígido y fuera de lugar con lo que los productores intentaban lograr. ^{[ 19 ]} Kenton tuvo que trabajar sin descanso, viajando para grabar el programa y luego regresando para reunirse con su banda en la gira. El equipo de producción de Nueva York se limitó a utilizar una lista de músicos locales de la Federación Estadounidense de Músicos ; Kenton quería que su propia banda hiciera el programa. En 1958, la organización de Kenton intentó nuevamente colocar a la banda en la programación televisiva regular. Después de seis episodios financiados por Kenton en KTTV en Los Ángeles, no hubo patrocinadores que se ofrecieran a respaldar el programa. ^{[ 2 ]}

Uno de los proyectos y grabaciones más destacados de la banda de mediados de la década de 1950 es el álbum Cuban Fire!, lanzado en 1956. Aunque Stan Kenton había grabado éxitos anteriores como The Peanut Vendor en 1947 con el percusionista latino Machito , así como muchos otros sencillos con sabor latino, la suite y el LP Cuban Fire! se erige como un conjunto de composiciones trascendentales para la carrera de Johnny Richards y un logro comercial/artístico sobresaliente para la orquesta de Kenton, y un hito singular en las grabaciones de jazz latino de gran conjunto . ^{[ 20 ] [ 2 ]} "CUBAN FIRE es completamente auténtico, la forma en que combina el jazz de big band con ritmos latinoamericanos genuinos." ^{[ 21 ]} El éxito del álbum Cuban Fire! se puede medir en parte por el ascenso inmediato de la estrella de Johnny Richards después de su lanzamiento; de repente, Bethlehem Records le ofreció un contrato para grabar lo que sería la primera de varias grabaciones con sus propios grupos. ^{[ 2 ]}

En 1956, Kenton se vio envuelto en una polémica por unos comentarios que hizo tras el regreso de la banda de una gira europea. La encuesta de críticos de Down Beat estaba dominada por músicos afroamericanos en prácticamente todas las categorías. La banda de Kenton tocaba en Ontario, Canadá , en aquel momento, y Kenton envió un telegrama lamentando la existencia de "una nueva minoría: los músicos de jazz blancos" y expresando su "asco [con los supuestos] genios literarios del jazz". El crítico de jazz Leonard Feather respondió en la edición del 3 de octubre de 1956 de Down Beat con una carta abierta en la que cuestionaba las opiniones raciales de Kenton. Feather insinuó que el hecho de que Kenton no ganara la encuesta de críticos era probablemente la verdadera razón de la queja y se preguntó si existía algún tipo de prejuicio racial. Menos del 2% de los más de 600 músicos que acompañaban a la banda de Kenton eran afroamericanos.

A finales de la década, Kenton estaba con la última encarnación de una orquesta de Kenton de 19 músicos, al estilo de los años 50. Muchas bandas han sido consideradas las "mejores" de un líder; esta última encarnación de Kenton de 1959, propia de las bandas de los años 50, bien podría ser la mejor. El grupo lograría una de las grabaciones más artísticas, sutiles e introspectivas de Kenton, Standards in Silhouette . Como recordó el trombonista Archie LeCoque sobre este álbum de baladas muy lentas: "...fue difícil, pero en ese momento todos éramos jóvenes y directos, lo superamos y (dos) álbumes salieron bien". ^{[ 2 ]} Para 1959, la grabación de sonido estereofónico ya se utilizaba plenamente en todos los sellos discográficos importantes. Uno de los grandes triunfos del álbum Standards in Silhouette es la madurez de la composición, la combinación de la sala utilizada, un grupo en vivo con muy pocas sobregrabaciones y la grabación en estéreo completo (y posteriormente remasterizada a formato digital). ^{[ 22 ]} Bill Mathieu se mostró muy escéptico ante la decisión de grabar su música como Cuban Fire! en un salón de baile cavernoso. Mathieu añade: «Stan y el productor Lee Gillette tenían toda la razón: la banda suena viva y despierta (lo cual no es fácil al grabar muchas horas de música de tempo lento en un estudio) y, lo más importante, los músicos podían oírse bien en la sala de grabación. El resultado final es que la banda suena fuerte y cohesionada, y el álbum está bien grabado». ^{[ 23 ]} Esta es la última serie de fechas de estudio antes de que Kenton reorganizara toda la orquesta en 1960.

La orquesta de Kenton había experimentado un lento declive en ventas y popularidad a finales de la década de 1950, al tener que competir con artistas de música popular más nuevos como Elvis Presley , Bobby Darin y The Platters . El punto más bajo de este declive se produjo alrededor de 1958 y coincidió con una recesión que afectaba a todo el país. ^{[ 2 ]} Había muchas menos big bands de gira y era difícil conseguir conciertos para la orquesta de Kenton. La banda terminó 1959 debilitada por la escasa asistencia a los conciertos y teniendo que depender mucho más de los salones de baile que de los conciertos de jazz propiamente dichos. ^{[ 23 ]} La banda se reformó en 1960 con una nueva imagen, un nuevo sonido, una formación más grande con una sección de mellophonium añadida y un resurgimiento de la popularidad de Kenton. ^{[ 2 ] [ 23 ]}

Kenton utilizó el nuevo instrumento para "salvar la brecha" en rango, color y tonalidad entre sus secciones de trompeta y trombón. Básicamente, crea un sonido cónico de rango medio, común en un contexto sinfónico con una trompa ( trompa francesa ), pero la campana del instrumento apunta hacia adelante. La grabación de Kenton de 1961, The Romantic Approach para Capitol, es el primero de 11 LP que presentarían la " banda de mellophonium ". Kenton arregló él mismo todo el primer álbum de mellophonium , que fue muy bien recibido en una reseña de septiembre de 1961 en Down Beat . ^{[ 24 ]}

La Orquesta de Kenton, entre 1960 y 1963, cosechó numerosos éxitos; la banda mantuvo un ritmo de grabación incesante. Los álbumes Kenton's West Side Story (arreglos de Johnny Richards ) y Adventures In Jazz ganaron premios Grammy en 1962 y 1963, respectivamente. Ralph Carmichael compuso un magnífico conjunto de arreglos navideños para Kenton, que se convirtieron en una de las grabaciones más populares del líder de la banda hasta la fecha: A Merry Christmas!. Además , la suite Adventures in Time de Johnny Richards (grabada en 1962) representó la culminación de todas las capacidades de la banda de mellophonium . ^{[ 2 ] [ 25 ]} Tras finalizar la gira por Estados Unidos y Reino Unido en noviembre de 1963, la etapa de Kenton con mellophonium llegó a su fin. Las condiciones del divorcio de Stan con la cantante de jazz Ann Richards fueron que un juez le ordenó a Stan que se tomara un año de descanso de las giras para ayudar a criar a sus dos hijos o perdería la custodia por completo. ^{[ 26 ]} Kenton no volvería a formar otra banda de gira hasta 1965.

Kenton tenía vínculos con canciones country/western que habían tenido éxito con Capitol y volvió a probar suerte en ese género a principios de la década de 1960. En un mercado musical cada vez más competitivo, en 1962 grabó el exitoso sencillo " Mama Sang a Song ", su último Top 40 ( n.°  32 en Billboard , n.°  22 en Music Vendor). La canción era una narración escrita por el cantante country Bill Anderson y recitada por Kenton. El sencillo también recibió una nominación al Grammy al año siguiente en la categoría de Mejor Grabación Documental o de Palabra Hablada. Su otro intento en ese mercado fue el mucho menos exitoso Stan Kenton! Tex Ritter!, lanzado en 1962 como un LP completo.

Tras la disolución de la banda de mellophonium , Kenton / Wagner (1964) fue un importante proyecto discográfico cuyos arreglos corrió a cargo del propio Kenton, quien volvió a inclinarse hacia el jazz progresivo o la música de tercera corriente . Este álbum no tuvo éxito comercial, pero mantuvo a Kenton a la vanguardia de la interpretación de la música culta en el ámbito comercial. Stan Kenton Conducts the Los Angeles Neophonic Orchestra (1965) fue un éxito artístico que le valió al director otra nominación al Grammy. Durante este tiempo, Kenton también coescribió la música de la efímera serie de televisión de la NBC , Mister Roberts (1965-1966).

Los lanzamientos de Capitol de Stan Kenton entre 1966 y 1969 fueron un punto bajo grave para su carrera discográfica. El productor de Capitol , Lee Gillette, intentaba explotar las posibilidades de generar dinero de numerosos éxitos populares, incluido el musical Hair de 1968, que presentaba música rock contemporánea . ^{[ 2 ]} Debido a la falta de promoción por parte de Capitol , cuatro LP fueron fracasos financieros; estos serían los últimos lanzamientos de Kenton bajo la égida de su productor de larga trayectoria, Lee Gillette, y Capitol . ^{[ 2 ]} De hecho, para cuando se grabó, Kenton no tuvo ninguna participación en el LP Hair , excepto por el nombre de Kenton colocado en la carátula; Ralph Carmichael y Lennie Niehaus fueron puestos a cargo del proyecto. Dos excepciones a este período de finales de la década de 1960 son el sencillo que entró en las listas de Billboard, la versión de la banda del tema de Dragnet (1967), y otro lanzamiento de Kenton presents que presenta la música del compositor y exmiembro de la banda Dee Barton : The Jazz Compositions of Dee Barton (1967). El álbum que incluía la música de Barton fue otro éxito artístico poco reconocido para la banda de Kenton, aunque pasó prácticamente desapercibido comercialmente para el público oyente de música. ^{[ 2 ]}

La transición de Capitol a Creative World Records en 1970 estuvo plagada de dificultades en un momento en que la industria musical cambiaba rápidamente. Como artista de jazz consolidado que intentaba mantener una base de seguidores leales pero cada vez menor, Kenton recurrió a arreglistas como Hank Levy y Bob Curnow para componer material que atrajera a un público más joven. ^{[ 2 ]} Los primeros lanzamientos del sello Creative World fueron conciertos en vivo y Kenton tenía el control que deseaba sobre el contenido, pero carecía de recursos sustanciales para la ingeniería de sonido, la mezcla y la promoción de lo que Capitol había financiado anteriormente. Kenton se arriesgó mucho al prescindir de la industria discográfica vigente y depender mucho más de las listas de correo directo de aficionados al jazz que el recién formado sello Creative World necesitaría para vender discos. ^{[ 27 ]} Kenton también puso sus partituras a disposición de bandas de música universitarias y de institutos con varias editoriales. Kenton continuó liderando y de gira con su big band hasta su última actuación el 20 de agosto de 1978, cuando disolvió el grupo debido a su delicado estado de salud. ^{[ 28 ]}

En junio de 1973, Bob Curnow comenzó como nuevo director de artistas y repertorio, supervisando toda la operación de Creative World Records. ^{[ 29 ]} Justo el año anterior (en 1972), la orquesta de Kenton grabó el doble LP «National Anthems of the World» con 40 arreglos, todos realizados por Curnow. ^{[ 30 ]} Según el propio Curnow:

"Fue una época extraordinaria y muy difícil para mí. Estaba gestionando la discográfica de Stan sin ninguna experiencia en negocios, componiendo música sin parar, viviendo en un lugar y una cultura nuevos ( Los Ángeles era otro mundo), viajando muchísimo (salía con la banda al menos una semana al mes) y tratando de mantener la calma en casa."

Cuando Kenton salió de gira a principios de la década de 1970 (una en Londres en 1972) y hasta su última gira, se llevó consigo a músicos veteranos experimentados (John Worster, Willie Maiden, Warren Gale, Graham Ellis y otros), a quienes combinó con artistas jóvenes relativamente desconocidos, y se utilizaron nuevos arreglos (incluidos los de Hank Levy , Bill Holman , Bob Curnow , Willie Maiden y Ken Hanna). Muchos ex alumnos asociados con Kenton de esta época se convirtieron en educadores (Mike Vax, John Von Ohlen, Chuck Carter, Lisa Hittle y Richard Torres), y algunos llevaron sus carreras musicales al siguiente nivel, como Peter Erskine , Douglas Purviance y Tim Hagans .

Kenton fue una figura clave en la escena musical estadounidense y dejó una huella imborrable en el jazz de big band con arreglos. Su música evolucionó con el tiempo desde 1940 hasta la década de 1970. Fue pionero en la promoción del jazz y la improvisación jazzística a través de su labor como educador en sus Stan Kenton Band Clinics . El "estilo Kenton" sigue presente en las big bands de secundaria y universitarias, y el método que diseñó para las " clínicas de jazz " aún se utiliza ampliamente en la actualidad.

En los últimos años de la era de las grandes orquestas, Kenton encontró muchas maneras de hacer evolucionar su arte. Bajo su dirección, el tamaño de la orquesta de jazz se expandió enormemente, llegando a superar los cuarenta músicos. El rango de frecuencias (notas agudas y graves) también se incrementó con el uso de trombones bajos, tuba, saxofones barítono y bajo. El rango dinámico se amplió en ambos extremos; la orquesta podía tocar con mayor suavidad y mayor volumen que cualquier otra gran orquesta. Kenton fue el principal director de orquesta responsable de trasladar la gran orquesta de los salones de baile a las salas de conciertos; uno de los intérpretes más importantes y exitosos del movimiento Third Stream .

El interés por su música ha experimentado un cierto resurgimiento, con un «redescubrimiento» crítico de su obra y numerosas reediciones de sus grabaciones. Una banda de exalumnos que lleva su nombre, liderada por el trompetista Mike Vax, realiza giras e interpreta no solo arreglos clásicos de Kenton, sino también música nueva compuesta e interpretada por los propios miembros de la banda (al igual que los grupos del propio Kenton). Kenton donó toda su biblioteca a la biblioteca de música de la Universidad Estatal del Norte de Texas ^{[ 32 ]} (ahora Universidad del Norte de Texas ), y la Sala de Recitales de Jazz Stan Kenton fue nombrada en su honor, aunque recientemente se cambió el nombre debido a la preocupación por su historial de conducta sexual inapropiada. Sus arreglos son publicados actualmente por Sierra Music Publications. ^{[ 33 ]}

En comparación con las cuatro orquestas de jazz de gira más renombradas (Stan Kenton, Woody Herman , Count Basie y Duke Ellington ), la banda de Kenton tuvo una rotación constante de músicos: Bob Gioga, Buddy Childers y Dick Shearer se encuentran entre los pocos que tocaron con Kenton durante más de una década. Otros solistas como Lennie Niehaus , Bill Perkins y Chico Alvarez también tuvieron largas estancias en la banda. Diversos músicos de jazz y de estudio tocaron con el grupo a lo largo de su historia. La banda se mantuvo activa desde 1941 hasta la década de 1970, poco antes de la muerte de Stan Kenton en 1979. El liderazgo y la visión musical de Kenton reunieron a las numerosas fuerzas de un conjunto diverso, cambiante y cambiante de músicos y arreglistas durante casi cuatro décadas.

(Canciones que alcanzaron el primer puesto en las listas de éxitos de Estados Unidos o Reino Unido)

Entre 1944 y 1967, Stan Kenton tuvo numerosos éxitos en las listas de Billboard. ^{[ 50 ]}

(Álbumes que figuran en las listas de éxitos de la revista Billboard)

Fuente: ^{[ 51 ]}

Salón de la Fama de los Grammy

• 1978 – Doctorado Honoris Causa en Música: Universidad de Redlands
• 1974 – Doctorado Honoris Causa en Humanidades: Drury College
• 1968 – Doctorado Honoris Causa en Música: Universidad de Villanova
• 1967 – Premio del Salón de la Fama del Festival Interuniversitario de Música
• Incluido en el Salón de la Fama de la Asociación Internacional para la Educación del Jazz (1980).
• Homenajeado en el Paseo de la Fama de Hollywood (Dirección: 6340 Hollywood Blvd.)
• " City of Glass " aparece en la lista de The Wire de "100 discos que incendiaron el mundo" (mientras nadie escuchaba).

• 2011 – Stan Kenton: Arte en el ritmo: Retrato de una leyenda del jazz (DVD)

Premios EMPixx: Premio Platino en la categoría de Documental/Premio Platino en la categoría de Uso de Música.

Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos

• Artistry in Rhythm (sencillo) – Stan Kenton – Publicado: 1943 – Incluido en el Salón de la Fama: 2011 - Categoría: Jazz