Música de Italia

Italia posee un fuerte sentido de identidad nacional a través de una cultura distintiva: una apreciación por la belleza y la emotividad, que se manifiesta claramente en su música. Los temas culturales, políticos y sociales también se expresan a menudo a través de la música en Italia. La lealtad a la música está intrínsecamente ligada a la identidad social de los italianos, pero ningún estilo en particular se ha considerado un "estilo nacional" característico. La mayor parte de la música folclórica es localizada y propia de una pequeña región o ciudad. ^{[ 10 ] [ 11 ]} Sin embargo, el legado clásico de Italia es un aspecto importante de la identidad del país, especialmente la ópera; las piezas operísticas tradicionales siguen siendo una parte popular de la música y un componente integral de la identidad nacional. La producción musical de Italia se caracteriza por una "gran diversidad e independencia creativa, con una rica variedad de formas de expresión". ^{[ 11 ]}

Con la creciente industrialización que se aceleró durante los siglos XX y XXI, la sociedad italiana pasó gradualmente de una base agrícola a un centro urbano e industrial. Este cambio debilitó la cultura tradicional en muchos sectores de la sociedad; un proceso similar ocurrió en otros países europeos, pero a diferencia de ellos, Italia no tuvo una iniciativa importante para preservar las músicas tradicionales. La inmigración procedente del norte de África, Asia y otros países europeos propició una mayor diversificación de la música italiana. La música tradicional pasó a existir solo en pequeños focos, especialmente como parte de campañas específicas para conservar las identidades musicales locales. ^{[ 12 ]}

La música y la política han estado entrelazadas durante siglos en Italia. Así como muchas obras de arte del Renacimiento italiano fueron encargadas por la realeza y la Iglesia Católica , gran parte de la música también se compuso a partir de dichos encargos: música incidental de la corte, música para coronaciones, para el nacimiento de un heredero real, marchas reales y otras ocasiones. Los compositores que se desviaban de este camino corrían ciertos riesgos. Entre los casos más conocidos se encuentra el del compositor napolitano Domenico Cimarosa , quien compuso el himno republicano para la efímera República de Nápoles de 1799. Cuando la república cayó, fue juzgado por traición junto con otros revolucionarios. Cimarosa no fue ejecutado por la monarquía restaurada, pero fue exiliado. ^{[ 15 ]}

La música también desempeñó un papel importante en la unificación de la península. Durante este periodo, algunos líderes intentaron utilizarla para forjar una identidad cultural unificadora. Un ejemplo es el coro " Va, pensiero " de la ópera Nabucco de Giuseppe Verdi . La ópera trata sobre el antiguo reino de Babilonia , pero el coro contiene la frase " O mia Patria ", que alude aparentemente a la lucha de la confederación israelita , pero que también es una referencia velada al destino de una Italia aún no unificada; todo el coro se convirtió en el himno no oficial del Risorgimento , el movimiento para unificar Italia en el siglo XIX. Incluso el nombre de Verdi era sinónimo de unidad italiana, ya que " Verdi " podía interpretarse como un acrónimo de Vittorio Emanuele Re d'Italia , Víctor Manuel Rey de Italia , el monarca de Saboya que finalmente se convirtió en Víctor Manuel II , el primer rey de la Italia unificada. Así, «¡ Viva Verdi !» se convirtió en un grito de guerra para los patriotas y aparecía con frecuencia en grafitis en Milán y otras ciudades de lo que entonces formaba parte del territorio austrohúngaro . Verdi tuvo problemas con la censura antes de la unificación de Italia. Su ópera Un ballo in maschera se titulaba originalmente Gustavo III y se estrenó en la ópera San Carlo de Nápoles , capital del Reino de las Dos Sicilias , a finales de la década de 1850. Los censores napolitanos se opusieron a la trama realista sobre el asesinato de Gustavo III , rey de Suecia , en la década de 1790. Incluso después de que se modificara la trama, los censores napolitanos la siguieron rechazando. ^{[ 16 ]}

Más tarde, en la era fascista de las décadas de 1920 y 1930, se produjo censura e injerencia gubernamental en la música, aunque no de forma sistemática. Ejemplos destacados incluyen el notorio manifiesto antimodernista de 1932 ^{[ 17 ]} y la prohibición por parte de Mussolini de la ópera La favola del figlio cambiato de GF Malipiero tras una única representación en 1934. ^{[ 18 ]} Los medios musicales a menudo criticaban la música que se percibía como políticamente radical o insuficientemente italiana. ^{[ 11 ]} Los medios impresos generales, como la Enciclopedia Moderna Italiana , tendían a tratar a compositores tradicionalmente favorecidos como Giacomo Puccini y Pietro Mascagni con la misma brevedad que a compositores y músicos menos favorecidos —modernistas como Alfredo Casella y Ferruccio Busoni— ; es decir, las entradas de la enciclopedia de la época eran meras listas de hitos profesionales como composiciones y puestos docentes desempeñados. Incluso el director de orquesta Arturo Toscanini , un declarado opositor del fascismo, ^{[ 19 ]} recibe el mismo trato neutral y distante, sin ninguna mención a su postura "antirrégimen". ^{[ 20 ]} Quizás el episodio más conocido de la colisión entre la música y la política involucra a Toscanini. Fue destituido de la dirección musical de La Scala de Milán en 1929 porque se negó a comenzar cada función con la canción fascista " Giovinezza ". Por este insulto al régimen, fue atacado y golpeado en la calle frente a la ópera de Bolonia después de una función en 1931. ^{[ 21 ]} Durante la era fascista, la presión política obstaculizó el desarrollo de la música clásica, aunque la censura no fue tan sistemática como en la Alemania nazi. En 1938 se aprobó una serie de "leyes raciales", negando así a los compositores y músicos judíos la membresía en asociaciones profesionales y artísticas. ^{[ a ]} ​​Aunque no hubo una huida masiva de judíos italianos de Italia durante este período (en comparación con la situación en Alemania), ^{[ b ]} el compositor Mario Castelnuovo-Tedesco , un judío italiano, fue uno de los que emigraron. Algunos opositores no judíos del régimen también emigraron, como Toscanini. ^{[ 22 ] [ 23 ]}

Más recientemente, en la última parte del siglo XX, especialmente en la década de 1970 y posteriores, la música se entrelazó aún más con la política italiana. ^{[ 23 ]} Un resurgimiento de las raíces estimuló el interés por las tradiciones folclóricas, liderado por escritores, coleccionistas e intérpretes tradicionales. ^{[ 11 ]} La derecha política en Italia vio este resurgimiento de las raíces con desdén, como un producto de las "clases desfavorecidas". ^{[ 24 ]} La escena revivalista se asoció así con la oposición y se convirtió en un vehículo de "protesta contra el capitalismo de libre mercado". ^{[ 11 ]} De manera similar, la escena de la música clásica de vanguardia, desde la década de 1970, se ha asociado y promovido con el Partido Comunista Italiano , un cambio que se remonta a las revueltas y protestas estudiantiles de 1968. ^{[ 12 ]}

La ópera se originó en Italia a finales del siglo XVI, durante la época de la Camerata Florentina . A lo largo de los siglos siguientes, las tradiciones operísticas se desarrollaron en Nápoles y Venecia; florecieron las óperas de Claudio Monteverdi , Alessandro Scarlatti , Giambattista Pergolesi y, posteriormente, de Gioacchino Rossini , Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti . La ópera ha permanecido como la forma musical más estrechamente vinculada a la música y la identidad italianas. Esto se hizo especialmente evidente en el siglo XIX a través de las obras de Giuseppe Verdi , icono de la cultura italiana y de la unidad panitaliana. Italia conservó una tradición musical operística romántica a principios del siglo XX, ejemplificada por compositores de la llamada Giovane Scuola , cuya música se basaba en el siglo anterior, como Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni y Francesco Cilea . Giacomo Puccini , compositor realista , ha sido descrito por la Encyclopædia Britannica Online como el hombre que "prácticamente puso fin a la historia de la ópera italiana". ^{[ 29 ]}

Sin embargo, tras la Primera Guerra Mundial, la ópera experimentó un declive en comparación con el apogeo de popularidad de los siglos XIX y principios del XX. Entre las causas se encuentran el cambio cultural general, que se alejó del Romanticismo , y el auge del cine, que se convirtió en una importante fuente de entretenimiento. Una tercera causa es que el «internacionalismo» había llevado a la ópera italiana contemporánea a un estado en el que ya no era «italiana». ^{[ 12 ]} Esta era la opinión de al menos un destacado musicólogo y crítico italiano, Fausto Terrefranca , quien, en un panfleto de 1912 titulado Giaccomo Puccini y la ópera internacional , acusó a Puccini de «comercialismo» y de haber abandonado las tradiciones italianas. La ópera romántica tradicional siguió siendo popular; de hecho, la editorial de ópera dominante a principios del siglo XX fue Casa Ricordi , que se centró casi exclusivamente en óperas populares hasta la década de 1930, cuando la compañía permitió la participación de compositores menos convencionales y con menor atractivo comercial. El surgimiento de editoriales relativamente nuevas como Carisch y Suvini Zerboni también contribuyó a la diversificación de la ópera italiana. ^{[ 12 ]} La ópera sigue siendo una parte importante de la cultura italiana; el renovado interés por la ópera en todos los sectores de la sociedad italiana comenzó en la década de 1980. Entre los compositores respetados de esta época se encuentran el conocido Aldo Clementi y otros más jóvenes como Marco Tutino y Lorenzo Ferrero . ^{[ 12 ]}

Italia, al ser una de las naciones seminales del catolicismo, tiene una larga historia de música para la Iglesia Católica . Hasta aproximadamente 1800, era posible escuchar canto gregoriano y polifonía renacentista , como la música de Palestrina , Lassus , Anerio y otros. Aproximadamente entre 1800 y 1900 fue un siglo en el que se escuchó un tipo de música sacra más popular, operística y entretenida, excluyendo el canto y la polifonía mencionados anteriormente. A finales del siglo XIX, el Movimiento Ceciliano fue iniciado por músicos que lucharon por restaurar esta música. Este movimiento cobró impulso no en Italia sino en Alemania, particularmente en Ratisbona . El movimiento alcanzó su apogeo alrededor de 1900 con el ascenso de Don Lorenzo Perosi y su partidario (y futuro santo), el Papa Pío X. [ ^{30 ] Sin} embargo, la llegada del Concilio Vaticano II casi eliminó toda la música en latín de la Iglesia, sustituyéndola una vez más por un estilo más popular. ^{[ 31 ]}

Las contribuciones italianas al ballet son menos conocidas y apreciadas que en otras áreas de la música clásica. Italia, particularmente Milán , fue un centro del ballet cortesano ya en el siglo XV, influenciado por los entretenimientos comunes en las celebraciones reales y las bodas aristocráticas. Entre los primeros coreógrafos y compositores de ballet se encuentran Fabritio Caroso y Cesare Negri . El estilo de ballet conocido como "spectacles all'italiana ", importado a Francia desde Italia, se popularizó, y el primer ballet representado en Francia (1581), Ballet Comique de la Reine , fue coreografiado por un italiano, Baltazarini di Belgioioso, ^{[ 34 ]} más conocido por la versión francesa de su nombre, Balthasar de Beaujoyeulx . El ballet primitivo estaba acompañado de una considerable instrumentación, con la interpretación de trompas, trombones, timbales, dulcémeles, gaitas, etc. Aunque la música no ha sobrevivido, se especula que los propios bailarines pudieron haber tocado instrumentos en el escenario. ^{[ 35 ]} Luego, tras la Revolución Francesa , Italia volvió a ser un centro del ballet, en gran parte gracias a los esfuerzos de Salvatore Viganò , un coreógrafo que trabajó con algunos de los compositores más destacados de la época. Se convirtió en maestro de ballet de La Scala en 1812. ^{[ 34 ]} El ejemplo más conocido del ballet italiano del siglo XIX es probablemente Excelsior , con música de Romualdo Marenco y coreografía de Luigi Manzotti . Fue compuesto en 1881 y es un suntuoso homenaje al progreso científico e industrial del siglo XIX. Todavía se representa y se puso en escena por última vez en 2002.

Actualmente, los principales teatros de ópera italianos cuentan con compañías de ballet. Estas compañías se dedican a la danza incidental y ceremonial en numerosas óperas, como Aida o La Traviata . Suelen tener una temporada de ballet independiente y representan el repertorio clásico, del cual muy poco es italiano. El equivalente italiano del Ballet Bolshói ruso y otras compañías similares dedicadas exclusivamente al ballet, independientemente de un teatro de ópera, es el Ballet del Teatro de La Scala . En 1979, Vittorio Biagi fundó en Reggio Emilia la compañía de danza moderna Aterballetto .

La música experimental es un campo amplio y poco definido que abarca músicas creadas mediante el abandono de los conceptos clásicos tradicionales de melodía y armonía, y mediante el uso de la nueva tecnología electrónica para crear sonidos hasta entonces imposibles. En Italia, uno de los primeros en dedicar su atención a la música experimental fue Ferruccio Busoni , cuya publicación de 1907, Bosquejo para una nueva estética de la música , analizaba el uso de sonidos eléctricos y otros sonidos nuevos en la música del futuro. Hablaba de su insatisfacción con las limitaciones de la música tradicional:

«Hemos dividido la octava en doce grados equidistantes… y hemos construido nuestros instrumentos de tal manera que nunca podremos entrar por encima, por debajo o entre ellos… nuestros oídos ya no son capaces de oír nada más… sin embargo, la Naturaleza creó una gradación infinita, ¡infinita! ¿Quién lo sabe todavía hoy?» ^{[ 36 ]}

De manera similar, Luigi Russolo , pintor y compositor futurista italiano , escribió sobre las posibilidades de la nueva música en sus manifiestos de 1913, El arte de los ruidos y Música futurista . También inventó y construyó instrumentos como los intonarumori , principalmente de percusión, que se utilizaron en un precursor del estilo conocido como música concreta . Uno de los eventos más influyentes en la música de principios del siglo XX fue el regreso de Alfredo Casella de Francia en 1915; Casella fundó la Società Italiana di Musica Moderna, que promovió a varios compositores de estilos dispares, desde experimentales hasta tradicionales. Tras una disputa sobre el valor de la música experimental en 1923, Casella formó la Corporazione delle Nuove Musiche para promover la música experimental moderna. ^{[ 12 ]}

En la década de 1950, Luciano Berio experimentó con instrumentos acompañados de sonidos electrónicos grabados en cinta. En la Italia actual, una importante organización que impulsa la investigación en música de vanguardia y electrónica es CEMAT, la Federación Italiana de Centros de Música Electroacústica. Fundada en 1996 en Roma, es miembro de la CIME, la Confederación Internacional de Música Electroacústica . CEMAT promueve las actividades del proyecto "Sonora", impulsado conjuntamente por el Departamento de Artes Escénicas del Ministerio de Asuntos Culturales y la Dirección de Relaciones Culturales del Ministerio de Asuntos Exteriores, con el objetivo de promover y difundir la música contemporánea italiana en el extranjero.

La música clásica italiana se volvió gradualmente más experimental y progresista hasta mediados del siglo XX, mientras que los gustos populares han tendido a apegarse a compositores y composiciones bien establecidos del pasado. ^{[ 12 ]} El programa 2004-2005 en el Teatro San Carlo de Nápoles es típico de la Italia moderna: de las ocho óperas representadas, la más reciente fue Puccini. En música sinfónica, de los 26 compositores cuya música se interpretó, 21 eran del siglo XIX o anteriores, compositores que utilizan las melodías y armonías típicas de la era romántica. Este enfoque es común a otras tradiciones europeas y se conoce como posmodernismo , una escuela de pensamiento que se basa en conceptos armónicos y melódicos anteriores que preceden a las concepciones de atonalidad y disonancia . ^{[ 37 ]} Este enfoque en compositores históricos populares ha ayudado a mantener una presencia continua de la música clásica en un amplio espectro de la sociedad italiana. Cuando la música forma parte de un evento o reunión pública, a menudo se elige de un repertorio muy ecléctico que puede incluir tanto música clásica conocida como música popular.

Algunas obras recientes se han incorporado al repertorio moderno, incluyendo partituras y obras teatrales de compositores como Luciano Berio , Luigi Nono , Franco Donatoni y Sylvano Bussotti . Estos compositores no pertenecen a una escuela o tradición definida, aunque comparten ciertas técnicas e influencias. En la década de 1970, la música clásica de vanguardia se vinculó al Partido Comunista Italiano , mientras que el resurgimiento del interés popular continuó durante la década siguiente, con la creación de fundaciones, festivales y organizaciones para promover la música moderna. Hacia finales del siglo XX, el patrocinio gubernamental de las instituciones musicales comenzó a disminuir, y varios coros de la RAI y orquestas municipales fueron clausurados. A pesar de ello, varios compositores alcanzaron renombre internacional a principios del siglo XXI. ^{[ 12 ]}

La música folclórica se divide a veces en varias esferas de influencia geográfica, un sistema de clasificación de tres regiones —sur, centro y norte— propuesto por Alan Lomax en 1956 ^{[ 42 ]} y frecuentemente repetido. Además, Curt Sachs propuso la existencia de dos tipos de música folclórica bastante distintos en Europa: continental y mediterránea. ^{[ 43 ]} Otros han situado la zona de transición entre la primera y la segunda aproximadamente en el centro-norte de Italia, entre Pesaro y La Spezia . ^{[ 44 ]} Las partes central, norte y sur de la península comparten ciertas características musicales y se distinguen de la música de Cerdeña . ^{[ 40 ]}

En los valles piamonteses y algunas comunidades ligures del noroeste de Italia, la música conserva la fuerte influencia de la antigua Occitania . Las letras de los trovadores occitanos son algunas de las muestras más antiguas conservadas de canto vernáculo, y grupos modernos como Gai Saber y Lou Dalfin preservan y modernizan la música occitana. La cultura occitana conserva características de la antigua influencia celta, a través del uso de flautas de seis o siete agujeros ( fifre ) o la gaita ( piva ). Gran parte del norte de Italia comparte con zonas más al norte de Europa el interés por el canto de baladas (llamado canto épico lírico en italiano) y el canto coral. Incluso las baladas —generalmente consideradas un vehículo para una voz solista— pueden cantarse en coros. En la provincia de Trento, los "coros folclóricos" son la forma más común de hacer música. ^{[ 45 ]}

Las diferencias musicales notables en el tipo del sur incluyen un mayor uso del canto a varias voces y una mayor variedad de instrumentos folclóricos. Las influencias celtas y eslavas en las obras corales de grupo y a voz abierta del norte dan paso a una monodia estridente más fuerte influenciada por el árabe, el griego y el norte de África en el sur. ^{[ 46 ]} En partes de Apulia ( Grecia Salentina , por ejemplo) el dialecto Griko se usa comúnmente en la canción. La ciudad apuliana de Taranto es la cuna de la tarantela , una danza rítmica muy interpretada en el sur de Italia. La música apuliana en general, y la música salentina en particular, ha sido bien investigada y documentada por etnomusicólogos y por Aramirè .

La música de la isla de Cerdeña es conocida principalmente por el canto polifónico de los tenores . El sonido de los tenores evoca las raíces del canto gregoriano y es similar, aunque distinto, al del trallalero ligur . Entre los instrumentos típicos se encuentra la launeddas , una triple flauta sarda que se toca de forma sofisticada y compleja. Efisio Melis fue un reconocido maestro de la launeddas en la década de 1930. ^{[ 47 ]}

Las canciones folclóricas italianas incluyen baladas , canciones líricas , nanas y canciones infantiles, canciones estacionales basadas en festividades como la Navidad, canciones del ciclo vital que celebran bodas, bautizos y otros eventos importantes, canciones de baile, cantos de ganado y canciones ocupacionales, vinculadas a profesiones como pescadores, pastores y soldados. Las baladas ( canti epico-lirici ) y las canciones líricas ( canti lirico-monostrofici ) son dos categorías importantes. Las baladas son más comunes en el norte de Italia, mientras que las canciones líricas predominan más al sur. Las baladas están estrechamente ligadas a la forma inglesa, existiendo algunas baladas británicas que corresponden exactamente a una canción italiana. Otras baladas italianas se basan más en modelos franceses. Las canciones líricas son una categoría diversa que comprende nanas, serenatas y canciones de trabajo, y con frecuencia son improvisadas, aunque se basan en un repertorio tradicional. ^{[ 40 ]}

Otras tradiciones de canciones folclóricas italianas son menos comunes que las baladas y las canciones líricas. Las laudes religiosas estróficas , a veces en latín, todavía se interpretan ocasionalmente, y también se conocen canciones épicas , especialmente las de la celebración del Maggio . Cantantes femeninas profesionales interpretan lamentos similares en estilo a los de otras partes de Europa. El canto tirolés existe en el norte de Italia, aunque se asocia más comúnmente con la música folclórica de otras naciones alpinas. El Carnaval italiano se asocia con varios tipos de canciones, especialmente el Carnaval de Bagolino , Brescia . Los coros y las bandas de metales forman parte de la festividad de mediados de Cuaresma, mientras que la tradición de la canción de mendicidad se extiende a muchas festividades a lo largo del año. ^{[ 40 ]}

La instrumentación es parte integral de todas las facetas de la música folclórica italiana. Existen varios instrumentos que conservan formas antiguas, incluso cuando los modelos más nuevos se han popularizado en otras partes de Europa. Muchos instrumentos italianos están ligados a ciertos rituales u ocasiones, como la gaita zampogna , que generalmente solo se escucha en Navidad. ^{[ 48 ]} Los instrumentos folclóricos italianos se pueden dividir en categorías de cuerda , viento y percusión. ^{[ 49 ]} Entre los instrumentos comunes se encuentra el organetto , un acordeón estrechamente asociado con el saltarello ; el organetto diatónico de botones es más común en el centro de Italia, mientras que los acordeones cromáticos predominan en el norte. Muchos municipios albergan bandas de metales , que actúan con grupos de revival de raíces; estos conjuntos se basan en el clarinete , el acordeón, el violín y pequeños tambores, adornados con campanas. ^{[ 40 ]}

Los instrumentos de viento de Italia incluyen principalmente una variedad de flautas folclóricas. Estas incluyen flautas de conducto, globulares y transversales, así como varias variaciones de la flauta de pan . Las flautas dobles son más comunes en Campania, Calabria y Sicilia. ^{[ 50 ]} Una jarra de cerámica llamada quartara también se usa como instrumento de viento, soplando a través de una abertura en el cuello estrecho de la botella; se encuentra en el este de Sicilia y Campania. Las gaitas de lengüeta simple ( ciaramella ) y doble ( piffero ) se tocan comúnmente en grupos de dos o tres. ^{[ 40 ]} Varias gaitas folclóricas son bien conocidas, incluyendo la zampogna del centro de Italia ; los nombres dialectales para la gaita varían en toda Italia: eghet en Bérgamo , piva en Lombardía , müsa en Alessandria , Génova , Pavía y Piacenza , etc.

Numerosos instrumentos de percusión forman parte de la música folclórica italiana, incluyendo bloques de madera, campanas , castañuelas y tambores. Varias regiones tienen su propia forma distintiva de sonajero , como el sonajero de engranajes raganella y la conocchie calabresa , un bastón de hilar o de pastor con sonajeros de semillas permanentemente unidos con significado ritual de fertilidad. El sonajero napolitano es la triccaballacca , hecha de varios mazos en un marco de madera. Las panderetas ( tamburini , tamburello ), así como varios tipos de tambores, como el tambor de fricción putipù . El ​​tamburello , aunque parece muy similar a la pandereta occidental contemporánea, en realidad se toca con una técnica mucho más articulada y sofisticada (influenciada por la música de Oriente Medio), lo que le confiere una amplia gama de sonidos. El arpa de boca , scacciapensieri o care-chaser , es un instrumento distintivo, que se encuentra solo en el norte de Italia y Sicilia. ^{[ 40 ]}

Los instrumentos de cuerda varían mucho según la localidad, sin un representante prominente a nivel nacional. Viggiano es cuna de una tradición de arpa , que tiene una base histórica en Abruzos , Lacio y Calabria . Calabria, por sí sola, tiene 30 instrumentos musicales tradicionales, algunos de los cuales tienen características marcadamente arcaicas y están prácticamente extintos en otras partes de Italia. Es cuna de la guitarra de cuatro o cinco cuerdas llamada chitarra battente , y un violín de arco de tres cuerdas llamado lira , ^{[ 51 ]} que también se encuentra en formas similares en la música de Creta y el sureste de Europa . Un violín de arco de una sola cuerda llamado torototela , es común en el noreste del país. La zona de habla mayoritariamente alemana del Tirol del Sur es conocida por la cítara , y la ghironda ( zanfona ) se encuentra en Emilia , Piamonte y Lombardía . ^{[ 40 ]} Las tradiciones existentes, arraigadas y extendidas confirman la producción de instrumentos efímeros y de juguete hechos de corteza, caña (arundo donax), hojas, fibras y tallos, como se desprende, por ejemplo, de la investigación de Fabio Lombardi .

La danza es una parte integral de las tradiciones folclóricas en Italia. Algunas danzas son ancestrales y, en cierta medida, perduran hasta nuestros días. Existen danzas mágico-rituales de propiciación, así como danzas de la cosecha, incluyendo las danzas de la "cosecha del mar" de las comunidades pesqueras de Calabria y las danzas de la vendimia en la Toscana. Entre las danzas más famosas se encuentra la tarantela del sur ; quizás la más emblemática de las danzas italianas, la tarantela se compone de un compás _{de 6/8} ^y forma parte de un ritual folclórico destinado a curar el veneno causado por las picaduras de tarántula . Las danzas populares toscanas representan ritualmente la caza de la liebre, o exhiben espadas en danzas con armas que simulan o evocan movimientos de combate, o utilizan las armas como instrumentos estilizados de la propia danza. Por ejemplo, en algunos pueblos del norte de Italia, las espadas se sustituyen por aros de madera bordados con verde, similares a las llamadas "danzas de guirnaldas" del norte de Europa. ^{[ 52 ]} También hay danzas de amor y cortejo, como la danza duru-duru en Cerdeña. ^{[ 53 ]}

Muchas de estas danzas son actividades grupales, donde el grupo se coloca en filas o círculos; algunas —las danzas de amor y cortejo— involucran parejas, ya sea una sola o más. La tammuriata (interpretada al son de la pandereta) es una danza de pareja típica del sur de Italia, acompañada por una canción lírica llamada strambotto . Otras danzas de pareja se conocen colectivamente como saltarello . ^{[ 40 ]} Sin embargo, también existen danzas solistas; las más típicas son las "danzas de la bandera" de diversas regiones de Italia, en las que el bailarín pasa una bandera o banderín de la ciudad alrededor del cuello, entre las piernas, por detrás de la espalda, a menudo lanzándola al aire y atrapándola. Estas danzas también pueden realizarse en grupos de bailarines solistas que actúan al unísono o coordinando el paso de la bandera entre ellos. El norte de Italia también alberga la monferrina , una danza acompañada que fue incorporada a la música clásica occidental por el compositor Muzio Clementi . ^{[ 40 ]}

El interés académico por el estudio de la danza desde las perspectivas de la sociología y la antropología ha sido tradicionalmente descuidado en Italia, pero actualmente está mostrando una nueva vitalidad a nivel universitario y de posgrado. ^{[ 54 ]}

Los tenores Enrico Caruso (izquierda) y Luciano Pavarotti (derecha)

La ópera italiana alcanzó una enorme popularidad en el siglo XIX y se dio a conocer incluso en las zonas más rurales del país. La mayoría de los pueblos contaban con representaciones operísticas ocasionales, y las técnicas empleadas en la ópera influyeron en la música folclórica rural. La ópera se difundió a través de conjuntos itinerantes y bandas de metales , centradas en un pueblo específico. Estas bandas cívicas ( banda comunal ) utilizaban instrumentos para interpretar arias de ópera, con trombones o fliscornos para las partes vocales masculinas y cornetas para las femeninas. ^{[ 40 ]}

La música regional del siglo XIX también se popularizó en toda Italia. Entre estas tradiciones locales destacaba la Canzone Napoletana . Aunque existen canciones anónimas documentadas de Nápoles de hace muchos siglos, ^{[ 56 ]} el término " canzone napolitana" ahora generalmente se refiere a un amplio conjunto de música popular compuesta relativamente reciente, como " 'O Sole Mio ", "Torna a Surriento" y " Funiculì Funiculà ". En el siglo XVIII, muchos compositores, entre ellos Alessandro Scarlatti , Leonardo Vinci y Giovanni Paisiello , contribuyeron a la tradición napolitana utilizando la lengua local para los textos de algunas de sus óperas cómicas . Posteriormente, otros, sobre todo Gaetano Donizetti , compusieron canciones napolitanas que alcanzaron gran renombre en Italia y en el extranjero. ^{[ 40 ]} La tradición de la canción napolitana se formalizó en la década de 1830 a través de un concurso anual de composición de canciones para el festival anual de Piedigrotta , ^{[ 57 ]} dedicado a la Virgen de Piedigrotta , una iglesia muy conocida en el área de Mergellina de Nápoles. La música se identifica con Nápoles, pero es famosa en el extranjero, habiendo sido exportada en las grandes oleadas de emigración de Nápoles y el sur de Italia aproximadamente entre 1880 y 1920. El idioma es un elemento extremadamente importante de la canción napolitana, que siempre se escribe e interpreta en napolitano , ^{[ 58 ]} la lengua minoritaria regional de Campania . Las canciones napolitanas suelen usar armonías simples y están estructuradas en dos secciones, un estribillo y versos narrativos, a menudo en tonalidades mayores y menores contrastantes relativas o paralelas. ^{[ 40 ]} En términos no musicales, esto significa que muchas canciones napolitanas pueden sonar alegres en un minuto y melancólicas al siguiente.

La música de Francesco Tosti fue popular a principios del siglo XX y se la recuerda por sus canciones ligeras y expresivas. Su estilo se popularizó durante la Belle Époque y se la conoce a menudo como música de salón. Sus obras más famosas son Serenata , Addio y la popular canción napolitana Marechiaro , cuya letra es del destacado poeta napolitano Salvatore di Giacomo .

La música popular grabada comenzó a finales del siglo XIX, y los estilos internacionales influyeron en la música italiana a finales de la década de 1910; sin embargo, el auge de la autarquía , la política fascista de aislamiento cultural de 1922, provocó un alejamiento de la música popular internacional. Durante este período, los músicos populares italianos viajaron al extranjero y aprendieron elementos del jazz , la música latinoamericana y otros estilos. Estas músicas influyeron en la tradición italiana, que se extendió por todo el mundo y se diversificó aún más tras la liberalización posterior a la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 40 ]}

Bajo las políticas aislacionistas del régimen fascista, que llegó al poder en 1922, Italia desarrolló una cultura musical insular. Se reprimieron las músicas extranjeras, mientras que el gobierno de Mussolini fomentó el nacionalismo y la pureza lingüística y étnica. Sin embargo, los artistas populares viajaron al extranjero y trajeron consigo nuevos estilos y técnicas. ^{[ 40 ]} El jazz estadounidense influyó notablemente en cantantes como Alberto Rabagliati , conocido por su estilo swing . En muchas canciones populares se utilizaron elementos de armonía y melodía tanto del jazz como del blues , mientras que los ritmos a menudo provenían de bailes latinos como el tango , la rumba y la beguina . Los compositores italianos incorporaron elementos de estos estilos, y la música italiana, especialmente la canción napolitana, se integró a la música popular en toda Latinoamérica. ^{[ 40 ]}

Las bandas sonoras, aunque secundarias a la película, suelen ser aclamadas por la crítica y muy populares por derecho propio. Entre la música temprana para películas italianas de la década de 1930 se encuentra la obra de Riccardo Zandonai con las bandas sonoras de las películas La Principessa Tarakanova (1937) y Caravaggio (1941). Ejemplos de la posguerra incluyen a Goffredo Petrassi con Non c'e pace tra gli ulivi (1950) y Roman Vlad con Giulietta e Romeo (1954). Otro compositor de cine muy conocido fue Nino Rota , cuya carrera de posguerra incluyó las bandas sonoras de películas de Federico Fellini y, posteriormente, la saga de El Padrino. Otros compositores de bandas sonoras destacados son Ennio Morricone , Riz Ortolani y Piero Umiliani . ^{[ 59 ]}

Desde la década de 1950 hasta la de 1970, la música pop italiana floreció con una oleada de cantantes y cantautores influyentes. Estrellas del pop de la época, como Domenico Modugno , famoso por su éxito internacional "Volare", contribuyeron a definir la identidad musical de Italia. También destacaron vocalistas de gran talento como Mina , Mia Martini , Adriano Celentano , Claudio Baglioni , Ornella Vanoni y Patty Pravo , quienes se convirtieron en figuras muy conocidas y definieron el sonido del pop italiano.

En la década de 1960 surgió la tradición de los cantautores : cantautores que a menudo se centraban en temas poéticos, políticos o sociales. Entre los pioneros de este movimiento se encontraban Fabrizio De André , Paolo Conte , Giorgio Gaber , Umberto Bindi , Gino Paoli y Luigi Tenco , cuyas letras reflejaban la turbulencia de la época y la creciente conciencia cultural.

En la década de 1970, esta composición intelectual y con conciencia social se profundizó con artistas como Lucio Dalla , Pino Daniele , Francesco De Gregori , Ivano Fossati , Francesco Guccini , Edoardo Bennato , Rino Gaetano y Roberto Vecchioni , quienes mantuvieron viva la llama de la sofisticación lírica y el comentario crítico. Lucio Battisti también surgió durante este período, destacándose por su innovadora fusión de la tradición melódica italiana con el rock y el pop británicos . Desde finales de la década de 1960 hasta mediados de la de 1990, Lucio Battisti fusionó la música italiana con el rock y el pop británicos y, más recientemente en su carrera, con géneros como el synthpop , el rap, el techno y el eurodance , mientras que Angelo Branduardi y Franco Battiato siguieron carreras más orientadas a la tradición de la música pop italiana. ^{[ 60 ]} Existe cierta superposición de géneros entre los cantautori y aquellos que son considerados cantantes de "música de protesta". ^{[ 61 ]}

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  Adriano Celentano
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  Mina , la cantante italiana con mayores ventas según las estimaciones
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  Mia Martini , cantante aclamada por la crítica
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  Lucio Battisti
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  Lucio Dalla

Desde la década de 1980 hasta principios de la de 2000, la música italiana continuó evolucionando, incorporando una gama más amplia de géneros y estilos de producción. Artistas como Zucchero , con su pop-rock influenciado por el blues, y Mango , conocido por su sonido melódico y mediterráneo, alcanzaron gran popularidad. El toque rockero de Vasco Rossi y la potente voz de Gianna Nannini aportaron una nueva energía a la escena italiana.

Esta época también marcó el surgimiento de superestrellas internacionales como Laura Pausini , cuyas sentidas baladas alcanzaron un éxito mundial, y Andrea Bocelli , un tenor que unió la música clásica y la pop con reconocimiento internacional.

En la última etapa de su carrera, Lucio Battisti continuó innovando, fusionando su sonido pop-rock inicial con géneros como el synthpop , el rap , el techno y el eurodance , demostrando una notable adaptabilidad a las tendencias contemporáneas. Mientras tanto, artistas como Angelo Branduardi y Franco Battiato exploraron caminos más eclécticos, inspirándose en la música tradicional italiana, las influencias clásicas y los sonidos experimentales, contribuyendo así a un panorama pop rico y diverso.

La música pop italiana de los años 2000 logró traspasar las fronteras nacionales gracias, entre otros, a Laura Pausini , Eros Ramazzotti , Zucchero , Andrea Bocelli , Tiziano Ferro e Il Volo . ^{[ 62 ]}

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  Gino Paoli
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  Andrea Bocelli
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  Laura Pausini
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  Francesco De Gregori
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  Giorgia
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  Elisa
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  Tiziano Ferro
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  Marco Mengoni

Italia ha sido un país importante en lo que respecta a la música electrónica de baile , especialmente desde la creación del Italo disco a finales de los años 70 y principios de los 80. El género, originario de la música disco , fusionó "melodías melancólicas" con música pop y electrónica , ^{[ 63 ]} haciendo uso de sintetizadores y cajas de ritmos , lo que a menudo le daba un sonido futurista. Según un artículo de The Guardian , en ciudades como Verona y Milán , los productores trabajaban con cantantes, utilizando sintetizadores y cajas de ritmos de producción masiva, e incorporándolos a una mezcla de música experimental con una "sensibilidad pop clásica" ^{[ 63 ]} que estaba dirigida a clubes nocturnos . ^{[ 63 ]} Las canciones producidas a menudo eran vendidas posteriormente por sellos y compañías como Discomagic, con sede en Milán. ^{[ 63 ]}

El Italo disco influyó en varios grupos electrónicos, como Pet Shop Boys , Erasure y New Order , ^{[ 63 ]} así como en géneros como Eurodance , Eurobeat y freestyle . Sin embargo, hacia 1988, el género se había fusionado con otras formas de música electrónica y de baile europea, una de las cuales era el Italo house . El Italo house combinaba elementos del Italo disco con la música house tradicional ; su sonido era generalmente alegre y hacía un uso destacado de melodías de piano. Entre las bandas de este género se incluyen: Black Box , East Side Beat y 49ers .

En la segunda mitad de la década de 1990, surgió un subgénero del eurodance conocido como Italo dance . Influenciado por el Italo disco y el Italo house, el Italo dance generalmente incluía riffs de sintetizador, un sonido melódico y el uso de vocoders . El género se popularizó tras el lanzamiento del sencillo " Blue (Da Ba Dee) " de Eiffel 65 , que se convirtió en uno de los grupos electrónicos más populares de Italia; su álbum Europop fue coronado como el mejor álbum de la década de 1990 por Channel 4. [ ^{64 ] Además} , Gigi D'Agostino desarrolló un subgénero del Italo dance conocido como Lento Violento ("lento y violento") , un tipo de música mucho más lenta y dura. El BPM suele reducirse a la mitad de las pistas típicas de Italo dance. El bajo suele ser notablemente fuerte y domina la canción. ^{[ 65 ]}

A lo largo de los años, ha habido varios compositores y productores italianos importantes de música dance, como Giorgio Moroder , quien ganó tres premios Óscar y cuatro Globos de Oro por su música. Su trabajo con sintetizadores influyó notablemente en varios géneros musicales como la new wave, el techno y la música house; ^{[ 66 ]} Allmusic lo reconoce como "Uno de los principales arquitectos del sonido disco", ^{[ 67 ]} y también es conocido como el "Padre del Disco". ^{[ 68 ] [ 69 ]}

Durante la Belle Époque , la moda francesa de interpretar música popular en el café-chantant se extendió por toda Europa. ^{[ 70 ]} La tradición tenía mucho en común con el cabaret , y hay superposición entre café-chantant , café-concierto , cabaret , music hall , vodevil y otros estilos similares, pero al menos en su manifestación italiana, la tradición se mantuvo en gran medida apolítica, centrándose en música más ligera, a menudo atrevida, pero no obscena. El primer café-chantant en Italia fue el Salone Margherita , que abrió sus puertas en 1890 en las instalaciones de la nueva Galleria Umberto en Nápoles. ^{[ 71 ]} En otras partes de Italia, el Gran Salone Eden en Milán y el Music Hall Olympia en Roma abrieron poco después. El café-chantant era conocido alternativamente como el italianizado caffè-concerto . La intérprete principal, generalmente una mujer, era llamada chanteuse en francés; el término italiano, sciantosa , es una creación directa del francés. Las canciones en sí no eran francesas, sino que eran composiciones alegres o ligeramente sentimentales escritas en italiano. Ese tipo de música pasó de moda con el estallido de la Primera Guerra Mundial.

La influencia de la música pop estadounidense ha sido fuerte desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Los números de los fastuosos musicales de Broadway , las grandes orquestas , el rock and roll y el hip hop siguen siendo populares. La música latina, especialmente la bossa nova brasileña, también goza de popularidad, y el reguetón puertorriqueño se está convirtiendo rápidamente en un género de música bailable de gran difusión. Actualmente, no es raro que artistas pop italianos modernos como Laura Pausini , Eros Ramazzotti , Zucchero o Andrea Bocelli publiquen nuevas canciones en inglés o español, además de las versiones originales en italiano. El grupo Il Volo canta en italiano, inglés, español y alemán. Así, los espectáculos musicales, habituales en la televisión italiana actual, pueden pasar fácilmente, en una sola noche, de un número de big band con bailarines a un imitador de Elvis o a un cantante pop actual interpretando un aria de Puccini.

El jazz llegó a Europa durante la Primera Guerra Mundial gracias a la presencia de músicos estadounidenses en bandas militares que interpretaban música sincopada . ^{[ 72 ]} Sin embargo, incluso antes de eso, Italia recibió un atisbo de nueva música del otro lado del Atlántico en forma de cantantes y bailarines criollos que actuaron en el Teatro Eden de Milán en 1904; se anunciaban a sí mismos como los "creadores del cakewalk ". Las primeras orquestas de jazz propiamente dichas en Italia, sin embargo, se formaron durante la década de 1920 por directores de orquesta como Arturo Agazzi y gozaron de un éxito inmediato. ^{[ 55 ]} A pesar de las políticas culturales antiestadounidenses del régimen fascista durante la década de 1930, el jazz estadounidense siguió siendo popular.

En los años inmediatamente posteriores a la guerra, el jazz despegó en Italia. Todos los estilos de jazz estadounidenses de la posguerra, desde el bebop hasta el free jazz y el jazz fusión, tienen sus equivalentes en Italia. La universalidad de la cultura italiana propició la proliferación de clubes de jazz por toda la península, la presencia de orquestas de jazz en todas las emisoras de radio y posteriormente en las de televisión, y el desarrollo de un jazz propio por parte de los músicos italianos, basado en formas musicales europeas, técnicas de composición clásica y música folclórica. Actualmente, todos los conservatorios de música italianos cuentan con departamentos de jazz, y se celebran festivales de jazz cada año en Italia, siendo el más conocido el Festival de Jazz de Umbría , además de existir publicaciones destacadas como la revista Musica Jazz .

El pop rock italiano ha producido grandes estrellas como Zucchero y ha dado como resultado muchos éxitos de primer nivel. Los medios de la industria, especialmente la televisión, son vehículos importantes para este tipo de música; el programa de televisión Sabato Sera es característico. ^{[ 73 ]} Italia estuvo a la vanguardia del movimiento del rock progresivo de la década de 1970, un estilo que se desarrolló principalmente en Europa pero que también ganó audiencias en otras partes del mundo. A veces se considera un género aparte, el rock progresivo italiano . Bandas italianas como The Trip , Area , Premiata Forneria Marconi (PFM), Banco del Mutuo Soccorso , New Trolls , Goblin , Osanna , Saint Just y Le Orme incorporaron una mezcla de rock sinfónico y música folclórica italiana y fueron populares en toda Europa y también en Estados Unidos. Otras bandas progresivas como Perigeo , Balletto di Bronzo , Museo Rosenbach , Rovescio della Medaglia , Biglietto Per L'Inferno o Alphataurus permanecieron poco conocidas, pero sus álbumes son considerados hoy clásicos por los coleccionistas. Algunas bandas o artistas de rock de vanguardia ( Area , Picchio dal Pozzo , Opus Avantra , Stormy Six , Saint Just , Giovanni Lindo Ferretti ) ganaron notoriedad por su sonido innovador. Los conciertos de rock progresivo en Italia solían tener un fuerte trasfondo político y una atmósfera enérgica. Entre las bandas de metal italianas populares se encuentran Rhapsody of Fire , Lacuna Coil , Elvenking , Forgotten Tomb y Fleshgod Apocalypse . ^{[ 5 ]}

La escena del hip hop italiano comenzó a principios de la década de 1990 con Articolo 31 de Milán , cuyo estilo estaba influenciado principalmente por el rap de la Costa Este . Otros grupos de hip hop de la época solían tener una orientación política, como 99 Posse , que más tarde se vio más influenciado por el trip hop británico . Grupos más recientes incluyen raperos gangster como La Fossa de Cerdeña . Otros estilos importados recientemente incluyen techno , trance y electrónica interpretados por artistas como Gabry Ponte , Eiffel 65 y Gigi D'Agostino . ^{[ 74 ]} El hip hop es especialmente popular en el sur de Italia, unido al concepto sureño de rispetto ( respeto , honor ), una forma de duelo verbal; ambos hechos han ayudado a identificar la música del sur de Italia con el estilo del hip hop afroamericano. ^{[ 75 ]} Además, hay muchas bandas en Italia que tocan un estilo llamado patchanka , que se caracteriza por una mezcla de música tradicional, punk, reggae, rock y letras políticas. Modena City Ramblers es una de las bandas más populares conocidas por su mezcla de música irlandesa, italiana, punk, reggae y muchos otros estilos musicales. ^{[ 74 ]}

Italia también se ha convertido en hogar de varios proyectos de fusión mediterránea. Entre ellos se encuentra Al Darawish , una banda multicultural afincada en Sicilia y liderada por el palestino Nabil Ben Salaméh. La Luigi Cinque Tarantula Hypertext Orchestra es otro ejemplo, al igual que el proyecto TaraGnawa de Phaleg y Nour Eddine . Mango es uno de los artistas más conocidos que fusionó el pop con sonidos del mundo y mediterráneos; álbumes como Adesso , Sirtaki y Come l'acqua son ejemplos de su estilo. El popular cantante napolitano Massimo Ranieri también ha publicado un CD, Oggi o dimane , de canciones napolitanas tradicionales con ritmos e instrumentos del norte de África. ^{[ 74 ]}