Janet Dawson

Janet Dawson MBE (nacida en 1935) es una artista australiana pionera de la pintura abstracta en Australia en la década de 1960, ^{[1] [2]} habiendo conocido la abstracción durante sus estudios en Inglaterra mientras vivía en Europa entre 1957 y 1960 ^[3] También fue una consumada impresora litográfica de sus propias obras, así como de las de otros artistas australianos de renombre, ^[3] diseñadora de escenografías teatrales y muebles. Estudió en Inglaterra e Italia con becas antes de regresar a Australia en 1960. ^[3] Ganó el Premio Archibald de la Art Gallery of New South Wales en 1973 con el retrato de su marido, Michael Boddy Reading . ^[4] Ha expuesto en toda Australia y en el extranjero, y su obra se conserva en importantes colecciones australianas e inglesas. ^[5] En 1977 se le concedió un MBE por sus servicios al arte. ^[6]

Dawson nació en Sydney en 1935 y pasó sus primeros años en Forbes . ^[7] Comenzó a interesarse por el arte a los 11 años, comenzando su matrícula formal de arte en clases matutinas los sábados en la escuela de arte privada de H. Septimus Power de 1946 a 1949, antes de vivir en Clarence Street, East Malvern, trabajando como recepcionista de un médico ^[8] mientras estudiaba (de 1952 a 1956) en la Escuela de Arte de la Galería Nacional de Victoria en Melbourne, primero con William Dargie , quien luego fue reemplazado por Alan Sumner como director de la escuela. El crítico de arte Robert Hughes en 1962, después de la renuncia de Sumner, escribió quejándose de que "desde su nombramiento como director de la escuela en 1947, el Sr. Sumner parece no haber producido ningún pintor joven cuyo trabajo sea de alguna importancia, excepto Janet Dawson, cuyo incuestionable talento proviene, en parte, de una rebelión contra el academismo flácido que el Sr. Sumner ha predicado". ^[9]

En 1955, Dawson ganó premios de la Gallery Art School, incluida la beca Grace Joel (desnudo), el premio de retrato Hugh Ramsey , uno por una "pintura abstracta", otro por "un panel de tres dibujos de la vida", un segundo premio por un "estudio de cabeza" y la "beca de la National Gallery Society al mejor dibujo temático o panel de dibujos en exposición". ^[10]

Un artículo de periódico de 1955 informa que, como estudiante de arte, "se concentra principalmente en semiabstractos y disfruta trabajando en lienzos grandes. Los murales son su interés particular" y que "su mayor ambición es ganar la beca de viaje de la escuela" de 900 libras esterlinas para estudiar tres años en el extranjero, ^[11] que entonces tenía la pintora de Australia Occidental Frances Woolley (nacida en 1930). De hecho, al año siguiente fue ganadora, junto con su amiga Kathleen Boyle, del premio; ^[12] la Beca de Viaje de la Galería Nacional de Victoria , ^{[13] [8]} por una pintura de tres figuras en los escalones de la Galería, informando que ella; "hizo un modelo de plastilina y pintó el cuadro a partir de eso". ^[8] A los 22 años, se embarcó en el SS Roma . ^[1]

Tras aterrizar en Génova a mediados de julio de 1957 y hacer escala en Milán , Berna y París , Dawson llegó a Londres , donde estudió en la Slade School of Fine Art entre finales de 1957 y mediados de 1959. ^[1] En Londres, Janet asistió a una exposición New American Art en la Tate en 1959 y quedó impresionada por la sencillez y los colores brillantes de las pinturas de Rothko , Still y Motherwell . En París vio la obra de Dubuffet y Miró , que también ejercieron una influencia decisiva. ^[14]

Deborah Clark señala: "La influencia del surrealismo europeo se puede ver en el uso que hace Dawson de marcas y símbolos particulares, y también surge su admiración por la calidez y la apertura de pintores abstractos estadounidenses como Jackson Pollock y Mark Rothko (cuyo trabajo vio en la Tate Gallery en 1959), pero su uso de dispositivos formales de abstracción está incrustado en una respuesta genuina a las sensaciones del paisaje mismo". ^[13]

A Dawson le encantaba dibujar, ^[13] por lo que estudió litografía ^[1] , que permite a un artista dibujar directamente sobre una piedra de impresión . En 1959 ganó el premio de litografía de la Slade School, que incluía una beca Boise ^[3] que le permitió viajar a Italia. Allí, desde finales de 1959 hasta principios de 1960, se instaló en el pueblo de Anticoli Corrado, en la cima de una colina , donde la Escuela Británica de Roma conservaba espacios de trabajo para artistas. ^[15] Durante los tres meses que pasó allí, Dawson hizo dibujos del paisaje ^[16] que se conservan en la Galería Nacional de Victoria, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur y la NGA. La abstracción, que alguna vez le había parecido perturbadora, aparece en sus dibujos de paisajes italianos en "representaciones sensuales", ^[13] pinceladas amplias; ondas, marcas y símbolos que cubrían el papel de modo que las colinas y los valles se transformaban en líneas y motivos sensuales. Su arte se volvió casi exclusivamente abstracto.

Desde Italia, Dawson viajó a París a principios de 1960. En el Atelier Patris ^{[17] del} tachiste holandés Nono Reinhold , que funcionó entre 1957 y 1961 en el 26 de la rue Boulard, ^[18] donde era la única mujer entre cinco impresores, ^[19] trabajó imprimiendo para artistas de la Escuela de París en París, imprimiendo litografías de artistas como Pierre Soulages , Fritz Hundertwasser y Kumi Sugai, entre otros, y tradujo sus dibujos italianos en litografías con colores, líneas y trazos atrevidos. ^[3] Las cinco litografías que hizo en el Atelier Patris de París durante 1960 se encuentran en las colecciones de la NGV, la AGNSW y la NGA. ^{[1] [17]} Dawson regresó a Melbourne a finales de 1960. ^[20]

Al regresar a Australia después de casi cuatro años a fines de noviembre de 1960 ^{[19] [21]} En lugar de cualquiera de las galerías de bellas artes en Melbourne, ^[22] Dawson eligió la Galería A, un espacio de venta minorista de diseño y muebles que incluía una galería de arte en Flinders St. para su primera exhibición individual ^{[23] [24]} que se inauguró el 18 de mayo de 1961, luego fue empleada por la galería con responsabilidades que incluían colaborar con el comerciante Max Hutchinson y el diseñador de muebles y escultor, Clement Meadmore en la importante exhibición de la galería de 1961 The Bauhaus: Aspects and Influence. ^[22] Dawson también fundó el Taller de Impresión de la Galería A , ^{[25] [26] [3]} trabajando en el estudio como impresora de pruebas litográficas para artistas visitantes, ^[16] descrito por James Gleeson como artes gráficas australianas "pioneras". ^[27] En este papel, introdujo a artistas australianos como John Brack , John Olsen y Fred Williams a la litografía . Entre sus alumnos se encontraban Graeme Cohen, ^[28] Richard Havyatt ^[29] y Winston Thomas. ^{[30] [31]} También en 1961, en noviembre, lanzó una convocatoria entre los grabadores australianos para que presentaran sus obras, de las cuales se elegirían 10 para representar al país en Prints of the World, organizado por el coleccionista y curador Robert Erskine en Londres. ^[32] Una edición especial de septiembre de 1963 de Meanjin dedicada a la escritura francesa presentó su trabajo en su portada y como ilustraciones a lo largo de toda la exposición. ^[33]

Dawson trabajó como directora de la galería y asistente técnica, y desarrolló su abstracción a través de la adopción de la pintura acrílica y de tableros de composición con formas. En relación con su arte, e influyente en él, estuvo el diseño de muebles para la galería, uno de los cuales se encuentra en la Colección de la Galería de Arte de Queensland ^[34], de su serie de tableros de mesa "Living Art" de 1964, realizada por invitación de la empresa australiana Laminex y fabricada por Steven Davis en Melbourne. Angela Goddard describe las mesas de Dawson como:

"Singular en el arte australiano: oscilan entre el diseño y el arte, uniendo función y estética. Su uso de los fuertes colores planos de Laminex se hace eco de la abstracción estadounidense contemporánea, en particular las pinturas Target de Jasper Johns de finales de la década de 1950 y la serie Protractor de Frank Stella de la década de 1960. Pero en forma de mesas de café, estos tableros de mesa se convierten tanto en obras abstractas llamativas como en reflexiones sobre la metodología reduccionista de la abstracción, de hecho incluso sugieren una crítica lúdica del valor de uso de la pintura abstracta". ^[35]

Después de haber expuesto grabados y dibujos en la Galería A, realizó allí su primera exposición individual de pintura en 1964. ^[36]

Robert Lindsay señala que: "Fue a través de un grupo de artistas que regresaron a Australia a principios y mediados de los años 1960 que se estableció el nuevo estilo internacional. Janet Dawson regresó en 1961, Dick Watkins en 1962, Sydney Ball de Nueva York en 1965, y también en 1965 Tony McGillick..." ^[37]

Los artistas de este grupo, incluida Dawson, estuvieron representados del 21 de agosto al 28 de septiembre de 1968 en The Field , la exposición que inauguró la nueva sede de la NGV en St. Kilda Road Melbourne. Los curadores de la exposición, John Stringer, responsable de exposiciones, y Brian Finemore, curador de arte australiano, seleccionaron dos obras de Dawson. Una de las tres únicas mujeres invitadas, junto a Wendy Paramour y Normana Wright , mostró sus obras recientes a gran escala; Wall 11 , 1968-69, pintura de polímero sintético sobre lienzo, 184,3 x 184,4 cm, que pronto fue adquirida por la Galería Nacional de Australia en 1969; y Rollascape 2 , 1968, pintura de polímero sintético sobre un tablero de composición de forma irregular, 150,0 x 275,0 cm. Esta última fue adquirida por la Galería de Arte de Ballarat con la ayuda de la Junta de Artes Visuales y Artesanía del Consejo de Australia , en 1988.

Durante la década de 1970, Dawson se alejó de esa abstracción de Hard Edge hacia un estilo más "pictórico", pero mantuvo su vocabulario formal; ^[38] en el momento de su exposición de 1979, Mary Eagle señaló que "ve todo en la naturaleza mezclándose, fluyendo junto..." ^[14]

James Gleeson , al comparar las obras de Dawson, Rapotec y Coburn en una exposición colectiva en la galería Hungry Horse en agosto de 1964, destaca "la serenidad de espíritu que se esconde tras la vivaz conversación de los colores de Janet Dawson", y continúa prediciendo que;

“Janet Dawson y John Coburn tienen suficientes cosas en común como para hacernos pensar que probablemente están viajando en la misma dirección, aunque por caminos diferentes pero paralelos. A ambos les fascina la forma en que reaccionan los colores en diferentes circunstancias y les encanta explotar la naturaleza ambivalente de los colores… Dawson está menos atada a un tratamiento lineal. A veces permite que sus colores vacilen, se superpongan y se mezclen”. ^[39]

Dawson participó en el movimiento Colour Field ; abstracción que usaba tonos planos, sólidos y graduados para hacer del color su propio tema. ^[40] El historiador de arte Bernard Smith escribe que "La pintura en color comenzó a aparecer de manera bastante vacilante en la escena australiana alrededor de 1963. Dos artistas son de especial importancia por su aparición, Dick Watkins en Sydney y Janet Dawson en Melbourne". ^[31] Ella estuvo entre los artistas expuestos en The Field en la Galería Nacional de Victoria en 1968. La exposición abrió demasiada controversia, pero lanzó las carreras de muchos de los jóvenes artistas. Dawson fue una de las tres únicas artistas mujeres en la exposición, ^[16] (re-escenificada en 2018). ^[41] Donald Brook , en el año de The Field, revisó una exposición de mayo Pinturas de Janet Dawson en la Galería A, y describió su enfoque en ese momento de la pintura como un objeto;

"Es una pintora no figurativa que recientemente ha dejado de pintar formas dentro de cuadros, como podría haber hecho Miró, para pintar estrictamente sobre la superficie del cuadro, en el sentido en que se pintan sobre latas de galletas y postes de barbero. Una pista para fomentar esta lectura de lo que se hace —de ver un objeto coloreado en lugar de un cuadro ilusionista— es el recurso, ya familiar, de utilizar formas irregulares, que no se parecen a cuadros. Janet Dawson construye muchos de sus soportes con un perfil inusual en dos dimensiones, y a veces en tres. Los divide y colorea de una manera irónica, de modo que la línea y los límites se tiran y se tiran entre sí con una tensión óptica incómoda". ^[42]

En 1970, Brook amplía esta evaluación:

"Janet Dawson… utiliza soportes ovalados y hace algunas referencias al Mondrian de los primeros tiempos, a Kandinsky y tal vez al dinamismo de Wyndham Lewis, o tal vez al rayonismo. La mezcla es tan suave que no se puede decir con precisión. Con una pintura espesa y muy física en tonos densos y apagados, crea un efecto de líquidos que fluyen u oscilan o de filamentos de cuerdas irregularmente trenzadas. Los movimientos se desvían, se detienen y se deslizan unos sobre otros mediante barreras fijas que funcionan como rompeolas o deflectores. Hay un poco de profundidad implícita, pero no implica que lo que se enfrenta al espectador sea algo más que pigmento tangible aplicado con pincel sobre un soporte montado verticalmente y sujeto a la pared de una habitación". ^[43]

Mary Eagle identifica en las primeras pinturas de Dawson "temas de espacio arquitectónico y atmosférico y luz e imágenes de nubes, lunas y arcoíris" que continúan en su obra abstracta. ^[14]

El historiador de arte Patrick McCaughey elogió el "tratamiento pictórico suelto de la figura y los soportes" por el premio Archibald que recibió Dawson, lo que marca un punto de inflexión en su carrera y un alejamiento de la abstracción pura, y consideró que su éxito era "sorprendente y merecido" porque "Dawson es más conocida como una pintora abstracta sofisticada. Encontrarla aventurándose en el área sobria del Archibald y luego llevándose todo por delante es una maravillosa inversión de lo esperado..." ^[4]

En una reseña de 1974, Daniel Thomas, al comentar el trabajo que Dawson produjo después de mudarse a la zona rural de Binalong, la declaró "una de las mejores artistas de Australia", pero "ahora 'moderna' sólo en el sentido de que sabe todo sobre el color, la forma y la superficie; puede sujetar las formas al borde de su lienzo, segura de saber que todo está magistralmente bajo control". Considera que la muestra es una prueba de "su quizás renuente regreso a lo 'antiguo'. La exposición no sólo trata sobre el rosa y el amarillo cantando juntos... También trata sobre la agricultura y el frío, y la necesidad de lluvia, y sobre cómo los eucaliptos en el fondo del prado son monstruos primitivos, grises y peludos. Si alguien hace una exposición de pintura sobre eucaliptos, Janet Dawson tiene que estar incluida ahora, junto con Lister Lister , Hans Heysen y Sidney Nolan ". ^[44] En una muestra de la Galería A de agosto de 1977, aumentó dichas imágenes, aunque a escala macro, sin los árboles de goma, con collage, como señala Nancy Borlase en su reseña;

"Esta vez no hay árboles de eucalipto. Ella muestra tres series: Foxy Night , Practical House Designs y Traditional Portrait Drawings . También hay un panel de Featherscapes , pequeñas puestas de sol pintadas a las que les hace un collage con los objetos naturales más frágiles: plumas, ramitas, hierba, vainas, una cáscara de huevo aplastada. Está usando el collage por primera vez: pinta con papel rasgado, plumas, un trapo arrugado aplastado detrás del vidrio en Big Rising Moon 2. " ^[45]

En 1988, Gary Catalano, al escribir sobre su exposición individual en Richmond , cuestiona y luego coincide a regañadientes con la comparación que Eagle hace de la metafísica de Dawson con la de Blake , y destaca el surrealismo del artista:

"Hay que subrayar que la metafísica de Dawson no es blakeana en sus componentes. Blake albergaba todo en el cuerpo humano y, por lo tanto, magnificaba sus energías transformadoras; la visión de Dawson, que no es ni antropomórfica en su carácter ni políticamente radical en su empuje, reduce el mundo al funcionamiento del agua. Hay, por supuesto, muchas cosas en estas pinturas que desafían el sentido común. Un cuenco hemisférico rebosante de agua flota en el espacio en la parte superior del 'Spirit Level I' en forma de T; una taza se inclina y el agua se derrama por el borde de la misma planta, su flujo detenido no por rocas sino, más bien, por un pliegue ficticio en el lienzo. Pero este juego tiene una intención seria. Sencillamente, Dawson cree que las verdades literales e imaginativas no son en absoluto incompatibles". ^[46]

La entrevista que Catalano le realizó a la artista en 1997 le permitió a Dawson dar su propia respuesta a la cuestión de la metafísica:

"El naturalismo y el simbolismo son totalmente reconciliables. Por supuesto, no te das cuenta de los estilos o las técnicas mientras trabajas; sería un trabajo horrible si lo hicieras. Pero... la disposición de los pétalos de una dalia del tonto emplea la misma estructura espiral que una galaxia u otro conglomerado cósmico. Así que, desde ese punto de vista, no hay mucha diferencia entre una dalia y una galaxia... y no hay necesidad de hacer trucos de realismo mágico. La dalia está debajo de mis narices, así que es más útil estudiarla y dibujarla. Lo grande en lo pequeño. Tiene que haber ese interés -interés textural, táctil, detallado- para llevarte más lejos. La mayoría de las obras que cantan en tu mente tienen esas cualidades incorporadas, no 'explicadas'". ^[7]

Con motivo de la muestra de dibujos de Dawson de 1996 en la Galería Nacional de Australia, John McDonald, de The Sydney Morning Herald, comentó que la exposición fue:

"Una revelación en su lúcido entrelazamiento de observación minuciosa e invención formal. La línea divisoria entre lo abstracto y lo figurativo se cruza una y otra vez hasta que uno reconoce sólo un único continuo, definido por el toque y la personalidad del artista. Nada, en este sentido, es mejor que una serie de 1995 de 13 dibujos de una col lombarda que traza el ciclo de vida completo de la verdura desde el primer brote hasta la descomposición. Al utilizar este único motivo, Dawson puede explorar una gama completa de tonos, líneas y texturas, de la misma manera que Monet pintó la catedral de Rouen, un pajar o álamos, una y otra vez, para capturar los efectos fugaces de la luz". ^[47]

Considerando trabajos posteriores, McDonald señala que:

"A finales de los años setenta, Dawson está trabajando en las pinturas Foxy Night , que convierten la luna y el paisaje en una serie de declinaciones geométricas, suavizadas por pinceladas gestuales y suaves. Siempre he considerado que estas pinturas son un intento un tanto torpe de forjar una síntesis entre la abstracción lírica y la geométrica: y los dibujos previos muestran a Dawson tramando con la deliberación de un cartógrafo. Esto plantea una pregunta inquietante sobre el equilibrio entre el dibujo y la pintura en la carrera de Dawson. En este estudio, emerge como una dibujante tan natural y completa que uno se pregunta si hay algo en sus pinturas que no haya logrado ya como artista gráfica. Para saber qué se añade, o tal vez se pierde, en un medio diferente, tal vez tengamos que esperar a una retrospectiva de pintura".

En 1968, Dawson se casó con Michael Boddy (1934-2014), un dramaturgo y actor nacido en Gran Bretaña, educado en Cambridge , que emigró a Australia en 1960 y a quien conoció en 1963 en Melbourne mientras diseñaba para el Emerald Hill Theatre y en el set de su obra You'll Come to Love Your Sperm Test . ^[48] En ese momento, trabajaba a tiempo completo (1969-1971) en el departamento de exhibiciones del Museo Australiano de Sídney, al que atribuye, debido a la "historia natural" a la que la expuso, como una influencia en su pintura. ^[7]

En 1973 produjo decorados para producciones de las obras de Boddy The Legend of King O'Malley and Cash , ilustraciones para una colección de ensayos sobre "The Last Supper Show" de O'Malley y Boddy en el Teatro Nimrod, donde era dramaturgo residente. ^[48] Se asociaron en un programa en escuelas sobre la producción y puesta en escena de obras de teatro antes de mudarse de Waverley al pueblo de Binalong, Nueva Gales del Sur , ^[14] y con una pintura de su esposo rodeado de herramientas de jardinería, Dawson se convirtió en la tercera mujer en ganar el Premio Archibald por su Lectura de Michael Boddy, ^{[49] [50] [4]} su primera y única entrada en el Premio. ^[51]

En 1977 vivieron en 'Scribble Rock', una pequeña propiedad justo a las afueras del asentamiento, y allí, desde el 22 de diciembre de 1994 hasta mayo de 1995, produjo la serie Scribble Rock Red Cabbage, comprada en su totalidad por la Galería Nacional de Australia. ^{[7] [13]} En 1981, Dawson y su esposo se mudaron a Canberra para ayudar a establecer Theatre ACT, y regresaron a Binalong en 1985. ^[4] Ese año, el Consejo de Australia le otorgó a Dawson la subvención para artistas estándar completa de A$19,250. ^[52]

Boddy murió en 2014 y Dawson se mudó a Ocean Grove, Victoria . Michael tuvo tres hijos, incluido un hijo que falleció antes que Boddy. ^[50]

• 1961: exposición individual, pinturas, litografías, dibujos, Galería A, Melbourne. ^{[53] [23] [24] [54]}
• 1963: Prints '63, Studio One Printmakers. Galerías Skinner (1963 – 1963); Galería de Arte de la Región de Newcastle (1 de septiembre de 1963 – 1 de septiembre de 1963); Galería de Arte y Museo Histórico de Castlemaine (1 de septiembre de 1963 – 1 de septiembre de 1963); Galería de Arte Rudy Komon (1 de septiembre de 1963 – 1 de septiembre de 1963); Galería Douglas (1 de septiembre de 1963 – 1 de septiembre de 1963); Galería Nacional de Victoria (11 de septiembre de 1963 – 6 de octubre de 1963); Galería de Arte Bonython, Adelaida (1 de octubre de 1963 – 1 de octubre de 1963); Galería Yosheido, Tokio (1964 – 1964) ^{[55] [56]}
• 1964, agosto: exposición colectiva, Hungry Horse Gallery, Sydney ^[39]
• 1965: Introducción '65 , Janet Dawson, Leonard Hessing, Robert Klippel , Colin Lanceley, John Olsen , Charles Reddington. Galería A , Melbourne
• 1966: incluido en una exposición de pintura australiana contemporánea en Los Ángeles y San Francisco ^[57]
• 1966/7: Galería A. Exposición de verano 66 , pinturas, dibujos, acuarelas y esculturas australianas. Los artistas que expusieron fueron Sydney Ball , Jennifer Barwell, Henry Bastin, Charles Blackman , Arthur Boyd , John Brack , Donald Brook, Mike Brown, Judy Cassab , Peter Clarke, John Coburn , Martin Collocott, Jack Courier, Ray Crooke , Robert Dickerson , Russell Drysdale , Peggy Fauser, Maximilian Feuerring, John Firth-Smith, William Frater , Peter Freeman, Leonard French , Donald Friend , Marjorie Gillespie, James Gleeson , Thomas Gleghorn, Anne Hall, Pro Hart , Elaine Haxton , John Henshaw, Daryl Hill, Ludwig Hirschfeld-Mack, Leonard Hessing, Perle Hessing, Robert Hughes, Robert Klippel, Michael Kmit, Colin Lanceley, Richard Larter, Francis Lymburner, Elwyn Lynn, Mary MacQueen , Marsha Morgan, Sydney Nolan , Alan Oldfield, John Olsen , Stan Lee. Ostoja-Kotkowski , William Peascod, John Perceval , Carl Plate, Peter Powditch, Clifton Pugh , Emanuel Raft, Stanislaus Rapotec, Charles Reddington, Stephen Reed, John Rigby, Jan Riske, William Rose, Rosemary Ryan , Gareth Sansom , Michael Shannon, Imre Szigeti, Michael Taylor, Stan De Teliga, Peter Upward, David Warren, Guy Warren , Richard Weight, Robert Williams, Les Willis, Ken Whisson, Peter Wright. Se expuso en las sucursales de la Galería A en Melbourne y Sydney y continuó hasta el 24 de febrero de 1967.
• 1968: Exposición The Field . Dos pinturas incluidas entre 74 obras abstractas de 40 artistas que trabajan en abstracción de bordes duros, pintura de campos de color, utilizando lienzos con formas y arte conceptual. Galería Nacional de Victoria ^[58]
• 1979: exposición retrospectiva, Galería Nacional de Victoria ^{[14] [5]}
• 1988, febrero-marzo: exposición individual, 312 Lennox St., Richmond ^{[39] [59]}
• 1996, 22 de junio–11 de agosto: Los dibujos de Janet Dawson; exposición retrospectiva, Galería Nacional de Australia ^{[13] [47] [5]}
• 1998–2019: Seis exposiciones individuales en Stella Downer Fine Art, Sídney
• 2000: Desafío y respuesta en el arte australiano, 1955-65, Galería Nacional de Australia 2002 Retratos íntimos, Galería Nacional de Retratos, Canberra
• 2002–2019: diez exposiciones colectivas en la galería Charles Nodrum de Melbourne
• 2006: Exposición de muestra, Galería Bathurst, Nueva Gales del Sur; Galería SH Ervin, Sídney; Museo de Arte de la Universidad de Queensland; Museo y Galería de Arte de Tasmania; Galería de Arte Regional de la Península de Mornington, Victoria. ^{[5] [60]}
• 2007–2019: Exposiciones colectivas en Stella Downer Fine Art, Sídney
• 2008: Tiempos modernos , Museo Powerhouse, Sídney ^[22]
• 2012: Janet Dawson: una visión personal , Galería de arte regional de Goulburn, Nueva Gales del Sur
• 2015/19: Dos exposiciones individuales en la galería Nancy Sever, Canberra
• 2017: Abstracción: homenaje a las artistas abstractas australianas , Geelong Art Gallery, Victoria, y en gira
• 2018: El campo revisitado , Galería Nacional de Victoria
• 2019: Tratando de encontrar comodidad en una silla incómoda - Pinturas de la Colección Cruthers de Arte de Mujeres Australianas , Universidad de Australia Occidental, Perth
• 2019: Cloud Comics, Galería Nancy Sever, Canberra ^[61]
• 2020: Know My Name , que presenta a 150 artistas australianas desde 1900 hasta el siglo XXI, Galería Nacional de Australia ^[16]

• 1956: Beca itinerante de la Galería Nacional de Victoria ^{[12] [8]}
• 1959: Beca Boise ^[1]
• 1973: Premio Archibald ^{[51] [49] [50] [4]}
• 1977: MBE por servicio al arte ^[62]
• 1985: Beca del Consejo Australiano para las Artes ^[52]

• Royal Society, Londres ^[63]
• Galería de Arte de Nueva Gales del Sur ^[64]
• Galería Nacional de Australia ^[4]
• Galería Nacional de Victoria ^[65]
• Galería de Arte de Australia del Sur ^[66]

• Deborah Clark, The Drawings of Janet Dawson, 1956 to the Present , catálogo de la exposición, Galería Nacional de Australia, 1996.
• Gary Catalano, 'A Natural History (Entrevista)', Art & Australia , Vol. 34, No. 3, 1997, p. 332-341 y portada ilustrada.
• Andrew Sayers, Intimate Portraits , catálogo de exposición, National Portrait Gallery, Canberra, 2002.
• Daniel Thomas, 'Golden Oldies', Art & Australia , Vol. 50, No. 4, 2013, págs. 582–589.

• Arteciclopedia
• Biografía