arte medieval

El arte medieval del mundo occidental abarca un vasto periodo de tiempo y espacio, con más de 1000 años de arte en Europa y, en ciertos periodos, en Asia Occidental y el norte de África . Incluye los principales movimientos y periodos artísticos, el arte nacional y regional, los géneros, los renacimientos, las técnicas de los artistas y a los propios artistas.

Los historiadores del arte intentan clasificar el arte medieval en grandes periodos y estilos, a menudo con cierta dificultad. Un esquema generalmente aceptado incluye las últimas fases del arte paleocristiano , el arte del periodo de las migraciones , el arte bizantino , el arte insular , el prerrománico , el románico y el gótico , así como muchos otros periodos dentro de estos estilos centrales. Además, cada región, sobre todo durante el periodo en que se convertía en nación o cultura, tenía su propio estilo artístico distintivo, como el arte anglosajón o el vikingo .

El arte medieval se produjo en muchos medios, y se conservan numerosas obras de escultura , manuscritos iluminados , vidrieras , orfebrería y mosaicos , todos los cuales han tenido una tasa de supervivencia mayor que otros medios como los frescos , las obras en metales preciosos o los textiles , incluidos los tapices . Especialmente en la primera parte del período, las obras de las llamadas "artes menores" o artes decorativas , como la orfebrería, la talla de marfil, el esmalte vítreo y el bordado con metales preciosos, probablemente eran más valoradas que las pinturas o la escultura monumental . ^{[ 1 ]}

El arte medieval europeo surgió del legado artístico del Imperio Romano y de las tradiciones iconográficas de la Iglesia cristiana primitiva . Estas fuentes se fusionaron con la vigorosa cultura artística «bárbara» del norte de Europa para producir un legado artístico notable. De hecho, la historia del arte medieval puede considerarse como la historia de la interacción entre los elementos del arte clásico , paleocristiano y «bárbaro». ^{[ 2 ]} Aparte de los aspectos formales del clasicismo, existió una tradición continua de representación realista de objetos que perduró en el arte bizantino durante todo el período, mientras que en Occidente aparece intermitentemente, combinándose y a veces compitiendo con las nuevas posibilidades expresionistas desarrolladas en Europa Occidental y el legado nórdico de enérgicos elementos decorativos. El período terminó con la autodeclarada recuperación renacentista de las habilidades y los valores del arte clásico, y el legado artístico de la Edad Media fue menospreciado durante algunos siglos. Desde un resurgimiento del interés y la comprensión en el siglo XIX, se ha considerado un período de enormes logros que subyace al desarrollo del arte occidental posterior.

Los primeros siglos de la Edad Media en Europa —hasta aproximadamente el año 800 d. C.— vieron una disminución de la prosperidad, la estabilidad y la población, seguida de un aumento general y bastante constante hasta el gran revés de la Peste Negra alrededor de 1350, que se estima que mató al menos a un tercio de la población total de Europa, con tasas generalmente más altas en el sur y más bajas en el norte. Muchas regiones no recuperaron sus niveles de población anteriores hasta el siglo XVII. Se estima que la población de Europa alcanzó un punto bajo de unos 18 millones en 650, se duplicó alrededor del año 1000 y superó los 70 millones en 1340, justo antes de la Peste Negra. En 1450 todavía era de solo 50 millones. A estas cifras, el norte de Europa, especialmente Gran Bretaña, contribuyó con una proporción menor que la actual, y el sur de Europa, incluida Francia, con una mayor. ^{[ 3 ]} El aumento de la prosperidad, para aquellos que sobrevivieron, se vio mucho menos afectado por la Peste Negra. Hasta aproximadamente el siglo XI, la mayor parte de Europa carecía de mano de obra agrícola, con grandes extensiones de tierra sin utilizar, y el Período Cálido Medieval benefició a la agricultura hasta aproximadamente 1315. ^{[ 4 ]}

Durante la Edad Media, las invasiones e incursiones externas que caracterizaron el primer milenio fueron disminuyendo gradualmente. Las conquistas islámicas de los siglos VII y VIII separaron de forma repentina y permanente a todo el norte de África del mundo occidental, y durante el resto del período, los pueblos islámicos se fueron apoderando paulatinamente del Imperio bizantino , hasta finales de la Edad Media, cuando la Europa católica, tras haber recuperado la península ibérica en el suroeste, se vio nuevamente amenazada por los musulmanes desde el sureste.

Al comienzo de la Edad Media, la mayoría de las obras de arte significativas eran objetos muy raros y costosos, asociados a las élites seculares, los monasterios o las iglesias principales y, si eran religiosas, producidas en gran medida por monjes. Hacia finales de la Edad Media, se podían encontrar obras de considerable interés artístico en pequeños pueblos y en un número significativo de hogares burgueses en las ciudades, y su producción constituía en muchos lugares una importante industria local, siendo los artistas del clero la excepción. Sin embargo, la Regla de San Benito permitía la venta de obras de arte por parte de los monasterios, y es evidente que durante todo el período los monjes podían producir arte, incluidas obras seculares, con fines comerciales para el mercado laico, y los monasterios también contrataban a especialistas laicos cuando era necesario. ^{[ 5 ]}

Las obras que han sobrevivido pueden dar la impresión de que casi todo el arte medieval era religioso. Nada más lejos de la realidad; si bien la Iglesia se enriqueció enormemente durante la Edad Media y en ocasiones estaba dispuesta a gastar generosamente en arte, también existía mucho arte secular de calidad equivalente que ha sufrido un desgaste, una pérdida y una destrucción mucho mayores. En general, la Edad Media carecía del concepto de preservar las obras antiguas por su mérito artístico, en contraposición a su asociación con un santo o una figura fundacional, y los periodos posteriores del Renacimiento y el Barroco tendieron a menospreciar el arte medieval. La mayoría de los lujosos manuscritos iluminados de la Alta Edad Media tenían suntuosas encuadernaciones de metales preciosos, marfil y joyas; las páginas reencuadernadas y los relieves de marfil de las cubiertas han sobrevivido en mucha mayor cantidad que las cubiertas completas, que en su mayoría fueron despojadas de sus valiosos materiales en algún momento.

La mayoría de las iglesias han sido reconstruidas, a menudo varias veces, pero los palacios medievales y las grandes casas se han perdido a un ritmo mucho mayor, al igual que sus mobiliario y decoración. En Inglaterra, las iglesias sobreviven prácticamente intactas de todos los siglos desde el VII, y en cantidades considerables de los posteriores —solo la ciudad de Norwich cuenta con 40 iglesias medievales—, pero de las docenas de palacios reales, ninguno sobrevive de antes del siglo XI, y solo un puñado de restos del resto del período. ^{[ 6 ]} La situación es similar en la mayor parte de Europa, aunque el Palacio de los Papas del siglo XIV en Aviñón sobrevive prácticamente intacto. Muchas de las disputas académicas más prolongadas sobre la fecha y el origen de obras individuales se refieren a piezas seculares, debido a su mayor rareza: el Museo Británico rechazó el Broche Fuller anglosajón por considerarlo una falsificación inverosímil, y las pequeñas esculturas de bronce seculares exentas son tan raras que la fecha, el origen e incluso la autenticidad de los dos mejores ejemplos han sido objeto de debate durante décadas. ^{[ 7 ]}

El uso de materiales valiosos es una constante en el arte medieval; hasta el final del período, se gastaba mucho más en comprarlos que en pagar a los artistas, incluso si estos no eran monjes que desempeñaban sus funciones. El oro se utilizaba para objetos de iglesias y palacios, joyas personales y adornos de ropa, y —fijado al reverso de teselas de vidrio— como fondo sólido para mosaicos , o aplicado como pan de oro a miniaturas en manuscritos y pinturas sobre tabla. Muchos objetos que utilizaban metales preciosos se creaban sabiendo que su valor intrínseco podría materializarse en el futuro; solo hacia el final del período se podía invertir dinero en algo distinto a bienes raíces , salvo con gran riesgo o mediante la usura .

El pigmento azul ultramar , aún más caro , elaborado a partir de lapislázuli molido que solo se podía obtener en Afganistán , se utilizó profusamente en el período gótico, más a menudo para el tradicional manto exterior azul de la Virgen María que para los cielos. El marfil , frecuentemente pintado, fue un material importante hasta el final del período, lo que ilustra claramente el cambio del arte de lujo hacia las obras seculares; al comienzo del período, la mayoría de los usos estaban pasando de los dípticos consulares a objetos religiosos como cubiertas de libros, relicarios y báculos , pero en el período gótico los estuches de espejos, cofres y peines decorados seculares se hicieron comunes entre las clases acomodadas. Como los finos paneles de marfil tallados en relieve rara vez podían reciclarse para otra obra, el número de ejemplares que se conservan es relativamente alto; lo mismo ocurre con las páginas de manuscritos, aunque estas a menudo se reciclaban raspándolas, convirtiéndose así en palimpsestos .

Incluso estos materiales básicos eran costosos: cuando la abadía anglosajona de Monkwearmouth-Jarrow planeó crear tres copias de la Biblia en 692 —de las cuales una sobrevive como el Codex Amiatinus— el primer paso necesario fue planificar la cría del ganado para obtener los 1600 terneros que proporcionarían la piel para el pergamino requerido. ^{[ 8 ]}

El papel estuvo disponible en los últimos siglos del período, pero también era extremadamente caro para los estándares actuales; los grabados en madera que se vendían a los peregrinos comunes en los santuarios solían ser del tamaño de una caja de cerillas o incluso más pequeños. La dendrocronología moderna ha revelado que la mayor parte del roble utilizado para los paneles de la pintura flamenca temprana del siglo XV se talaba en la cuenca del Vístula , en Polonia, desde donde se transportaba río abajo y a través del mar Báltico y el mar del Norte hasta los puertos flamencos , donde se dejaba secar durante varios años. ^{[ 9 ]}

El arte en la Edad Media es un tema amplio, y los historiadores del arte tradicionalmente lo dividen en varias fases, estilos o períodos de gran escala. El período de la Edad Media no comienza ni termina de manera precisa en una fecha concreta, ni al mismo tiempo en todas las regiones, y lo mismo ocurre con las principales fases del arte dentro de este período. ^{[ 10 ]} Las principales fases se abordan en las siguientes secciones.

El arte paleocristiano, más generalmente descrito como arte de la Antigüedad tardía , abarca el período desde aproximadamente el año 200 (antes del cual no se conserva ningún ejemplo distintivo de arte cristiano) hasta el inicio de un estilo plenamente bizantino alrededor del año 500. Persisten diferentes opiniones sobre cuándo comienza la Edad Media durante este período, tanto en términos de historia general como de historia del arte en particular, pero suele situarse a finales del mismo. En el transcurso del siglo IV, el cristianismo pasó de ser una secta popular perseguida a la religión oficial del Imperio, adaptando estilos romanos existentes y, a menudo, iconografía , tanto del arte popular como del imperial. Desde el comienzo del período, los principales vestigios del arte cristiano son las pinturas de tumbas de estilo popular de las catacumbas de Roma , pero hacia el final se encontraban numerosos mosaicos suntuosos en iglesias construidas bajo el patrocinio imperial.

Durante este periodo, el arte imperial romano tardío atravesó una fase marcadamente barroca, para luego abandonar en gran medida el estilo clásico y el realismo griego en favor de un estilo más místico y hierático; un proceso que ya estaba en marcha antes de que el cristianismo se convirtiera en una influencia importante en el arte imperial. Las influencias de las regiones orientales del Imperio —Egipto , Siria y otras—, así como una sólida tradición vernácula itálica, contribuyeron a este proceso.

Las figuras se ven mayoritariamente de frente, mirando fijamente al espectador, mientras que el arte clásico tendía a mostrar una vista de perfil; este cambio se observó incluso en las monedas. La individualidad de los retratos, una gran fortaleza del arte romano, disminuye drásticamente, y la anatomía y los pliegues de la vestimenta de las figuras se muestran con mucho menos realismo. Los modelos a partir de los cuales la Europa septentrional medieval, en particular, formó su idea del estilo «romano» fueron casi todos obras portátiles de la Antigüedad tardía, y los sarcófagos tallados de la Antigüedad tardía encontrados por todo el antiguo Imperio romano; ^{[ 11 ]} la determinación de encontrar modelos clásicos anteriores «más puros» fue un elemento clave en el art all'antica del Renacimiento. ^{[ 12 ]}

Relieves de marfil

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  La Ascensión de Cristo y el Noli me tangere , c. 400, conservan muchos elementos del estilo clásico. Véase el Sacramentario de Drogo para una Ascensión similar , 450 años después.
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  Díptico consular , Constantinopla 506, en pleno estilo de la Antigüedad tardía.
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  Panel otoniano de los Marfiles de Magdeburgo , de estilo monumental y audaz, con escasos intentos de clasicismo; Milán, 962-973.
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  Tríptico gótico francés de finales del siglo XIV , probablemente destinado a un propietario laico, con escenas de la Vida de la Virgen.

El arte bizantino es el arte del Imperio bizantino de habla griega, formado tras la división del Imperio romano en dos mitades, oriental y occidental, y a veces de partes de Italia bajo dominio bizantino. Surge de la Antigüedad tardía alrededor del año 500 d. C. y pronto formó una tradición distinta a la de la Europa católica, pero con gran influencia sobre ella. A principios de la Edad Media, el mejor arte bizantino, a menudo procedente de los grandes talleres imperiales, representaba un ideal de sofisticación y técnica que los mecenas europeos intentaron emular. Durante el período de la iconoclasia bizantina (730-843), la gran mayoría de los iconos (imágenes sagradas generalmente pintadas sobre madera) fueron destruidos; quedan tan pocos que hoy en día cualquier descubrimiento aporta una nueva perspectiva, y la mayoría de las obras que se conservan se encuentran en Italia (Roma y Rávena, etc.) o en Egipto, en el Monasterio de Santa Catalina .

El arte bizantino fue extremadamente conservador, por razones religiosas y culturales, pero conservó una tradición continua de realismo griego, que se enfrentó a un fuerte impulso antirrealista y hierático. Tras la reanudación de la producción de iconos en 843 hasta 1453, la tradición artística bizantina continuó con relativamente pocos cambios, a pesar de, o debido a, la lenta decadencia del Imperio. Hubo un notable resurgimiento del estilo clásico en obras de arte cortesano del siglo X, como el Salterio de París , y a lo largo de este período, la iluminación de manuscritos muestra estilos paralelos, a menudo empleados por el mismo artista, para figuras icónicas en miniaturas enmarcadas y escenas o figuras pequeñas más informales añadidas sin enmarcar en los márgenes del texto con un estilo mucho más realista. ^{[ 13 ]}

La escultura monumental con figuras siguió siendo un tabú en el arte bizantino; apenas se conocen excepciones. Pero los pequeños relieves de marfil, casi todos de estilo icónico (el tríptico de Harbaville es de fecha similar al Salterio de París, pero de estilo muy diferente), eran una especialidad, al igual que la decoración en relieve de cuencos y otros objetos de metal.

El Imperio bizantino produjo gran parte del arte más selecto de la Edad Media en cuanto a calidad de materiales y mano de obra, con la producción cortesana centrada en Constantinopla , aunque algunos historiadores del arte han cuestionado la suposición, aún común, de que toda obra de la mejor calidad, sin indicación de su origen, se produjo en la capital. El mayor logro del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos del interior de las iglesias con cúpula, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y a la conversión de iglesias en mezquitas .

El arte bizantino ejerció una influencia constante en el arte de Europa occidental, y el esplendor de la corte y los monasterios bizantinos, incluso al final del Imperio, sirvió de modelo para los gobernantes occidentales y los mecenas seculares y clericales. Por ejemplo, los textiles de seda bizantinos , a menudo tejidos o bordados con diseños de figuras animales y humanas, reflejando los primeros tradiciones originarias de Oriente, fueron insuperables en el mundo cristiano hasta casi el final del Imperio. Estos se producían, aunque probablemente no en su totalidad, en los talleres imperiales de Constantinopla, de cuyas operaciones apenas se tiene información; se suele conjeturar la existencia de talleres similares para otras artes, con aún menos pruebas. El estilo de fondo dorado en mosaicos, iconos y miniaturas de manuscritos era común en toda Europa durante el período gótico. Otras artes decorativas estaban menos desarrolladas; la cerámica bizantina rara vez supera el nivel de arte popular atractivo , a pesar de la herencia de la Antigua Grecia y el impresionante futuro que alcanzaron durante el período otomano las piezas de İznik y otros tipos de cerámica.

Otras tradiciones locales en Armenia , Siria , Georgia y otros lugares mostraron, en general, menor sofisticación, pero a menudo mayor vigor que el arte de Constantinopla , y a veces, especialmente en arquitectura , parecen haber influido incluso en Europa Occidental. Por ejemplo, la escultura monumental figurativa en el exterior de las iglesias aparece aquí algunos siglos antes de que se vea en Occidente. ^{[ 14 ]}

A menudo se pasan por alto en las reseñas de arte medieval las obras del continente africano. Entre ellas se encuentran las de Egipto, Nubia y Etiopía. Tras el rechazo de las iglesias africanas al Concilio de Calcedonia y su transformación en las Iglesias Ortodoxas Orientales , su arte se desarrolló en nuevas direcciones, relacionadas con Bizancio pero distintas de ella.

El arte copto surgió de concepciones egipcias autóctonas, con un estilo no realista, caracterizado a menudo por figuras de ojos grandes que flotan sobre fondos sin pintar. La decoración copta empleaba intrincados diseños geométricos, que posteriormente adoptó el arte islámico. Gracias a la excepcional conservación de los enterramientos egipcios, conocemos más sobre los textiles utilizados por las clases menos pudientes en Egipto que en cualquier otro lugar. Estos textiles solían estar ricamente decorados con diseños figurativos y estampados.

El arte etíope fue una parte vital del imperio aksumita , siendo un ejemplo importante los Evangelios de Garima , entre los manuscritos bíblicos ilustrados más antiguos del mundo. Las obras sobre la Virgen María eran especialmente propensas a ser ilustradas, como lo demuestra un manuscrito real conocido como EMML 9002, creado a finales del siglo XIV. ^{[ 15 ]} Algunas de estas imágenes de María pueden verse en el proyecto «Milagros de María en Etiopía, Eritrea y Egipto» de Princeton. ^{[ 16 ]}

El concepto de «arte del período de las migraciones» incluye el arte de los pueblos germánicos y de Europa del Este, considerados « bárbaros », que emigraron y se asentaron en el antiguo Imperio Romano y en la Europa en general durante el período de las migraciones, aproximadamente entre los años 300 y 700 a. C. Este término general abarca una amplia gama de estilos étnicos o regionales, incluyendo el arte anglosajón primitivo , el arte visigodo , el arte vikingo y el arte merovingio , todos los cuales emplearon el estilo animalístico , así como motivos geométricos derivados del arte clásico. En este período, el estilo animalístico había alcanzado una forma mucho más abstracta que en el arte escita anterior o en el estilo de La Tène . La mayoría de las obras de arte eran pequeñas y portátiles, y las que se conservan son principalmente joyas y objetos de metal, con un arte expresado en diseños geométricos o esquemáticos, a menudo bellamente concebidos y elaborados, con pocas figuras humanas y sin ningún intento de realismo. Los primeros ajuares funerarios anglosajones de Sutton Hoo se encuentran entre los mejores ejemplos.

A medida que los misioneros cristianos convertían gradualmente a los pueblos "bárbaros", el arte étnico interactuó con la tradición artística cristiana mediterránea posclásica y adoptó nuevas formas, como el manuscrito iluminado ^{[ 17 ]} e incluso monedas , que intentaban emular las monedas provinciales romanas y los tipos bizantinos . Las primeras monedas, como el sceat, muestran a los diseñadores —completamente desprevenidos en la representación de una cabeza de perfil— lidiando con el problema de diversas maneras.

En cuanto a las obras de mayor tamaño, existen referencias a estatuas paganas de madera anglosajonas, todas perdidas hoy en día; y en el arte nórdico, la tradición de las piedras rúnicas talladas continuó tras la conversión de los nórdicos al cristianismo. Los pictos celtas de Escocia también tallaban piedras antes y después de su conversión, y la singular tradición anglosajona e irlandesa de grandes cruces talladas al aire libre podría reflejar obras paganas anteriores. El arte vikingo de siglos posteriores en Escandinavia y en algunas partes de las Islas Británicas incluye obras de origen tanto pagano como cristiano, y muestra uno de los últimos esplendores de este amplio grupo de estilos.

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  Fíbulas germánicas , principios del siglo V.
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  Moneda de plata anglosajona , Kent , c. 720. Cabeza diademada sosteniendo una cruz; reverso, serpiente con cabeza de lobo.
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  Piedra con imagen procedente de Suecia.

El arte insular se refiere al estilo distintivo que se desarrolló en Irlanda y Gran Bretaña desde aproximadamente el siglo VII hasta el siglo X, y que perduró posteriormente en Irlanda y algunas zonas de Escocia. Este estilo fue testigo de una fusión entre las tradiciones del arte celta , el arte del período de las migraciones germánicas de los anglosajones y las formas cristianas del libro, las cruces altas y la orfebrería litúrgica.

Decoración geométrica, entrelazada y estilizada de animales, sumamente detallada , con formas derivadas de la orfebrería secular como los broches , se extendía audazmente por los manuscritos, generalmente libros de evangelios como el Libro de Kells , con páginas enteras dedicadas a tales diseños, y el desarrollo de la gran inicial decorada e historiada . Había muy pocas figuras humanas —en su mayoría retratos de evangelistas— y estas eran toscas, incluso cuando seguían fielmente los modelos de la Antigüedad tardía.

El estilo manuscrito insular fue transmitido al continente por la misión hiberno-escocesa , y su energía anticlásica fue de suma importancia en la formación de los estilos medievales posteriores. En la mayoría de los manuscritos de la Antigüedad tardía, el texto y la decoración se mantenían claramente separados, aunque algunas iniciales comenzaron a ampliarse y elaborarse. Sin embargo, los principales manuscritos insulares a veces ocupan una página entera para una sola inicial o las primeras palabras (véase la ilustración) al comienzo de los evangelios u otras secciones de un libro. Esta libertad para la decoración influyó enormemente en el arte románico y gótico en todas sus formas.

Los edificios de los monasterios para los que se elaboraron los libros de evangelios insulares eran entonces pequeños y podrían considerarse primitivos, especialmente en Irlanda. Cada vez se añadían más decoraciones a las iglesias, siempre que era posible en metales preciosos, y se conservan algunas, como el Cáliz de Ardagh , junto con un mayor número de piezas de joyería secular de alto estatus, sumamente ornamentadas y finamente elaboradas, como los broches celtas , probablemente usados ​​principalmente por hombres, de los cuales el Broche de Tara es el más espectacular.

El término «franco-sajón» designa una escuela de iluminación carolingia tardía del noreste de Francia que empleaba una decoración de estilo insular, incluyendo iniciales de gran tamaño, a veces combinadas con imágenes figurativas típicas de los estilos franceses contemporáneos. Considerado el «más tenaz de todos los estilos carolingios», se mantuvo vigente hasta bien entrado el siglo XI. ^{[ 18 ]}

Iniciales gigantes

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  Versión carolingia del estilo insular; compárese con el "Liber generationis  ..." anterior.
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  Franco-Sajón "In principio", 871-3.
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  Entrelazado románico , "habitado" con figuras, Inglaterra, 1190-1200.
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  Trazos típicos de pluma gótica en una copia de trabajo sin ilustraciones del evangelio de Juan en inglés, de finales del siglo XIV.

El arte islámico durante la Edad Media queda fuera del alcance de este artículo, pero fue ampliamente importado y admirado por las élites europeas, y su influencia merece ser mencionada. ^{[ 19 ]} El arte islámico abarca una amplia variedad de medios, incluyendo caligrafía, manuscritos ilustrados, textiles, cerámica, metalistería y vidrio, y se refiere al arte de los países musulmanes del Cercano Oriente, la España islámica y el norte de África, aunque no siempre artistas o artesanos musulmanes. La producción de vidrio , por ejemplo, siguió siendo una especialidad judía durante todo el período, y el arte cristiano, como en el Egipto copto , continuó, especialmente durante los primeros siglos, manteniendo algunos contactos con Europa. Hubo una etapa formativa temprana entre 600 y 900 y el desarrollo de estilos regionales a partir del 900. El arte islámico temprano empleó artistas de mosaicos y escultores formados en las tradiciones bizantina y copta. ^{[ 20 ]} En lugar de pinturas murales, el arte islámico empleó azulejos pintados , ya desde 862-3 (en la Gran Mezquita de Kairouan en la actual Túnez ), que también se extendieron a Europa. ^{[ 21 ]} Según John Ruskin , el Palacio Ducal de Venecia contiene «tres elementos en proporciones exactamente iguales: el romano, el lombardo y el árabe. Es el edificio central del mundo.  ... la historia de la arquitectura gótica es la historia del refinamiento y la espiritualización de la obra nórdica bajo su influencia». ^{[ 22 ]}

Los gobernantes islámicos controlaron en diversos puntos Sicilia ( Emirato de Sicilia ) y la mayor parte de la Península Ibérica ( Al-Ándalus ), gobernando así también a poblaciones cristianas. Los cruzados cristianos gobernaron igualmente a poblaciones islámicas. El arte cruzado es principalmente un híbrido de estilos católico y bizantino, con escasa influencia islámica, pero el arte mozárabe de los cristianos en Al-Ándalus parece mostrar una considerable influencia del arte islámico, aunque los resultados se asemejan poco a las obras islámicas contemporáneas. La influencia islámica también se puede rastrear en la corriente principal del arte medieval occidental, por ejemplo, en el portal románico de Moissac , en el sur de Francia, donde se manifiesta tanto en elementos decorativos, como los bordes festoneados de la puerta y las decoraciones circulares del dintel superior, como en la representación de Cristo en Majestad rodeado de músicos, que se convertiría en un rasgo común de las escenas celestiales occidentales y que probablemente deriva de imágenes de reyes islámicos en su diwan . ^{[ 23 ]} La caligrafía , el ornamento y las artes decorativas en general eran más importantes que en Occidente. ^{[ 24 ]}

La cerámica hispano-morisca de España se produjo por primera vez en Al-Ándalus, pero parece que los alfareros musulmanes emigraron a la zona de la Valencia cristiana , donde produjeron obras que se exportaron a las élites cristianas de toda Europa; ^{[ 25 ]} otros tipos de artículos de lujo islámicos, en particular los textiles de seda y las alfombras, procedían del mundo islámico oriental, generalmente más rico ^{[ 26 ]} (sin embargo, las rutas islámicas hacia Europa al oeste del Nilo no eran más ricas), ^{[ 27 ]} y muchos pasaban por Venecia. ^{[ 28 ]} Sin embargo, en su mayor parte, los productos de lujo de la cultura cortesana, como las sedas, el marfil, las piedras preciosas y las joyas, se importaban a Europa solo en forma inacabada y los artesanos medievales locales los transformaban en el producto final etiquetado como "oriental". ^{[ 29 ]} Estaban libres de representaciones de escenas religiosas y normalmente decorados con ornamentos , lo que facilitó su aceptación en Occidente, ^{[ 30 ]} de hecho, a finales de la Edad Media hubo una moda de imitaciones pseudocúficas de la escritura árabe utilizadas decorativamente en el arte occidental.

El prerrománico es un término que designa la arquitectura y, en cierta medida, el arte pictórico y mueble, originario del sur de Europa (España, Italia y el sur de Francia), desde la Antigüedad tardía hasta el inicio del período románico en el siglo XI. El arte del norte de Europa se integra gradualmente en este movimiento tras la cristianización , al asimilar estilos posclásicos. El arte carolingio del Imperio franco , especialmente en la Francia y Alemania modernas, entre los años 780 y 900 aproximadamente, toma su nombre de Carlomagno y es un arte propio de la corte y de algunos centros monásticos bajo el patrocinio imperial, que buscaba conscientemente revivir los estilos y estándares romanos, acordes con el nuevo Imperio de Occidente . Algunos centros de producción carolingia también fueron pioneros en estilos expresivos en obras como el Salterio de Utrecht y los Evangelios de Ebbo . Se registra por primera vez la escultura monumental cristiana y la representación de la figura humana en escenas narrativas adquiere seguridad por primera vez en el arte del norte. La arquitectura carolingia produjo edificios más grandes de los que se habían visto desde la época romana, y el trabajo occidental y otras innovaciones. ^{[ 31 ]}

Tras el colapso de la dinastía, hubo un paréntesis antes de que una nueva dinastía impulsara un renacimiento en Alemania con el arte otoniano , nuevamente centrado en la corte y los monasterios, con un arte que buscaba una gran expresividad a través de formas simples que alcanzaban monumentalidad incluso en obras pequeñas como relieves de marfil y miniaturas de manuscritos , sobre todo las de la Escuela de Reichenau , como las Perícopas de Enrique II (1002-1012). El arte anglosajón posterior en Inglaterra, a partir de aproximadamente el año 900, fue expresivo de una manera muy diferente, con figuras agitadas e incluso drapeados que quizás se aprecian mejor en los numerosos dibujos a pluma de los manuscritos. El arte mozárabe de la España cristiana tuvo una fuerte influencia islámica y una completa falta de interés por el realismo en sus miniaturas de colores brillantes, donde las figuras se presentan como patrones completamente planos. Ambos factores influyeron en la formación del estilo románico en Francia. ^{[ 32 ]}

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  Retrato de un evangelista carolingio del Codex Aureus de Lorsch , basado en un modelo de la Antigüedad tardía, finales del siglo VIII.
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  Otro retrato de un evangelista carolingio en estilo realista griego/bizantino, probablemente de un artista griego, también de finales del siglo VIII. ^{[ 33 ]}
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  Miniatura mozárabe del Beato , finales del siglo X.
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  El Apocalipsis de Bamberg , de la escuela otoniana de Reichenau, alcanza la monumentalidad a pequeña escala. 1000–1020.

El arte románico se desarrolló en el período comprendido entre aproximadamente el año 1000 y el auge del arte gótico en el siglo XII, en conjunción con el auge del monacato en Europa Occidental. El estilo se desarrolló inicialmente en Francia, pero se extendió a la España cristiana, Inglaterra, Flandes, Alemania, Italia y otros lugares, convirtiéndose en el primer estilo medieval presente en toda Europa, aunque con diferencias regionales. ^{[ 34 ]} La llegada del estilo coincidió con un gran aumento en la construcción de iglesias y en el tamaño de las catedrales e iglesias más grandes; muchas de ellas fueron reconstruidas en períodos posteriores, pero a menudo alcanzaron aproximadamente su tamaño actual durante el período románico. La arquitectura románica está dominada por muros gruesos, estructuras macizas concebidas como una sola forma orgánica, con techos abovedados y ventanas y arcos de medio punto.

La escultura figurativa, originalmente pintada con colores vivos, desempeña un papel fundamental en estos edificios, tanto en los capiteles de las columnas como alrededor de impresionantes portales , generalmente centrados en un tímpano sobre las puertas principales, como en la abadía de Vézelay y la catedral de Autun . Los relieves son mucho más comunes que las estatuas exentas de piedra, pero el relieve románico alcanzó mayor altura, con algunos elementos completamente separados de la pared. Las grandes tallas también cobraron importancia, especialmente los crucifijos de madera pintados , como la Cruz de Gero, desde el comienzo del período, y las figuras de la Virgen María, como la Virgen Dorada de Essen . La realeza y el alto clero comenzaron a encargar efigies de tamaño natural para monumentos funerarios . Algunas iglesias contaban con enormes puertas de bronce dobles decoradas con paneles narrativos en relieve, como las Puertas de Gniezno o las de Hildesheim , «las primeras puertas de bronce decoradas fundidas en una sola pieza en Occidente desde la época romana», y posiblemente las más bellas antes del Renacimiento. ^{[ 35 ]}

La mayoría de las iglesias estaban profusamente decoradas con frescos; un esquema típico presentaba a Cristo en Majestad en el extremo este (altar), un Juicio Final en el extremo oeste sobre las puertas, y escenas de la Vida de Cristo que se correspondían tipológicamente con escenas del Antiguo Testamento en las paredes de la nave . El «mayor monumento superviviente de pintura mural románica», muy reducido respecto a su estado original, se encuentra en la iglesia abacial de Saint-Savin-sur-Gartempe, cerca de Poitiers , donde la bóveda de cañón redondeada de la nave , la cripta , el pórtico y otras áreas conservan la mayor parte de sus pinturas. ^{[ 36 ]} Un ciclo equivalente en Sant'Angelo in Formis en Capua , en el sur de Italia, realizado por pintores italianos formados por griegos, ilustra la continua predominancia del estilo bizantino en gran parte de Italia. ^{[ 37 ]}

La escultura y la pintura románicas suelen ser vigorosas y expresivas, e ingeniosas en cuanto a la iconografía : los temas elegidos y su tratamiento. Aunque muchas características absorbidas del arte clásico forman parte del estilo románico, los artistas románicos rara vez pretendieron lograr algún tipo de efecto clásico, excepto quizás en el arte mosano . ^{[ 38 ]} A medida que el arte se hizo accesible a un sector más amplio de la población, y debido a los desafíos de las nuevas herejías , el arte se volvió más didáctico, y la iglesia local la « Biblia del pobre ». Al mismo tiempo, las bestias y monstruos grotescos, y las luchas con o entre ellos, eran temas populares, a los que se podían atribuir vagamente significados religiosos, aunque esto no impresionó a San Bernardo de Claraval , quien denunció públicamente tales distracciones en los monasterios:

Pero en el claustro, a la vista de los monjes lectores, ¿qué sentido tiene semejante monstruosidad ridícula, esa extraña clase de informeidad con forma? ¿Por qué estos monos de aspecto desagradable, por qué estos leones feroces, por qué los monstruosos centauros, por qué los semihumanos, por qué los tigres moteados, por qué los soldados combatientes, por qué los cazadores que tocan la trompeta?  ... En resumen, hay tal variedad y tal diversidad de formas extrañas por doquier que quizás prefiramos leer las canicas antes que los libros. ^{[ 39 ]}

Es muy posible que conociera la miniatura de la izquierda, que fue realizada en la abadía de Cîteaux antes de que el joven Bernardo fuera trasladado de allí en 1115. ^{[ 40 ]}

Durante este periodo, la tipología se convirtió en el enfoque dominante en la literatura y el arte teológicos para interpretar la Biblia, considerando los episodios del Antiguo Testamento como prefiguraciones de aspectos de la vida de Cristo y mostrándolos junto con su correspondiente episodio del Nuevo Testamento. A menudo, la iconografía de las escenas del Nuevo Testamento se basaba en tradiciones y modelos originarios de la Antigüedad tardía, pero la iconografía de los episodios del Antiguo Testamento tuvo que inventarse en este periodo, por falta de precedentes. Se idearon nuevos temas, como el Árbol de Jesé , y las representaciones de Dios Padre se hicieron más aceptables. La gran mayoría del arte que se conserva es religioso. El arte mosano fue un estilo regional especialmente refinado, con una gran cantidad de magníficas obras de metal que se conservan, a menudo combinadas con esmalte , y elementos de clasicismo poco comunes en el arte románico, como en la pila bautismal de la iglesia de San Bartolomé en Lieja , o el Santuario de los Tres Reyes Magos en Colonia , una de las numerosas obras que se conservan de Nicolás de Verdún , cuyos servicios eran solicitados en todo el noroeste de Europa.

Las vidrieras se convirtieron en una forma de arte significativa en este período, aunque se conservan pocas vidrieras románicas. En los manuscritos iluminados, la Biblia se convirtió en un nuevo foco de decoración intensiva, y el salterio también mantuvo su importancia. El fuerte énfasis en el sufrimiento de Cristo y otras figuras sagradas se introdujo en el arte occidental en este período, una característica que lo distingue claramente tanto del arte bizantino como del clásico durante el resto de la Edad Media y posteriormente. La Cruz de Gero de 965-970, en la cúspide del arte otoniano y románico, ha sido considerada la primera obra en exhibir esto. ^{[ 41 ]} El final del período románico vio el comienzo del énfasis mucho mayor en la Virgen María en la teología, la literatura y, por ende, también en el arte, que alcanzaría su máxima expresión en el período gótico.

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  El Santuario de los Tres Reyes Magos en la Catedral de Colonia , Colonia , Alemania, 1180-1225
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  El clasicismo del arte mosano ; relicario de Nicolás de Verdún en Tournai , 1205.
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  Jonás tragado por la ballena , capitel en la nave de la Abadía de Mozac.
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  María Magdalena anunciando la Resurrección a los Apóstoles , Salterio de St Albans , inglés, 1120–1145.
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  Los frescos del siglo XII en la iglesia de St Botolph, Inglaterra , forman parte del «Grupo de Lewes» de pinturas románicas creadas para el priorato de Lewes . ^{[ 42 ]}

El arte gótico es un término variable que depende del oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica que se desarrolló en Francia a partir de 1137 con la reconstrucción de la iglesia abacial de Saint-Denis . Al igual que en la arquitectura románica, esta incluía la escultura como parte integral del estilo, con portales aún más grandes y otras figuras en las fachadas de las iglesias como el lugar de la escultura más importante, hasta el período tardío, cuando los grandes retablos y retablos tallados , generalmente en madera pintada y dorada, se convirtieron en un foco importante en muchas iglesias. La pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas matizaciones), cuando se separó del estilo románico. Un estilo gótico en escultura se originó en Francia alrededor de 1144 y se extendió por toda Europa, convirtiéndose en el siglo XIII en el estilo internacional, reemplazando al románico, aunque en escultura y pintura la transición no fue tan abrupta como en arquitectura.

La mayoría de las catedrales y grandes iglesias románicas fueron sustituidas por edificios góticos, al menos en aquellos lugares que se beneficiaron del crecimiento económico de la época. La arquitectura románica se aprecia mejor hoy en día en zonas que posteriormente sufrieron una relativa depresión económica, como muchas regiones del sur de Francia e Italia, o el norte de España. La nueva arquitectura permitió la construcción de vidrieras mucho más grandes, y las vidrieras de una calidad nunca superada son quizás el tipo de arte más asociado popularmente con el gótico, aunque las iglesias que conservan casi todas sus vidrieras originales, como la Sainte-Chapelle de París, son extremadamente raras en cualquier parte del mundo y desconocidas en Gran Bretaña.

La mayoría de las pinturas murales góticas también han desaparecido; estas seguían siendo muy comunes, aunque en las iglesias parroquiales a menudo estaban ejecutadas de forma bastante tosca. Los edificios seculares también solían tener pinturas murales, aunque la realeza prefería los tapices, mucho más caros, que llevaban consigo en sus viajes entre sus numerosos palacios y castillos, o en las campañas militares; la mejor colección de arte textil de finales de la Edad Media proviene del botín suizo de la batalla de Nancy , cuando derrotaron y mataron a Carlos el Temerario , duque de Borgoña , y capturaron todo su séquito. ^{[ 43 ]}

Como se mencionó en la sección anterior, el período gótico coincidió con un mayor énfasis en la Virgen María, y fue en este período cuando la Virgen con el Niño se convirtió en un símbolo del arte católico. Los santos también se representaban con mucha más frecuencia, y surgieron muchos de los atributos desarrollados para identificarlos visualmente ante un público aún mayoritariamente analfabeto.

Durante este periodo, la pintura sobre tabla para retablos, a menudo polípticos y obras de menor tamaño, adquirió una nueva importancia. Anteriormente, los iconos sobre tabla habían sido mucho más comunes en el arte bizantino que en Occidente, aunque muchas pinturas sobre tabla occidentales, ahora perdidas, están documentadas en periodos mucho más antiguos. Inicialmente, los pintores occidentales sobre tabla estuvieron muy influenciados por los modelos bizantinos, especialmente en Italia, de donde proceden la mayoría de las primeras pinturas occidentales sobre tabla. El proceso de establecer un estilo occidental distintivo fue iniciado por Cimabue y Duccio , y completado por Giotto , a quien tradicionalmente se considera el punto de partida del desarrollo de la pintura renacentista. Sin embargo, la mayor parte de la pintura sobre tabla se mantuvo más conservadora que la pintura en miniatura, en parte debido a su amplio alcance público.

El gótico internacional describe el arte gótico cortesano desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después del cual el arte gótico comienza a fusionarse con el arte renacentista que había comenzado a formarse en Italia durante el Trecento , con un retorno a los principios clásicos de composición y realismo, con el escultor Nicola Pisano y el pintor Giotto como figuras especialmente formativas. Las Très Riches Heures du Duc de Berry es una de las obras más conocidas del gótico internacional. La transición al Renacimiento se produjo en diferentes momentos y lugares: la pintura primitiva de los Países Bajos se sitúa entre ambos, al igual que el pintor italiano Pisanello . Fuera de Italia, los estilos renacentistas aparecieron en algunas obras de las cortes y algunas ciudades ricas, mientras que otras obras, y todas las obras fuera de estos centros de innovación, continuaron con los estilos góticos tardíos durante un período de varias décadas. La Reforma protestante a menudo marcó el final de la tradición gótica en las zonas que se convirtieron al protestantismo, ya que estaba asociada con el catolicismo.

La invención de un sistema integral de perspectiva lineal basado en las matemáticas es un logro fundamental del Renacimiento italiano de principios del siglo XV en Florencia , pero la pintura gótica ya había avanzado considerablemente en la representación naturalista de la distancia y el volumen, aunque no solía considerarlos características esenciales de una obra si otros objetivos entraban en conflicto con ellos, y la escultura gótica tardía era cada vez más naturalista. En la miniatura borgoñona de mediados del siglo XV (derecha), el artista parece empeñado en demostrar su habilidad para representar edificios y bloques de piedra de forma oblicua, y para manejar escenas a diferentes distancias. Sin embargo, su intento general de reducir el tamaño de los elementos más distantes es asistemático. Las secciones de la composición tienen una escala similar, y la distancia relativa se muestra mediante la superposición, el escorzo y la altura de los objetos más lejanos, aunque los obreros de la izquierda muestran un ajuste de tamaño más preciso. Pero esto se abandona a la derecha, donde la figura más importante es mucho mayor que el albañil.

El final del período incluye nuevos medios como los grabados ; junto con las pequeñas pinturas sobre tabla, estos se usaban frecuentemente para los emotivos andachtsbilder ("imágenes devocionales") influenciados por las nuevas tendencias religiosas de la época. Estas eran imágenes de momentos separados de la narración de la Pasión de Cristo, diseñadas para la meditación sobre sus sufrimientos o los de la Virgen: el Varón de Dolores , la Piedad , el Velo de Verónica o el Arma Christi . El trauma de la Peste Negra a mediados del siglo XIV fue al menos parcialmente responsable de la popularidad de temas como la Danza de la Muerte y el Memento mori . En los libros de xilografía baratos con texto (a menudo en la lengua vernácula ) e imágenes grabadas en una sola xilografía , las obras más populares fueron obras como la ilustrada (izquierda), el Ars Moriendi ( Arte de Morir ) y resúmenes tipológicos de versículos bíblicos como el Speculum Humanae Salvationis ( Espejo de la Salvación Humana ).

El humanismo renacentista y el auge de una próspera clase media urbana, liderada por comerciantes, comenzaron a transformar el antiguo contexto social del arte, con el resurgimiento del retrato realista y la aparición del grabado y el autorretrato , junto con el declive de formas como las vidrieras y los manuscritos iluminados. Los retratos de donantes , en la Alta Edad Media reservados en gran medida a papas, reyes y abades, ahora mostraban a comerciantes y sus familias, y las iglesias se llenaban de monumentos funerarios de personas adineradas.

El libro de horas , un tipo de manuscrito que normalmente pertenecía a laicos, o incluso más a menudo a laicas, se convirtió en el tipo de manuscrito más profusamente ilustrado a partir del siglo XIV, y también en este período, la producción de miniaturas pasó a manos de artistas laicos, también muy a menudo mujeres. En los centros más importantes de la iluminación, París y, en el siglo XV, las ciudades de Flandes , existían grandes talleres que exportaban a otras partes de Europa. Otras formas de arte, como pequeños relieves de marfil, vidrieras, tapices y alabastros de Nottingham (paneles tallados baratos para retablos), se producían en condiciones similares, y los artistas y artesanos de las ciudades solían estar amparados por el sistema de gremios artesanales : el gremio de orfebres era típicamente uno de los más ricos de una ciudad, y los pintores eran miembros de un gremio especial de San Lucas en muchos lugares.

Las obras profanas, que a menudo trataban temas relacionados con el amor cortés o el heroísmo caballeresco , se producían en forma de manuscritos iluminados, espejos con marcos de marfil tallado, tapices y elaborados centros de mesa de oro, como los nefs . Se empieza a distinguir un número mucho mayor de artistas individuales, algunos de los cuales gozaban de renombre internacional. Comienzan a aparecer coleccionistas de arte: de manuscritos entre los grandes nobles, como Juan, duque de Berry (1340-1416), y de grabados y otras obras entre aquellos con una riqueza moderada. En las zonas más prósperas, pequeños y económicos grabados religiosos en madera llevaron el arte, con una aproximación al estilo más reciente, incluso a los hogares de los campesinos a finales del siglo XV.

Virgen María

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  El icono bizantino más antiguo de la Virgen María, de alrededor del año 600, realizado en técnica de encáustica , que se encuentra en el monasterio de Santa Catalina, conserva gran parte del estilo realista griego.
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  Estatua románica de la Virgen como Sede de la Sabiduría , siglo XII.
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  La " Virgen del Manto de la Misericordia de Ravensburg ", madera de tilo pintada, ca. 1480, tipo Virgen de la Misericordia . Atribuida a Michel Erhart .
• 
  «La caza de la Anunciación del Unicornio » ( c. 1500 ), procedente de un Libro de Horas neerlandés recopilado por John Pierpont Morgan . Para la compleja iconografía , véase Hortus conclusus.

El arte medieval tenía poco conocimiento de su propia historia del arte, y este desinterés persistió en épocas posteriores. El Renacimiento generalmente lo desestimó como un producto "bárbaro" de la " Edad Oscura ", y el término "gótico" se inventó con un carácter deliberadamente peyorativo, utilizado por primera vez por el pintor Rafael en una carta de 1519 para caracterizar todo lo que había surgido entre la desaparición del arte clásico y su supuesto "renacimiento" en el Renacimiento . El término fue posteriormente adoptado y popularizado a mediados del siglo XVI por el artista e historiador florentino Giorgio Vasari , quien lo utilizó para denigrar la arquitectura del norte de Europa en general. Los manuscritos iluminados continuaron siendo coleccionados por anticuarios , o permanecían olvidados en bibliotecas monásticas o reales, pero las pinturas solo despertaban interés si tenían vínculos históricos con la realeza u otras personalidades. El largo período de maltrato al Retablo de Westminster por parte de la Abadía de Westminster es un ejemplo; hasta el siglo XIX, solo se le consideraba un útil trozo de madera. Pero su gran retrato de Ricardo II de Inglaterra se conservó en buen estado, al igual que otro retrato de Ricardo, el Díptico de Wilton (ilustrado arriba). Como en la propia Edad Media, otros objetos han sobrevivido a menudo principalmente porque se consideraban reliquias .

No existía un equivalente en el arte pictórico de la " supervivencia gótica " que se encontraba en la arquitectura, una vez que el estilo finalmente desapareció en Alemania, Inglaterra y Escandinavia , y el Renacimiento Gótico se centró durante mucho tiempo en la arquitectura gótica más que en el arte. La comprensión de la sucesión de estilos era todavía muy débil, como sugiere el título del libro pionero de Thomas Rickman sobre la arquitectura inglesa: Un intento de discriminar los estilos de la arquitectura inglesa desde la Conquista hasta la Reforma (1817). Esto comenzó a cambiar drásticamente a mediados del siglo XIX, cuando la apreciación de la escultura medieval y su pintura, conocida como "Primitivos" italianos o flamencos, se puso de moda bajo la influencia de escritores como John Ruskin , Eugène Viollet-le-Duc y Pugin , así como el medievalismo romántico de obras literarias como Ivanhoe (1819) de Sir Walter Scott y El jorobado de Notre-Dame (1831) de Victor Hugo . Entre los primeros coleccionistas de los "Primitivos", entonces todavía relativamente baratos, se encontraba el príncipe Alberto .

Entre los artistas, el movimiento nazareno alemán de 1809 y la Hermandad Prerrafaelita inglesa de 1848 rechazaron los valores al menos del Renacimiento tardío, pero en la práctica, y a pesar de representar a veces escenas medievales, su obra se nutre principalmente del Renacimiento temprano en lugar del gótico o períodos anteriores; la obra gráfica temprana de John Millais es una excepción. ^{[ 45 ]} William Morris , también un coleccionista exigente de arte medieval, absorbió el estilo medieval más plenamente en su obra, al igual que William Burges .

A finales del siglo XIX, muchos ilustradores de libros y productores de artes decorativas de diversa índole habían aprendido a utilizar con éxito los estilos medievales gracias a los nuevos museos, como el Victoria & Albert Museum, creados con este fin. Al mismo tiempo, el nuevo campo académico de la historia del arte , dominado por Alemania y Francia, se centró en gran medida en el arte medieval y pronto se volvió muy productivo en la catalogación y datación de las obras conservadas, así como en el análisis del desarrollo de los estilos y la iconografía medievales; si bien el período de la Antigüedad tardía y el período precarolingio siguieron siendo una "tierra de nadie" poco explorada hasta el siglo XX. ^{[ 46 ]}

Franz Theodor Kugler fue el primero en nombrar y describir el arte carolingio en 1837; al igual que muchos historiadores del arte de la época, buscó encontrar y promover el espíritu nacional de su propio país en la historia del arte, una búsqueda iniciada por Johann Gottfried Herder en el siglo XVIII. El discípulo de Kugler, el gran historiador del arte suizo Jacob Burckhardt , aunque no se le podría considerar un especialista en arte medieval, fue una figura importante en el desarrollo de su comprensión. El arte medieval era entonces objeto de numerosas colecciones, tanto de museos como de coleccionistas privados como George Salting , la familia Rothschild y John Pierpont Morgan .

Tras el declive del neogótico y el uso de estilos insulares por parte del renacimiento celta , los elementos antirrealistas y expresivos del arte medieval han seguido siendo una fuente de inspiración para muchos artistas modernos.

Los historiadores del arte de habla alemana continuaron dominando la historia del arte medieval, a pesar de figuras como Émile Mâle (1862-1954) y Henri Focillon (1881-1943), hasta el período nazi, cuando un gran número de figuras importantes emigraron, principalmente a Gran Bretaña o Estados Unidos, donde el estudio académico de la historia del arte aún estaba en desarrollo. Entre ellos se encontraban el anciano Adolph Goldschmidt y figuras más jóvenes como Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer y muchos otros. Meyer Schapiro había emigrado siendo niño en 1907.

La gran mayoría del arte religioso medieval narrativo representaba acontecimientos bíblicos, donde la mayoría de los personajes eran judíos. Sin embargo, el grado de énfasis que se ponía en este aspecto variaba considerablemente. Durante la Edad Media, algunas obras de arte cristiano se utilizaron para expresar prejuicios y opiniones negativas comunes.

En la Europa medieval entre los siglos V y XV, muchos cristianos veían a los judíos como enemigos y forasteros debido a diversos factores. ^{[ 47 ]} También tendían a odiarlos por ser cultural y religiosamente diferentes, así como por enseñanzas religiosas que tenían visiones negativas del pueblo judío, como las representaciones del Anticristo como judío. ^{[ 48 ]} La posición económica del pueblo judío como prestamistas, junto con la protección real que se les otorgaba , creó una relación tensa entre judíos y cristianos. Esta tensión se manifestó de varias maneras, una de las cuales fue a través de la creación de arte y propaganda antisemita y antijudía que servían para desacreditar tanto a los judíos como a sus creencias religiosas, así como para difundir aún más estas creencias en la sociedad. Las imágenes de finales de la Edad Media de la Ecclesia y la Synagoga representaban la doctrina cristiana del supersesionismo , según la cual el Nuevo Pacto cristiano había reemplazado al pacto mosaico judío . ^{[ 49 ]} Sara Lipton ha argumentado que algunas representaciones, como las de la ceguera judía en presencia de Jesús, tenían como objetivo servir como una forma de autorreflexión en lugar de ser explícitamente antisemitas. ^{[ 50 ]}

En su libro de 2013, Saracens, Demons, and Jews , Debra Higgs Strickland argumenta que las representaciones negativas de los judíos en el arte medieval se pueden dividir en tres categorías: arte que se centraba en descripciones físicas, arte que mostraba signos de condenación e imágenes que representaban a los judíos como monstruos. Las representaciones físicas de personas judías en el arte cristiano medieval a menudo mostraban a hombres con sombreros judíos puntiagudos y largas barbas, lo cual se hacía como un símbolo despectivo y para separar claramente a judíos de cristianos. Esta representación se volvería más virulenta con el tiempo; sin embargo, las mujeres judías carecían de descripciones físicas distintivas similares en el arte cristiano de la Alta Edad Media. ^{[ 51 ]} Se cree que el arte que representaba a personas judías en escenas con signos de condenación se originó en la creencia cristiana de que los judíos eran responsables del asesinato de Cristo, lo que ha llevado a algunas representaciones artísticas que muestran a judíos crucificando a Cristo. ^{[ 52 ]}

En las sociedades dominadas por el cristianismo, a veces se consideraba a los judíos como forasteros, lo que, según Strickland, derivó en la creencia de que los judíos eran bárbaros, y que finalmente se extendió a la idea de que eran monstruos que rechazaban la "Verdadera Fe". ^{[ 53 ]} Algunas obras de arte de este período combinaron estos conceptos y fusionaron la imagen estereotípica de la barba y el sombrero puntiagudo judíos con la de monstruos, creando así un arte que equiparaba al judío con un monstruo. ^{[ 53 ]}

Las razones de estas representaciones negativas de los judíos se remontan a diversas fuentes, pero principalmente se deben a las acusaciones de deicidio contra ellos, a sus diferencias religiosas y culturales con sus vecinos culturales, y a la frecuente representación judía del anticristo en escritos y textos medievales. Recientemente, se culpó a los judíos de la muerte de Cristo y, por lo tanto, los cristianos los representaron negativamente tanto en el arte como en las escrituras. ^{[ 54 ]}

Las tensiones entre judíos y cristianos eran frecuentemente elevadas, lo que dio lugar a la formación de diversos estereotipos sobre los judíos, que se popularizaron en su representación artística. Algunos de los atributos que distinguen a los judíos de sus homólogos cristianos en las obras de arte son los sombreros puntiagudos, las narices aguileñas y torcidas, y las largas barbas. Al incluir estos atributos en la representación artística de los judíos, los cristianos lograron marginarlos aún más, haciéndolos parecer aún más excluidos y segregados de la población general. Estos atributos no solo se añadieron a las representaciones del pueblo judío, sino que generalmente se les retrataba como villanos y monstruosos debido a su supuesto asesinato de Cristo y a su rechazo de Cristo como mesías. ^{[ 54 ]} Esto, sumado al hecho de que vivían en grupos mayoritariamente aislados, los separó enormemente de sus vecinos cristianos y provocó una profunda división entre ambos grupos, reflejada en el arte medieval.

• Lista de manuscritos iluminados
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• Historia de la pintura
• Pintura occidental

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