arte portugués

Las pinturas portuguesas más antiguas se encuentran en manuscritos iluminados. ^{[ 3 ]} El Apocalipsis de Lorvão (una de las diez obras artísticas más importantes de Portugal según el proyecto Europeana ), completado en 1189 en el scriptorium del monasterio de Lorvão, cerca de Coimbra, es el único manuscrito del Beato de Liébana producido en Portugal durante la Edad Media. Algunas de las ilustraciones tienen un tema profano, como también ocurre en el Livro das Aves del mismo autor y en varios "Livros de Linhagens". La Biblia de Santa Cruz de Coimbra data del siglo XII.

El Livro das Aves es un bello ejemplo de arte románico con influencias mudéjares. Es una copia de De avibus de Hugo de Fouilloy , un tratado moral sobre las aves. Los livros de lindhagens son genealogías de familias nobles portuguesas ilustradas con sus escudos de armas. Incluyen Livro Velho de Linhagens (1270-1290), Livro de Linhagens do Deão (1343) y Livro de Linhagens do conde D. Pedro (1344). Cancioneiro da Ajuda es una colección de poemas en gallego-portugués de finales del siglo XIII con 17 miniaturas de músicos.

La Crónica Geral de Espanha de 1344 es una crónica histórica bellamente ilustrada también compilada por Pedro Afonso, conde de Barcelos e hijo ilegítimo del rey Denis de Portugal.

Entre los pocos nombres muy antiguos de artistas portugueses que han sobrevivido están los de dos arquitectos: Domingos Domingues , diseñador, entre 1308 y 1311, del claustro del Monasterio de Alcobaça , construido a petición del rey Dionisio de Portugal ; y Afonso Domingues , primer arquitecto del Monasterio de Batalha . La Iglesia de São Francisco (Oporto) (terminada alrededor de 1425) fue decorada durante el reinado de João I (1385-1433) con un fresco de Nuestra Señora de la Rosa, ^{[ 4 ]} atribuido a António Florentim . Es uno de los murales más antiguos que se conservan en Portugal. Florentim, como su nombre indica, era de Florencia pero murió en Lisboa. La Alegoría del Buen y Mal Juez es un fresco del siglo XV en la sala de audiencias del antiguo ayuntamiento de Reguengos de Monsaraz . Hay otros frescos de finales del siglo XV o principios del XVI en la Capilla de Nuestra Señora de la Gloria en la Catedral de Braga (paneles geométricos que muestran la influencia del arte mudéjar ^{[ 5 ]} o en Monsaraz (la Alegoría del Buen y Mal Juez ) y en la Ermita de Santo André en Beja , ^{[ 6 ]} también atribuidos al "Maestro de Monsaraz-Beja". El Palacio Nacional de Sintra tiene una Sala de Escudos pintada a principios del siglo XVI, durante la transición del gótico tardío al Renacimiento. El palacio es una mezcla de estilos gótico , manuelino (o gótico tardío portugués), morisco y mudéjar .

En 1428, el pintor flamenco Jan Van Eyck viajó a Portugal para pintar un retrato de Isabel de Portugal , hija del rey Juan I de Portugal, como preparación para su matrimonio con el duque de Borgoña, Felipe el Bueno. Ya existía una influencia flamenca en las iluminaciones. El Livro de Horas de D. Duarte (1426 o 1428) es un magnífico ejemplo del arte de la iluminación flamenca de la época que llegó a Portugal. ^{[ 7 ]}

El primer pintor conocido podría ser Álvaro Pires de Évora (activo entre 1411 y 1434, presumiblemente nacido en Évora ). No dejó rastro hasta el 4 de noviembre de 1410, cuando, junto con Niccolò di Pietro Gerini, Lippo d'Andrea, Ambrogio di Baldese y Scolaio di Giovanni, pintó frescos, hoy perdidos, en la fachada del Palazzo del Ceppo en Prato (Toscana). Parece ser que creció en Portugal y desarrolló toda su carrera en Italia. El tríptico de la Madonna del Museo Herzog Anton Ulrich, Braunschweig, lleva la fecha de 1434. Álvaro Pires es mencionado en Le Vite de' più Eccellenti Pittori, Scultori e Architettori (1568) de Giorgio Vasari y por José da Cunha Taborda , en Regras da arte da pintura , 1815. Se han encontrado una treintena de obras de este artista. La Anunciación (c.1430-1434, témpera y oro sobre tabla) fue comprada por el Museu Nacional de Arte Antiga , y Santa Como salió a la venta recientemente. Álvaro Pires de Évora puede ser el Maestro de Lourinhã , que pintó el Políptico do Convento de Santiago de Palmela , el Tríptico dos Infantes y el Tríptico da Igreja de Nossa Senhora do Pópulo .

La Biblia de Lisboa (1483) es considerada «el códice más logrado de la escuela portuguesa de iluminación hebrea medieval» y se encuentra actualmente en la Biblioteca Británica. ^{[ 8 ]} Samuel ben Samuel Ibn Musa (Samuel el Escriba), probablemente un judío que vivía en Portugal antes de la expulsión y las conversiones forzadas de diciembre de 1496, copió el texto bíblico, pero no parece saberse quién decoró las páginas con pájaros y otros animales y, sobre todo, flores. El Foral de Évora (1501), decorado con flores, animales y querubines, también es notable.

El primer pintor portugués famoso es Nuno Gonçalves (activo hacia 1450 - fallecido antes de 1492), cuya obra estuvo influenciada por el arte flamenco, al igual que la de muchos de sus sucesores. Gonçalves es más conocido por su políptico, Paneles de San Vicente (actualmente en el Museu Nacional de Arte Antiga).(MNAA), ^{[ 9 ]} seis pinturas que muestran un grupo de 58 figuras que representan a la corte y las diversas clases sociales de la sociedad portuguesa del siglo XV en una asamblea monumental y solemne alrededor de la figura de San Vicente, que está representada dos veces. La pintura se caracteriza por figuras con rostros expresivos y una definición detallada de los trajes, lo que marca el comienzo del Renacimiento en Portugal. El mismo museo posee un Martírio de São Vicente atado à coluna , alrededor de 1470. ( Vicente de Zaragoza es el santo patrón de Lisboa).

El Tríptico de Santa Clara sigue siendo obra de un pintor anónimo.

Jorge Afonso (c. 1470–1540) es el pintor del retablo del Convento de la Madre de Dios en Lisboa (actualmente en el MNAA). La iglesia del Monasterio de Jesús de Setúbal fue decorada con un retablo pintado por él, compuesto por 14 paneles ( Retábulo do Convento de Jesus ). El MNAA alberga la Adoración de los Pastores (Adoración de los Pastores) de Jorge Afonso , que muestra un suelo de baldosas en perspectiva y rostros masculinos realistas, mientras que la Virgen presenta un toque gótico. En la mano izquierda del tercer pastor se aprecian lo que podrían ser un cubo de leche de hojalata y cucharas, mientras que el segundo sostiene un rabel en el suelo frente a él, y en la esquina opuesta del lienzo se observa un concierto de ángeles músicos.

En el taller de Alfonso se educó toda una generación de pintores portugueses, entre ellos Cristóvão de Figueiredo , García Fernandes , Gregório Lopes y Jorge Leal (conocido por su Adoração dos Reis Magos en el MNAA), Gaspar Vaz (a quien se le atribuyen las pinturas del Convento de São João de Tarouca) y posiblemente incluso el famoso Vasco Fernandes (c. 1475 – c. 1542), más conocido como Gran Vasco. Aún se desconoce la identidad del Maestro del Retablo de Santa Auta .

El Museo Nacional de Arte de Atenas (MNAA) posee El matrimonio de Santa Úrsula con el príncipe Conan (1522-1525) de Cristóvão de Figueiredo . Su políptico para el Monasterio de la Santa Cruz en Coímbra (1521-1530) aún muestra la influencia de Durero. Es posible que Figueiredo sea el maestro del retablo de Santa Auta . Colaboró ​​con García Fernandes en La resurrección de Cristo (1530-1535), obra que fue adquirida por el Louvre en 2023 (RFML.PE.2023.26.1).

El MNAA alberga un Martírio de S. Sebastião de Gregório Lopes, que también pintó una Virgen con el Niño con ángeles, y la Adoración de los Reyes Magos en un pueblo de Auvernia. Colaboró ​​con Jorge Leal en la Visitación. Lopes introdujo en Portugal el «Primeiro Maneirismo de Antuérpia» (Primer manierismo de Amberes). Entre 1533 y 1534 colaboró ​​con García Fernandes y Cristóvão de Figueiredo, en Lamego, en los paneles para el Monasterio de Ferreirim .

Grão Vasco pasó de una marcada influencia nórdica —claramente visible en el retablo de la catedral de Viseu , donde trabajó con pintores de origen flamenco— a una influencia italianizante. La llegada de Miguel da Silva desde Roma al obispado de Viseu (1525-1540), el mecenas que, entre otras cosas, le encargó pintar los cinco grandes retablos de la catedral, incluido el de San Pedro , fue un acontecimiento decisivo en su trayectoria estética. La Última Cena data de 1635. Un giro más claro hacia el modelo italiano solo comenzó a notarse alrededor de 1540, cuando el riguroso clasicismo del Alto Renacimiento ya había desaparecido y la tendencia dominante en Italia era ya el Manierismo . Pintó varios trípticos ( Tríptico da Lamentação com Santos Franciscanos y Tríptico do Calvário ).

Francisco Henriques (activo entre 1508 y 1518), nacido en Ámsterdam y formado en Brujas, quizás con Gerard David , llegó a Portugal alrededor de 1500. Dirigió el taller del retablo de la catedral de Viseu, siendo mentor del joven Vasco Fernandes. En 1518, recibió el encargo de un prestigioso proyecto en Lisboa, colaborando con García Fernandes, Cristóvão de Figueiredo y Gregório Lopes. Lamentablemente murió a causa de la peste en 1518. El MNAA alberga bastantes de sus pinturas, entre ellas Ultima ceia (Última Cena, c.1508) y Paixão dos Cinco Mártires de Marrocos (c1508). También pintó Nossa Senhora das Neves . El cuadro Inferno se atribuye a un " maestro anónimo del infierno ", posiblemente uno de los alumnos de Francisco Henriques.

A diferencia de los pintores anteriores, Frei Carlos (activo entre 1517 y 1540), monje hieronimia, no tuvo contacto con Jorge Afonso ni con sus discípulos: trabajó casi exclusivamente para su orden monástica. Sin embargo, su estilo es similar al de Afonso en obras como el Tríptico del Calvario , la Ascensión de Cristo y El Buen Pastor (1520-1530).

En cuanto a Vicente Gil , estuvo activo en Coimbra entre 1491 y 1518 y se le recuerda especialmente por su Adoração dos Reis Magos . Probablemente sea el Maestro de Sardoal .

Ahora se acepta que el Livro do Armeiro-Mor (1509), que contiene el Armorial portugués, es obra de un iluminador portugués, João do Cró. Otro de esos libros fue el Livro da Nobreza e Perfeiçam das Armas (1521-1541) de António Godinho, secretario del rey João III. El Tesouro de Nobreza de 1675 es un ejemplo muy tardío de armadura manuscrita.

El Libro de las Fortalezas (1509-1510, de Duarte de Armas ) contiene bocetos o esbozos de los 56 castillos fronterizos portugueses; estos bocetos incluyen elementos de perspectiva y conocimiento topográfico.

El Livro de Horas de D. Manuel , atribuido a António de Holanda (entre c. 1517 y c. 1538). La primera referencia histórica sobre él data de 1518, cuando se encontraba en Portugal. Probablemente murió en Portugal, donde nació su hijo Francisco de Holanda .

"En su tratado Da pintura antiga (1548), Francisco de Holanda colocó la iluminación a la vanguardia de 'todos los géneros y modos de pintura' y de ninguna manera la consideró un arte menor. A diferencia de otros países europeos, la primera mitad del siglo XVI fue la edad de oro de la iluminación en Portugal. Hasta el siglo XVI, la iluminación portuguesa era de origen extranjero, primero cisterciense, luego importada de Flandes y Francia. Pero a principios del siglo XVI, la realidad política y cultural portuguesa, las importantes reformas administrativas, legislativas y heráldicas promulgadas por D. Manuel y también la actividad náutica necesaria por los Grandes Descubrimientos crearon un clima favorable para el desarrollo de la iluminación portuguesa en nuevas áreas," ^{[ 10 ]} Una de las reformas del rey Manuel I fue la "Leitura Nova" que ordenó en 1527: implicaba la copia, actualización y conservación sistemáticas de los registros reales y municipales con el objetivo de centralizar y estandarizar la gobernanza y así fortalecer la autoridad real. Deswarte procede a examinar las influencias extranjeras en la iluminación portuguesa: la iluminación de Gante-Brujas y la iluminación florentina conocida por la Biblia de Belém realizada por Attavanti para el rey Manuel I, la influencia de numerosas copias de grabados italianos, flamencos y franceses ( Jacques I Androuet du Cerceau ) y de Albrecht Dürer .

Los pintores del Renacimiento portugués estuvieron influenciados por artistas flamencos y, cada vez más, italianos, pero solo adoptaron plenamente las tendencias europeas con el surgimiento del Manierismo. La pintura de mediados del siglo XVI reflejó los esfuerzos por modernizar la cultura portuguesa, en paralelo con los avances en arquitectura y orfebrería, al tiempo que abrazaba los ideales humanistas. En la tercera generación del siglo, los artistas incorporaron influencias italianas, pero la agitación social —marcada por la dominación española (debido a la Unión Ibérica ) y la Inquisición (la Inquisición portuguesa se estableció formalmente en 1536)— reemplazó el optimismo de la era manuelina, impulsado por la expansión marítima y la prominencia europea de Portugal, con amargura y una rígida ideología contrarreformista. El declive de la corte de Lisboa y el repliegue de la nobleza a las cortes provinciales fomentaron inicialmente los talleres regionales, contribuyendo a la diversidad artística. El resentimiento creció entre la nobleza y el pueblo portugueses, culminando en la revuelta de 1640 que restauró la independencia de Portugal bajo la dinastía Braganza. A pesar de estos desafíos, el manierismo triunfó en la década de 1550, se convirtió en el estilo dominante de Portugal hasta principios del siglo XVII y sentó las bases para las composiciones dinámicas y los contrastes dramáticos del barroco.

Diogo de Contreiras , antes conocido como el Maestro de San Quintín, innovó en el uso del color, dio a las figuras una nueva expresividad y experimentó con la composición como nunca antes. Enseñó en la Facultad de Artes de la Universidad de Coimbra (fundada en 1542) de 1545 a 1549 y de 1551 a 1555. El Pregação de São João Batista (Diogo de Contreiras) está en el MNAA mientras que el Políptico da Capela da Madre de Deus do Caniço está en Caniço (Santa Cruz) y el Díptico do Retábulo de Porto da Luz en una colección privada.

Otro pintor, identificado como Mestre de Abrantes , está profundamente arraigado en el estilo de Gregório Lopes. Sus obras muestran una creciente predilección por grupos de figuras agitadas, colores vivos y ácidos, distorsiones formales que recuerdan al Manierismo y una técnica caracterizada por pinceladas amplias, libres y casi expresionistas. Pintó los cinco paneles para la Misericórdia de Abrantes (posiblemente la Igreja da Misericórdia), fechados poco después de 1550, dos Calvarios y una Circuncisión (MNAA), un Descendimiento de la Cruz en el Museo de Arte Sacro de Funchal y una escena hagiográfica de San Adrián en la Iglesia de Póvoa de Santo Adrião.. También se le atribuye el Políptico do Arco da Calheta (Mestre de Abrantes) , ubicado en la Iglesia de São Brás (San Blas) en Arco da Calheta .

Gaspar Dias fue un pintor manierista portugués, activo entre 1560 y 1591. Quedó impresionado por Rafael y Miguel Ángel cuando el rey Juan III lo envió a estudiar a Italia. A su regreso, pintó varios óleos para el Real Monasterio de Belém y otras iglesias. Entre sus obras destacan El martirio de Santa Catarina y La aparición del ángel a San Roque en la iglesia de São Roque , Lisboa, esta última seleccionada como una de las diez obras artísticas más importantes de Portugal por el proyecto Europeana . António Campelo también fue enviado a Italia.

También cabe destacar a António Nogueira , cuyas obras eran claramente manieristas, con un intenso dinamismo compositivo. Se caracterizan por una fuerte tensión entre las formas y una composición agitada de figuras y ropas en movimiento sobre fondos geométricos. Otros pintores manieristas son Francisco Venegas (nacido en España), Simão Rodrigues y Diogo Teixeira., cuya Virgen en Gloria se encuentra en el Museo de São Roque . ^{[ 11 ]}

Francisco de Campos , posiblemente discípulo de Maarten van Heemskerck , fue un pintor manierista flamenco activo en Portugal, que introdujo un estilo audaz y antinaturalista caracterizado por proporciones inusuales, una espacialidad compleja y tonos ácidos y vibrantes. Sus obras se encuentran en el Museu Rainha Dona Leonor (Alentejo), el Museo de Arte Sacro del Castelo de Santiago do Cacém y diversas iglesias. Campos también pintó el único mural profano conocido del siglo XVI en Portugal, en el Paço de São Miguel (Évora), en 1578, con frescos alegóricos que celebran la mitología, la naturaleza y acontecimientos históricos como la conquista de Túnez en 1535. Su obra marcó la adopción definitiva de Portugal de un ciclo artístico internacionalista.

Jooris van der Straeten fue un retratista flamenco que trabajó para las casas reinantes de Portugal (en la década de 1550), España y Francia. Su retrato del príncipe Don Carlos con armadura en el Convento de Las Descalzas Reales se atribuyó anteriormente a Cristóvão de Morais , quien pintó numerosos retratos para los reyes, reinas y príncipes de Portugal, al igual que el neerlandés Antonis Mor y su discípulo español Alonso Sánchez Coello a principios de la década de 1550. Otro retratista fue Domingos Vieira , quien entró en contacto con la obra del difunto El Greco durante su estancia en España.

Hubo otros pintores manieristas importantes, como el español (que trabajó en Portugal) Francisco Venegas , conocido sobre todo por la pintura ilusionista del techo de madera de la Iglesia de São Roque en Lisboa (1584-1590). Entre 1592 y 1600, Domingos Vieira Serrão trabajó con Simão de Abreu en las bóvedas pintadas del deambulatorio del Convento de Cristo en Tomar y en varias capillas y altares del mismo convento. Junto con Simão Rodrigues , trabajó en varios frescos que fueron destruidos. En 1602, junto con Simão Rodrigues y otros, fundó el Gremio de San Lucas . Pedro Nunes (1586-1637) ingresó en el taller del pintor Manuel Fernandes, donde se formó hasta 1606, luego pasó varios años en Roma y finalmente regresó a Portugal. Las últimas obras de Nunes mostraron la influencia del tenebrismo barroco .

El siglo XVII comenzó con un acontecimiento de gran significado simbólico. En 1602, había sido uno de los nueve pintores fundadores de la Hermandad de San Lucas, una cofradía que unía a los pintores de Lisboa, y en 1612, una delegación de doce pintores, encabezada por Fernão Gomes (pintor) (pintor manierista portugués de origen español, nacido en Alburquerque en 1548 y activo en Lisboa hasta su muerte en 1612), solicitó al Ayuntamiento de Lisboa la ruptura de sus vínculos corporativos y el reconocimiento de la pintura como un «arte liberal». Al mismo tiempo, se presentó una petición similar en Oporto. Esto marcó un cambio significativo de mentalidad, señalando el abandono de las tradiciones de producción medievales y un acercamiento a la modernidad. Si bien sus demandas no se cumplieron de inmediato, el esfuerzo elevó el estatus social de los artistas, permitiéndoles vincularse con la nobleza al dedicarse a una actividad artística «superior». ^{[ 12 ]} Gomes también es conocido por su retrato de Camões , famoso por ser el Retrato pintado en rojo . El original se ha perdido; la versión que se conoce hoy en día es una copia del siglo XIX.

Portugal atravesó una profunda crisis entre 1580 y mediados del siglo XVII, causada principalmente por la pérdida del trono a manos de Felipe II de España en 1580. Portugal se vio envuelto en las guerras de España, lo que llevó a los neerlandeses a atacar el imperio de ultramar portugués y a conquistar el noreste de Brasil en la década de 1630. La economía portuguesa, fuertemente dependiente del comercio colonial, se debilitó significativamente, mientras que los neerlandeses e ingleses, que estaban superando al imperio marítimo portugués, contribuyeron a una sensación de decadencia nacional. La nobleza portuguesa se refugió en sus fincas rurales, ^{[ 13 ]} aisladas de España y del mundo. La Guerra de la Restauración portuguesa comenzó en 1640, con la proclamación de Juan IV de Portugal como rey, pero el fin de la Unión Ibérica no se produjo hasta 1668. Esto podría explicar por qué el estilo barroco se desarrolló más tarde en Portugal que en el resto de Europa.

André Reinoso (c. 1590-después de 1650) fue el primer pintor barroco de Portugal. En particular, creó un ciclo de veinte pinturas ( Ciclo pictórico de André Reinoso ) sobre la vida y la leyenda de San Francisco Javier, todas pintadas en 1619, que sirvieron de modelo para muchas otras pintadas posteriormente. Fueron realizadas para la iglesia de São Roque , que ahora forma parte del Museo de São Roque en Lisboa. ^{[ 14 ]}

Bajo la influencia de la Contrarreforma, el arte viró hacia el naturalismo y el decoro, rechazando los excesos del Manierismo. La influencia italiana predominó y la creatividad individual se vio restringida para prevenir la herejía, favoreciendo un estilo que glorificaba el triunfo de la Iglesia. Varios pintores tuvieron problemas con la Inquisición por supuestamente desviarse del dogma. Uno de ellos fue Domingos Vieira (quien pasó un tiempo en España y entró en contacto con la obra del difunto El Greco). En este contexto religioso, el tenebrismo desempeñó un papel importante, realzando el dramatismo y la emotividad de las imágenes e inspirando una mayor piedad en el devoto. Gregório Antunes , pintor al óleo de Lisboa, se formó en el estilo manierista tardío y cofundó la Hermandad de San Lucas en 1602. Realizó obras para la Igreja e Convento de Nossa Senhora de Jesus do Sítio en Santarém, mostrando un tenebrismo con influencia española. También se le atribuyen dos paneles tenebristas en el Tesoro de la Catedral de Lisboa.

También fue popular, gracias a la influencia flamenca y española, la vanitas , una mezcla de naturaleza muerta y alegoría moralizante que llamaba la atención del espectador sobre la vanidad de las cosas terrenales.

En el ámbito secular, se inició la exploración de una mayor variedad de temas, con un creciente interés por el retrato, la pintura de género , los paisajes y la naturaleza muerta (por ejemplo, Baltazar Gomes Figueira ). La pintura mural decorativa, influenciada por el estilo grotesco manierista italiano, evolucionó de forma singular en Portugal y se aplicó ampliamente, especialmente en la decoración de techos. Este género, conocido como brutesco , se difundió ampliamente a través de grabados y se regía por convenciones laxas, libre de la censura eclesiástica, lo que permitía una expresión imaginativa. El brutesco ganó popularidad en contextos arquitectónicos y decorativos, incluyendo azulejos (baldosas pintadas), estucos y tallas de madera, a menudo vinculados a tradiciones anteriores de pintura al óleo. Reflejaba la experimentación artística y la resistencia a la dominación española. Gabriel del Barco , quien pintó el techo de la Iglesia de São Mamede en Évora, y António de Oliveira Bernardes se encuentran entre quienes exploraron el estilo brutesco.

En tiempos de dificultades económicas, la escultura y la pintura de retablos decayeron, mientras que el arte portugués pasó de las influencias españolas (y, por ende, internacionales) a formas nacionales inspiradas en los estilos románico y manuelino. Los nuevos retablos barrocos, que enfatizaban la talla de madera dorada para lograr un esplendor asequible, reforzaron la identidad portuguesa.

Entre los pintores más importantes de este período se encuentran André Reinoso , Domingos Vieira , Domingos da Cunha , conocidos por pinturas y retratos religiosos: uno del rey Juan IV, y un autorretrato; José de Avelar Rebelo ; Pedro Nunes ; Baltazar Gomes Figueira y su hija Josefa de Óbidos ; marcos da cruzy su alumno Bento Coelho da Silveira .

Baltazar Gomes Figueira, nacido en Óbidos , se formó en Sevilla entre 1626 y 1634 con Francisco Herrera el Viejo , padrino de su hija Josefa de Óbidos . Probablemente tuvo contacto con artistas como Francisco de Zurbarán, Juan del Castillo y Francisco Pacheco. De regreso a Portugal en 1634, trabajó para la Casa de Braganza en las cortes de Juan IV y Alfonso VI, desempeñándose como pintor y como administrador de inventario de las colecciones de arte del Palacio Real. Creó pinturas religiosas, paisajes y numerosos bodegones, uno de los cuales ^{[ 15 ]} se conserva en el Louvre. Entre sus obras destaca el retablo de la capilla de São Brás en Bombarral, restaurado y atribuido a él. El MNAA adquirió (2024) El mes de abril de Baltazar Gomes Figueira y Josefa de Óbidos.

Marcos da Cruz se formó en círculos manieristas y naturalistas tardíos (Simão Rodrigues, André Reinoso) antes de adoptar el tenebrismo protobarroco. Sirvió a la casa ducal y más tarde real de Bragança, a la alta aristocracia de Lisboa y a las principales instituciones religiosas, y formó pintores al óleo y azulejos como Gabriel del Barco y António de Oliveira Bernardes . El luminoso cromatismo de sus pinturas fue decisivo en la incorporación del clasicismo barroco a la obra de Bento Coelho da Silveira y António de Oliveira Bernardes. Las obras de Bento Coelho da Silveira son principalmente óleo sobre lienzo, que era un material innovador en ese momento. Dejó una gran obra (lista pt: Lista de pinturas de Bento Coelho da Silveira ).

En cuanto a Josefa de Óbidos (1630-1684), que estuvo activa al menos hasta 1680, fue una de las pocas mujeres de su época que logró independencia y respeto profesional como artista. Persistente seguidora del tenebrismo, dejó obras (list pt:Lista de pinturas de Josefa de Óbidos ) de delicada poesía en escenas de la vida de Jesús y bodegones, pero también fue capaz de momentos de gran expresividad, como lo demuestra su Calvario . Algunas de sus pinturas están sobre planchas de cobre (incluida su María Magdalena consolada por los ángeles en el Louvre) y São Francisco de Asís e Santa Clara (1647), mientras que su Calvario de 1678 está pintado sobre un panel de madera. Otras pinturas están sobre lienzo como su Cristo en la columna (1679) ^{[ 16 ]} y el Agnus Dei en Braga de 1680, ^{[ 17 ]} Agnus Dei y Naturaleza muerta con dulces y macetas de terracota (1676, seleccionada como una de las diez obras de arte más importantes de Portugal por el proyecto Europeana ).

A finales del siglo XVIII, el Rococó, finalmente triunfante, evolucionó rápidamente hacia una mayor simplificación y la eliminación de sus excesos decorativos en dirección al Neoclasicismo , debido al gran interés por el arte y la cultura de la Antigüedad que imperaba en toda Europa en aquella época. La construcción del Palacio de Queluz comenzó en 1748, mientras que la de la Basílica de la Estrella (diseñada por Mateus Vicente de Oliveira y Reinaldo Manuel dos Santos ) se extendió desde 1779 hasta 1789. El edificio presenta características de los estilos barroco tardío y neoclásico. La construcción del Teatro Nacional de São Carlos , diseñado por José da Costa e Silva , con techos de Manuel da Costa y Cirilo Volkmar Machado , comenzó en 1792. (El Café A Brasileira , donde posteriormente se reunían los intelectuales, se encuentra muy cerca del teatro). Hacia 1802, la influencia neoclásica se extendió al Palacio Nacional da Ajuda , diseñado por Costa e Silva y Francisco Xavier Fabri . Machado también contribuyó a la decoración del palacio durante la década de 1810 y principios de la de 1820.

Los artistas portugueses estuvieron profundamente influenciados por las poderosas ideas que estaban transformando Europa y América, pero al amanecer del siglo XIX, Portugal se enfrentó a un período de profunda inestabilidad marcado por una serie de acontecimientos tumultuosos. En 1807, la familia real huyó a Brasil tras la invasión napoleónica durante la Guerra de la Independencia Española , lo que condujo al dominio militar y político británico sobre Portugal (1808-1821). En 1820 estallaron insurrecciones en Oporto y Lisboa, lo que provocó el regreso de la familia real en 1821. Lisboa recuperó su estatus de capital después de que Brasil declarara su independencia en 1822, lo que resultó en la pérdida del comercio colonial de Portugal. Poco después, una contrarrevolución absolutista desencadenó las Guerras Liberales (1828-1834). Esto causó una parálisis relativa en las artes y un debilitamiento temporal de la influencia francesa, favoreciendo las expresiones románticas pero sin anular las clasicistas.

El clasicismo portugués surgió en el último cuarto del siglo XVIII como parte de una transformación cultural europea más amplia durante la Ilustración. Los descubrimientos arqueológicos y los estudios literarios revelaron el arte y las ideas clásicas, inspirando un entusiasmo generalizado. Los grabados de ruinas antiguas llegaron a un público más amplio que el de los eruditos, fomentando la apreciación por el orden, el equilibrio y la civilidad. Este cambio ideológico repudió la sensualidad del rococó, priorizando la racionalidad y la ética. La educación artística se estructuró a través de las Academias, reflejando estos valores. El clasicismo, profundamente ligado al progreso y la civilización, encarnó el compromiso de la época con el refinamiento cultural y el avance social.

Casi al mismo tiempo, el Romanticismo comenzó a florecer en Alemania e Inglaterra, introduciendo una nueva visión de la naturaleza y enfatizando la expresión de las emociones y la creatividad individual. Este movimiento se convirtió en un poderoso vehículo para ideologías revolucionarias, desafiando las estructuras de poder establecidas, incluyendo la Iglesia y el Estado. También impulsó movimientos nacionalistas en diversas naciones, fomentando una renovada apreciación por la Edad Media, que antes había sido menospreciada, y reconstruyendo historias ancestrales a menudo oscurecidas u olvidadas en los relatos históricos.

El periodo comprendido entre finales del siglo XVIII y mediados del XIX en el arte portugués se caracteriza por una dinámica interacción entre el clasicismo y el romanticismo. Si bien a menudo se consideran movimientos antagónicos, comparten una base idealista y un compromiso con la reforma. Juntos, contribuyeron a forjar una visión unificada del arte y la cultura, elevando al artista a un nuevo rol como profeta de una era más justa socialmente y como educador del público, guiando a la sociedad hacia una moral más pura, auténtica y universalmente beneficiosa.

En este panorama cultural, distinguir entre la pintura neoclásica y romántica portuguesa suele ser un desafío, ya que ambas escuelas coexistieron hasta alrededor de la década de 1850, con el Romanticismo persistiendo un poco más. Sin embargo, en términos generales, las obras neoclásicas tienden a caracterizarse por una clara organización y equilibrio, una preferencia por la línea sobre el color y un enfoque en temas de la tradición grecorromana, transmitidos con un tono impersonal y sobrio. El Romanticismo, por el contrario, abraza el desorden, los contrastes llamativos, la intensidad dramática y la primacía del color con pinceladas expresivas. Sus temas a menudo se inspiran en la historia contemporánea, representaciones de personas y naturaleza, y temas universales explorados a través de interpretaciones muy individuales y emotivas. ^{[ 23 ]}

El neoclasicismo desempeñó un papel fundamental en la configuración del arte académico inspirado en la antigüedad clásica y sentó las bases para explorar el desnudo como tema, anteriormente marginado debido a la oposición moral católica.

Entre los pintores neoclásicos más importantes se encontraban Vieira Portuense en su última etapa, Domingos Sequeira , José da Cunha Taborda , Cirilo Volkmar Machado , Norberto José Ribeiro (que también enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa ), António Manuel da Fonseca y el vizconde de Meneses , un representante fallecido, que fue enseñado por António Manuel da Fonseca y luego por Johann Friedrich Overbeck cuando estaba en Italia.

Domingos Sequeira (1768-1837) fue enviado a Roma para estudiar en la Academia Portuguesa con Antonio Cavallucci , y luego enseñó en la Accademia di San Luca antes de regresar a Lisboa en 1795. Nombrado pintor de la corte en 1802, trabajó en el Palacio de Ajuda y estuvo expuesto a las convulsiones políticas de la época: fue, sucesivamente, partidario del ejército invasor francés ( Junot protegiendo la ciudad de Lisboa , 1808), de la alianza inglesa ( La apoteosis de Wellington , 1811), de la revolución liberal (Retratos de 33 diputados, 1821) y de la Carta Constitucional (D. Pedro IV y María II, 1825). Se exilió en Francia tras la Vilafrancada y expuso en el Salón del Louvre su obra A Morte de Camões, ahora perdida , que le valió una medalla de oro y un lugar entre los pintores románticos más representativos, junto a Eugène Delacroix. Finalmente se estableció en Roma en 1826, donde se dedicó a la pintura religiosa. Sequeira fue posiblemente el pintor más importante de Portugal a finales del siglo XVIII (junto con Portuense). Su estilo se situaba entre el neoclasicismo y el romanticismo. Una de sus primeras obras importantes ( véase la lista aquí) es una pintura histórica, El milagro de Ourique (actualmente en el Castillo de Eu , antigua residencia de la familia imperial brasileña ). También fue retratista (Ritratto di Joaquim Pedro Quintella, futuro conte di Farrobo, 1813 (Louvre: Allégorie de la fondation de la Casa Pia de Belem . Su Luto de Cristo de 1827 pronto será depositado en un museo en Portugal. También utilizó piedra negra y tiza blanca en una versión de su Adoración de los Magos de 1828 (MNAA), por ejemplo. Cocina de sopa en Arroios , un grabado, fue seleccionado como una de las diez obras artísticas más importantes de Portugal por el proyecto Europeana .

La Escuela de Bellas Artes de Lisboa se fundó en 1836, y pronto intelectuales interesados ​​en el romanticismo, como Almeida Garrett y Alexandre Herculano, introdujeron el gusto por la historia antigua y sus evidencias materiales, lo que desencadenó un debate nacional. Figuras como el conde y diplomático polaco Atanazy Raczyński se adentraron en el estudio del arte portugués antiguo y fomentaron la reconstrucción de las biografías de personajes históricos, produciendo el corpus más importante de historiografía artística del período en Portugal. Estos esfuerzos, impulsados ​​por el largo período de inestabilidad de Portugal y la búsqueda de nuevos valores y un sentido de identidad a través de la historia, comenzaron a materializarse en la obra del historiador de arte Joaquim de Vasconcelos y el arqueólogo Joaquim Possidónio Narciso da Silva .

Entre 1840 y 1860, la pintura portuguesa se caracterizó predominantemente por el Romanticismo, reflejo de una búsqueda activa de la identidad nacional. Los artistas de este período buscaron glorificar a los héroes nacionales, idealizar al pueblo llano mediante representaciones poéticas y sentimentales, y plasmar paisajes locales impregnados de nostalgia y bucólicas. Además, se hizo evidente un creciente interés por lo exótico, manifestado en la adopción de temas orientalistas y medievalistas. Hacia la década de 1870, la influencia del Romanticismo disminuyó, aunque persistió un núcleo de resistencia en Oporto, especialmente en la obra de Francisco José Resende . Junto con el Neoclasicismo y el fortalecimiento de la enseñanza académica, el Romanticismo en Portugal desplazó el enfoque artístico de los temas religiosos a los seculares.

También es destacable el papel del rey Fernando II de Portugal en las artes portuguesas durante este período. Educado en Austria, encarnó el ideal romántico por excelencia. Su patrocinio proporcionó estabilidad cultural en un siglo marcado por un malestar político crónico. ^{[ 24 ]} El movimiento romántico en Portugal incluyó artistas como Tomás José D'Anunciação y su amigo João Cristino da Silva , ambos paisajistas, João António Correia , Auguste Roquemont , João Cristino da Silva , Miguel Ângelo Lupi , José Rodrigues y Joaquim Rodrigues Braga así como Francisco Augusto Metrass (historia).

A los 16 años, Francisco José Resende ingresó en la Academia Portuense de Belas-Artes , donde estudió Dibujo (1841-1845) y Pintura Histórica (1845-1849) con los pintores Tadeu Maria de Almeida Furtado y Joaquim Rodrigues Braga . Mantuvo una estrecha amistad con Camilo Castelo Branco . En 1848 conoció al pintor suizo-portugués Augusto Roquemont y se convirtió en su discípulo predilecto. Tras pintar algunos decorados teatrales, se centró en plasmar la vida rural, los oficios y los trajes regionales, representando a pescadores, agricultores y campesinos. Aunque no le gustaban los retratos, realizó encargos para figuras como el Vizconde de Seabra . Comenzó a impartir clases de Pintura Histórica y Modelo Vivo en la Academia Portuense de Belas-Artes.

En 1853, viajó a París, donde estudió con Adolphe Yvon y copió numerosas pinturas en el Museo del Louvre. Se inspiró particularmente en Peter Paul Rubens, comenzó a experimentar con nuevas técnicas y más tarde viajó a Londres, se casó con Caroline Wilson y tuvo una hija, Clara de Resende , nacida en París en 1855, que también se convirtió en pintora. De regreso a Portugal en 1855, se estableció en Lisboa en 1858, donde pintó retratos de Fernando II de Portugal y su sucesor Pedro V de Portugal , y un autorretrato (1860) que ahora se encuentra en el Museo Nacional Soares dos Reis ( Lista de sus pinturas ). Exhibió Camões salvando “ Os Lusíadas ” ^{[ 25 ]} en la Exposición Universal de París (1867), ^{[ 26 ]} expuso en la Exposición de Bellas Artes de Madrid, la Exposición Universal de Londres (1872) y nuevamente en la Exposición Universal de París (1878, 1889). Vendió cuadros para ayudar a los pescadores y a las familias afectadas por la tragedia del Teatro Baquet . ^{[ 27 ]} También retrató a miembros de la realeza europea y a figuras notables como Umberto I , los reyes Luis I y Carlos I , la empresaria Antonia Ferreira , el compositor Antonio Soller , el fotógrafo Carlos Relvas y el químico francés Louis Pasteur.

Auguste Roquemont (1804-1852), hijo natural del príncipe Friedrich von Hessen-Darmstadt , estudió en un internado de París desde los ocho años y posteriormente realizó su formación artística en Roma, Bolonia, Florencia y Venecia. Se estableció en Guimarães, al norte de Portugal, en 1828 y más tarde en Oporto, donde expuso pinturas de escenas de la vida cotidiana en 1932, cosechando un gran éxito. Tuvo numerosos alumnos, además de Resende, entre ellos João António Correia y su hermano Guilherme António Correia .

Además de sus retratos al óleo ( Lista aquí ) de la nobleza del norte (incluida la Baronesa de Seixo en el Museu Nacional de Soares dos Reis) y la alta burguesía, así como representaciones de costumbres populares, también creó obras a lápiz, carboncillo y muñón, junto con retratos en miniatura que influyeron fuertemente en los pintores románticos de Oporto. Sus obras se pueden contemplar en el Museo Nacional Soares dos Reis de Oporto, el Museo Nacional Grão Vasco de Viseu y la Casa-Museu Dr. Anastácio Gonçalves de Lisboa.

João António Correia comenzó a estudiar dibujo en Porto en 1836. Inicialmente fue estudiante voluntario en la Escola Superior de Belas-Artes do Porto (APBA). ^{[ 28 ]} Más tarde, fue a París, donde conoció al pintor Théodore Chassériau (1819–1856), quien lo ayudó a ingresar a la Academia Imperial de Bellas Artes de París. Allí, se expuso a movimientos artísticos que influyeron profundamente en su obra, como el clasicismo, el naturalismo y el romanticismo. Al regresar a Portugal en 1851, comenzó a enseñar en la APBA, llegando a ser su director desde 1882 hasta su muerte en 1896. Maestro de la pintura religiosa, Correia también realizó retratos reales, incluidos los de María II y Luis I para el Palácio da Bolsa . Realizó autorretratos que se exhibieron en las trienales de la APBA, uno de 1848 y otro de 1863. En 1863, contribuyó al diseño de la escenografía para la entrada real en Oporto del rey Luis I y la reina María Pía. Correia empleó la técnica de la litografía para representar figuras notables e incluso litografió sus propias obras, como el retrato del músico Francisco Eduardo da Costa (1818-1855). También produjo pinturas históricas, como La Reina Santa distribuyendo limosnas a los pobres (1877, Museo Nacional Soares dos Reis), que refleja un tema recurrente en su trayectoria, y Auto de Fe (1869, en el mismo museo). Su pintura más célebre es sin duda El Negro (1869), que se conserva en el Museo Nacional Soares dos Reis. Este lienzo destaca no solo por su tema, entonces exótico, sino también por su exuberante ejecución. Correia también fue profesor de varios artistas notables, entre ellos António Soares dos Reis , João Marques de Oliveira , Silva Porto , Henrique Pousão y Artur Loureiro .

Ver artículos principales (en portugués): Pintura realista , Realismo em Portugal , Pintura naturalista , Naturalismo em Portugal , Pinturaimpresionista , Impressionismo em Portugal

Las últimas tres décadas del siglo XIX marcaron un período de rápida transformación estética en Portugal, impulsada por los esfuerzos por redefinir los marcos artísticos, culturales y identitarios de la nación. Esta época vio la creación de la Sociedade Promotora das Belas-Artes (Sociedad para la Promoción de las Bellas Artes) en Lisboa, que abogó por formas artísticas más progresistas. Figuras influyentes como los críticos Latino Coelho y Ramalho Ortigão , el poeta Antero de Quental y el escritor Manuel Pinheiro Chagas contribuyeron significativamente. Un grupo de jóvenes revolucionarios de Coimbra, conocidos como la Generación del 70 , emergieron como defensores clave del Realismo. Sus esfuerzos iniciaron una profunda crítica de las estructuras políticas y económicas predominantes en Portugal, del arte académico avalado por las autoridades institucionales y de la sensibilidad romántica, ahora obsoleta. El movimiento se enfrentó a una feroz resistencia por parte de las autoridades, especialmente durante el episodio de las Conferencias del Casino de 1871. Estas reuniones fueron percibidas por el régimen como una amenaza directa a la estabilidad social y fueron rápidamente reprimidas. ^{[ 29 ]}

El arte italiano comenzó a perder atractivo, aunque Roma siguió siendo un importante centro de aprendizaje. Mientras tanto, la influencia francesa se fortaleció, atrayendo a muchos artistas emergentes a París para sus estudios. Allí, se encontraron con las tendencias innovadoras de los paisajes líricos promovidos por la Escuela de Barbizon, así como con las obras de Courbet, Daubigny, Degas y Manet. Al regresar a Portugal, estos artistas trajeron consigo una oleada de ideas frescas, rompiendo el relativo aislamiento que había prevalecido hasta entonces. Este aislamiento solo se había visto interrumpido esporádicamente por artistas becados que regresaban con influencias extranjeras o por las visitas ocasionales de figuras internacionales. Este nuevo movimiento artístico era fundamentalmente burgués, oponiéndose a los privilegios de las élites y explorando nuevos enfoques técnicos. Adoptó un estilo de pintura más libre y fluido que se distanciaba de los rígidos estándares académicos y su enfoque en temas heroicos o mitológicos, que tenían poca conexión con las realidades contemporáneas. En cambio, surgió un creciente interés por crear arte con conciencia social. Los pintores de este movimiento buscaban una representación más objetiva del mundo, priorizando la autenticidad sobre la búsqueda de la belleza idealizada. Centraron su atención en la vida cotidiana, retratando las realidades de la gente común en sus diversas facetas. La pintura de paisajes al aire libre se convirtió en una práctica destacada, despojándose del aura idealista del Romanticismo. Entre los artistas pioneros de esta nueva corriente se encontraban António da Silva Porto , Marques de Oliveira, Henrique Pousão, José Júlio de Souza Pinto y Artur Loureiro. ^{[ 30 ]}

En la década siguiente, la pintura portuguesa adoptó cada vez más el Naturalismo, cuya influencia se extendió a la Real Academia de Bellas Artes. Allí, Silva Porto, antiguo alumno de Daubigny, desempeñó un papel fundamental como profesor, inspirando a una nueva generación de artistas. Este grupo de entusiastas se reunía a menudo de forma informal en la Cervecería Leão de Ouro (Cervecería León de Oro, en Lisboa), lo que les valió el apodo de Grupo do Leão (Grupo del León). ^{[ 31 ]} Entre sus miembros notables se encontraban João Vaz , Ramalho Júnior , Cipriano Martins, Columbano Bordalo Pinheiro ^{[ 32 ]} (con sus retratos psicológicamente profundos, particularmente de intelectuales como Antero de Quental u Os Presidentes ), su hermano Rafael Bordalo Pinheiro (creador del popular personaje de dibujos animados Zé Povinho , 1875), J. Rodrigues Vieira , Henrique Pinto , Moura Girão , João Ribeiro Cristino da Silva , y José Malhoa (con sus escenas de vida rural y costumbres tradicionales muy populares entre la burguesía, muchas de ellas en el Museo José Malhoa , en Caldas da Rainha ). Esto ocurrió en una época en que la «Saudade» (que combina un sentimiento de anhelo, pérdida, ausencia y profundo afecto) inspiró una estatua, O Desterrado (El marginado, Roma, 1870), «uma «estátua da saudade»», de António Soares dos Reis ^{[ 33 ]} , así como una pintura de Almeida Júnior ( Saudade , 1899). El Grupo del León desempeñó un papel crucial en la revitalización de la pintura portuguesa, llegando incluso a obtener el mecenazgo real a pesar de la falta de consenso entre sus miembros sobre enfoques artísticos específicos. En diversos grados, sus obras fusionaron la objetividad y el sentido de compromiso social del Realismo con elementos de la técnica impresionista, incluyendo su énfasis en la autonomía de la obra de arte. Esta síntesis se consolidó en torno a un núcleo de Naturalismo espontáneo, estableciendo un estilo que dejó una huella perdurable en el arte portugués.

Este movimiento ecléctico siguió siendo una de las fuerzas más influyentes en la pintura portuguesa hasta mediados del siglo XX. A pesar de la creciente competencia de las escuelas modernistas que comenzaron a enriquecer la escena artística local en la década de 1920, el Naturalismo mantuvo una presencia significativa. Incluso el rey Carlos I adoptó temas naturalistas en algunas de sus obras artísticas. Otros contribuyentes notables a esta tradición fueron Luciano Freire , José Veloso Salgado, Alfredo Keil ( A Carta ) y Alfredo Roque Gameiro . Una figura particularmente dinámica de la época fue Carlos Reis , quien desempeñó un papel fundamental como profesor en la Academia y como organizador de iniciativas artísticas. Reis fue clave en la creación de varias organizaciones destinadas a promover las artes, como la Sociedad Silva Porto, el "Grupo Ar Livre" (Grupo Aire Libre) y la Sociedad Nacional de Bellas Artes , de la cual fue cofundador. Fue él quien reconoció públicamente el papel pionero de Silva Porto en la configuración de un nuevo lenguaje artístico en Portugal, diciendo:

¿Quién de mis compañeros podría olvidar aquellas excursiones artísticas en las cálidas tardes de verano, cuando seguíamos a nuestro querido maestro, cargando incansablemente el pesado equipaje de un pintor paisajista sobre sus hombros desnudos, mientras tomábamos atajos bordeados de encinas, buscando un motivo que capturara su alma de artista y resonara en perfecta armonía con su temperamento como colorista?

«Y entonces, mientras formábamos un círculo alrededor del maestro, con la mirada fija en las tablas que tanto amaba, presenciábamos una verdadera maravilla: de aquel sencillo trozo de madera surgían campos dorados, bañados por el implacable sol de julio, con encinas enmarcadas por agaves tan característicos de las afueras de Lisboa; todo era tan vívido, tan sencillo, tan impregnado de verdad y emoción, que uno podría decir que el maestro no pintaba con los colores de su paleta insustituible, sino con la luz misma, una luz que parecía emanar directamente de su obra. Porque todo su arte era luz. Y fue esta luz la que, a través de su inspiración, guió nuestros primeros pasos como artistas; es esta luz la que continúa iluminándonos hoy; ¡y es esta luz la que brilla como la estrella más brillante en la constelación del arte portugués!» ^{[ 34 ]}

António Ramalho estudió en la Real Academia de Bellas Artes, donde António da Silva Porto lo animó a dedicarse a la pintura. En 1880, coorganizó una exitosa exposición con Columbano Bordalo Pinheiro. Dos años después, en 1882, obtuvo una beca para estudiar en París, donde permaneció durante dos años. Durante este tiempo, trabajó con Alexandre Cabanel, especializándose en pintura de género, retrato y técnicas al aire libre. Una de sus obras más destacadas de este periodo, Chez mon voisin (o O Lanterneiro , El fabricante de linternas), se expuso en el Salón de París de 1883 y posteriormente fue enviada a Lisboa como requisito de su beca. Volvió a exponer en el Salón en 1885. Tras regresar a Portugal en 1884, Ramalho retomó el contacto con sus compañeros del Grupo do Leão, con quienes había participado previamente en la primera Exposición de Pintura Moderna en 1881. Ramalho también contribuyó a la decoración de numerosos edificios públicos y privados, dejando una huella imborrable en el arte portugués a través de su diversa obra. ( Lista de sus pinturas ).

João Rodrigues Vieira estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes con Victor Bastos , Tomás da Anunciação y Célestin Anatole Calmels . Miembro fundador del Grupo do Leão (Grupo del León), fue inmortalizado en el famoso cuadro de Columbano Bordalo Pinheiro, El Grupo del León , que representa a los artistas y escritores que se reunían en la cervecería Leão de Ouro; Vieira aparece sentado en el extremo derecho, con una mano en la cintura. En 1878, participó en la Exposición Universal de París, presentando un busto titulado Flora. Participó activamente en las Exposiciones de Pintura Moderna del grupo, a partir de 1881, mostrando delicados paisajes, bodegones y flores pintados con una frescura excepcional. Entre sus obras más destacadas se encuentran No Fim do Mercado (Al final del mercado de Leiria ), Auxilião de Pesca (Ayudante de pesca) y Praia da Nazaré (Playa de Nazaré, Palacio Nacional de Ayuda). En 1887 se trasladó a Coimbra para impartir clases de dibujo en la Universidad, donde también incorporó temas locales a su arte. Sobresale su aclamada obra A Orquídea . Dejó de exponer después de 1893, año en que falleció Silva Porto.

Henrique Pinto (Cacilhas, 1852 – Figueiró dos Vinhos, 1912) fue miembro del "Grupo do Leão" desde sus inicios. Junto a José Malhoa y el escultor José Simões de Almeida(conocido como "Tio"), descubrió Figueiró dos Vinhos , una pequeña ciudad que inspiraría a muchos pintores y otros artistas. Su colaboración fomentó el espíritu de la "Escuela Naturalista de Figueiró", caracterizada por su énfasis en temas paisajísticos rurales y sentimentales. O Fado , el cuadro más famoso de José Malhoa, fue creado en Figueiró. Pinto estudió en la Academia de Lisboa, donde fue asesorado por Joaquim Gregório Prieto (1833-1907), Tomás José da Anunciação (1818-1879) y José Simões de Almeida Júnior (apodado "Sobrinho" o sobrino). Expuso su obra por primera vez en 1874 e intentó sin éxito obtener una beca para estudiar en el extranjero en 1874 y 1875. Pinto participó en todas las Pinturas Modernas del Grupo do Leão (1881 a 1888/89). En 1885, fue retratado en el Grupo do Leão de Columbano Bordalo Pinheiro, de pie en la última fila, en el extremo derecho, entre Malhoa y Vaz. Su pintura A Caça aos Taralhões (La caza de los Taralhões), adquirida por el rey Carlos en 1891, se exhibió posteriormente en la Exposición Internacional de Berlín (1896). En la Exposición Universal de París (1900), Pinto expuso A Ceia (La cena), que desapareció en un naufragio durante su viaje de regreso. Lista de sus pinturas .

José de Sousa Moura Girão nació en Lisboa en agosto de 1840. Estudió con Tomás da Anunciação y Miguel Ângelo Lupi en la Academia de Bellas Artes, donde se especializó en pintura animal, centrándose principalmente en representaciones de aves de corral. Trabajó como restaurador en el Museo Nacional de Arte Antiguo durante 36 años. Como miembro del Grupo do Leão, fue inmortalizado en el cuadro del grupo pintado por Columbano Bordalo Pinheiro. La pintura de Moura Girão, Viva a República (1910), captura el espíritu de la Revolución Republicana: muestra un gallo cantando para anunciar el amanecer de una nueva era, simbolizando la llegada de la República. Al fondo, una multitud exuberante alza sus brazos, sombreros y banderas en señal de celebración, dando la bienvenida a este momento transformador de la historia portuguesa.

João Ribeiro Cristino da Silva era hijo de João Cristino da Silva y también pertenecía al Grupo León.

Carlos António Rodrigues dos Reis, conocido como Carlos Reis (Torres Novas, 1863 – Coimbra, 1940), fue una figura destacada de la segunda generación de pintores naturalistas portugueses. Tras estudiar en la Academia de Bellas Artes de Lisboa, fue enviado a París para perfeccionar su formación artística, regresando a Portugal en 1895. Reis obtuvo reconocimiento por sus retratos de la realeza y la nobleza de la época, así como por sus evocadoras representaciones de la vida cotidiana del pueblo portugués. Sus obras son célebres por su extraordinaria luminosidad. En 1910, Reis fundó el grupo Ar Livre ("Al Aire Libre") con sus alumnos, colectivo que más tarde pasó a llamarse Silva Porto en honor a José Júlio de Sousa Pinto. Este grupo se dedicó a preservar y promover la estética naturalista durante las primeras décadas del siglo XX. Reis fue profesor en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y fue nombrado director del Museo Nacional de Arte Contemporáneo ^{[ 35 ]} de Lisboa en 1911, cargo que ocupó hasta 1914. Descubrió la sierra de Lousã, en el centro de Portugal, donde estableció un estudio en 1918. Allí, se dedicó profundamente a la pintura de paisajes, capturando la belleza de la región y sus costumbres locales. El Museo Municipal Carlos Reis ^{[ 36 ]} de Torres Novas recibió su nombre en 1942. ^{[ 36 ]} ( Lista de sus pinturas ).

Artículo principal: Modernismo en Portugal

El modernismo portugués se desarrolló paralelamente a los movimientos internacionales, influenciado por los rápidos avances en ciencia, tecnología y transformación urbana. Las ciudades, con sus paisajes en constante evolución, desempeñaron un papel central en este cambio. A medida que varias monarquías europeas fueron reemplazadas por repúblicas a principios del siglo XX, surgió una nueva visión que abolió los privilegios aristocráticos y enfatizó los valores del mérito y la igualdad social. El arte modernista, reflejando estos cambios, rechazó las representaciones tradicionales y adoptó un carácter revolucionario. Se centró en temas urbanos y la autonomía de la obra de arte, priorizando la visualidad y la materialidad. También se alineó con movimientos de vanguardia como el cubismo, el futurismo y el suprematismo, con el objetivo de retratar entornos urbanos dinámicos y cosmopolitas. ^{[ 46 ]} Como lo expresa Inês Espada Vieira,

Los hombres de la vanguardia eran hombres de escándalo, confrontación y sorpresa. En su audacia, encontraron poesía en los titulares de los periódicos y en los letreros de neón, descubrieron paisajes en la composición tipográfica y evocaron intensos aromas de humo de tabaco y perfume femenino en sus pinturas. Los pintores aniquilaron la tridimensionalidad del lienzo renacentista, los poetas transformaron la máquina en verso y los escritores narraron el movimiento simultáneo. Eran sinceros. Cuando dejaban atrás el objeto para abrazar la idea, volviéndose hacia sus paisajes interiores, la obra —ya fuera texto escrito o pintado— reflejaba no un mundo de imitación, sino de creación [...]. La ciudad es la cuna de la vanguardia. No hay otro lugar para la modernidad. Desde que Europa se definió como tal, ha habido ciudades. Pero la ciudad de la modernidad está lejos de las capitales de la Edad Media, de las ciudades portuarias de la Era de los Descubrimientos y de las grandes capitales del liberalismo constitucional. La ciudad de la modernidad, escenario de la vanguardia, es producto de la Revolución Industrial. Revolución, fruto del progreso. Es, según Eduardo Lourenço, la quintaesencia de la realidad moderna. No cualquier ciudad, sino la Metrópolis. ^{[ 47 ]}

Y París, en aquel entonces, era la metrópolis por excelencia, donde multitud de artistas de diversos países acudían para descubrir el significado de la modernidad. Ante la inestabilidad política y la búsqueda de una identidad cultural, los modernistas portugueses se inspiraron en París. Pero esta anhelada identidad solo podía descubrirse a través de la experiencia de la alteridad, lo que generó una tensión entre nacionalismo y cosmopolitismo. Esta búsqueda de identidad definió el modernismo portugués, con figuras como Almada Negreiros que abrazaron esta experiencia, poniendo de relieve la dinámica entre el orgullo nacional y la influencia internacional.

En París, busqué a los artistas de vanguardia. Entablé amistad con varios de ellos. Pero, y aquí reside la clave, esta interacción con los artistas de vanguardia en París fue simplemente una amistad personal. [...] Nunca pudimos unirnos a la vanguardia en el mismo Ideal. ¿Por qué? Porque nuestro Ideal no era el mismo. El arte no puede existir sin la patria del artista, y esto lo aprendí para siempre en el extranjero. Nuestras patrias eran diferentes. ^{[ 48 ]}

José Tagarro estuvo influenciado por el fauvismo , así como por Ferdinand Hodler, Columbano, El Greco y Jean-Auguste-Dominique Ingres. Como retratista, realizó un importante retrato del pintor Alfredo Roque Gameiro . Su Autoretrato de 1929 ^{[ 49 ]} es, de hecho, un doble autorretrato.

Las promesas que generó la introducción de estas nuevas estéticas se vieron frustradas por la continuación de la Primera Guerra Mundial y la partida de algunas figuras vanguardistas del país, lo que condujo a un retorno al conformismo durante un tiempo. La política cultural del Estado Novo , inaugurada en 1933 con la creación de la Secretaría de Propaganda Nacional y dirigida por António Ferro , marcó el fin del ciclo naturalista y una victoria definitiva para el Modernismo, pero ahora dentro de una poderosa afirmación nacionalista, fuertemente influenciada por el Expresionismo . ^{[ 50 ]} Sus principios se basaban en la proclamación del valor ejemplar de la Historia con su galería de santos y héroes, una fascinación por el imperio, una reiteración constante de la grandeza y la valoración de lo que provenía del pueblo. Estos principios cristalizaron en la Primera Exposição Colonial Portuguesa (1934), el Concurso da Aldeia Mais Portuguesa de Portugal (1936) y la Exposición Mundial Portuguesa (1940), símbolos de la llamada "Política do Espírito" (Política del Espíritu), el proyecto de promoción cultural y propaganda del régimen. ^{[ 51 ]}

Abel Manta fue una figura destacada de la primera generación de pintores modernistas portugueses. En 1919 se trasladó a París, donde conoció a Francisco Franco de Sousa , Dordio Gomes , Luís Cristino da Silva y João da Silva , con quienes compartió estudio. Durante este tiempo, su contacto con el impresionismo y la obra de Cézanne resultó decisivo para su desarrollo artístico. De regreso a Lisboa en 1925, impartió clases de artes decorativas en la Escuela Técnica de Funchal. En 1927 se casó con Clementina Carneiro de Moura , y en 1928 nació su único hijo, João Abel Manta . Manta participaba frecuentemente en encuentros como los del Café A Brasileira en Chiado. Su obra se caracteriza por una transición desde bodegones inspirados en Cézanne y paisajes urbanos impresionistas hasta retratos expresivos y llenos de matices.

Este contexto nacionalista y populista sirvió de telón de fondo para aprovechar algunos de los logros plásticos del modernismo temprano y desarrollar una nueva figuración de orientación social —el llamado movimiento neorrealista portugués— que buscaba restablecer un diálogo directo con el público tras las radicalizaciones abstractas y algo herméticas de los modernistas. En 1935, Álvaro Salema publicó un artículo titulado «O antiburguesismo da cultura nova» (El antiburguesismo de la cultura nueva), en el que abogaba por un arte de carácter social y humanista. Estas ideas se consolidaron aún más en 1939 gracias a Álvaro Cunhal , quien sistematizó esta tendencia en sus escritos para O Diabo (El Diablo). Cunhal concibió un arte progresista que buscaba expresar la realidad viva y humana de su tiempo, al tiempo que abogaba por un retorno a la figuración, sugiriendo que las formas antiguas aún podían tener un significado relevante para el progreso, enfatizando que el contenido era más importante que la forma.

Júlio Pomar y Lima de Freitas emergieron como portavoces prominentes del movimiento, con temas que se convirtieron en íconos del Neorrealismo —campesinos, proletarios, pescadores y el «tipo común»— dominando sus escritos y pinturas. Estas obras también reflejaron la influencia de Abel Salazar , los muralistas mexicanos y el pintor brasileño Cândido Portinari . ^{[ 52 ]} Además, los temas del Estado Novo y el Neorrealismo ganaron reconocimiento.

Si bien los temas del Estado Novo y del neorrealismo a menudo coincidían, sus enfoques ideológicos y metodológicos divergían significativamente. El Estado Novo se adhería a un marco autoritario y fascista, mientras que algunos pintores se alineaban con el Partido Comunista, que operaba en la clandestinidad en aquel entonces. Esta divergencia alimentó un intenso debate estético-político durante un período en el que la imparcialidad era mal vista por los intelectuales, y la censura ideológica y la persecución política se habían vuelto habituales.

También fue notable en esta época la intervención de los surrealistas , liderados por pioneros como António Pedro , António Dacosta y Mário Cesariny de Vasconcelos , junto con figuras como António Dacosta , Marcelino Vespeira , Fernando Azevedo , Fernando Lemos y otros. Sus obras, profundamente influenciadas por los horrores de la Segunda Guerra Mundial, introdujeron un fuerte elemento de irracionalismo, automatismo y anarquismo. Los surrealistas profundizaron en las complejidades del inconsciente y exploraron las posibilidades plásticas del texto escrito. A pesar de sus diferencias, compartían los ideales reformistas de los neorrealistas, lo que también los convirtió en blanco de persecución. ^{[ 53 ]}

El movimiento surrealista impulsó el desarrollo de una forma única de abstracción en Portugal, conocida como Abstraccionismo Lírico . Artistas como Fernando Azevedo , Fernando Lanhas , Joaquim Rodrigo , René Bértholo y Vespeira fueron centrales para este estilo. Mientras tanto, Lanhas, Rodrigo y Nadir Afonso desempeñaron papeles importantes en el avance de la abstracción geométrica . Además, la artista abstracta Maria Helena Vieira da Silva ganó prominencia, aunque gran parte de su obra fue producida en el extranjero. ^{[ 54 ]} A Biblioteca em fogo fue seleccionada como una de las diez obras artísticas más importantes de Portugal por el proyecto Europeana . Carlos Botelho , vinculado al Expresionismo , fue conocido por sus escenas callejeras de Lisboa .

En la década de 1950, el debate entre formalismo moderno versus abstraccionismo y contenido neorrealista versus figurativismo persistió, alimentado por la influencia duradera de una tradición académica retrógrada. Los artistas emergentes de la nueva generación, impulsados ​​por una búsqueda compartida de un arte socialmente relevante pero trabajando desde diversos enfoques, incluyeron a Querubim Lapa , João Hogan , Augusto Gomes , Arlindo Vicente , Mário Dionísio , Avelino da Costa Cunhal , Nuno San Payo, Manuel Ribeiro de Pavia , Cipriano Dourado y los escultores Maria Barreira , Vasco da Conceição , Jorge Vieira y Lagoa Henriques .

En su crítica de la Sexta Exposición General de Artes Plásticas de 1951, Lima de Freitas instó a los jóvenes artistas a mantener su entusiasmo por las cuestiones sociales y a evitar que el sentimentalismo, el formalismo o el lirismo exagerado oscurecieran la «brutal e impetuosa realidad de las cosas y de los hombres». Les exhortó a seguir comprometidos con la representación de la vida cotidiana y la creación de arte orientado a reformar el mundo para un futuro mejor.

António Areal fue un precursor de la Nova Figuração ( Nueva Figuración ), seguido, en cierta medida, por Nuno de Siqueira . António Quadros (1933-1994) se graduó en pintura en la Escuela de Bellas Artes de Oporto. En 1958-1959 estudió en la École des Beaux-Arts de Paris con una beca de la Fundación Calouste Gulbenkian. Recibió la influencia de Marc Chagall y Pablo Picasso, así como de pintores mexicanos y surrealistas latinoamericanos. También fue ceramista y se le atribuye el descubrimiento de la ceramista Rosa Ramalho . Su obra Raparigas (Chicas, 1950-1958, Museu Nacional Soares dos Reis) representa a dos chicas estilizadas, posiblemente campesinas mexicanas (o asiáticas), sentadas de espaldas, bañadas por una intensa luz azul oscura.

A lo largo de la década, el mundo del arte permaneció atrapado en este punto muerto entre la figuración y la abstracción. ^{[ 55 ]}

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Las décadas de 1960 y 1970 transformaron el arte, ya que la pintura alcanzó sus límites en la figuración y la abstracción. Surgió el arte conceptual, difuminando las fronteras artísticas tradicionales y exigiendo una participación activa del espectador. Surgieron nuevas formas como la performance, el arte corporal y las instalaciones. La pintura evolucionó hacia nuevos medios, materiales y conceptos, perdiendo terreno frente al "arte total", donde las ideas superaban a las obras físicas.

En Portugal, durante las décadas de 1960 y 1970, se vivió una tensa confluencia entre lo antiguo y lo nuevo, con el choque entre el modernismo y el naturalismo y las demandas de renovación. La guerra colonial portuguesa y el régimen del Estado Novo frenaron el cambio. La verdadera libertad llegó con el retorno de la democracia. A pesar de las dificultades, la pintura se nutrió de influencias del Pop Art, el Minimalismo y el Op Art.

El minimalismo floreció en la década de 1980, primero en la música y luego en la pintura, la escultura y el grabado. La pintura minimalista adoptó la abstracción con diseños sencillos y colores limitados, mientras que la escultura enfatizó la audaz simplicidad, realzada por el color y la iluminación. Vitor Pomar , activo desde la década de 1970, alcanzó gran prominencia, marcando un momento crucial en el arte minimalista portugués.

En la década de 1980, la educación artística se formalizó, fomentando la creatividad y reflejando la liberación cultural posterior a la dictadura. El posmodernismo revitalizó la pintura tradicional, a la vez que exploraba temas urbanos, política, género, multiculturalismo y globalización. Los nuevos medios, como las computadoras, internet y el arte callejero, ampliaron los horizontes artísticos. El mercado del arte floreció con la aparición de nuevas galerías, marcando una era de expresión individual y el declive de los ideales utópicos.

La diversidad y el cosmopolitismo se consideran hoy la esencia de la modernidad y la fortaleza, elementos fundamentales de la cultura portuguesa. Portugal, actor clave en la globalización transcontinental desde la Era de los Descubrimientos, continúa marcando la pauta en la comprensión cultural. Los intelectuales están superando las visiones nostálgicas de la identidad nacional, abrazando el pasado como un presente vibrante con prometedoras perspectivas de futuro.

La rápida sucesión y fusión de estilos en las últimas décadas dificulta definir este periodo como algo distinto a un nuevo eclecticismo. También resulta complicado elaborar una lista exhaustiva de todos los artistas destacados que han contribuido a la pintura portuguesa reciente. Sin embargo, entre las figuras clave se encuentran Nadir Afonso , Ângelo de Sousa , Graça Morais , Albuquerque Mendes y Paula Rego . Otros artistas se mencionan en la página principal sobre arte contemporáneo portugués.

Paula Rego es reconocida por sus pinturas narrativas, incluyendo obras como Dog Woman y Abortion y Untitled: The Abortion Series , que respondieron al referéndum sobre el aborto en Portugal. Su arte se ha exhibido en la Tate Modern y en la Casa das Histórias Paula Rego . Rego también trabajó con azulejos , con piezas que se exhiben en el metro de Lisboa . Artistas contemporáneos de azulejaria como Júlio Pomar y Manuel Cargaleiro han influido en el arte europeo con formas geométricas y un estilo contrastante, dando forma a la evolución moderna de este medio.

La Colección Berardo presenta pinturas de Jorge Martins , cuyas obras crean un "espacio poroso" abierto a diversos códigos e influencias visuales, incluyendo el cine, la fotografía, el diseño gráfico y la pintura, a menudo haciendo eco de la escultura minimalista y los temas literarios.

Carlos Barahona Possollo es conocido por sus temas mitológicos e iconográficos. Su representación de la mitología es poco convencional, mostrando dioses griegos y romanos, santos católicos, faunos y otras criaturas en poses inesperadas, a menudo en momentos íntimos con claras influencias contemporáneas.

La obra de Alberto Lume abarca desde el estilo abstracto hasta el académico. Sus temas combinan sencillez, encanto bucólico, expresividad ingenua y una sutil sensualidad natural. El delicado equilibrio de colores, temas y personajes de Lume refleja una sensibilidad extraordinaria.

En 2006, el Centro Cultural de Belém realizó una retrospectiva de la obra de Lume. Anteriormente, Serralves había mostrado el arte de Paula Rego ante 200.000 visitantes. Hoy, Joana Vasconcelos representa la creciente influencia de Portugal en el arte contemporáneo.

En 2007, Portugal inauguró el Museo Colección Berardo en el Centro Cultural Belém de Lisboa. Serralves en Oporto también goza de fama internacional.

En 2012, la colección de arte moderno de la Fundación Portugal Telecom se convirtió en una de las pocas colecciones itinerantes de Portugal, presentando a importantes artistas portugueses desde la década de 1960 en adelante, incluyendo a Lourdes Castro , Alberto Carneiro , Helena Almeida y António Palolo . Los artistas con una página en portugués se mencionan en la página principal sobre arte contemporáneo portugués. Las artistas femeninas han tenido una presencia destacada en Portugal en las últimas décadas. En 2021, el Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa presentó una exposición llamada All I Want que mostraba la obra de 40 mujeres de principios del siglo XX. ^{[ 56 ]}