Arte

El arte es una gama diversa de actividad cultural centrada en obras que utilizan talentos creativos o imaginativos , que se espera que evoquen una experiencia valiosa, ^{[ 1 ]} generalmente a través de una expresión de poder emocional, ideas conceptuales, destreza técnica o belleza . ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

No existe una definición generalmente aceptada de lo que constituye arte , ^{[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]} y su interpretación ha variado enormemente a lo largo de la historia y entre culturas. En la tradición occidental , las tres ramas clásicas de las artes visuales son la pintura , la escultura y la arquitectura . ^{[ 8 ]} El teatro , la danza y otras artes escénicas , así como la literatura , la música , el cine y otros medios como los medios interactivos , se incluyen en una definición más amplia de " las artes ". ^{[ 2 ] [ 9 ]} Hasta el siglo XVII, el arte se refería a cualquier habilidad o maestría y no se diferenciaba de los oficios o las ciencias . En el uso moderno posterior al siglo XVII, donde las consideraciones estéticas son primordiales, las bellas artes se separan y distinguen de las habilidades adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas .

La naturaleza del arte y conceptos relacionados, como la creatividad y la interpretación , se exploran en una rama de la filosofía conocida como estética . ^{[ 10 ]} Las obras de arte resultantes se estudian en los campos profesionales de la crítica de arte y la historia del arte .

Desde la perspectiva de la historia del arte, ^{[ 11 ]} las obras artísticas han existido casi desde los inicios de la humanidad: desde el arte prehistórico hasta el arte contemporáneo ; sin embargo, algunos teóricos consideran que el concepto típico de "obras artísticas" no se ajusta bien fuera de las sociedades occidentales modernas. ^{[ 12 ]} Un sentido antiguo de la definición de arte está estrechamente relacionado con el antiguo significado latino, que se traduce aproximadamente como "habilidad" o "artesanía", como se asocia con palabras como "artesano". Las palabras inglesas derivadas de este significado incluyen artifact , artificial , artifice , medical arts y military arts . Sin embargo, existen muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología .

Con el tiempo, filósofos como Platón , Aristóteles , Sócrates e Immanuel Kant , entre otros, cuestionaron el significado del arte. ^{[ 13 ]} Varios diálogos de Platón abordan cuestiones sobre el arte, mientras que Sócrates afirma que la poesía está inspirada por las musas y no es racional. Habla con aprobación de esto y de otras formas de locura divina (embriaguez, erotismo y ensueño) en el Fedro (265a-c), y sin embargo, en la República quiere proscribir el gran arte poético de Homero , así como la risa. En Ion , Sócrates no da ninguna señal de la desaprobación de Homero que expresa en la República . El diálogo Ion sugiere que la Ilíada de Homero funcionaba en el mundo griego antiguo como la Biblia funciona hoy en el mundo cristiano moderno: como arte literario de inspiración divina que puede proporcionar guía moral, siempre que se interprete correctamente. ^{[ 14 ]}

En lo que respecta a las artes literarias y musicales, Aristóteles consideraba la poesía épica , la tragedia, la comedia, la poesía ditirámbica y la música como artes miméticas o imitativas, cada una variando en la imitación según el medio, el objeto y el modo. ^{[ 15 ]} Por ejemplo, la música imita con el ritmo y la armonía, mientras que la danza imita solo con el ritmo y la poesía con el lenguaje. Las formas también difieren en su objeto de imitación. La comedia, por ejemplo, es una imitación dramática de hombres peores que el promedio; mientras que la tragedia imita a los hombres ligeramente mejores que el promedio. Por último, las formas difieren en su modo de imitación: a través de la narrativa o del personaje, a través del cambio o la ausencia de cambio, y a través del drama o la ausencia de drama. ^{[ 16 ]} Aristóteles creía que la imitación es natural en la humanidad y constituye una de las ventajas de la humanidad sobre los animales. ^{[ 17 ]}

El sentido más reciente y específico de la palabra arte como abreviatura de arte creativo o bellas artes surgió a principios del siglo XVII. ^{[ 18 ]} Las bellas artes se refieren a una habilidad utilizada para expresar la creatividad del artista, o para involucrar la sensibilidad estética del público, o para atraer al público hacia la consideración de obras de arte más refinadas o de mayor calidad .

Dentro de este último sentido, la palabra arte puede referirse a varias cosas: (i) un estudio de una habilidad creativa, (ii) un proceso de uso de la habilidad creativa, (iii) un producto de la habilidad creativa, o (iv) la experiencia del público con la habilidad creativa. Las artes creativas ( el arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas que producen obras de arte ( el arte como objetos) impulsadas por una motivación personal (el arte como actividad) y que transmiten un mensaje, un estado de ánimo o un simbolismo para que el perceptor lo interprete (el arte como experiencia). El arte es algo que estimula los pensamientos, las emociones, las creencias o las ideas de un individuo a través de los sentidos. Las obras de arte pueden crearse explícitamente con este propósito o interpretarse a partir de imágenes u objetos. Para algunos estudiosos, como Kant, las ciencias y las artes podrían distinguirse considerando que la ciencia representa el dominio del conocimiento y las artes el dominio de la libertad de expresión artística. ^{[ 19 ]}

A menudo, si la habilidad se utiliza de forma común o práctica, se la considera artesanía en lugar de arte. Del mismo modo, si se utiliza con fines comerciales o industriales, puede considerarse arte comercial en lugar de bellas artes. Por otro lado, la artesanía y el diseño a veces se consideran arte aplicado . Algunos aficionados al arte han argumentado que la diferencia entre bellas artes y arte aplicado tiene más que ver con los juicios de valor que se hacen sobre el arte que con una clara diferencia de definición. ^{[ 20 ]} Sin embargo, incluso las bellas artes suelen tener objetivos que van más allá de la mera creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser comunicar ideas, como en el arte con motivación política, espiritual o filosófica; crear una sensación de belleza (véase estética ); explorar la naturaleza de la percepción; para el placer; o para generar emociones intensas . El propósito también puede ser aparentemente inexistente.

La naturaleza del arte ha sido descrita por el filósofo Richard Wollheim como "uno de los problemas tradicionales más esquivos de la cultura humana". ^{[ 21 ]} El arte ha sido definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales por sí mismos, y como mímesis o representación . El arte como mímesis tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles. ^{[ 22 ]} León Tolstói identificó el arte como un uso de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. ^{[ 22 ]} Benedetto Croce y RG Collingwood impulsaron la visión idealista de que el arte expresa emociones, y que la obra de arte, por lo tanto, existe esencialmente en la mente del creador. ^{[ 23 ] [ 24 ]} La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Kant, y fue desarrollada a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell . Más recientemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad desarrolla para sí un medio de autoexpresión e interpretación. ^{[ 25 ]} George Dickie ha ofrecido una teoría institucional del arte que define una obra de arte como cualquier artefacto al que una persona o personas cualificadas que actúan en nombre de la institución social comúnmente conocida como "el mundo del arte " han conferido "el estatus de candidato a la apreciación". ^{[ 26 ]} Larry Shiner ha descrito las bellas artes como "no una esencia ni un destino, sino algo que hemos creado. El arte, tal como lo hemos entendido generalmente, es una invención europea de apenas doscientos años". ^{[ 27 ]}

El arte puede caracterizarse en términos de mímesis (su representación de la realidad), narrativa (contar historias), expresión, comunicación de emociones u otras cualidades. Durante el Romanticismo , el arte llegó a considerarse «una facultad especial de la mente humana que debe clasificarse junto con la religión y la ciencia». ^{[ 28 ]}

Se determinó que una concha grabada por Homo erectus tenía entre 430.000 y 540.000 años de antigüedad. ^{[ 30 ]} Un conjunto de ocho garras de águila de cola blanca de 130.000 años de antigüedad presentan marcas de corte y abrasión que indican manipulación por parte de neandertales, posiblemente para usarlas como joyas. ^{[ 31 ]} Se descubrió una serie de diminutas conchas de caracol perforadas de unos 75.000 años de antigüedad en una cueva de Sudáfrica. ^{[ 32 ]} Se han encontrado recipientes que podrían haber sido utilizados para guardar pinturas que datan de hace 100.000 años. ^{[ 33 ]}

La obra de arte más antigua encontrada en Europa es el Riesenhirschknochen der Einhornhöhle , que data de hace 51.000 años y fue realizado por los neandertales.

Se han encontrado esculturas, pinturas rupestres , pinturas en roca y petroglifos del Paleolítico Superior que datan de hace aproximadamente 40.000 años, ^{[ 34 ]} pero el significado preciso de dicho arte a menudo se discute porque se sabe muy poco sobre las culturas que lo produjeron.

Las primeras esculturas indiscutibles y piezas de arte similares, como la Venus de Hohle Fels , son los numerosos objetos encontrados en el sitio Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO de las Cuevas y el Arte de la Edad de Hielo en el Jura de Suabia , donde se encontraron las obras de arte humano no estáticas más antiguas descubiertas hasta la fecha, en forma de figurillas talladas de animales y humanoides, además de los instrumentos musicales más antiguos desenterrados hasta ahora, con artefactos que datan de entre 43.000 y 35.000 a. C., siendo así el primer centro de arte humano. ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ]}

Muchas grandes tradiciones artísticas tienen su origen en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: el antiguo Egipto , Mesopotamia , Persia , India, China, la antigua Grecia, Roma, así como los incas , mayas y olmecas . Cada uno de estos centros de civilización temprana desarrolló un estilo artístico único y característico. Debido a la extensión y duración de estas civilizaciones, se conservan más obras de arte y su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunas también han proporcionado los primeros registros de cómo trabajaban los artistas. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar la musculatura, el porte, la belleza y las proporciones anatómicamente correctas. ^{[ 39 ]}

En el arte bizantino y medieval de la Edad Media occidental, gran parte del arte se centró en la expresión de temas relacionados con la cultura bíblica y religiosa, y empleó estilos que mostraban la gloria superior de un mundo celestial, como el uso del oro en el fondo de las pinturas o del vidrio en mosaicos o vidrieras, que también presentaban figuras en formas idealizadas y estilizadas (planas). No obstante, una tradición realista clásica persistió en pequeñas obras bizantinas, y el realismo creció de manera constante en el arte de la Europa católica . ^{[ 40 ]}

El arte renacentista hizo mayor hincapié en la representación realista del mundo material y el lugar de los humanos en él, reflejado en la corporeidad del cuerpo humano y en el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para representar la profundidad en un espacio pictórico tridimensional. ^{[ 41 ]}

En el este, el rechazo del arte islámico a la iconografía condujo a un énfasis en los patrones geométricos , la caligrafía y la arquitectura . ^{[ 43 ]} Más al este, la religión también dominó los estilos y formas artísticas. En India y Tíbet se hizo hincapié en las esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa tomó prestadas muchas convenciones de la escultura y tendió a colores brillantes y contrastantes con énfasis en los contornos. En China florecieron muchas formas de arte: tallado de jade, trabajos en bronce, cerámica (incluido el impresionante Ejército de Terracota del emperador Qin ^{[ 44 ]} ), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, ficción, etc. Los estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno tradicionalmente recibe el nombre de la dinastía gobernante. Así, por ejemplo, las pinturas de la dinastía Tang son monocromáticas y escasas, enfatizando paisajes idealizados, mientras que las pinturas de la dinastía Ming son recargadas y coloridas, y se centran en contar historias a través del escenario y la composición. ^{[ 45 ]} Japón también nombra sus estilos en honor a las dinastías imperiales, y también vio mucha interacción entre los estilos de caligrafía y pintura. La impresión con bloques de madera se volvió importante en Japón después del siglo XVII. ^{[ 46 ]}

La Ilustración occidental del siglo XVIII presenció representaciones artísticas de certezas físicas y racionales del universo mecánico , así como visiones políticamente revolucionarias de un mundo posmonárquico, como la representación de Newton como geómetra divino por Blake , ^{[ 47 ]} o las pinturas propagandísticas de David . Esto llevó al rechazo romántico de estas representaciones en favor de imágenes del lado emocional y la individualidad humana, ejemplificadas en las novelas de Goethe . A finales del siglo XIX surgieron numerosos movimientos artísticos , como el arte académico , el simbolismo , el impresionismo y el fauvismo, entre otros. ^{[ 48 ] [ 49 ]}

La historia del arte del siglo XX es una narración de infinitas posibilidades y la búsqueda de nuevos estándares, cada uno derribado sucesivamente por el siguiente. Así, los parámetros del impresionismo , el expresionismo , el fauvismo , el cubismo , el dadaísmo , el surrealismo , etc., no pueden mantenerse mucho más allá del momento de su invención. La creciente interacción global durante este período propició una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental. De este modo, los grabados japoneses en madera (influenciados a su vez por el dibujo del Renacimiento occidental) tuvieron una enorme influencia en el impresionismo y su posterior desarrollo. Más tarde, Picasso y, en cierta medida, Matisse , se inspiraron en la escultura africana . Del mismo modo, en los siglos XIX y XX, Occidente tuvo un gran impacto en el arte oriental, con ideas originalmente occidentales como el comunismo y el posmodernismo ejerciendo una poderosa influencia. ^{[ 50 ]}

El modernismo , la búsqueda idealista de la verdad, cedió en la segunda mitad del siglo XX ante la constatación de su inalcanzabilidad. Theodor W. Adorno afirmó en 1970: «Ahora se da por sentado que nada relacionado con el arte puede darse por sentado: ni el arte en sí mismo, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte a existir». ^{[ 51 ]} El relativismo se aceptó como una verdad ineludible, lo que condujo al período del arte contemporáneo y la crítica posmoderna , donde las culturas del mundo y de la historia se conciben como formas cambiantes, que solo pueden apreciarse y de las que solo se puede extraer conocimiento con escepticismo e ironía. Además, la separación entre culturas se difumina cada vez más y algunos argumentan que ahora es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de culturas regionales. ^{[ 52 ]}

En El origen de la obra de arte , Martin Heidegger, filósofo alemán y pensador fundamental, describe la esencia del arte en términos de los conceptos de ser y verdad. Sostiene que el arte no es solo una forma de expresar la verdad en una cultura, sino también el medio para crearla y proporcionar un punto de partida desde el cual se revela "lo que es". Las obras de arte no son meras representaciones de la realidad, sino que generan una comprensión compartida por la comunidad. Cada vez que una nueva obra de arte se incorpora a una cultura, el significado de la existencia se transforma intrínsecamente.

Históricamente, el arte, las habilidades artísticas y las ideas se han difundido a menudo a través del comercio. Un ejemplo de ello es la Ruta de la Seda , donde se mezclaron influencias helenísticas, iraníes, indias y chinas. El arte grecobudista es uno de los ejemplos más claros de esta interacción. El encuentro de diferentes culturas y cosmovisiones también influyó en la creación artística. Un ejemplo de ello es la metrópolis portuaria multicultural de Trieste a principios del siglo XX, donde James Joyce conoció a escritores de Europa Central, y el desarrollo artístico de la ciudad de Nueva York como crisol cultural. ^{[ 53 ] [ 54 ] [ 55 ]}

Las artes creativas suelen dividirse en categorías más específicas, generalmente según categorías perceptualmente distinguibles como medios , género, estilos y forma. ^{[ 56 ]} La forma artística se refiere a los elementos del arte que son independientes de su interpretación o significado. Abarca los métodos adoptados por el artista y la composición física de la obra de arte, principalmente aspectos no semánticos de la obra (es decir, figurae ), ^{[ 57 ]} tales como color , contorno , dimensión , medio, melodía , espacio , textura y valor . La forma también puede incluir principios de diseño , tales como disposición, equilibrio , contraste , énfasis , armonía , proporción , proximidad y ritmo. ^{[ 58 ]}

En general, existen tres escuelas filosóficas respecto al arte, que se centran respectivamente en la forma, el contenido y el contexto. ^{[ 58 ]} El formalismo extremo sostiene que todas las propiedades estéticas del arte son formales (es decir, forman parte de la forma artística). Los filósofos rechazan casi universalmente esta visión y afirman que las propiedades y la estética del arte se extienden más allá de los materiales, las técnicas y la forma. ^{[ 59 ]} Desafortunadamente, existe poco consenso sobre la terminología para estas propiedades informales. Algunos autores se refieren al tema y al contenido —es decir, a las denotaciones y connotaciones— , mientras que otros prefieren términos como significado y trascendencia. ^{[ 58 ]}

El intencionalismo extremo sostiene que la intención del autor desempeña un papel decisivo en el significado de una obra de arte, transmitiendo el contenido o la idea principal esencial, mientras que todas las demás interpretaciones pueden descartarse. ^{[ 60 ]} Define el sujeto como las personas o ideas representadas, ^{[ 61 ]} y el contenido como la experiencia del artista de ese sujeto. ^{[ 62 ]} Por ejemplo, la composición de Napoleón I en su trono imperial está parcialmente inspirada en la estatua de Zeus en Olimpia . Como lo demuestra el título, el sujeto es Napoleón , y el contenido es la representación que hace Ingres de Napoleón como "Emperador-Dios más allá del tiempo y el espacio". ^{[ 58 ]} De manera similar al formalismo extremo, los filósofos suelen rechazar el intencionalismo extremo, porque el arte puede tener múltiples significados ambiguos y la intención del autor puede ser incognoscible y, por lo tanto, irrelevante. Su interpretación restrictiva es "socialmente insana, filosóficamente irreal y políticamente imprudente". ^{[ 58 ]}

Finalmente, la teoría en desarrollo del posestructuralismo estudia la importancia del arte en un contexto cultural, como las ideas, emociones y reacciones que suscita una obra. ^{[ 63 ]} El contexto cultural a menudo se reduce a las técnicas e intenciones del artista, en cuyo caso el análisis procede siguiendo líneas similares al formalismo y al intencionalismo. Sin embargo, en otros casos pueden predominar las condiciones históricas y materiales, como las convicciones religiosas y filosóficas, las estructuras sociopolíticas y económicas, o incluso el clima y la geografía. La crítica de arte continúa creciendo y desarrollándose a la par del arte. ^{[ 58 ]}

Habilidad y artesanía

El arte puede connotar una sensación de habilidad entrenada o dominio de un medio . El arte también puede referirse al uso desarrollado y eficiente de un lenguaje para transmitir significado con inmediatez o profundidad. El arte puede definirse como un acto de expresar sentimientos, pensamientos y observaciones. ^{[ 64 ]}

Existe una comprensión que se alcanza con el material como resultado de manipularlo, lo que facilita los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto arte , particularmente en su sentido elevado, requiere cierto nivel de pericia creativa por parte del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica, una originalidad en el enfoque estilístico o una combinación de ambas. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución se consideraba una cualidad inseparable del arte y, por lo tanto, necesaria para su éxito; para Leonardo da Vinci , el arte, ni más ni menos que sus otros esfuerzos, era una manifestación de habilidad. ^{[ 65 ]} La obra de Rembrandt , ahora elogiada por sus virtudes efímeras, fue admirada sobre todo por sus contemporáneos por su virtuosismo. ^{[ 66 ]} A principios del siglo XX, las hábiles interpretaciones de John Singer Sargent fueron alternativamente admiradas y vistas con escepticismo por su fluidez manual, ^{[ 67 ]} pero casi al mismo tiempo el artista que se convertiría en el iconoclasta más reconocido y errante de la época, Pablo Picasso , estaba completando una formación académica tradicional en la que sobresalió. ^{[ 68 ] [ 69 ]}

Una crítica contemporánea común a algunas obras de arte moderno se centra en la aparente falta de habilidad o destreza requerida en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, la Fuente de Marcel Duchamp es uno de los primeros ejemplos de piezas en las que el artista utilizó objetos encontrados ("ready-made") y no empleó un conjunto de habilidades tradicionalmente reconocidas. ^{[ 70 ]} My Bed de Tracey Emin o The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living de Damien Hirst siguen este ejemplo. Emin durmió (y realizó otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. Hirst ideó el diseño conceptual de la obra, pero ha dejado la mayor parte de la creación final de muchas obras a artesanos empleados. La fama de Hirst se basa enteramente en su capacidad para producir conceptos impactantes. ^{[ 71 ]} La producción real en muchas obras de arte conceptual y contemporáneo es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que siguen destacando en las habilidades del dibujo y la pintura y en la creación de obras de arte manuales . ^{[ 72 ]}

El arte ha tenido numerosas funciones diferentes a lo largo de su historia, lo que dificulta abstraer o cuantificar su propósito en un solo concepto. Esto no implica que el propósito del arte sea vago, sino que ha tenido muchas razones únicas y distintas para ser creado. Algunas de estas funciones del arte se presentan en el siguiente esquema. Los diferentes propósitos del arte pueden agruparse según sean motivados o no motivados ( Lévi-Strauss ). ^{[ 73 ]}

El arte puede dividirse en cualquier número de pasos que se puedan justificar. Esta sección divide el proceso creativo en tres pasos generales, pero no hay consenso sobre un número exacto. ^{[ 99 ]}

Preparación

En el primer paso, el artista visualiza la obra en su mente. Al imaginar cómo se vería su arte, el artista comienza el proceso de materializarla. La preparación de la obra puede implicar el estudio e investigación del tema. La inspiración artística es uno de los principales motores del arte y puede considerarse que surge del instinto, las impresiones y los sentimientos. ^{[ 99 ]}

Creación

En el segundo paso, el artista ejecuta la creación de su obra. La creación de una pieza puede verse afectada por factores como el estado de ánimo del artista , su entorno y su estado mental . Por ejemplo, se cree que las Pinturas Negras de Francisco de Goya , creadas en los últimos años de su vida, son tan sombrías debido a su aislamiento y a su experiencia en la guerra. Las pintó directamente en las paredes de su apartamento en España y, muy probablemente, nunca las comentó con nadie. ^{[ 100 ]} Los Beatles afirmaron que drogas como el LSD y el cannabis influyeron en algunos de sus mayores éxitos, como Revolver . ^{[ 101 ]} El ensayo y error se consideran una parte integral del proceso creativo. ^{[ 99 ]}

Desde la antigüedad, gran parte del arte más exquisito ha representado una ostentación deliberada de riqueza o poder, a menudo lograda mediante el uso de materiales costosos y de gran escala. Numerosas obras de arte han sido encargadas por gobernantes políticos o instituciones religiosas, y las versiones más modestas solo estaban al alcance de los más adinerados de la sociedad. ^{[ 106 ]}

Sin embargo, ha habido muchos periodos en los que el arte de muy alta calidad estuvo disponible, en términos de propiedad, para amplios sectores de la sociedad, sobre todo en soportes económicos como la cerámica, que perdura en la tierra, y soportes perecederos como los textiles y la madera. En muchas culturas diferentes, la cerámica de los pueblos indígenas de América se encuentra en una gama tan amplia de tumbas que claramente no estaba restringida a una élite social , ^{[ 107 ]} aunque otras formas de arte sí lo estuvieran. Los métodos de reproducción, como los moldes , facilitaron la producción en masa y se utilizaron para llevar la cerámica romana antigua de alta calidad y las figurillas griegas de Tanagra a un mercado muy amplio. Los sellos cilíndricos eran tanto artísticos como prácticos, y fueron muy utilizados por lo que podría denominarse, en términos generales, la clase media en el Antiguo Cercano Oriente . ^{[ 108 ]} Una vez que las monedas se generalizaron, también se convirtieron en una forma de arte que llegó a la mayor parte de la sociedad. ^{[ 109 ]}

Otra innovación importante surgió en el siglo XV en Europa, cuando el grabado comenzó con pequeñas xilografías , en su mayoría religiosas, que solían ser muy pequeñas y coloreadas a mano, y asequibles incluso para los campesinos , quienes las pegaban en las paredes de sus casas. Los libros impresos fueron inicialmente muy caros, pero su precio disminuyó progresivamente hasta que, en el siglo XIX, incluso los más pobres podían permitirse algunos con ilustraciones impresas. ^{[ 110 ]} Los grabados populares de diversos tipos han decorado hogares y otros lugares durante siglos. ^{[ 111 ]}

En 1661, la ciudad de Basilea , en Suiza , inauguró el primer museo público de arte del mundo, el Kunstmuseum Basel . Hoy en día, su colección se distingue por un impresionante y amplio periodo histórico, que abarca desde principios del siglo XV hasta la actualidad. Sus diversas áreas de especialización le otorgan prestigio internacional como uno de los museos más importantes de su tipo. Estas áreas incluyen: pinturas y dibujos de artistas activos en la región del Alto Rin entre 1400 y 1600, y arte de los siglos XIX al XXI. ^{[ 112 ]}

Los edificios y monumentos públicos , tanto seculares como religiosos, por su naturaleza suelen dirigirse a toda la sociedad y a los visitantes como espectadores, y la exhibición al público en general ha sido durante mucho tiempo un factor importante en su diseño. Los templos egipcios son típicos en el sentido de que la decoración más grande y suntuosa se colocaba en las partes que podían ser vistas por el público en general, en lugar de las áreas que solo veían los sacerdotes. ^{[ 113 ]} Muchas áreas de palacios reales, castillos y casas de la élite social solían ser accesibles al público en general, y gran parte de las colecciones de arte de estas personas a menudo podían ser vistas, ya fuera por cualquiera, o por aquellos que podían pagar un precio módico, o por aquellos que vestían la ropa adecuada, independientemente de quiénes fueran, como en el Palacio de Versalles , donde los accesorios adicionales apropiados (hebillas de plata para zapatos y una espada) podían alquilarse en tiendas externas. ^{[ 114 ]}

Se hicieron arreglos especiales para permitir que el público viera muchas colecciones reales o privadas ubicadas en galerías, como la Colección Orleans , que se encontraba principalmente en un ala del Palais Royal de París y que pudo visitarse durante la mayor parte del siglo XVIII. ^{[ 115 ]} En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del Renacimiento, y los gobiernos y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. La Colección Real Británica sigue siendo distinta, pero se hicieron grandes donaciones, como la Antigua Biblioteca Real , al Museo Británico , fundado en 1753. La Galería Uffizi de Florencia abrió sus puertas completamente como galería en 1765, aunque esta función había ido reemplazando gradualmente las oficinas originales de los funcionarios públicos mucho antes. ^{[ 116 ]} El edificio que ahora ocupa el Museo del Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exhibición pública de partes de la colección de arte real, y existían galerías reales similares abiertas al público en Viena , Múnich y otras capitales. La apertura del Museo del Louvre durante la Revolución Francesa (en 1793) como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa marcó sin duda una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte, transfiriendo la propiedad a un estado republicano, pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. ^{[ 117 ]}

La mayoría de los museos públicos modernos y los programas de educación artística para niños en las escuelas tienen su origen en este impulso de hacer que el arte sea accesible para todos. Sin embargo, los museos no solo facilitan el acceso al arte, sino que también influyen en la forma en que el público lo percibe, como han demostrado diversos estudios. ^{[ 118 ]} Por lo tanto, el museo no es solo un escenario impersonal para la presentación del arte, sino que desempeña un papel activo y vital en la percepción general del arte en la sociedad moderna.

En Estados Unidos, los museos suelen ser regalos de los más ricos a las masas. ( El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston , un ejecutivo ferroviario cuya colección personal de arte fue la que impulsó su creación). Pero a pesar de todo esto, al menos una de las funciones importantes del arte en el siglo XXI sigue siendo la de indicador de riqueza y estatus social. ^{[ 119 ]}

Ha habido intentos por parte de los artistas de crear arte que no pueda ser adquirido por los ricos como objeto de estatus. Uno de los principales motivadores originales de gran parte del arte de finales de la década de 1960 y de la de 1970 fue crear arte que no pudiera ser comprado ni vendido. Es "necesario presentar algo más que meros objetos" ^{[ 120 ]} , dijo el importante artista alemán de la posguerra Joseph Beuys . Este período vio el auge de fenómenos como el arte performativo, el videoarte y el arte conceptual . La idea era que si la obra de arte era una performance que no dejaba rastro, o era una idea, no podía ser comprada ni vendida. Los preceptos democráticos que giran en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y se cosechó a lo largo de la década de 1970. Artistas ampliamente identificados bajo el epígrafe de arte conceptual... sustituyendo las actividades performativas y editoriales por el compromiso con las preocupaciones materiales y materialistas de la forma pintada o escultórica... [han] intentado socavar el objeto artístico en cuanto objeto. ^{[ 121 ]}

En las décadas transcurridas desde entonces, estas ideas se han ido perdiendo en cierta medida, ya que el mercado del arte ha aprendido a vender DVD de edición limitada de obras de video, ^{[ 122 ]} invitaciones a piezas exclusivas de performance y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas performances crean obras que solo son comprendidas por la élite, educada sobre por qué una idea, un video o una pieza aparentemente basura puede considerarse arte. El indicador de estatus pasa a ser la comprensión de la obra en lugar de necesariamente poseerla, y la obra de arte sigue siendo una actividad de la clase alta. "Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD a principios de la década de 2000, los artistas y el sistema de galerías que obtiene sus ganancias de la venta de obras de arte, consiguieron un medio importante para controlar la venta de obras de video y arte digital en ediciones limitadas a coleccionistas." ^{[ 123 ]}

El arte ha sido durante mucho tiempo objeto de controversia, es decir, ha sido rechazado por algunos espectadores, por una amplia variedad de razones, aunque la mayoría de las controversias premodernas están vagamente documentadas o se han perdido por completo para la visión moderna. La iconoclasia es la destrucción del arte que es rechazado por diversas razones, incluidas las religiosas. El aniconismo es un rechazo generalizado a todas las imágenes figurativas, o a menudo solo a las religiosas, y ha sido una constante en muchas religiones importantes. Ha sido un factor crucial en la historia del arte islámico , donde las representaciones de Mahoma siguen siendo especialmente controvertidas. Gran parte del arte ha sido rechazado simplemente porque representaba o defendía de alguna manera a gobernantes, partidos u otros grupos impopulares. Las convenciones artísticas a menudo han sido conservadoras y tomadas muy en serio por los críticos de arte , aunque a menudo mucho menos por el público en general. El contenido iconográfico del arte podía causar controversia, como con las representaciones de finales de la Edad Media del nuevo motivo del Desmayo de la Virgen en escenas de la Crucifixión de Jesús . El Juicio Final de Miguel Ángel fue controvertido por varias razones, incluyendo las transgresiones al decoro a través de la desnudez y la pose de Cristo similar a la de Apolo . ^{[ 124 ] [ 125 ]}

El contenido de gran parte del arte formal a lo largo de la historia estuvo dictado por el mecenas o comisionista más que por el propio artista, pero con la llegada del Romanticismo y los cambios económicos en la producción artística, la visión del artista se convirtió en el determinante habitual del contenido de su obra, aumentando la incidencia de controversias, aunque a menudo reduciendo su importancia. Los fuertes incentivos para la originalidad percibida y la publicidad también animaron a los artistas a buscar la controversia. La Balsa de la Medusa de Théodore Géricault ( c. 1820 ) fue en parte un comentario político sobre un acontecimiento reciente. El Almuerzo sobre la Hierba de Édouard Manet (1863) fue considerado escandaloso no por la mujer desnuda, sino porque está sentada junto a hombres completamente vestidos con la indumentaria de la época, en lugar de con las vestimentas del mundo antiguo. ^{[ 126 ] [ 127 ]} Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884) de John Singer Sargent causó controversia por el rosa rojizo utilizado para colorear el lóbulo de la oreja de la mujer, considerado demasiado sugerente y que supuestamente arruinó la reputación de la modelo de la alta sociedad. ^{[ 128 ] [ 129 ]} El abandono gradual del naturalismo y la representación de representaciones realistas de la apariencia visual de los sujetos en los siglos XIX y XX condujo a una controversia continua que duró más de un siglo. 

En el siglo XX, el Guernica (1937) de Pablo Picasso empleó impactantes técnicas cubistas y crudos óleos monocromáticos para representar las terribles consecuencias de un bombardeo contemporáneo en un pequeño y antiguo pueblo vasco. Interrogatorio III (1981) de Leon Golub muestra a una mujer desnuda, detenida con capucha y atada a una silla, con las piernas abiertas para revelar sus órganos sexuales, rodeada por dos torturadores vestidos con ropa de diario. Piss Christ (1989) de Andrés Serrano es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa el sacrificio y el sufrimiento final de Cristo , sumergido en un vaso de la propia orina del artista. El escándalo resultante provocó comentarios en el Senado de los Estados Unidos sobre la financiación pública de las artes. ^{[ 130 ] [ 131 ]}

Antes del modernismo, la estética en el arte occidental se centraba en lograr el equilibrio adecuado entre los distintos aspectos del realismo o la fidelidad a la naturaleza y el ideal ; las ideas sobre cuál es ese equilibrio han variado a lo largo de los siglos. Esta preocupación está prácticamente ausente en otras tradiciones artísticas. El teórico estético John Ruskin , defensor de lo que consideraba el naturalismo de J.  M.  W. Turner , veía el papel del arte como la comunicación, mediante artificios, de una verdad esencial que solo podía encontrarse en la naturaleza. ^{[ 132 ]}

La definición y evaluación del arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo XX. Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: el realista , según el cual la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier perspectiva humana; el objetivista , según el cual también es un valor absoluto, pero depende de la experiencia humana general; y la postura relativista , según la cual no es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana de diferentes personas y varía con ella. ^{[ 133 ]}

La llegada del modernismo

La llegada del modernismo a finales del siglo XIX provocó una ruptura radical en la concepción de la función del arte, ^{[ 134 ]} y nuevamente a finales del siglo XX con el advenimiento del posmodernismo . El artículo de Clement Greenberg de 1960, "Pintura modernista", define el arte moderno como "el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar la disciplina misma". ^{[ 135 ]} Greenberg aplicó originalmente esta idea al movimiento del expresionismo abstracto y la utilizó como una forma de comprender y justificar la pintura abstracta plana (no ilusionista):

El arte realista y naturalista había desmitificado el medio, utilizando el arte para ocultar el arte; el modernismo, en cambio, lo utilizó para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones propias del medio pictórico —la superficie plana, la forma del soporte, las propiedades del pigmento— fueron consideradas por los antiguos maestros como factores negativos que solo podían reconocerse de forma implícita o indirecta. Bajo el modernismo, estas mismas limitaciones pasaron a considerarse factores positivos y se reconocieron abiertamente. ^{[ 135 ]}

Tras Greenberg, surgieron varios teóricos del arte importantes, como Michael Fried , T.  J.  Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin y Griselda Pollock, entre otros. Aunque originalmente solo pretendía servir para comprender a un grupo específico de artistas, la definición de arte moderno de Greenberg es importante para muchas de las ideas sobre el arte dentro de los diversos movimientos artísticos del siglo XX y principios del XXI. ^{[ 136 ] [ 137 ]}

Artistas pop como Andy Warhol se volvieron notables e influyentes a través de obras que incluían y posiblemente criticaban la cultura popular , así como el mundo del arte . Artistas de las décadas de 1980, 1990 y 2000 extendieron esta técnica de autocrítica más allá del arte culto a toda la creación de imágenes culturales, incluyendo imágenes de moda, cómics , vallas publicitarias y pornografía . ^{[ 138 ] [ 139 ]}

Duchamp propuso en su momento que el arte es cualquier actividad de cualquier tipo, absolutamente todo. Sin embargo, la forma en que hoy en día solo ciertas actividades se clasifican como arte es una construcción social. ^{[ 140 ]} Hay indicios de que esto podría tener algo de verdad. En La invención del arte: una historia cultural , Larry Shiner examina la construcción del sistema moderno de las artes, es decir, las bellas artes. Encuentra evidencia de que el sistema anterior de las artes, previo a nuestro sistema moderno (bellas artes), consideraba que el arte era cualquier actividad humana especializada; por ejemplo, la sociedad de la Antigua Grecia no poseía el término «arte» , sino «técnica» . La «técnica» no puede entenderse ni como arte ni como artesanía, ya que las distinciones entre arte y artesanía son productos históricos que surgieron posteriormente en la historia de la humanidad. La «técnica» incluía la pintura, la escultura y la música, pero también la cocina, la medicina, la equitación , la geometría , la carpintería, la profecía y la agricultura, entre otras. ^{[ 141 ]}

Las disputas sobre si algo debe o no ser clasificado como una obra de arte se denominan disputas clasificatorias sobre el arte. Las disputas clasificatorias del siglo XX han incluido pinturas cubistas e impresionistas , la Fuente de Duchamp , el cine, las superlativas imitaciones de billetes de J.S.G. Boggs , el arte conceptual y los videojuegos . ^{[ 155 ]} El filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición de arte rara vez es el núcleo del problema. Más bien, "las apasionadas preocupaciones e intereses que los humanos depositan en su vida social" son "una parte tan importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte". ^{[ 156 ]} Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre valores sociales y hacia dónde intenta ir la sociedad que sobre la teoría propiamente dicha. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticó el trabajo de Hirst y Emin argumentando: «Durante 1000 años, el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy, las ovejas encurtidas y las camas sucias amenazan con convertirnos a todos en bárbaros», no están proponiendo una definición o teoría sobre el arte, sino cuestionando el valor del trabajo de Hirst y Emin. ^{[ 157 ]} En 1998, Arthur Danto sugirió un experimento mental que mostraba que «el estatus de un artefacto como obra de arte resulta de las ideas que una cultura le aplica, más que de sus cualidades físicas o perceptibles inherentes. La interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es, por lo tanto, constitutiva de la condición artística de un objeto». ^{[ 158 ] [ 159 ]}

El antiarte es una etiqueta para el arte que desafía intencionalmente los parámetros y valores establecidos del arte; ^{[ 160 ]} es un término asociado con el dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial, ^{[ 160 ]} cuando hacía arte a partir de objetos encontrados . ^{[ 160 ]} Uno de estos, Fuente (1917), un urinario común, ha alcanzado considerable prominencia e influencia en el arte. ^{[ 160 ]} El antiarte es una característica del trabajo de la Internacional Situacionista , ^{[ 161 ]} el movimiento de arte postal de baja fidelidady los Jóvenes Artistas Británicos , ^{[ 160 ]} aunque es una forma todavía rechazada por los Stuckistas , ^{[ 160 ]} quienes se describen a sí mismos como anti-anti-arte . ^{[ 162 ] [ 163 ]}

La arquitectura suele incluirse como una de las artes visuales; sin embargo, al igual que las artes decorativas o la publicidad, implica la creación de objetos donde las consideraciones prácticas de uso son esenciales de una manera que normalmente no lo son en una pintura, por ejemplo. ^{[ 164 ]}

juicio de valor

En relación con lo anterior, la palabra «arte» también se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones como «esa comida fue una obra de arte» (el cocinero es un artista) o «el arte del engaño» (se elogia la gran habilidad del embaucador). Es este uso de la palabra como medida de alta calidad y alto valor lo que le confiere su carácter subjetivo. Emitir juicios de valor requiere una base para la crítica. En su nivel más básico, una forma de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios para ser considerado arte es si se percibe como atractivo o repulsivo. Si bien la percepción siempre está influenciada por la experiencia y es necesariamente subjetiva, se entiende comúnmente que lo que no resulta estéticamente satisfactorio no puede ser arte. Sin embargo, el «buen» arte no siempre, ni siquiera de forma regular, resulta estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la principal motivación de un artista no tiene por qué ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo representa imágenes terribles creadas por razones sociales, morales o para invitar a la reflexión. Por ejemplo, la pintura de Francisco Goya que representa el fusilamiento español del 3 de mayo de 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento ejecutando a varios civiles que imploraban. Sin embargo, al mismo tiempo, las imágenes espeluznantes demuestran la aguda habilidad artística de Goya en la composición y la ejecución, y generan una indignación social y política apropiada. Así pues, continúa el debate sobre qué modo de satisfacción estética, si es que se requiere alguno, es necesario para definir el «arte». ^{[ 165 ] [ 166 ]}

La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no tiene por qué ir acompañada de un abandono total de la búsqueda de lo estéticamente atractivo. De hecho, a menudo ocurre lo contrario: la revisión de lo que popularmente se considera estéticamente atractivo permite revitalizar la sensibilidad estética y una nueva apreciación de los estándares del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias maneras de definir la calidad, pero todas parecen coincidir en al menos un punto: una vez aceptadas sus elecciones estéticas, el valor de la obra de arte se determina por su capacidad de trascender los límites del medio elegido para resonar universalmente, ya sea por la singularidad de la habilidad del artista o por su fiel reflejo del espíritu de la época . El arte suele tener como objetivo apelar a las emociones humanas y conectar con ellas. Puede despertar sentimientos estéticos o morales , y puede entenderse como una forma de comunicar estos sentimientos. Los artistas expresan algo para que su público se sienta conmovido en cierta medida, pero no tienen por qué hacerlo conscientemente. El arte puede considerarse una exploración de la condición humana ; es decir, qué significa ser humano. ^{[ 167 ]}

Por extensión, Emily L. Spratt ha argumentado que el desarrollo de la inteligencia artificial generativa , especialmente en lo que respecta al arte de la inteligencia artificial , exige una reevaluación de la teoría estética en la historia del arte actual y una reconsideración de los límites de la creatividad humana. ^{[ 168 ] [ 169 ]} La música y la inteligencia artificial han seguido un camino similar. Lo mismo ocurre con el uso de grandes modelos de lenguaje en la generación de textos creativos.

Un aspecto legal fundamental son las falsificaciones de arte , el plagio , las réplicas y las obras que se basan en gran medida en otras obras de arte.

El derecho de propiedad intelectual desempeña un papel fundamental en el mundo del arte. Los artistas reciben protección de derechos de autor por sus obras originales, lo que les otorga derechos exclusivos para reproducir, distribuir y exhibir sus creaciones. Esta protección les permite regular el uso de su obra y protegerse contra la copia o infracción no autorizada. ^{[ 170 ]}

El comercio de obras de arte o su exportación desde un país puede estar sujeto a regulaciones legales. A nivel internacional, también se realizan importantes esfuerzos para proteger las obras de arte creadas. La ONU , la UNESCO y Blue Shield International se esfuerzan por garantizar una protección efectiva a nivel nacional e intervenir directamente en caso de conflictos armados o desastres. Esto puede afectar particularmente a museos, archivos, colecciones de arte y yacimientos arqueológicos. Asimismo, debería asegurar la base económica de un país, especialmente porque las obras de arte suelen tener importancia turística. El presidente fundador de Blue Shield International, Karl von Habsburg , explicó una conexión adicional entre la destrucción de bienes culturales y la causa de la huida durante una misión en Líbano en abril de 2019: «Los bienes culturales forman parte de la identidad de las personas que viven en un lugar determinado. Si se destruye su cultura, también se destruye su identidad. Muchas personas se ven desarraigadas, a menudo pierden sus perspectivas y, como resultado, huyen de su tierra natal». ^{[ 171 ] [ 172 ] [ 173 ] [ 174 ] [ 175 ] [ 176 ]} Con el fin de preservar la diversidad de la identidad cultural , la UNESCO protege el tesoro humano vivo a través de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial .

• Cole, Ina, Desde el estudio del escultor: Conversaciones con veinte artistas fundamentales (Londres: Laurence King Publishing Ltd, 2021) ISBN 9781913947590OCLC 1420954826 . 
• Antony Briant y Griselda Pollock (eds.). Virtualidades digitales y otras: renegociando la imagen . Londres y Nueva York: IB Tauris, 2010. ISBN 978-1441676313
• Augros, Robert M., Stanciu, George N. La nueva historia de la ciencia: la mente y el universo , Lake Bluff, Ill.: Regnery Gateway, 1984. ISBN 0-89526-833-7(Este libro contiene material importante sobre arte y ciencia)
• Benedetto Croce . La estética como ciencia de la expresión y lingüística general , 2002.
• Botar, Oliver. Desvíos técnicos en IA: Una reconsideración de los inicios de Moholy-Nagy . Galería de Arte del Graduate Center, Universidad de la Ciudad de Nueva York y The Salgo Trust for Education, 2006. ISBN 978-1599713571
• Burguete, Maria y Lam, Lui, eds. (2011). Arts: A Science Matter . World Scientific: Singapur. ISBN 978-981-4324-93-9
• Carol Armstrong y Catherine de Zegher (eds.). Mujeres artistas en el milenio . Massachusetts: October Books/The MIT Press, 2006. ISBN 026201226X
• Colvin, Sidney (1911). "Arte"  . En Chisholm, Hugh (ed.). Encyclopædia Britannica . Vol.  2 (11.ª  ed.). Cambridge University Press. pp. 657–660 . 
• Carl Jung , El hombre y sus símbolos . Londres: Pan Books, 1978. ISBN 0330253212
• EH Gombrich , La historia del arte . Londres: Phaidon Press, 1995. ISBN 978-0714832470
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer , Claudia Mareis y Michael Schwab (eds.). Intellectual Birdhouse. Artistic Practice as Research . Londres: Koening Books, 2012. ISBN 978-3863351182
• Kristine Stiles y Peter Selz (eds.). Teorías y documentos del arte contemporáneo . Berkeley: University of California Press, 1986.
• Kleiner, Gardner, Mamiya y Tansey. Arte a través de los tiempos, duodécima edición (2 volúmenes). Wadsworth, 2004. ISBN 0-534-64095-8(vol. 1) e ISBN 0-534-64091-5(vol. 2)
• Richard Wollheim , El arte y sus objetos: Una introducción a la estética . Nueva York: Harper & Row, 1968. OCLC 1077405 
• Will Gompertz . ¿Qué estás mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos . Nueva York: Viking, 2012. ISBN 978-0670920495

• Arte y juego del Diccionario de la Historia de las Ideas
• Directorio exhaustivo de arte
• Archivos de arte y artistas en la colección de las Bibliotecas Smithsonian (2005) Bibliotecas Digitales Smithsonian
• Servicio de Datos de Artes Visuales (VADS) : colecciones en línea de museos, galerías y universidades del Reino Unido.
• Adajian, Thomas. "La definición de arte" . En Zalta, Edward N. (ed.). Enciclopedia de filosofía de Stanford . ISSN 1095-5054 . OCLC 429049174 .  
• Fieser, James; Dowden, Bradley (eds.). "Definición de arte" . Internet Encyclopedia of Philosophy . ISSN 2161-0002 . OCLC 37741658 .