Roy Lichtenstein

En 1951, Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la Galería Carlebach de Nueva York. ^{[ 2 ] [ 12 ]} Ese mismo año se mudó a Cleveland , donde permaneció durante seis años, aunque viajaba frecuentemente a Nueva York. Durante este tiempo, desempeñó trabajos tan diversos como dibujante y decorador de ventanas entre sus períodos de pintura. ^{[ 2 ]} La obra de Lichtenstein en esta época fluctuó entre el cubismo y el expresionismo . ^{[ 8 ]} En 1954 nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, ahora compositor. Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein , nació dos años después. ^{[ 13 ]}

En 1957, Lichtenstein regresó al norte del estado de Nueva York y volvió a dar clases. ^{[ 14 ]} Fue en esta época cuando adoptó el estilo del expresionismo abstracto , convirtiéndose tardíamente a este estilo pictórico. ^{[ 15 ]} Lichtenstein comenzó a enseñar en el norte del estado de Nueva York, en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego, en 1958. Alrededor de esta época, comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus obras abstractas. ^{[ 16 ]}

En 1960, Lichtenstein comenzó a enseñar en la Universidad de Rutgers, donde recibió una gran influencia de Allan Kaprow , quien también era profesor en la universidad. Este entorno ayudó a reavivar el interés de Lichtenstein por la imaginería protopop. ^{[ 2 ]} En 1961, comenzó sus primeras pinturas pop utilizando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la apariencia de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965 e incluiría el uso de imágenes publicitarias que sugerían el consumismo y la vida doméstica. ^{[ 8 ]} La primera obra de Lichtenstein que presentaba el uso a gran escala de figuras de contornos definidos y puntos Ben-Day fue Look Mickey (1961, Galería Nacional de Arte , Washington, DC). ^{[ 17 ]} Esta pieza surgió de un desafío de uno de sus hijos, quien señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo: «Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso, ¿verdad, papá?». ^{[ 18 ]} Ese mismo año, Lichtenstein produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de chicles y dibujos animados. ^{[ 16 ]}

En 1961, Leo Castelli comenzó a exhibir la obra de Lichtenstein en su galería de Nueva York. Lichtenstein realizó su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; toda la colección fue adquirida por influyentes coleccionistas incluso antes de la inauguración. ^{[ 2 ]} Un grupo de pinturas realizadas entre 1961 y 1962 se centró en objetos domésticos solitarios como zapatillas deportivas, perritos calientes y pelotas de golf. ^{[ 19 ]} En septiembre de 1963, Lichtenstein solicitó una excedencia de su puesto docente en el Douglass College de Rutgers. ^{[ 20 ]}

Las obras de Lichtenstein se inspiraron en cómics que presentaban historias de guerra y romance. "En ese momento", relató más tarde, "me interesaba cualquier cosa que pudiera usar como tema que fuera emocionalmente fuerte, generalmente amor, guerra o algo que fuera un tema altamente cargado y emotivo para contrastar con las técnicas de pintura distantes y deliberadas". ^{[ 21 ]} Su obra de arte fue considerada "perturbadora". ^{[ 22 ]} Lichtenstein describió el Pop Art como "no pintura 'americana' sino pintura industrial". ^{[ 14 ]} Fue en este momento cuando Lichtenstein comenzó a encontrar fama no solo en Estados Unidos sino en todo el mundo. Regresó a Nueva York para estar en el centro de la escena artística y renunció a la Universidad de Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. ^{[ 23 ]} Lichtenstein usó pintura al óleo y Magna (acrílico temprano) en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que fue apropiada de la historia principal de Secret Hearts No. 83 de DC Comics , dibujada por Tony Abruzzo . ( Drowning Girl se exhibe actualmente en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . ^{[ 24 ]} ) Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day, como si hubiera sido creada mediante reproducción fotográfica. Sobre su propia obra, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos «plasmaban cosas en el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a la posición y el tamaño de los colores. Mi estilo es completamente diferente, pero la naturaleza de trazar líneas es prácticamente la misma; simplemente, las mías no resultan caligráficas, como las de Pollock o Kline ». ^{[ 25 ]}

En lugar de intentar reproducir sus temas, la obra de Lichtenstein abordó la forma en que los medios de comunicación los retrataban. Sin embargo, nunca se tomó demasiado en serio a sí mismo, afirmando: «Creo que mi obra es diferente de las tiras cómicas, pero no la llamaría transformación; no creo que lo que se entienda por ello sea importante para el arte». ^{[ 26 ]} Cuando la obra de Lichtenstein se expuso por primera vez, muchos críticos de arte de la época cuestionaron su originalidad. Su obra fue duramente criticada por vulgar y vacía. El titular de un artículo de la revista Life en 1964 preguntaba: «¿Es el peor artista de Estados Unidos?». ^{[ 27 ]} Lichtenstein respondió a tales afirmaciones con declaraciones como la siguiente: «Cuanto más se acerca mi obra al original, más amenazante y crítico es su contenido. Sin embargo, mi obra se transforma por completo, ya que mi propósito y mi percepción son totalmente diferentes. Creo que mis pinturas se transforman críticamente, pero sería difícil demostrarlo mediante cualquier argumento racional». ^{[ 28 ]} En una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986, habló sobre cómo había experimentado estas fuertes críticas. Sugiriendo que a veces era difícil ser criticado, Lichtenstein dijo: "No dudo cuando estoy pintando, es la crítica la que te hace dudar, sí". ^{[ 29 ]}

La célebre imagen de Lichtenstein, Whaam ! (1963), representa un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de caricatura se ve realzado por el uso de la onomatopeya "¡Whaam!" y el recuadro con la leyenda "Apreté el control de fuego... y delante de mí, los cohetes surcaron el cielo..." . Este díptico es de gran formato, con unas dimensiones de 1,7 x 4,0 m (5  pies 7 pulgadas x 13  pies 4 pulgadas). ^{[ 30 ]} Whaam sigue la temática de las tiras cómicas de algunas de sus pinturas anteriores y forma parte de un conjunto de obras de temática bélica creadas entre 1962 y 1964. Es una de sus dos notables pinturas de gran formato con temática bélica. Fue adquirida por la Tate Gallery en 1966, tras haber sido expuesta en la Leo Castelli Gallery en 1963, y (actualmente en la Tate Modern) ha permanecido en su colección desde entonces. En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Nurse (1964), Compositions I (1964), We rise up slowly (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Después de estar en préstamo en el Hessiches Landesmuseum Darmstadt durante varios años, el director fundador del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden , pudo adquirir un total de 87 obras ^{[ 31 ]} de la colección Ströher ^{[ 32 ]} en 1981, principalmente arte pop estadounidense y arte minimalista para el museo en construcción hasta 1991. ^{[ 33 ]}

Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura alrededor de 1964, demostrando una habilidad para la forma que contrastaba con la insistente bidimensionalidad de sus pinturas. Para Cabeza de niña (1964) y Cabeza con sombra roja (1965), Lichtenstein colaboró ​​con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. Luego aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que utilizaba en sus pinturas; la aplicación de líneas negras y puntos Ben-Day a objetos tridimensionales resultó en un aplanamiento de la forma. ^{[ 34 ]}

La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente fieles, aunque no exactas, de viñetas de cómics, un tema que abandonó en gran medida en 1965, si bien en décadas posteriores incorporó ocasionalmente elementos del cómic a su obra de diversas maneras. Estas viñetas fueron dibujadas originalmente por artistas de cómics como Jack Kirby y los dibujantes de DC Comics Russ Heath , Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti , quienes rara vez recibieron crédito alguno. Jack Cowart , director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, refuta la idea de que Lichtenstein fuera un simple copista, afirmando: «La obra de Roy era una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación del sentimiento que otros habían desarrollado. Las viñetas se modificaron en escala, color, tratamiento y en sus implicaciones. No existe una copia exacta». ^{[ 35 ]} Sin embargo, algunos ^{[ 36 ]} han criticado el uso que hace Lichtenstein de imágenes y obras de arte de cómics, especialmente en la medida en que ese uso se ha visto como un respaldo a una visión paternalista de los cómics por parte de la corriente principal del arte; ^{[ 36 ]} el dibujante Art Spiegelman comentó que "Lichtenstein no hizo ni más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa". ^{[ 36 ]}

Las obras de Lichtenstein basadas en paneles ampliados de cómics generaron un amplio debate sobre sus méritos como arte. ^{[ 37 ] [ 38 ]} El propio Lichtenstein admitió: «Nominalmente estoy copiando, pero en realidad estoy reformulando lo copiado en otros términos. Al hacerlo, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, sino puntos, colores planos y líneas inflexibles». ^{[ 39 ]} Eddie Campbell escribió en su blog que «Lichtenstein tomó una imagen diminuta, más pequeña que la palma de la mano, impresa con tintas de cuatro colores en papel de periódico, la amplió al tamaño convencional en el que se crea y exhibe el "arte" y la terminó con pintura sobre lienzo». ^{[ 40 ]} Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: «Hay arte elevado y arte popular. Y luego está el arte elevado que puede tomar el arte popular, llevarlo a un contexto de arte elevado, apropiárselo y elevarlo a algo más». ^{[ 41 ]}

En 1966, Lichtenstein dejó atrás su aclamada imaginería de principios de la década de 1960 y comenzó su serie de Pinturas Modernas , que incluye más de 60 pinturas y sus correspondientes dibujos. Utilizando sus característicos puntos Ben-Day y formas y líneas geométricas, creó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, patrones tomados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales. La serie de Escultura Moderna de 1967-1968 hizo referencia a motivos de la arquitectura Art Déco. ^{[ 42 ]}

El dormitorio de Van Gogh en Arlés (1888)

El dormitorio de Lichtenstein en Arlés (1992)

A principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne , Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie Pinceladas en 1965. ^{[ 43 ]} Continuó retomando este tema más adelante en su carrera con obras como Dormitorio en Arlés , que se derivó del Dormitorio en Arlés de Vincent van Gogh .

En 1970, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (dentro de su programa de Arte y Tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) le encargó a Lichtenstein la realización de una película. Con la ayuda de Universal Film Studios , el artista concibió y produjo Tres paisajes , una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas paisajísticos que creó entre 1964 y 1966. ^{[ 44 ]} Aunque Lichtenstein había planeado producir 15 cortometrajes, la instalación de tres pantallas —realizada con el cineasta independiente Joel Freedman  , radicado en Nueva York— resultó ser la única incursión del artista en este medio. ^{[ 45 ]} 

También en 1970, Lichtenstein compró una antigua cochera en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad y pasó el resto de la década de 1970 en relativo aislamiento. ^{[ 46 ]} En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a soltarse y amplió lo que había hecho antes. Lichtenstein comenzó una serie de pinturas de Espejos en 1969. Para 1970, mientras continuaba con la serie de Espejos , comenzó a trabajar en el tema de los entablamentos . Los Entablamentos consistieron en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguida de una segunda serie en 1974-1976, y la publicación de una serie de grabados en relieve en 1976. ^{[ 47 ]} Lichtenstein produjo una serie de "Estudios de Artistas" que incorporaban elementos de su trabajo anterior. Un ejemplo notable es Artist's Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center , Minneapolis ), que incorpora otras cinco obras anteriores, integradas en la escena. ^{[ 2 ]}

Durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein quedó fascinado por la colección de grabados y libros ilustrados del expresionismo alemán del abogado Robert Rifkind . Comenzó a producir obras que tomaban prestados elementos estilísticos de las pinturas expresionistas. El árbol blanco (1980) evoca los paisajes líricos de Der Blaue Reiter , mientras que Dr. Waldmann (1980) recuerda a Dr. Mayer-Hermann (1926) de Otto Dix . Se utilizaron pequeños dibujos a lápiz de color como plantillas para grabados en madera, un medio preferido por Emil Nolde y Max Pechstein , así como por Dix y Ernst Ludwig Kirchner . ^{[ 48 ]} También a finales de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue reemplazado por obras más surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen ). Una importante serie de pinturas surrealistas-pop de 1979 a 1981 se basa en temas nativos americanos. ^{[ 49 ] [ 50 ]} Estas obras abarcan desde Figura Amerind (1981), una escultura estilizada de tamaño natural que recuerda a un tótem aerodinámico en bronce patinado en negro, hasta el monumental tapiz de lana Paisaje Amerind (1979). Las obras "indias" tomaron sus temas, al igual que las demás partes de la serie surrealista, del arte contemporáneo y otras fuentes, incluidos libros sobre diseño nativo americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein. ^{[ 51 ]}

Las pinturas, esculturas y dibujos de bodegones de Lichtenstein , que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales como frutas, flores y jarrones. ^{[ 52 ]} En 1983, Lichtenstein hizo dos carteles antiapartheid , titulados simplemente "Contra el apartheid". ^{[ 53 ] [ 54 ]} En su serie Reflection , producida entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de trabajos anteriores. ^{[ 55 ]} Interiors (1991–1992) es una serie de obras que representan ambientes domésticos banales inspirados en anuncios de muebles que el artista encontró en guías telefónicas o en vallas publicitarias. ^{[ 56 ]} Habiendo obtenido inspiración de los grabados monocromáticos de Edgar Degas presentados en una exposición de 1994 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los motivos de su serie Paisajes al estilo chino están formados con puntos Ben-Day simulados y contornos de bloques, representados en colores duros y vivos, con todo rastro de mano eliminada. ^{[ 57 ]} El desnudo es un elemento recurrente en la obra de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage para desnudo con camisa roja (1995).

Además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 grabados, principalmente en serigrafía . ^{[ 58 ]}

En 1969, Gunter Sachs encargó a Lichtenstein la creación de Composition y Leda and the Swan , para la suite de arte pop del coleccionista en el Palace Hotel de St. Moritz . A finales de la década de 1970 y durante la década de 1980, Lichtenstein recibió importantes encargos de obras en lugares públicos: las esculturas Lamp (1978) en St. Mary's, Georgia ; Mermaid (1979) en Miami Beach; Brushstrokes in Flight (1984, trasladada en 1998), de 26 pies de altura, en el Aeropuerto Internacional John Glenn Columbus ; Mural with Blue Brushstroke (1984-1985) , de cinco pisos de altura, en el Equitable Center de Nueva York; y El Cap de Barcelona (1992) en Barcelona. ^{[ 42 ]} En 1994, Lichtenstein creó el Times Square Mural, de 53 pies de largo, de esmalte sobre metal, en la estación de metro de Times Square . ^{[ 59 ]} En 1977, BMW le encargó pintar una versión de carreras del Grupo 5 del BMW 320i para la tercera entrega del BMW Art Car Project . El logotipo de DreamWorks Records fue su último proyecto completado. ^{[ 2 ]} "No me dedico a hacer nada parecido (un logotipo corporativo) y no tengo intención de volver a hacerlo", admite Lichtenstein. "Pero conozco a Mo Ostin y a David Geffen y me pareció interesante". ^{[ 60 ]}

Aunque la obra de Lichtenstein basada en el cómic obtuvo cierta aceptación, los críticos siguen expresando preocupaciones, afirmando que Lichtenstein no dio crédito, no pagó regalías ni solicitó permiso a los artistas originales o titulares de los derechos de autor. ^{[ 70 ] [ 71 ]} En una entrevista para un documental de BBC Four en 2013, Alastair Sooke le preguntó al dibujante de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiador. Gibbons respondió: "Yo diría que un 'imitador'. En la música, por ejemplo, no puedes simplemente silbar la melodía de otra persona o interpretarla, por muy mal que lo hagas, sin dar crédito y pagar al artista original. Es decir, esto es '¡WHAAM! de Roy Lichtenstein, después de Irv Novick'". ^{[ 72 ]} El propio Sooke sostiene que "Lichtenstein transformó la obra de Novick de varias maneras sutiles pero cruciales". ^{[ 73 ]}

Ernesto Priego, profesor de la City University de Londres, señala que el hecho de que Lichtenstein no diera crédito a los creadores originales de sus cómics reflejaba la decisión de National Periodical Publications , la predecesora de DC Comics , de omitir cualquier crédito para sus guionistas y dibujantes:

Además de encarnar el prejuicio cultural contra los cómics como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación del vocabulario de los cómics por parte de Lichtenstein resaltan la importancia de considerar el formato de publicación al definir los cómics, así como la economía política implícita en tipos específicos de publicaciones históricas, en este caso el cómic estadounidense convencional. ¿Hasta qué punto fue National Periodical Publications (más tarde DC) responsable del rechazo de los roles de Kanigher y Novick como artistas por derecho propio al no otorgarles el crédito completo de autoría en la publicación misma? ^{[ 74 ]}

Además, Campbell señala que hubo un tiempo en que los dibujantes de cómics a menudo rechazaban que se les atribuyera su trabajo. ^{[ 40 ]}

En un relato publicado en 1998, Novick afirmó haber conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y que, como su superior, había respondido a las quejas entre lágrimas de Lichtenstein sobre las tareas insignificantes que le asignaban recomendándolo para un puesto mejor. ^{[ 75 ]} Jean-Paul Gabilliet ha puesto en duda este relato, afirmando que Lichtenstein había dejado el ejército un año antes de la fecha en que Novick dice que ocurrió el incidente. ^{[ 76 ]} Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y Okay Hot-Shot, Okay!, afirma que la historia de Novick «parece un intento de menospreciar personalmente» al artista más famoso. ^{[ 75 ]}

En 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery de Londres, con motivo de la muestra «'54–'64: Pintura y escultura de una década». En 1967, se celebró su primera exposición retrospectiva en un museo, en el Pasadena Art Museum de California. Ese mismo año, se realizó la primera exposición individual de Lichtenstein en Europa, en museos de Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. ^{[ 61 ]} Posteriormente participó en la Documenta IV (1968) y la VI (1977).

Lichtenstein tuvo su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim en 1969, organizada por Diane Waldman. El Guggenheim presentó una segunda retrospectiva de Lichtenstein en 1994. ^{[ 47 ]} Lichtenstein se convirtió en el primer artista vivo en tener una exposición individual de dibujo en el Museo de Arte Moderno de marzo a junio de 1987. ^{[ 46 ]} En 2003, el Museo Metropolitano de Arte exhibió Roy Lichtenstein en el techo , seis esculturas de bronce y aluminio en su techo.

Entre las retrospectivas más recientes se incluyen "All About Art" de 2003, del Museo de Arte Moderno de Louisiana , en Dinamarca (que luego viajó a la Hayward Gallery de Londres, al Museo Reina Sofía de Madrid, ^{[ 77 ]} y al Museo de Arte Moderno de San Francisco , hasta 2005); y "Classic of the New", Kunsthaus Bregenz (2005), "Roy Lichtenstein: Meditations on Art", Museo Triennale de Milán (2010, que viajó al Museo Ludwig de Colonia).

En 2007, la National Portrait Gallery de Londres organizó la importante exposición «Retratos de arte pop» . Lichtenstein fue uno de los artistas destacados, junto con contemporáneos como Andy Warhol y David Hockney . ^{[ 78 ]}

A finales de 2010, la Biblioteca y Museo Morgan presentó la exposición Roy Lichtenstein: Dibujos en blanco y negro, 1961–1968 . ^{[ 79 ]} Otra retrospectiva importante se inauguró en el Instituto de Arte de Chicago en mayo de 2012 antes de ir a la Galería Nacional de Arte en Washington, ^{[ 80 ]} Tate Modern en Londres y el Centro Pompidou en París en 2013. ^{[ 81 ]} Otras exposiciones incluyen Roy Lichtenstein , Olyvia Fine Art, Londres en 2013, Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures , The FLAG Art Foundation y Roy Lichtenstein: Opera Prima , Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turín, ambas en 2014. ^{[ 82 ]} Del 7 de octubre de 2016 al 12 de marzo de 2017, el Skirball Cultural Center en Los Ángeles presentó Pop for the People: Roy Lichtenstein in LA ^{[ 83 ]} 2018: Exposición en The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.

Desde la década de 1950, la obra de Lichtenstein se ha exhibido en Nueva York y otros lugares con Leo Castelli en su galería y en Castelli Graphics, así como con Ileana Sonnabend en su galería en París, y en la Galería Ferus , Galería Pace , Galería Gagosian , Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone , Galería Brooke Alexander , Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind , Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon y Galerías Sperone Westwater, entre otras. La Galería Leo Castelli representó a Lichtenstein exclusivamente desde 1962, ^{[ 7 ]} cuando una exposición individual del artista se agotó antes de su inauguración. ^{[ 84 ]}

A partir de 1962, la galería Leo Castelli de Nueva York organizó exposiciones periódicas de la obra del artista. ^{[ 85 ]} La galería Gagosian ha estado exhibiendo obras de Lichtenstein desde 1996. ^{[ 86 ]}

El cuadro Big Painting No. 6 (1965) se convirtió en la obra de Lichtenstein de mayor precio en 1970. ^{[ 87 ]} Al igual que toda la serie Brushstrokes , el tema del cuadro es el proceso de la pintura expresionista abstracta mediante pinceladas amplias y goteos, pero el resultado de la simplificación de Lichtenstein, que utiliza un fondo de puntos Ben-Day, es una representación de la reproducción de la impresión a color mecánica/industrial. ^{[ 88 ]}

La pintura de Lichtenstein Torpedo ... Los! (1963) se vendió en Christie's por 5,5  millones de dólares en 1989, una suma récord en ese momento, lo que lo convirtió en uno de los únicos tres artistas vivos que habían atraído sumas tan enormes. ^{[ 61 ]} En 2005, In the Car se vendió por la entonces cifra récord de 16,2 millones de dólares (10 millones de libras esterlinas).

En 2010, la pintura de Lichtenstein de 1964, de estilo caricaturesco, Ohhh...Alright... , que perteneció a Steve Martin y posteriormente a Steve Wynn , ^{[ 89 ]} se vendió por la cifra récord de 42,6 millones de dólares estadounidenses (26,7 millones de libras esterlinas) en una subasta de Christie's en Nueva York. ^{[ 90 ] [ 91 ]}

Basada en un dibujo de William Overgard de 1961 para una historieta de Steve Roper , ^{[ 92 ]} ¡Puedo ver toda la habitación... y no hay nadie en ella! (1961) de Lichtenstein representa a un hombre mirando a través de un agujero en una puerta. Fue vendida por la coleccionista Courtney Sale Ross por 43  millones de dólares, el doble de su precio estimado, en Christie's en la ciudad de Nueva York en 2011; el esposo de la vendedora, Steve Ross, la había adquirido en una subasta en 1988 por 2,1  millones de dólares. ^{[ 93 ]} La pintura mide cuatro pies por cuatro pies y está realizada en grafito y óleo. ^{[ 94 ]}

La pintura cómica Sleeping Girl (1964) de la colección de Beatrice y Phillip Gersh estableció un nuevo récord de Lichtenstein de 44,8  millones de dólares en Sotheby's en 2012. ^{[ 95 ] [ 96 ]}

En octubre de 2012, la pintura de Lichtenstein, Cable eléctrico (1962), fue devuelta a la viuda de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, tras haber estado desaparecida durante 42 años. Castelli había enviado la pintura a un restaurador de arte para su limpieza en enero de 1970 y nunca la recuperó. Falleció en 1999. En 2006, la Fundación Roy Lichtenstein publicó una imagen de la pintura en su tarjeta navideña y solicitó la colaboración de la comunidad artística para encontrarla. ^{[ 97 ]} La pintura fue hallada en un almacén de Nueva York, tras haber sido expuesta en Bogotá, Colombia. ^{[ 98 ]}

En 2013, el cuadro Mujer con sombrero floreado estableció otro récord al alcanzar los 56,1  millones de dólares, cuando fue adquirido por el joyero británico Laurence Graff al inversor estadounidense Ronald O. Perelman . ^{[ 99 ]} Este récord fue superado en 2015 por la venta de Enfermera por 95,4  millones de dólares en una subasta de Christie's. ^{[ 100 ]}

En un episodio de 2016 del programa Antiques Roadshow , una serigrafía de Lichtenstein de 1966 fue valorada en 20.000 dólares. ^{[ 101 ]}

En enero de 2017, Masterpiece se vendió por 165  millones de dólares. Los ingresos de esta venta se utilizarán para crear un fondo para la reforma de la justicia penal. ^{[ 4 ]}

En 1996, la National Gallery of Art de Washington, D.C. se convirtió en el mayor depositario individual de la obra del artista cuando Lichtenstein donó 154 grabados y dos libros. El Art Institute of Chicago tiene varias obras importantes de Lichtenstein en su colección permanente, incluyendo Brushstroke with Spatter (1966) y Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Los fondos personales de la viuda de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, y de la Fundación Roy Lichtenstein suman cientos. ^{[ 109 ]} En Europa, el Museum Ludwig de Colonia posee una de las colecciones más completas de Lichtenstein con Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), además del Frankfurt Museum für Moderne Kunst con We rise up slowly (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Fuera de Estados Unidos y Europa, la Colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia posee una extensa colección de grabados de Lichtenstein, que supera las 300 obras. En total, se estima que hay unas 4500 obras en circulación. ^{[ 2 ]}

Entre las numerosas obras de arte perdidas en los ataques al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, una pintura de la serie El entablamento de Lichtenstein fue destruida en el incendio posterior. ^{[ 110 ]}

• 1977: Medalla Skowhegan de Pintura, Escuela Skowhegan, Skowhegan, Maine .
• 1979: Academia Estadounidense de Artes y Letras , Nueva York.
• 1989: Academia Americana en Roma , Roma, Italia. Artista residente.
• 1991: Premio de Artes Creativas en Pintura, Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts .
• 1993: Amici de Barcelona, ​​del alcalde Pasqual Maragall , L'Alcalde de Barcelona.
• 1995: Premio Kyoto , Fundación Inamori, Kyoto , Japón.
• 1995: Medalla Nacional de las Artes, Washington D.C.

Lichtenstein recibió numerosos doctorados honoris causa de, entre otros, el Instituto de las Artes de California (1977), ^{[ 111 ]} Southampton College (1980), la Universidad Estatal de Ohio (1987), Bard College , Royal College of Art (1993), Universidad George Washington (1996). También formó parte de la junta directiva de la Academia de Música de Brooklyn . ^{[ 46 ]}

En 2023, el Servicio Postal de los Estados Unidos conmemoró el centenario del nacimiento de Lichtenstein con la emisión de una serie de sellos dedicada a él en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York. Cinco de las pinturas de Lichtenstein aparecieron en sellos Forever : Explosión de pie (rojo) , Pintura moderna I , Naturaleza muerta con cuenco de cristal , Naturaleza muerta con pez dorado y Retrato de una mujer . ^{[ 112 ]}

Tras la muerte del artista en 1997, se creó la Fundación Roy Lichtenstein en 1999. En 2011, el consejo de administración de la fundación decidió que los beneficios de la autenticación se veían superados por los riesgos de litigios prolongados. ^{[ 113 ]}

A finales de 2006, la fundación envió una tarjeta navideña con una imagen de Electric Cord (1961), una pintura que había estado desaparecida desde 1970 tras haber sido enviada al restaurador de arte Daniel Goldreyer por la Galería Leo Castelli . La tarjeta instaba al público a informar sobre cualquier dato acerca de su paradero. ^{[ 114 ]} En 2012, la fundación autentificó la obra cuando apareció en un almacén de la ciudad de Nueva York. ^{[ 115 ]}

Entre 2008 y 2012, tras la muerte del fotógrafo Harry Shunk en 2006, ^{[ 116 ]} la Fundación Lichtenstein adquirió la colección de material fotográfico tomado por Shunk y su colaborador János Kender, así como los derechos de autor de los fotógrafos. ^{[ 117 ]} En 2013, la fundación donó el archivo Shunk-Kender a cinco instituciones: el Getty Research Institute en Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la National Gallery of Art en Washington; el Centre Pompidou en París; y la Tate en Londres, lo que permitirá a cada museo acceder a la parte correspondiente a los demás. ^{[ 117 ]}