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La Mona Lisa (1503-1519), de Leonardo da Vinci , es una de las pinturas más reconocibles del mundo. La pintura es un arte visual , caracterizado por la práctica de aplicar pintu...

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La Mona Lisa (1503-1519), de Leonardo da Vinci , es una de las pinturas más reconocibles del mundo.

La pintura es un arte visual , caracterizado por la práctica de aplicar pintura , pigmento , color u otro medio a una superficie sólida. [ 1 ] El medio se aplica comúnmente a la base con un pincel . También se pueden utilizar otros instrumentos, como espátulas, esponjas, aerógrafos , los dedos del artista o incluso una técnica de goteo que aprovecha la gravedad. Quien produce pinturas se llama pintor .

En arte , el término "pintura" describe tanto el acto como el resultado de la acción (la obra final se denomina "pintura"). El soporte para las pinturas incluye superficies como paredes, papel, lienzo, madera, vidrio, laca , cerámica, pan de oro , cobre y hormigón ; la pintura puede incorporar otros materiales, individualmente o en conjunto, como arena, arcilla , papel, cartón, periódico, yeso , pan de oro e incluso objetos enteros.

La pintura es una forma importante de arte visual , que incorpora elementos como el dibujo , la composición , el gesto , la narración y la abstracción . [ 2 ] Las pinturas pueden ser naturalistas y representacionales (como en los retratos , la naturaleza muerta y la pintura de paisajes , aunque estos géneros también pueden ser abstractos), fotográficas , abstractas, narrativas, simbolistas (como en el arte simbolista ), emotivas (como en el expresionismo ) o de naturaleza política (como en el artivismo ).

Una parte importante de la historia de la pintura, tanto en el arte oriental como en el occidental, está dominada por el arte religioso . Ejemplos de este tipo de pintura abarcan desde obras que representan figuras mitológicas en cerámica , hasta escenas bíblicas en el techo de la Capilla Sixtina , pasando por escenas de la vida de Buda (u otras imágenes de origen religioso oriental ).

Historia

Se estima que las pinturas rupestres que representan una cacería de jabalíes en el karst de Maros-Pangkep, en Sulawesi, tienen al menos 43.900 años de antigüedad (2014). Este hallazgo fue reconocido como "la representación más antigua conocida de narración oral y el primer ejemplo de arte figurativo en la historia de la humanidad".
Redibujo de una escena de caza de las cuevas del karst de Maros-Pangkep.
La representación de un toro hallada en Lubang Jeriji Saleh , Indonesia , en 2018, es la pintura figurativa más antigua conocida del mundo. Se estima que la obra fue creada hace entre 40.000 y 52.000 años, o incluso antes.

Las pinturas más antiguas conocidas tienen más de 40.000-60.000 años ( arte del Paleolítico Superior ) y se encuentran en las cuevas del distrito de Maros ( Sulawesi , Indonesia ). Las más antiguas suelen estar construidas con plantillas de manos y formas geométricas simples. [ 3 ] [ a ]

En 2021, investigadores descubrieron arte rupestre antiguo en Leang Tedongnge, Sulawesi, Indonesia, con una antigüedad estimada de al menos 45.500 años. Esta obra de arte, que representa a un cerdo verrugoso, está reconocida como el ejemplo más antiguo conocido de arte figurativo o representacional.

En noviembre de 2018, los científicos informaron del descubrimiento de la pintura de arte figurativo más antigua conocida hasta entonces, de más de 40.000 (quizás hasta 52.000) años de antigüedad, de un animal desconocido, en la cueva de Lubang Jeriji Saléh en la isla indonesia de Borneo . [ 5 ] [ 6 ] En diciembre de 2019, se descubrió que las pinturas rupestres que representan la caza de cerdos dentro de la región kárstica de Maros-Pangkep en Sulawesi eran aún más antiguas, con una edad estimada de al menos 43.900 años. Este hallazgo fue reconocido como "la representación más antigua conocida de narración de historias y el ejemplo más antiguo de arte figurativo en la historia de la humanidad". [ 7 ] [ 8 ] En 2021, se informó sobre el arte rupestre de un cerdo encontrado en Sulawesi , Indonesia, y datado en más de 45.500 años. [ 9 ] [ 10 ] El 3 de julio de 2024, la revista Nature publicó los resultados de una investigación que indica que las pinturas rupestres que representan figuras antropomórficas interactuando con un cerdo y miden 36 por 15 pulgadas (91 por 38 cm) en Leang Karampuang tienen aproximadamente 51.200 años de antigüedad, lo que las establece como las pinturas más antiguas conocidas en el mundo. [ 11 ] [ 12 ] 

Existen ejemplos de pinturas rupestres en todo el mundo: en Indonesia , Francia , España , Portugal , Italia , China , India , Australia , México , [ 13 ] etc. En las culturas occidentales, la pintura al óleo y la acuarela poseen tradiciones ricas y complejas en cuanto a estilo y temática. En Oriente, la tinta y la tinta de color predominaron históricamente como medio artístico, con tradiciones igualmente ricas y complejas.

La invención de la fotografía tuvo un gran impacto en la pintura. En las décadas posteriores a la primera fotografía tomada en 1829, los procesos fotográficos mejoraron y se generalizaron, privando a la pintura de gran parte de su propósito histórico de proporcionar un registro preciso del mundo observable. Una serie de movimientos artísticos de finales del siglo XIX y principios del XX —en particular el impresionismo , el postimpresionismo , el fauvismo , el expresionismo , el cubismo y el dadaísmo— desafiaron la visión renacentista del mundo. Sin embargo, la pintura oriental y africana continuó una larga tradición de estilización y no experimentó una transformación equivalente al mismo tiempo.

El arte moderno y contemporáneo se ha alejado del valor histórico de la técnica y la documentación en favor del concepto . Esto no ha disuadido a la mayoría de los pintores vivos de seguir practicando la pintura, ya sea como parte integral de su obra. La vitalidad y versatilidad de la pintura en el siglo XXI desafían las anteriores predicciones de su desaparición. En una época caracterizada por el pluralismo , no existe consenso sobre un estilo representativo. Los artistas continúan creando importantes obras de arte en una amplia variedad de estilos y sensibilidades estéticas ; el público y el mercado son quienes deben juzgar sus méritos.

El movimiento artístico feminista [ 14 ] comenzó en la década de 1960 durante la segunda ola del feminismo . El movimiento buscaba obtener igualdad de derechos e igualdad de oportunidades para las artistas femeninas a nivel internacional.

Elementos de la pintura

Chen Hongshou (1598-1652), pintura de álbum de hojas ( dinastía Ming )
Muestra una pintura puntillista de un trombonista solista.
Georges Seurat , Espectáculo secundario de circo ( en francés : Parade de cirque ) (1887–88)

Color y tono

El color , compuesto por matiz , saturación y valor , disperso sobre una superficie, es la esencia de la pintura, así como el tono y el ritmo son la esencia de la música . El color es altamente subjetivo, pero tiene efectos psicológicos observables, aunque estos pueden variar de una cultura a otra. El negro se asocia con el luto en Occidente, pero en Oriente, el blanco. Algunos pintores, teóricos, escritores y científicos, incluidos Goethe , [ 15 ] Kandinsky , [ 16 ] y Newton , [ 17 ] han escrito su propia teoría del color .

Además, el uso del lenguaje es solo una abstracción del equivalente del color. La palabra " rojo ", por ejemplo, puede abarcar una amplia gama de variaciones desde el rojo puro del espectro visible de la luz. No existe un registro formalizado de los diferentes colores como el que existe en la música, donde hay un acuerdo sobre las distintas notas, como Fa o Do sostenido . Para un pintor, el color no se divide simplemente en colores básicos (primarios) y derivados (complementarios o mezclados) (como rojo, azul, verde, marrón, etc.).

Los pintores trabajan prácticamente con pigmentos , [ 18 ] así que el " azul " para un pintor puede ser cualquiera de los azules: azul ftalocianina , azul de Prusia , índigo , azul cobalto , ultramar , etc. Los significados psicológicos y simbólicos del color no son, estrictamente hablando, medios de pintura. Los colores solo añaden al contexto potencial y derivado de significados, y por ello, la percepción de una pintura es altamente subjetiva. La analogía con la música es bastante clara: el sonido en la música (como una nota do) es análogo a la "luz" en la pintura, los "tonos" a la dinámica , y la "coloración" es a la pintura lo que el timbre específico de los instrumentos musicales es a la música. Estos elementos no necesariamente forman una melodía (en la música) por sí mismos; más bien, pueden añadirle diferentes contextos.

Elementos no tradicionales

Los artistas modernos han ampliado considerablemente la práctica de la pintura para incluir, por ejemplo, el collage , que se originó con el cubismo y no es pintura en sentido estricto. Algunos pintores modernos incorporan diferentes materiales como metal, plástico, arena , cemento , paja , hojas o madera para crear texturas. Ejemplos de ello son las obras de Jean Dubuffet y Anselm Kiefer . Existe una creciente comunidad de artistas que utilizan ordenadores para "pintar" color sobre un "lienzo" digital mediante programas como Adobe Photoshop , Corel Painter y muchos otros. Estas imágenes pueden imprimirse en lienzo tradicional si se requiere.

Ritmo

Jean Metzinger , La danse (Bacchante) ( c. 1906 ), óleo sobre lienzo, 73 x 54  cm, Museo Kröller-Müller

La técnica divisionista de Jean Metzinger , similar a un mosaico , tuvo su paralelo en la literatura; una característica de la alianza entre escritores simbolistas y artistas neoimpresionistas:

No busco en la pincelada dividida la representación objetiva de la luz, sino iridiscencias y ciertos aspectos del color aún ajenos a la pintura. Realizo una especie de versificación cromática y, para las sílabas, utilizo trazos que, variables en cantidad, no pueden diferir en dimensión sin modificar el ritmo de una fraseología pictórica destinada a traducir las diversas emociones que suscita la naturaleza. (Jean Metzinger, c. 1907 ) [ 19 ]

Piet Mondrian , Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1921), Gemeentemuseum Den Haag

Para artistas como Piet Mondrian , el ritmo [ 20 ] [ 21 ] es tan importante en la pintura como en la música. Si se define el ritmo como "una pausa incorporada a una secuencia", entonces puede haber ritmo en las pinturas. Estas pausas permiten que la fuerza creativa intervenga y añada nuevas creaciones: forma, melodía, coloración. La distribución de la forma o de cualquier tipo de información es de vital importancia en la obra de arte en cuestión, y afecta directamente a su valor estético. Esto se debe a que el valor estético depende de la funcionalidad, es decir, la libertad (de movimiento ) de percepción se percibe como belleza. El libre flujo de energía, tanto en el arte como en otras formas de " técnica ", contribuye directamente al valor estético. [ 20 ]

La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto, ya que es abstracta por naturaleza: no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de forma inmediata los sentimientos internos del alma. Wassily Kandinsky solía usar términos musicales para identificar sus obras; llamaba a sus pinturas más espontáneas «improvisaciones» y describía las obras más elaboradas como «composiciones». Kandinsky teorizó que «la música es la maestra suprema» [ 22 ] y, posteriormente, se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones . Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del do central en una trompeta de latón; el negro es el color del cierre y del final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. [ 23 ] [ 24 ] El diseño escénico de Kandinsky para una representación de Cuadros de una exposición de Mussorgsky ilustra su concepto "sinestésico" de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. [ 25 ]

La música define gran parte de la pintura abstracta modernista. Jackson Pollock subraya ese interés con su cuadro de 1950, Ritmo de otoño (Número 30) . [ 26 ]

Estética y teoría

Pintora sentada en un taburete de camping pintando una estatua de Dioniso o Príapo sobre un panel sostenido por un niño. Fresco de Pompeya , siglo I.

La estética es el estudio del arte y la belleza ; fue un tema importante para filósofos de los siglos XVIII y XIX como Kant y Hegel . Filósofos clásicos como Platón y Aristóteles también teorizaron sobre el arte y la pintura en particular. Platón desestimó a los pintores (así como a los escultores) en su sistema filosófico; sostuvo que la pintura no puede representar la verdad : es una copia de la realidad (una sombra del mundo de las ideas) y no es más que un oficio , similar a la fabricación de zapatos o la fundición de hierro. [ 27 ] En la época de Leonardo, la pintura se había convertido en una representación más cercana de la verdad que la pintura en la Antigua Grecia . Leonardo da Vinci , por el contrario, dijo que " la pintura es cosa mental " . [ 28 ] Kant distinguió entre Belleza y Sublime , en términos que claramente daban prioridad a la primera. Aunque no se refería a la pintura en particular, este concepto fue adoptado por pintores como JMW Turner y Caspar David Friedrich .

Un relieve en la pared muestra a un hombre barbudo extendiendo las manos mientras su ropa cubre su cuerpo.
Nino Pisano , Apeles o el arte de la pintura en detalle (1334-1336); relieve del campanario de Giotto en Florencia , Italia.

Hegel reconoció el fracaso de alcanzar un concepto universal de belleza y, en su ensayo estético, escribió que la pintura es una de las tres artes "románticas", junto con la poesía y la música , por su propósito simbólico y altamente intelectual. [ 29 ] [ 30 ] Entre los pintores que han escrito obras teóricas sobre pintura se encuentran Kandinsky y Paul Klee . [ 31 ] [ 32 ] En su ensayo, Kandinsky sostiene que la pintura tiene un valor espiritual y asocia los colores primarios a sentimientos o conceptos esenciales, algo que Goethe y otros escritores ya habían intentado hacer.

La iconografía es el estudio del contenido de las pinturas, más que de su estilo. Erwin Panofsky y otros historiadores del arte buscan primero comprender los elementos representados, antes de analizar su significado para el espectador de la época y, finalmente, su significado cultural, religioso y social más amplio. [ 33 ]

En 1890, el pintor parisino Maurice Denis afirmó célebremente: «Recuerden que una pintura —antes de ser un caballo de guerra, una mujer desnuda o alguna historia— es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos en un orden determinado». [ 34 ] Así, muchos desarrollos de la pintura del siglo XX, como el cubismo , fueron reflexiones sobre los medios de la pintura más que sobre el mundo exterior —la naturaleza— que anteriormente había sido su tema central. El pintor y escritor Julian Bell ha aportado recientemente contribuciones al pensamiento sobre la pintura. En su libro ¿Qué es la pintura?, Bell analiza el desarrollo, a lo largo de la historia, de la noción de que las pinturas pueden expresar sentimientos e ideas. [ 35 ] En Espejo del mundo, Bell escribe:

Una obra de arte busca captar tu atención y mantenerla fija: una historia del arte la impulsa hacia adelante, abriendo una autopista a través de los hogares de la imaginación. [ 36 ]

Medios de pintura

Los diferentes tipos de pintura suelen identificarse por el medio en el que se suspende o se incrusta el pigmento, lo que determina las características generales de trabajo de la pintura, como la viscosidad , la miscibilidad , la solubilidad , el tiempo de secado, etc.

Cera caliente o encáustica

Icono encáustico del Monasterio de Santa Catalina , Egipto (siglo VI).

La pintura encáustica , también conocida como pintura a la cera caliente, consiste en utilizar cera de abejas calentada a la que se le añaden pigmentos de color. El líquido/pasta resultante se aplica sobre una superficie, generalmente madera preparada, aunque también se utilizan lienzos y otros materiales. La mezcla encáustica más sencilla se prepara añadiendo pigmentos a la cera de abejas, pero existen varias recetas que se pueden utilizar, algunas con otros tipos de ceras , resina de damar , aceite de linaza u otros ingredientes. Se pueden comprar y utilizar pigmentos puros en polvo, aunque algunas mezclas utilizan pinturas al óleo u otros tipos de pigmento. Se pueden usar herramientas metálicas y pinceles especiales para dar forma a la pintura antes de que se enfríe, o herramientas metálicas calientes para manipular la cera una vez que se ha enfriado sobre la superficie. Otros materiales se pueden encapsular o pegar en la superficie, o superponer, utilizando el medio encáustico para adherirlos.

Esta técnica era la habitual en las pinturas sobre tabla de la antigua Grecia y Roma, y ​​se siguió utilizando en la tradición iconográfica ortodoxa oriental .

Acuarela

John Martin , Manfred en el Jungfrau (1837), acuarela

La acuarela es una técnica pictórica en la que las pinturas están compuestas de pigmentos suspendidos en un vehículo soluble en agua. El soporte tradicional y más común para las pinturas de acuarela es el papel; otros soportes incluyen papiro , papel de corteza, plástico, vitela o cuero , tela , madera y lienzo . En Asia Oriental, la pintura a la acuarela con tintas se conoce como pintura con pincel o pintura en rollo. En la pintura china , coreana y japonesa ha sido el medio dominante, a menudo en monocromo negro o marrón. India, Etiopía y otros países también tienen una larga tradición. La pintura con los dedos con acuarelas se originó en China . Existen varios tipos de acuarelas utilizadas por los artistas. Algunos ejemplos son las acuarelas en pastilla, las acuarelas líquidas, los rotuladores de acuarela y los lápices de acuarela . Los lápices de acuarela (lápices de color solubles en agua) se pueden usar tanto en seco como en húmedo.

Gouache

Rudolf Reschreiter , Blick von der Höllentalangerhütte zum Höllentalgletscher und den Riffelwandspitzen , Gouache (1921)

La témpera es una pintura a base de agua compuesta de pigmento y otros materiales, diseñada para usarse en una técnica de pintura opaca. Se diferencia de la acuarela en que sus partículas son más grandes, la proporción de pigmento a agua es mucho mayor y contiene un pigmento blanco inerte adicional, como la tiza . Esto hace que la témpera sea más densa y opaca, con mayores cualidades reflectantes. Como todos los medios acuosos, se diluye con agua. [ 37 ] La ​​témpera era una pintura popular entre los egipcios. [ 38 ] Pintores como François Boucher la utilizaron. Se recomienda aplicarla con pinceles de pelo de marta.

Esmalte cerámico

El vidriado se conoce comúnmente como vidrio líquido prefundido. Este vidriado se puede aplicar por inmersión o con pincel. Tiene un aspecto calcáreo y existe una gran diferencia entre el estado inicial y el resultado final. Para activarse, la cerámica vidriada debe colocarse en un horno para su cocción. Esto funde el vidrio de sílice del vidriado y lo transforma en una versión brillante y vibrante. [ 39 ] [ 40 ]

Tinta

Sesshū Tōyō , Paisajes de las cuatro estaciones (1486), tinta y color claro sobre papel.

Las pinturas con tinta se realizan con un líquido que contiene pigmentos o tintes y se utiliza para colorear una superficie y producir una imagen, texto o diseño . La tinta se usa para dibujar con pluma , pincel o ave . La tinta puede ser un medio complejo, compuesto por disolventes , pigmentos, tintes, resinas , lubricantes , solubilizantes, tensioactivos , partículas , fluorescentes y otros materiales. Los componentes de las tintas cumplen diversas funciones; el vehículo, los colorantes y otros aditivos controlan la fluidez y la viscosidad de la tinta, así como su apariencia una vez seca.

Esmalte

Jean de Court (atribuido), plato de esmalte de Limoges pintado en detalle (mediados del siglo XVI), Legado Waddesdon , Museo Británico

Los esmaltes se elaboran pintando un sustrato, generalmente metal, con vidrio en polvo; los minerales llamados óxidos de color proporcionan la coloración. Tras la cocción a una temperatura de 750–850 grados Celsius (1380–1560 grados Fahrenheit), el resultado es una laminación fusionada de vidrio y metal. A diferencia de la mayoría de las técnicas de pintura, la superficie se puede manipular y mojar. Los esmaltes se han utilizado tradicionalmente para la decoración de objetos preciosos, [ 41 ] pero también se han utilizado para otros fines. El esmalte de Limoges fue el principal centro de la pintura de esmalte renacentista, con pequeñas escenas religiosas y mitológicas en marcos decorados, en placas u objetos como saleros o cofres. En el siglo XVIII, la pintura de esmalte gozó de gran popularidad en Europa, especialmente como medio para miniaturas de retratos . [ 42 ] A finales del siglo XX, la técnica del esmalte de porcelana sobre metal se ha utilizado como medio duradero para murales exteriores. [ 43 ]

Pintura al temple

Sandro Botticelli , El nacimiento de Venus , témpera (1485–1486)
Las Tres Gracias (1636-1638). Museo del Prado, Madrid

La témpera , también conocida como témpera al huevo, es un medio pictórico permanente y de secado rápido que consiste en pigmento de color mezclado con un aglutinante soluble en agua (generalmente un material glutinoso como la yema de huevo u otro tipo de cola ). El término témpera también se refiere a las pinturas realizadas con este medio. Las pinturas al témpera son muy duraderas y aún existen ejemplos de los primeros siglos de nuestra era. La témpera al huevo fue un método principal de pintura hasta después de 1500, cuando fue reemplazada por la invención de la pintura al óleo . Una pintura comúnmente llamada témpera (aunque no lo es), compuesta de pigmento y cola, es comúnmente utilizada y algunos fabricantes en Estados Unidos la denominan pintura para carteles .

Fresco

Ángel Blanco (fresco, c. 1235), monasterio de Mileševa, Serbia

El fresco es cualquiera de los diversos tipos de pintura mural relacionados , realizados sobre yeso en paredes o techos. La palabra fresco proviene del italiano affresco [afˈfresːko] , que a su vez deriva del latín para fresco . Los frescos se realizaban con frecuencia durante el Renacimiento y otros períodos antiguos. La técnica del buon fresco consiste en pintar con pigmento mezclado con agua sobre una capa fina de mortero de cal o yeso fresco y húmedo , para lo cual se utiliza la palabra italiana para yeso, intonaco . Una pintura secco, en cambio, se realiza sobre yeso seco ( secco significa "seco" en italiano). Los pigmentos requieren un aglutinante, como huevo ( témpera ), cola o aceite para adherir el pigmento a la pared.

Aceite

Honoré Daumier , El pintor (1808–1879), óleo sobre tabla con pinceladas visibles.

La pintura al óleo es un proceso que consiste en pintar con pigmentos ligados a un aceite secante , como el aceite de linaza o el de amapola , muy utilizado en la Europa de principios de la Edad Moderna. A menudo, el aceite se hervía con una resina, como la de pino o incluso el incienso ; estos se denominaban barnices y eran apreciados por su consistencia y brillo. Con el tiempo, la pintura al óleo se convirtió en el principal medio para crear obras de arte a medida que sus ventajas se hicieron más conocidas. Esta transición comenzó con la pintura flamenca temprana en el norte de Europa, y en pleno Renacimiento, las técnicas de pintura al óleo habían sustituido casi por completo a la témpera en la mayor parte de Europa.

Pastel

Maurice Quentin de La Tour , Retrato de Luis XV de Francia (1748), pastel

El pastel es un medio pictórico en forma de barra, compuesto de pigmento puro en polvo y un aglutinante. [ 44 ] Los pigmentos utilizados en los pasteles son los mismos que se emplean para producir todos los medios artísticos de color, incluidas las pinturas al óleo ; el aglutinante es de un tono neutro y baja saturación . El efecto cromático de los pasteles se asemeja más al de los pigmentos secos naturales que el de cualquier otro proceso. [ 45 ] Debido a que la superficie de una pintura al pastel es frágil y se mancha fácilmente, su conservación requiere medidas de protección como el enmarcado bajo vidrio; también se puede rociar con un fijador . No obstante, cuando se realiza con pigmentos permanentes y se cuida adecuadamente, una pintura al pastel puede perdurar inalterada durante siglos. Los pasteles no son susceptibles, como las pinturas realizadas con un medio fluido, al agrietamiento y la decoloración que resultan de los cambios en el color, la opacidad o las dimensiones del medio al secarse.

Acrílico

Ray Burggraf , Arco de la jungla (1998), pintura acrílica sobre madera

La pintura acrílica es una pintura de secado rápido que contiene una suspensión de pigmento en una emulsión de polímero acrílico . Las pinturas acrílicas se pueden diluir con agua, pero se vuelven resistentes al agua una vez secas. Dependiendo de cuánto se diluya la pintura (con agua) o se modifique con geles, medios o pastas acrílicas, la pintura acrílica terminada puede parecerse a una acuarela o a una pintura al óleo , o tener sus propias características únicas que no se pueden obtener con otros medios. La principal diferencia práctica entre la mayoría de las pinturas acrílicas y las pinturas al óleo es el tiempo de secado inherente. [ 46 ] Los óleos permiten más tiempo para mezclar colores y aplicar veladuras uniformes sobre las capas base. Este aspecto de secado lento del óleo puede verse como una ventaja para ciertas técnicas, pero también puede impedir la capacidad del artista para trabajar rápidamente. Otra diferencia es que las acuarelas deben pintarse sobre una superficie porosa, principalmente papel de acuarela. Las pinturas acrílicas se pueden usar en muchas superficies diferentes. [ 46 ] [ 47 ] Tanto el acrílico como la acuarela son fáciles de limpiar con agua. La pintura acrílica debe limpiarse con agua y jabón inmediatamente después de su uso. La pintura de acuarela se puede limpiar solo con agua. [ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]

Entre 1946 y 1949, Leonard Bocour y Sam Golden inventaron una pintura acrílica en solución bajo la marca Magna Paint . Estas eran pinturas a base de disolvente mineral . Posteriormente, se vendieron pinturas acrílicas a base de agua como pinturas de látex para el hogar. [ 51 ] En 1963, George Rowney (parte de Daler-Rowney desde 1983) fue el primer fabricante en introducir pinturas acrílicas para artistas en Europa, bajo la marca "Cryla". [ 52 ] Los acrílicos son las pinturas más comunes utilizadas en el grattage , una técnica surrealista que comenzó a utilizarse con la aparición de este tipo de pintura. Los acrílicos se utilizan para este propósito porque se raspan o despegan fácilmente de una superficie. [ 53 ]

Pintura en aerosol

La pintura en aerosol (también llamada pintura en spray) [ 54 ] es un tipo de pintura que viene en un recipiente sellado a presión y se libera en forma de fina niebla al presionar un botón de válvula . Como forma de pintura en aerosol , deja una superficie lisa y uniformemente recubierta. Los botes de tamaño estándar son portátiles, económicos y fáciles de almacenar . La imprimación en aerosol se puede aplicar directamente sobre metal desnudo y muchos plásticos.

La velocidad, la portabilidad y la permanencia también hacen de la pintura en aerosol un medio común para el grafiti . A finales de la década de 1970, las firmas y los murales de los grafiteros callejeros se volvieron más elaborados, y se desarrolló un estilo único como resultado del medio del aerosol y la velocidad requerida para el trabajo ilícito. Muchos reconocen ahora el grafiti y el arte callejero como una forma de arte única, y existen pinturas en aerosol fabricadas específicamente para los grafiteros. Una plantilla protege una superficie, excepto la forma específica que se va a pintar. Las plantillas se pueden comprar como letras móviles, encargar como logotipos cortados profesionalmente o cortar a mano por los artistas.

pintura al óleo miscible en agua

Las pinturas al óleo miscibles en agua (también llamadas "solubles en agua" o "miscibles en agua") son una variedad moderna de pintura al óleo diseñada para diluirse y limpiarse con agua, [ 55 ] [ 56 ] en lugar de tener que usar productos químicos como la trementina . Se pueden mezclar y aplicar utilizando las mismas técnicas que la pintura al óleo tradicional, pero mientras aún están húmedas se pueden eliminar eficazmente de pinceles, paletas y trapos con agua y jabón común. Su solubilidad en agua proviene del uso de un medio oleoso en el que un extremo de la molécula se ha modificado para unirse débilmente a las moléculas de agua, como en una solución . [ 57 ]

Arena

La pintura con arena es el arte de verter arenas de colores y pigmentos en polvo procedentes de minerales o cristales, o pigmentos de otras fuentes naturales o sintéticas, sobre una superficie para crear una pintura de arena fija o sin fijar.

Pintura digital

La pintura digital es un método para crear un objeto artístico (pintura) digitalmente o una técnica para crear arte digital en la computadora. Como método de creación, adapta medios pictóricos tradicionales como pintura acrílica , óleos , tinta , acuarela , etc., y aplica el pigmento a soportes tradicionales, como tela tejida, papel, poliéster, etc., mediante software que controla maquinaria robótica industrial o de oficina (impresoras). Como técnica, se refiere a un programa de software de gráficos por computadora que utiliza un lienzo virtual y una caja de pintura virtual con pinceles, colores y otros materiales. La caja virtual contiene muchos instrumentos que no existen fuera de la computadora y que le dan a la obra de arte digital una apariencia y sensación diferentes a las de una obra de arte realizada de forma tradicional. Además, la pintura digital no es arte "generado por computadora", ya que la computadora no crea automáticamente imágenes en la pantalla mediante cálculos matemáticos. Por otro lado, el artista utiliza su propia técnica pictórica para crear una obra específica en la computadora. [ 58 ]

Otros medios

Los fluidos corporales se han utilizado como medio pictórico. Andy Warhol creó su serie Oxidization cubriendo lienzos con pintura metálica y haciendo que sus asistentes y amigos orinaran sobre la pintura aún húmeda. [ 59 ] La sangre menstrual se ha utilizado para pintar imágenes. [ 60 ] Sarah Maple, una artista contemporánea, ha utilizado su sangre menstrual para crear retratos que ayuden a eliminar el tabú que rodea el tema de la menstruación.

Estilos de pintura

El término «estilo» se utiliza en dos sentidos: puede referirse a los elementos visuales, técnicas y métodos distintivos que caracterizan la obra de un artista . También puede aludir al movimiento o escuela con la que se asocia a un artista. Esto puede derivar de un grupo real con el que el artista participó conscientemente o puede ser una categoría en la que los historiadores del arte lo han ubicado. El término «estilo» en este último sentido ha caído en desuso en los debates académicos sobre la pintura contemporánea, aunque se sigue utilizando en contextos populares. Algunos ejemplos de estos movimientos o clasificaciones son los siguientes:

Occidental

Modernismo

El modernismo describe tanto un conjunto de tendencias culturales como una serie de movimientos culturales asociados , surgidos originalmente de cambios profundos y de gran alcance en la sociedad occidental a finales del siglo XIX y principios del XX. El modernismo fue una revuelta contra los valores conservadores del realismo . [ 61 ] [ 62 ] El término abarca las actividades y la producción de aquellos que sentían que las formas "tradicionales" de arte, arquitectura, literatura, fe religiosa, organización social y vida cotidiana se estaban volviendo obsoletas en las nuevas condiciones económicas, sociales y políticas de un mundo emergente totalmente industrializado. Una característica destacada del modernismo es la autoconciencia. Esto a menudo condujo a experimentos con la forma y a obras que llaman la atención sobre los procesos y materiales utilizados (y sobre la tendencia a la abstracción). [ 63 ]

Impresionismo

La obra de Claude Monet de 1872 , Impresión, sol naciente, inspiró el nombre del movimiento.

El primer ejemplo de modernismo en la pintura fue el impresionismo , una escuela pictórica que inicialmente se centró en obras realizadas al aire libre ( en plein air ), no en estudios. Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven objetos, sino la luz misma. La escuela logró reunir seguidores a pesar de las divisiones internas entre sus principales exponentes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados del Salón de París , la muestra comercial más importante de la época, patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en espacios comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, programándolas para que coincidieran con el Salón oficial. Un evento significativo de 1863 fue el Salón de los Rechazados , creado por el emperador Napoleón III para exhibir todas las pinturas rechazadas por el Salón de París.

Estilos abstractos

La pintura abstracta utiliza un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con cierto grado de independencia de las referencias visuales del mundo. [ 64 ] [ 65 ] El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial que combinó la intensidad emocional y la autonegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas, como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo , y la imagen de ser rebelde, anárquico, altamente idiosincrásico y, según algunos, nihilista. [ 66 ]

La pintura de acción , a veces llamada abstracción gestual , es un estilo pictórico en el que la pintura se gotea, salpica o unta espontáneamente sobre el lienzo, en lugar de aplicarse cuidadosamente. [ 67 ] La obra resultante a menudo enfatiza el acto físico de pintar como un aspecto esencial de la obra terminada o una preocupación del artista. Este estilo estuvo muy extendido desde la década de 1940 hasta principios de la de 1960 y está estrechamente asociado con el expresionismo abstracto (algunos críticos han usado los términos "pintura de acción" y "expresionismo abstracto" indistintamente).

Otros estilos modernistas incluyen:

Arte marginal

El término arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 como sinónimo en inglés de art brut ( francés: [ aʁ bʁyt ] , "arte crudo" o "arte tosco"), una etiqueta creada por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; Dubuffet se centró particularmente en el arte de los internos de manicomios . [ 68 ] El arte marginal ha surgido como una categoría exitosa de marketing artístico (una Feria Anual de Arte Marginal se lleva a cabo en Nueva York desde 1992). El término a veces se aplica erróneamente como una etiqueta de marketing general para el arte creado por personas fuera del "mundo del arte" convencional, independientemente de sus circunstancias o el contenido de su obra.

Fotorrealismo

El fotorrealismo es el género pictórico que se basa en el uso de la cámara y las fotografías para recopilar información y, a partir de ella, crear una pintura que parezca muy realista, como una fotografía . El término se aplica principalmente a las pinturas del movimiento artístico estadounidense que surgió a finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Como movimiento artístico consolidado, el fotorrealismo evolucionó a partir del Pop Art [ 69 ] [ 70 ] [ 71 ] y como contrapunto al expresionismo abstracto .

El hiperrealismo es un género de pintura y escultura que se asemeja a una fotografía de alta resolución . Constituye una escuela de arte consolidada y puede considerarse un avance del fotorrealismo por los métodos empleados en la creación de las pinturas o esculturas resultantes. El término se aplica principalmente a un movimiento y estilo artístico independiente en Estados Unidos y Europa, desarrollado desde principios de la década de 2000. [ 72 ]

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento cultural que surgió a principios de la década de 1920 y es conocido principalmente por la producción artística y literaria de sus miembros . Las obras surrealistas se caracterizan por el elemento sorpresa, lo insólito, lo inconsciente, las yuxtaposiciones inesperadas y las incoherencias ; sin embargo, muchos artistas y escritores surrealistas consideran su trabajo, ante todo, una expresión del movimiento filosófico, siendo las obras un mero artefacto. El líder André Breton afirmó explícitamente que el surrealismo era, por encima de todo, un movimiento revolucionario.

El surrealismo surgió de las actividades dadaístas de la Primera Guerra Mundial , y su centro más importante fue París . A partir de la década de 1920, el movimiento se extendió por todo el mundo, influyendo finalmente en las artes visuales , la literatura , el cine y la música de muchos países, así como en el pensamiento y la práctica política , la filosofía y la teoría social .

Asia oriental

Sudeste asiático

islámico

indio

Pintura en miniatura

Las miniaturas eran la principal forma de pintura en la India precolonial. Se realizaban sobre un papel especial (conocido como wasli) con pigmentos minerales y naturales. La pintura en miniatura no constituye un único estilo, sino un conjunto de diversas escuelas pictóricas, como la mogol, la pahari, la rajasthani, la de la Compañía de las Indias Orientales, entre otras.

La pintura en miniatura mogol es un estilo particular de pintura del sur de Asia , especialmente del norte de la India (más específicamente, de la actual India y Pakistán), confinada a las miniaturas , ya sea como ilustraciones de libros o como obras individuales para ser guardadas en álbumes ( muraqqa ). Surgió [ 73 ] de la pintura en miniatura persa (que a su vez es en parte de origen chino ) y se desarrolló en la corte del Imperio mogol de los siglos XVI al XVIII. La pintura mogol mostró de inmediato un interés mucho mayor por el retrato realista que el típico de las miniaturas persas. Los animales y las plantas fueron el tema principal de muchas miniaturas para álbumes, y se representaron con mayor realismo. [ 74 ] [ 75 ] [ 76 ]

Krishna y Radha podrían ser obra de Nihâl Chand , maestro de la escuela de pintura Rajput de Kishangarh.

La pintura rajasthani evolucionó y floreció en las cortes reales de Rajputana [ 77 ] en el norte de la India, principalmente durante el siglo XVII. Artistas formados en la tradición de la miniatura mogol se dispersaron desde la corte imperial mogol y desarrollaron estilos que también se inspiraban en las tradiciones pictóricas locales, especialmente aquellas que ilustraban las epopeyas sánscritas, el Mahabharata y el Ramayana . Los temas variaban, pero los retratos de la familia gobernante, a menudo dedicada a la caza o a sus actividades cotidianas, eran generalmente populares, al igual que las escenas narrativas de las epopeyas o la mitología hindú , así como algunas escenas de género de paisajes y figuras humanas. [ 78 ] [ 79 ]

La pintura de las colinas de Punjab o Pahari, de la cual Kangra, Guller y Basholi fueron subestilos importantes. La pintura Kangra es el arte pictórico de Kangra , que recibe su nombre de Kangra , Himachal Pradesh , un antiguo estado principesco que patrocinó este arte. Se volvió predominante con el declive de la escuela de pintura Basohli a mediados del siglo XVIII. [ 80 ] [ 81 ] El tema central de la pintura Kangra es Shringar (el sentimiento erótico). Los temas que se ven en la pintura Kangra exhiben el gusto y los rasgos del estilo de vida de la sociedad de ese período. [ 82 ] Los artistas adoptaron temas de la poesía amorosa de Jayadeva y Keshav Das, quienes escribieron extasiados sobre el amor de Radha y Krishna con Bhakti como fuerza motriz. [ 83 ] [ 84 ]

Khan Bahadur Khan con hombres de su clan, c. 1815, del álbum Fraser, estilo de la compañía.

El estilo de la Compañía es un término que designa un estilo híbrido indoeuropeo de pintura realizado en la India por artistas indios, muchos de los cuales trabajaron para mecenas europeos en la Compañía Británica de las Indias Orientales u otras compañías extranjeras en los siglos XVIII y XIX. [ 85 ] Surgieron tres estilos distintos de pintura de la Compañía en tres centros de poder británicos: Delhi , Calcuta y Madrás . El tema de las pinturas de la Compañía realizadas para mecenas occidentales solía ser documental en lugar de imaginativo, y, en consecuencia, los artistas indios se vieron obligados a adoptar un enfoque más naturalista de la pintura de lo que había sido tradicionalmente habitual. [ 86 ] [ 87 ]

El estilo sij y el estilo de Deccan son otros estilos destacados de pintura en miniatura de la India.

Pintura Pichwai

Las pinturas Pichwai son pinturas sobre tela que generalmente representan historias de la vida del Señor Krishna. [ 88 ] Estas se realizaban en gran formato y a menudo se usaban como fondo para la deidad principal en templos o hogares. Las pinturas Pichwai se realizaban y aún se realizan principalmente en Rajastán, India. Sin embargo, se realizaron muy pocas en la región del Decán, y estas son extremadamente raras. El propósito de las pinturas Pichwai, además de su atractivo artístico, es narrar historias de Krishna a las personas analfabetas. Los templos tienen conjuntos con diferentes imágenes, que se cambian según el calendario de festivales que celebran a la deidad . [ 89 ]

Arte popular y tribal

Pattachitra es un término general para la pintura tradicional en rollo sobre tela , originaria de los estados de Odisha y Bengala Occidental , en el este de la India . [ 90 ] La tradición pictórica Pattachitra está estrechamente ligada al culto del Señor Jagannath en Odisha. [ 91 ] La temática de Pattachitra se limita a temas religiosos. El arte Pattachitra es conocido por sus intrincados detalles, así como por las narrativas mitológicas y los cuentos populares que plasma. Todos los colores utilizados en las pinturas son naturales y estas se realizan siguiendo la antigua tradición de los Chitrakaras, es decir, los pintores de Odisha. El estilo de pintura Pattachitra es una de las formas de arte más antiguas y populares de Odisha . Los Patachitras son un componente del antiguo arte narrativo bengalí , que originalmente servía como recurso visual durante la interpretación de una canción. [ 92 ] [ 93 ] [ 94 ]

El arte Madhubani es un estilo de pintura india , practicado en la región de Mithila , en India y Nepal. Este estilo se caracteriza por complejos patrones geométricos; estas pinturas son famosas por representar contenido ritual utilizado en ocasiones especiales como festivales, rituales religiosos, etc. [ 95 ]

Warli es otra forma de arte tribal folclórico de la India.

Escuela de Bengala

La Escuela de Bengala [ 96 ] fue un movimiento artístico y un estilo de pintura india que se originó en Bengala , principalmente en Calcuta y Shantiniketan , y floreció en todo el subcontinente indio durante el Raj británico a principios del siglo XX. [ 97 ] La ​​Escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos artísticos académicos promovidos previamente en la India, tanto por artistas indios como Raja Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. La escuela buscaba establecer un estilo indio distintivo que celebrara la herencia cultural autóctona. En un intento por rechazar la estética colonial, Abanindranath Tagore también recurrió a China y Japón con la intención de promover una estética panasiática e incorporó elementos del arte del Lejano Oriente, como la técnica japonesa de aguada . [ 98 ] [ 99 ] [ 100 ]

Otros

Pintura de Mysore del siglo XIX de la diosa Saraswati

africano

Arte contemporáneo

Tipos de pintura

Francisco de Zurbarán , Naturaleza muerta con vasijas de cerámica ( español : Bodegón de recipientes ) (1636), óleo sobre lienzo, 46 ​​x 84  cm, Museo del Prado , Madrid

Alegoría

La alegoría es una forma figurativa de representación que transmite un significado distinto al literal. Comunica su mensaje mediante figuras, acciones o representaciones simbólicas. Generalmente se la considera una figura retórica , pero no tiene por qué expresarse en lenguaje : puede dirigirse a la vista y se encuentra con frecuencia en la pintura realista. Un ejemplo de alegoría visual sencilla es la imagen de la muerte . El espectador comprende que la imagen de la muerte es una representación simbólica de la muerte.

Bodegón

Reza Abbasi , Dos amantes (1630)

En el arte español , un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa artículos de despensa, como alimentos, caza y bebida, a menudo dispuestos sobre una simple losa de piedra, y también una pintura con una o más figuras, pero con elementos significativos de naturaleza muerta, generalmente ambientada en una cocina o taberna. A partir del período barroco , estas pinturas se popularizaron en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de naturaleza muerta parece haber comenzado y sido mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos , hoy Bélgica y Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que en el sur de Europa . Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros: la escena del desayuno se complementaba con el trampantojo , el ramo de flores y las vanitas . En España, había muchos menos mecenas para este tipo de obras, pero un tipo de escena del desayuno sí se popularizó, presentando algunos objetos de comida y vajilla dispuestos sobre una mesa.

Pintura figurativa

Una pintura figurativa es una obra de arte en cualquier técnica pictórica cuyo tema principal es la figura humana, ya sea vestida o desnuda . El término pintura figurativa también puede referirse a la actividad de crear dicha obra. La figura humana ha sido uno de los temas de contraste del arte desde las primeras pinturas rupestres de la Edad de Piedra y ha sido reinterpretada en diversos estilos a lo largo de la historia. [ 102 ] Algunos artistas conocidos por sus pinturas figurativas son Peter Paul Rubens , Edgar Degas y Édouard Manet .

Pintura ilustrativa

Las ilustraciones son aquellas que se utilizan en libros, revistas, carteles de teatro o cine y cómics. Hoy en día, existe un creciente interés por coleccionar y admirar las obras de arte originales. Diversas exposiciones en museos, revistas y galerías de arte han dedicado espacio a los ilustradores del pasado. En el mundo de las artes visuales, a veces se ha considerado a los ilustradores menos importantes en comparación con los artistas plásticos y los diseñadores gráficos . Sin embargo, como resultado del crecimiento de la industria de los videojuegos y los cómics, las ilustraciones están adquiriendo valor como obras de arte populares y rentables que pueden alcanzar un mercado más amplio que las otras dos, especialmente en Corea , Japón, Hong Kong y Estados Unidos.

Las ilustraciones de los códices medievales se conocían como iluminaciones y eran dibujadas y pintadas a mano individualmente. Con la invención de la imprenta durante el siglo XV, los libros se distribuyeron más ampliamente y a menudo se ilustraban con grabados en madera . [ 103 ] [ 104 ] En Estados Unidos , esto dio lugar a una "época dorada de la ilustración" desde antes de la década de 1880 hasta principios del siglo XX. Un pequeño grupo de ilustradores alcanzó un gran éxito, y las imágenes que crearon se consideraron un retrato de las aspiraciones estadounidenses de la época. [ 105 ] Entre los ilustradores más conocidos de ese período se encontraban NC Wyeth y Howard Pyle de la Escuela de Brandywine , James Montgomery Flagg , Elizabeth Shippen Green , JC Leyendecker , Violet Oakley , Maxfield Parrish , Jessie Willcox Smith y John Rea Neill . En Francia , en 1905, la Contemporary Book Society encargó a Paul Jouve que ilustrara El libro de la selva de Rudyard Kipling . Paul Jouve dedicó diez años a las 130 ilustraciones de este libro, que se convertiría en una de las obras maestras de la bibliofilia. [ 106 ]

Pintura de paisajes

Andreas Achenbach , Limpieza, Costa de Sicilia (1847), Museo de Arte Walters [ 107 ] [ 108 ]

La pintura de paisaje abarca la representación de escenarios naturales como montañas, valles, árboles, ríos, lagos y bosques, y especialmente el arte donde el tema principal es una vista panorámica, con sus elementos dispuestos en una composición coherente. En otras obras, los fondos paisajísticos para figuras pueden constituir una parte importante de la composición. El cielo casi siempre está presente en la vista, y el clima suele ser un elemento de la composición. Los paisajes detallados como tema independiente no se encuentran en todas las tradiciones artísticas y se desarrollan cuando ya existe una tradición sofisticada en la representación de otros temas. Las dos tradiciones principales provienen de la pintura occidental y del arte chino , con una antigüedad de más de mil años en ambos casos.

Pintura de retratos

Ned Bittinger , Retrato de Abraham Lincoln en el Congreso (2004), Capitolio de los Estados Unidos

Los retratos son representaciones de una persona, en las que predominan el rostro y su expresión. La intención es mostrar la semejanza, la personalidad e incluso el estado de ánimo de la persona. El arte del retrato floreció en la escultura de la Antigua Grecia y, especialmente, en la romana , donde los retratados exigían retratos individualizados y realistas, incluso aquellos poco favorecedores. Uno de los retratos más conocidos en el mundo occidental es la pintura de Leonardo da Vinci titulada Mona Lisa , que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini , la esposa de Francesco del Giocondo. [ 109 ]

Warhol fue uno de los retratistas más prolíficos del siglo XX. Su pintura Orange Shot Marilyn, de Marilyn Monroe, es un ejemplo icónico de su obra temprana de la década de 1960, y Orange Prince (1984), del cantante pop Prince , es un ejemplo posterior; ambas exhiben el estilo gráfico único de Warhol en el retrato. [ 110 ] [ 111 ] [ 112 ]

Bodegón

Otto Marseus van Schrieck , Un bodegón en el suelo del bosque (1666)

Un bodegón es una obra de arte que representa principalmente objetos inanimados , generalmente objetos cotidianos, que pueden ser naturales (alimentos, flores, plantas, rocas o conchas) o artificiales (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.). Con orígenes en la Edad Media y el arte griego/romano antiguo, los bodegones ofrecen al artista mayor libertad en la disposición de los elementos dentro de la composición que las pinturas de otros tipos de temas, como el paisaje o el retrato . Los bodegones, sobre todo antes de 1700, a menudo contenían simbolismo religioso y alegórico relacionado con los objetos representados. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, utilizando objetos encontrados, fotografía, gráficos por computadora, así como video y sonido.

Veduta

Una veduta es una pintura muy detallada, generalmente de gran formato, de un paisaje urbano u otra vista. Este género paisajístico se originó en Flandes , donde artistas como Paul Bril pintaron vedutas ya en el siglo XVI. A medida que el itinerario del Grand Tour se estandarizó, las vedutas de escenas familiares como el Foro Romano o el Gran Canal evocaban los primeros viajes al continente de los aristócratas ingleses. A finales del siglo XIX, las impresiones más personales de los paisajes urbanos sustituyeron el afán de precisión topográfica, que se satisfizo en cambio con panoramas pintados .

Véase también

Notas

  1. ↑ Se han encontrado algunas huellas de manos en el Tíbet y se han datado en unos 200.000 años de antigüedad. [ 4 ]

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Lecturas adicionales

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