Tim Crouch

Crouch escribió su primera obra, My Arm , como reacción a su creciente frustración con el teatro contemporáneo, en particular con "su adhesión a las nociones de realismo psicológico y figurativo y su aparente descuido del público en sus procesos". ^{[ 6 ]} Le dijo a The Scotsman : "Me di dos años para intentar crear una obra, sin haber escrito nada antes, y en el transcurso de cinco días en 2002 escribí My Arm . La escribí casi sin pensar. Al releerla, puedo ver que estaba escribiendo sobre todas las frustraciones que había estado experimentando". ^{[ 7 ]}

My Arm narra la historia de un niño que, movido por una obstinación desmedida, levanta el brazo y lo mantiene así durante treinta años. En el proceso, se convierte en un célebre espécimen médico y en un ícono de la escena artística neoyorquina. En la introducción a la obra publicada, Crouch escribió: «La acción del niño tiene más significado para los demás que para él mismo. Su brazo se convierte en el objeto inanimado por excelencia sobre el cual otros proyectan sus propios símbolos y significados». ^{[ 8 ]}

Este tema de la proyección de significado se refleja en la puesta en escena. Crouch invita a los espectadores a prestar objetos personales, como llaves, joyas, teléfonos móviles y fotos, que luego se convierten en "actores" y se muestran en una transmisión de video en vivo. El profesor Stephen Bottoms describe el efecto de esto: "La falta de semejanza física entre los objetos presentados y las cosas que representan crea una sensación de incongruencia humorística, pero también permite al público aportar sus propias asociaciones personales. Recuerdo que, en una función, me conmovió extrañamente ver un estuche de lápices y un bote de desodorante corporal acosando al muñeco Action Man, que siempre representa al joven 'Tim'. Precisamente al no mostrarnos cómo eran 'realmente' los acosadores, ni hacer que los actores 'expresaran' su agresión, Crouch me permitió completar mis propias asociaciones con la escena descrita". ^{[ 3 ]}

My Arm , codirigida por Crouch, Karl James y Hettie McDonald, se estrenó con gran éxito ^{[ 9 ]} en el Traverse Theatre como parte del Festival de Edimburgo en 2003. Posteriormente fue adaptada para BBC Radio 3, ganando un Prix Italia 2006 a la Mejor Adaptación en la categoría de Drama Radiofónico.

Crouch ha descrito My Arm como "la nave nodriza" de sus obras posteriores, que hacen referencia a ella de alguna manera. ^{[ 10 ]} Le dijo a Catherine Love que su obra de 2014, Adler and Gibb , era "una versión mucho más grande y compleja de My Arm " . ^{[ 10 ]}

Los temas de My Arm , la proyección y la transformación, se desarrollaron en la segunda obra de Crouch, An Oak Tree . Esta toma su nombre de la obra homónima de Michael Craig-Martin de 1973 , en la que el artista nos invita a imaginar que un vaso de agua se ha convertido en un árbol. La obra de Crouch nos muestra un encuentro entre un hipnotizador de escenario y un padre afligido, Andy, cuya hija ha sido atropellada y asesinada por el hipnotizador. El padre, convencido de haber transformado un árbol en su hija muerta, acude al hipnotizador con la esperanza de encontrar respuestas.

Si bien Crouch interpreta al hipnotizador, el padre siempre es interpretado por un actor diferente, hombre o mujer, joven o mayor. Este segundo actor, que no sabe nada de la obra antes de subir al escenario, es guiado durante la representación por Crouch mediante instrucciones verbales y páginas del guion. La obra fue codirigida por los colaboradores habituales de Crouch, Karl James y Andy Smith, el poeta y artista escénico conocido como "un herrero" ^{[ 11 ]} , a quien Crouch le pidió originalmente que interpretara al padre. Smith sugirió: "¿Por qué no buscas un actor diferente para interpretar al padre cada vez?" ^{[ 12 ]}

An Oak Tree se estrenó en el Traverse Theatre , en el Festival de Edimburgo de 2005 , donde agotó todas las entradas y ganó un premio Herald Angel. Le siguieron giras internacionales, incluyendo una temporada de tres meses en el Barrow Theatre de Nueva York, donde ganó una mención especial en los premios OBIE . Hasta la fecha, más de 400 actores han aparecido como el padre en la obra, incluyendo a Mike Myers , Christopher Eccleston , Frances McDormand , F. Murray Abraham , James Wilby , Laurie Anderson , Toby Jones , Mark Ravenhill , Geoffrey Rush , Tracy-Ann Oberman , David Morrissey , Saskia Reeves , Hugh Bonneville , Peter Gallagher , Juliet Aubrey , Paterson Joseph , Janet McTeer , Alan Cumming , Alanis Morissette , Samuel West , Samuel Barnett , Patrick Marber , David Threlfall , Jessie Buckley , Eddie Marsan , Russell Tovey , David Tennant y Ruth Wilson . ^{[ 13 ]}

En 2005, Crouch describió su propia experiencia de actuar con un actor diferente en cada ocasión: «Cada padre ha sido tan diferente como cada persona lo es... Quizás algunos han actuado demasiado y otros no han actuado en absoluto. A veces, cada uno ha hecho exactamente lo que yo pensaba que no quería que hicieran. Pero, al hacerlo, cada uno de ellos es una revelación. Han interpretado la obra a su manera. Nunca será exactamente como yo quiero, y gracias a Dios por ello». ^{[ 12 ]}

Lyn Gardner reseñó una función en la que Sophie Okonedo interpretaba al padre : «Al verla, uno nunca olvida por un instante que es una mujer, y Crouch, con astucia, se asegura de que nunca se olvide que es actriz. Sin embargo, a medida que avanza la noche, tampoco se duda de que es un hombre de mediana edad. Tiene el mismo aspecto, pero es diferente». ^{[ 14 ]}

En 2015, con motivo del décimo aniversario de la obra, Crouch reestrenó An Oak Tree para una temporada entre junio y julio en el National Theatre de Londres, seguida de un regreso al Traverse Theatre , como parte del Festival Fringe de Edimburgo .

En 2019, The Independent incluyó An Oak Tree en su lista de "Las 40 mejores obras de teatro para leer antes de morir". ^{[ 15 ]}

En la siguiente obra de Crouch, ENGLAND , actuó con Hannah Ringham, cofundadora del colectivo teatral London Shunt . Al igual que My Arm , ENGLAND trata el mundo del arte contemporáneo y fue escrita para ser representada en galerías de arte de paredes blancas. Como guías, Crouch y Ringham dan la bienvenida al público a la galería, conduciéndolos por la exposición. En la primera parte, comparten un diálogo en el que interpretan a un personaje de género no revelado, cuyo novio es un rico marchante de arte y que necesita urgentemente un trasplante de corazón. La obra utiliza sonido ambiental, diseñado por Dan Jones, para transmitir el ritmo del corazón que falla. En la segunda parte, el personaje viaja a un país de Oriente Medio sin nombre para agradecer a la viuda del donante de corazón con el regalo de una valiosa pintura. La viuda, que cree que su marido fue asesinado por su corazón, no se muestra agradecida.

Crouch describe la obra como «la historia de una cosa colocada dentro de otra: un corazón dentro del cuerpo de otra persona, una cultura dentro de la cultura de otro país, teatro dentro de una galería, un personaje dentro de un actor, una obra dentro de su público». ^{[ 16 ]} Lyn Gardner la consideró «una pieza infinitamente reflexiva que desafía con maestría un mundo globalizado donde todo está en venta, y cuestiona el valor que le damos al arte y a la vida humana». ^{[ 17 ]} En agosto de 2007, la obra se estrenó en la Fruitmarket Gallery de Edimburgo, donde ganó un premio Total Theatre, un Fringe First y un Herald Archangel. Desde entonces, ENGLAND se ha representado en galerías de todo el Reino Unido y Estados Unidos y también ha visitado Oslo, Lisboa, Quebec, Madrid, Dublín, Wiesbaden, Melbourne, Singapur, Vancouver, Hong Kong, Budapest y Teherán.

La cuarta obra de Crouch para adultos, The Author , fue encargada por el Royal Court Theatre de Londres y se estrenó allí en 2009. En la década de 1990, el Court se había hecho famoso por lo que el crítico Aleks Sierz denominó teatro "de cara a cara" , caracterizado por representaciones de violencia extrema. Esto lo convertía en el escenario perfecto para examinar los efectos de crear y presenciar representaciones de violencia. Crouch explicó sus intenciones en un artículo: " The Author es una obra sobre lo que significa ser espectador y sobre nuestras responsabilidades como espectadores. Explora la conexión entre lo que vemos y lo que hacemos. Creo firmemente que hemos perdido el sentido de la responsabilidad sobre aquello que elegimos ver". ^{[ 18 ]}

En la obra, Crouch interpreta a "Tim Crouch", un dramaturgo provocador que ha escrito una obra abusiva, la cual tiene un efecto destructivo en todos los involucrados, desde el autor hasta los actores y el público. Crouch eliminó el escenario, colocando al público en dos filas de asientos enfrentadas, donde se observan mutuamente mientras ven la obra. Cuatro actores se ubicaron entre el público, narrando la historia de la obra abusiva. El elenco original estaba conformado por Vic Llewllyn y Esther Smith como actores, y Adrian Howells como miembro del público. Cuando The Author se trasladó al Traverse para el Festival de Edimburgo, el papel de Adrian Howells fue asumido por Chris Goode. En 2011, la obra, con el mismo elenco, se representó en el Teatro Kirk Douglas de Los Ángeles.

El autor dividió a la crítica ^{[ 19 ]} y al público, y hubo muchos abandonos de la sala. ^{[ 20 ]} La obra misma invitó a esta reacción, incluyendo un abandono de la sala escenificado al principio de la acción.

En un artículo publicado en The Guardian en 2011, Crouch describió las diversas reacciones del público ante la obra, tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos: «Esta es una obra durante la cual los espectadores han leído periódicos y novelas, construido aviones de papel, hecho la ola mexicana, cantado el feliz cumpleaños a uno de los suyos, recitado poesía, aplaudido lentamente, amenazado físicamente a los actores, tarareado en voz alta con los dedos en los oídos, murmurado obscenidades, abucheado a los actores y arrojado copias del texto al dramaturgo. Esta es una obra en la que se sabe que el 10 % del público se ha marchado durante la función; cada abandono constituye un pequeño drama en el desarrollo de la narrativa. Esta es una obra en la que la ausencia de aplausos al final a veces se ha sentido como una bendición y otras como una condena eterna. Esta es una obra durante la cual un espectador se desmayó; los actores insistieron una y otra vez en que no formaba parte de la función, pero todos en la sala asumieron que sí, incluidos los acomodadores». ^{[ 20 ]}

En 2013, el Teatro Almeida de Londres encargó la obra «What Happens to the Hope at the End of the Evening» , escrita e interpretada por Crouch y Andy Smith (un herrero), y dirigida por Karl James. La obra narra la incómoda reunión de un sábado por la noche entre dos amigos que se han distanciado. Su oposición se refleja en sus estilos interpretativos contrastantes. Mientras Smith se sienta en un atril, leyendo el guion y reconociendo la presencia del público, Crouch intenta crear una obra realista, rompiendo la cuarta pared e incluso llevando su propia escenografía al escenario.

Al describir la obra a la revista Exeunt, Crouch dijo: «Andy se sienta a un lado del escenario, se presenta y, aparentemente, cuenta su propia historia. Frente a él, actúa otro personaje ficticio e identificable, que habita otra forma, otro mundo. Es un personaje que intenta comprender el mundo estando físicamente presente en él, en lugar de observarlo desde la distancia; está físicamente presente en un mundo que se esfuerza mucho por generar en este escenario. La tensión se da entre esos dos mundos... Mi personaje es activo: políticamente activo, sexualmente activo, físicamente activo. El personaje de Andy en esta obra es inactivo o reflexivo». ^{[ 21 ]}

Simon Holton reseñó la obra para A Younger Theatre: ^{[ 22 ]} «Una de las preocupaciones centrales de la pieza es la ausencia y la presencia, el espacio del teatro y el simple acto de estar juntos en ese espacio: qué significa y qué puede lograr. El mensaje de esperanza resuena con fuerza y ​​claridad sin ser nunca moralizante ni dogmático. Maravilloso, original y poderoso teatro» ^{[ 22 ]}

Crouch y Smith llevaron la obra a Edimburgo, donde se presentó en el Drill Hall Studio para el Forest Fringe, ^{[ 23 ]} del 18 al 24 de agosto de 2013. Joyce McMillan reseñó la obra en The Scotsman: "Mientras el amigo, en una magnífica actuación de Crouch, se enfurece, se enoja, bebe y se pone cada vez más nervioso y agresivo por la pandilla de chicos locales que merodean afuera, gradualmente se hace evidente, en esta brillante pieza de escritura colaborativa de dos maestros creadores, que la disfunción no es solo de un lado.

Andy, sentado en su silla, evita constantemente la mirada de su amigo, prefiriendo dirigirse al público sobre el valor teórico del teatro para unir a las personas. Se ha entregado a lo que parece una asfixiante vida doméstica con su esposa noruega y su pequeña hija, pidiéndole constantemente a su amigo que se quite los zapatos (todos nos quitamos los zapatos) y que no fume en casa. Hay algo vital en la mediana edad masculina, algo sobre el norte y el sur, algo sobre la autocomplacencia y el valor activista de la miseria honesta. Y también algo sobre el teatro, aunque solo sea porque al cabo de 70 minutos, los dos siguen allí, siguen hablando, siguen en el mismo espacio, como podría haber sido diferente si Tim y Andy no hubieran decidido hacer un espectáculo sobre ellos. ^{[ 24 ]}

La siguiente obra de Crouch, Adler and Gibb , se estrenó en el Royal Court Theatre el 19 de junio de 2014. En un vídeo promocional para el Royal Court, Crouch la describió así: «La historia de esta obra se desarrolla en muchos niveles diferentes. Hay una historia moderna y vertiginosa sobre dos jóvenes que llegan a una casa abandonada en medio de la nada. Un escenario clásico de Scooby-Doo, la verdad. Y hay una gran cantidad de trasfondo sobre un par de artistas conceptuales de Nueva York de los años 80 y 90. A finales de siglo, dejan Nueva York y se instalan en esta casa, y diez años después llegan estos jóvenes. Así que hay elementos de thriller, supongo, pero también hay muchas ideas sobre la apropiación, la autenticidad y el legado, y el impulso que tenemos de poseer cualquier cosa, todo y a todos». ^{[ 25 ]}

La obra, codirigida nuevamente por Crouch, James y Smith, presentó sus experimentos formales más ambiciosos hasta la fecha. El estilo de actuación cambió a lo largo de la obra, que comenzó con la abstracción, con los actores mirando al frente, diciendo sus líneas sin gestos, acentos ni acciones. Luego pasaron a interpretaciones más tridimensionales hasta alcanzar el realismo total en la segunda mitad. Crouch lo describió como "una marea de realismo, esta obra: comienza con la marea baja y llega a la marea alta, en la historia y la forma". ^{[ 26 ]} El naturalismo se vio aún más socavado por la presencia de dos niños en escena, construyendo una carretilla de tierra e introduciendo accesorios absurdos. Crouch explicó: «Es una punzada a esa estructura absurda que hemos construido a nuestro alrededor en términos de representación: los niños son tan libres de eso. El actor infantil —un niño que finge ser otro niño— es un poco estúpido. Hay cosas que perturban el naturalismo, como los animales, como los niños, como las armas, como la desnudez: en cuanto Ian McKellen saca su pene en El rey Lear, El rey Lear se detiene por un momento». ^{[ 26 ]}

La obra fue deliberadamente desafiante para el público. Beccy Smith registró una reacción del público en su reseña de Total Theatre: «No quiero tener que esforzarme tanto», se quejó un hombre detrás de mí durante el intermedio, «¡Vengo aquí para entretenerme!» ^{[ 27 ]} Michael Billington, en The Guardian, la describió como «un espectáculo que desafía las convenciones narrativas: el hecho es que, durante gran parte de la primera mitad, no entendemos lo que está pasando». ^{[ 28 ]} Concluyó: «Me encontré inmerso en la obra, al tiempo que sentía que la forma experimental y lúdica dominaba el contenido intrigante». ^{[ 28 ]}

Andrzej Lukowski escribió en Time Out : «Al loco le han dado las llaves del manicomio: con su nueva obra "Adler & Gibb", el travieso creador de teatro metateatral Tim Crouch llega desde los márgenes para estrenar su primera obra en el histórico escenario principal del Royal Court. El salto de escala no está exento de tropiezos. Pero en su mejor momento, esta hilarante, desgarradora y enloquecedora indagación sobre el valor del arte estalla con una intención intrépida y una inteligencia penetrante». ^{[ 29 ]}

La reseña más entusiasta provino del crítico independiente Matt Trueman, quien escribió: «Es apasionante: una especie de road movie trepidante, con dos cómplices, salpicada de la arrogancia de Tarantino y la sofisticación post-Kerouac... Adler y Gibb es enorme... Abarca un montón de cosas, y esas cosas se sienten absolutamente actuales. Crouch se enfrenta —realmente se enfrenta— a lo que significa existir ahora, en 2014, con nuestra realidad virtual, rodeado de signos y simulacros, con el pasado regurgitado como referencia y retro. ¿Dónde está la verdad en todo esto? ¿Dónde termina el arte y comienza la realidad? ¿Dónde está la vida?» ^{[ 30 ]}

En el Royal Court, el reparto estaba compuesto por Amelda Brown (Gibb), Brian Ferguson (Sam), Denise Gough (Louise) y Rachel Redford (la estudiante). Una producción simplificada se presentó en Summerhall durante el Festival de Edimburgo en 2016, y luego pasó al Unicorn Theatre de Londres y, en 2017, al Kirk Douglas Theatre de Los Ángeles. El reparto estaba compuesto por Gina Moxley (Gibb), Cath Whitefield (Louise), Mark Edel-Hunt (Sam) y Jillian Pullara (la estudiante). Crouch asumió el papel de Sam para la producción de Los Ángeles. Charles McNulty, en el LA Times, describió la obra como "una especie de producción vanguardista predecible que omite lo que ha distinguido el trabajo de Crouch en el pasado: el audaz cuestionamiento del papel del público en el evento teatral". ^{[ 31 ]}

La obra de Crouch de 2019, Total Immediate Collective Imminent Terrestrial Salvation , se estrenó en el Festival Internacional de Edimburgo de ese año, seguida de una temporada en el Royal Court, el Teatro de Bairro Alto de Lisboa y el Attenborough Centre for Creative Arts (ACCA) de Brighton. Fue codirigida por Andy Smith y Karl James, y se basó en un libreto ilustrado por Rachana Jadav. Alex Wood describió la obra en WhatsOnStage: "Nos sentamos, en un círculo de dos filas de profundidad, mientras se reparten libros de tapa dura verde ornamentados que contienen el guion. El espectáculo comienza, aparecen los actores y se invita al público a leer y contribuir, pasando las páginas al unísono, abordando las líneas de Tim Crouch y asumiendo roles según sea necesario. Es una clase de estudios bíblicos: el texto es venerado, analizado en profundidad (sic). La historia, esbozada vagamente, sobre la última hora de una secta sudamericana que anticipa el apocalipsis y su líder Miles, es un punto de entrada inicial para el nuevo espectáculo metateatral y divertido de Crouch. Es una comparación ingeniosa: ver teatro es, después de todo, una experiencia similar a la de un culto; una historia tiene que existir con una parroquia de espectadores. Vemos a varios miembros del público levantarse y unirse a los actores, la trama gradualmente se va aclarando... Hay algunas similitudes sorprendentes con trabajos anteriores de Crouch, especialmente con An Oak Tree, que también utilizó la pérdida de un miembro de la familia para cuestionar lo que significa La obra explora las diversas y excéntricas formas en que el duelo puede manifestarse. Sin embargo, esta pieza se percibe menos íntima a nivel emocional y más lúdica y comunitaria; casi se puede sentir la alegría de Crouch al tener al público entrando en su espacio. ^{[ 32 ]} Mark Fisher, en The Guardian, escribió: «La idea central de este espectáculo formalmente audaz es que el libro, similar a una Biblia, que tenemos en nuestras manos, cautivadoramente ilustrado con bocetos a lápiz por Rachana Jadhav, es el mismo libro que determina las acciones de Sol, una joven criada en una comunidad cerrada tras un desastre ambiental. Interpretada con franqueza y sentimiento por Shyvonne Ahmmad, ha sido adoctrinada para creer que nada sucederá a menos que esté escrito en estas páginas. Es una visión determinista, pero, dado que el libro contiene el guion del espectáculo, también es la correcta. Mientras dure la función, no tenemos control sobre lo que sucede. Ni siquiera cuando el público se turna para interpretar los papeles de Sol y su madre distanciada, Anna, interpretada principalmente por Susan Vidler con similar ingenuidad». ^{[ 33 ]}

En 2022, Crouch escribió y representó una nueva obra unipersonal sobre el Bufón en El rey Lear . Como en Inglaterra , la obra se basa en "la idea de una cosa dentro de otra". ^{[ 34 ]} Durante gran parte de Truth's a Dog must to Kennel, Crouch, interpretando al bufón, lleva un casco de realidad virtual, un portal a la acción que tiene lugar en un teatro más grande, donde se representa la obra de Shakespeare. El bufón presencia y describe la obra que ha abandonado. Crouch le dijo a Mark Fisher de The Scotsman que estaba estableciendo conexiones entre la temprana partida del bufón de El rey Lear y el destino del teatro durante la pandemia de Covid: "Esto trata sobre irse... Trata sobre los últimos dos años y medio, preguntándonos qué estamos haciendo, cómo seguimos adelante, cómo nos reincorporamos, lo difícil que es todo, dónde está el teatro en todo esto y la invasión de lo digital. Esta obra celebra el hecho de que todos estamos juntos, y que en cada uno de nosotros reside un yo alternativo". ^{[ 34 ]} En otra entrevista, dijo: "Utilizo El rey Lear como una especie de texto de referencia para una idea del teatro que me preocupa y sobre la que pienso. Y utilizo la idea del bufón como alguien que está en ese mundo y luego desaparece de él". ^{[ 35 ]}

Crouch estrenó la obra en agosto de 2022 en el Royal Lyceum Theatre de Edimburgo, como parte del festival Fringe. David Kettle la describió como «una obra bastante intransigente y desesperanzadora en muchos sentidos: Crouch señala paralelismos entre el mundo fracturado de Lear y nuestros propios problemas contemporáneos, numerosos y variados, e incluso se proyecta hacia futuros antropólogos que podrían preguntarse por qué la gente se reunía antes en habitaciones, como todos lo hemos hecho, para ver a otras personas fingir ser otras personas... Genera un inmenso poder acumulativo, planteando preguntas profundas sin ofrecer respuestas fáciles». ^{[ 36 ]} En The Scotsman , Joyce McMillan escribió: «Hay algo brillante, inquietante y trágico en la sugerencia de Crouch de que lo que queda del teatro se ha convertido en un campo de batalla; entre aquellos que todavía creen plenamente en la experiencia humana compartida tal como la conocíamos, y aquellos que sospechan que esos tiempos pueden estar llegando a su fin, para ser reemplazados por formas de conexión digital que ofrecen tanto más como mucho, mucho menos». ^{[ 37 ]} Deborah Chu, en The Observer , escribió: «Toda la acción tiene lugar detrás de los auriculares de realidad virtual de Crouch, que él nos transmite con conmovedora aplomo. Pero el alcance de su visión inquietante se expande también hacia el público, hasta que el teatro se convierte en un microcosmos del mundo en general, lleno de desigualdad estratificada y pequeñas crueldades disfrazadas de cortesía». ^{[ 38 ]} En una reseña de 5 estrellas subtitulada «Salida, mente alucinada», Hugh Simpson describió la obra como «una pieza exquisitamente premonitoria que aparentemente niega el sentido mismo de la creatividad, un himno a la humanidad que insiste en que la humanidad ya la ha perdido. Decir que invita a la reflexión sería una subestimación criminal». ^{[ 39 ]} La obra ganó un premio Fringe First de The Scotsman. ^{[ 40 ]}

Truth's a Dog Must to Kennel fue codirigida por Karl James y Andy Smith, con diseño de sonido y música de Pippa Murphy e iluminación de Laura Hawkins. ^{[ 41 ]}

La primera obra infantil de Crouch fue Shopping for Shoes , encargada en 2003 por el Departamento de Educación del Teatro Nacional . La obra es una comedia romántica que explora el poder del logotipo y lo difícil que es resistirse. Siobhan McCluskey, una vegetariana de 13 años con conciencia política, está enamorada de su compañero de clase, Shaun Holmes, a quien solo le importan sus Nike Air Jordan. Se conocen tras un encuentro casual con excremento de perro y una visita a una bolera. Crouch interpreta la pieza utilizando una plataforma inclinada hacia el público, sobre la cual coloca pares de zapatos que representan a los personajes. «Los zapatos nunca se animan como marionetas convencionales, pero a cada uno se le da tiempo, espacio y, a veces, sonido para afirmarse». ^{[ 8 ]} Así, el padre de Siobhan, Keith, está representado por «sandalias horribles y silbidos alegres». ^{[ 8 ]} Shopping For Shoes se estrenó en la escuela St Ursula's, Greenwich, el 18 de junio de 2003. Luego realizó una gira por escuelas de todo el Reino Unido, ganando el premio Brian Way del Consejo de las Artes de 2007 .

Para el Festival de Brighton , Crouch escribió tres monólogos: Yo, Calibán (2003), Yo, Peaseblossom (2004) y Yo, Banquo (2005), que luego se representaron juntos como la trilogía Hada, Monstruo, Fantasma . ^{[ 43 ]} Las obras presentan las obras de Shakespeare a las audiencias jóvenes al recontar las historias desde los puntos de vista de personajes secundarios.

En Yo, Calibán , Crouch es el monstruo de La Tempestad , abandonado en la isla tras la partida de todos los personajes, con una última botella de vino y aún añorando a su madre. Calibán se presenta al público: «Pensaréis: qué hombre tan feo... Pues bien, vosotros también seríais feos si tuvierais una vida como la mía». En Yo, Peaseblossom , es el inocente hada niña de El sueño de una noche de verano , un personaje que solo tiene una línea en la obra de Shakespeare. Yo, Banquo es una obra más oscura, para adolescentes, narrada por el mejor amigo asesinado de Macbeth . Crouch aparece en escena, «acompañado por un Fleance de 13 años que toca la guitarra heavy metal, una cabeza cortada y 32 litros de sangre». ^{[ 44 ]}

En 2006, Crouch recibió el encargo de Playhouse (un programa gestionado por el Plymouth Theatre Royal, el York Theatre Royal y el Polka Theatre) de escribir una obra de teatro para ser representada por niños de primaria. Kaspar el Salvaje , inspirada en Kaspar Hauser , es la historia de un misterioso niño salvaje, encontrado vagando con ropa andrajosa y zapatillas deportivas, que se une a sus compañeros de sexto de primaria en una tranquila escuela de pueblo. La obra, interpretada por niños en coro, está escrita en verso: "¿Qué hacemos con un niño tan desamparado/ Que se niega a aprender, a crecer, a prosperar?/ ¿QUÉ HACEMOS?/ Lo mandamos a la escuela, eso es lo que hacemos."

Una joven actriz, entrevistada para el tráiler de una producción de 2011 en Plymouth, dijo: "La obra es genial porque los narradores dicen cosas como '¿Qué piensas?' Y en la mayoría de las obras te dicen qué pensar. Además, rima, lo cual es genial". ^{[ 45 ]}

La cuarta adaptación de Shakespeare de Crouch, Yo, Malvolio , también fue escrita para adolescentes, una coproducción del Festival de Brighton y el Festival de las Artes de Singapur, donde se estrenó en 2010. Posteriormente, cosechó un gran éxito entre el público adulto en el Traverse Theatre durante el Festival de Edimburgo de 2011. Al igual que su obra anterior, El autor , Yo, Malvolio trata sobre lo que significa ser espectador y sobre nuestras responsabilidades como tales. En una actuación que roza el monólogo cómico, Crouch interpreta al pomposo y puritano mayordomo que desprecia el teatro de Noche de Reyes , tras su humillación al final de la obra. Vestido con calzoncillos manchados y medias amarillas arrugadas, reprende al público: «Mírense. Sentados ahí con la barriga llena de refrescos y arenques en escabeche. Riéndose de mí. Venga. Ríanse del gracioso. Ríanse. Hagan llorar al gracioso». Su respuesta a las risas del público es un grito recurrente de "¿Les parece gracioso ese tipo de cosas?".

Joyce McMillan, en su reseña de Yo, Malvolio en The Scotsman , escribió: «Nunca hay nada menos que completamente adulto en esta mordaz deconstrucción del conflicto entre Malvolio y... bueno, ¿quién? No solo los otros personajes, al parecer, sino también nosotros, el público de chicos y chicas incansables y fiesteros, que nos reímos de la humillación de Malvolio, burlándonos de la breve esperanza de amor que disfruta». ^{[ 46 ]}

John, Antonio y Nancy es una obra de teatro de 2010 para tres jóvenes actores adolescentes, encargada por el Royal Court Theatre como parte de Rough Cuts. La obra fue dirigida por Maria Aberg e interpretada por el hijo de Couch, Joey, Ella Campbell y Kieran Mulligan. Se estrenó en el Theatre Local, Elephant & Castle, y también se presentó en el Nightingale Theatre, Brighton, como parte del Brighton Fringe 2011. Los intérpretes, con corbatas rojas, azules y amarillas, interpretan a John Brown, Antonio Clegg y Nancy Cameron, los hijos de los tres líderes de los partidos en las elecciones británicas de 2010. En la obra, Crouch deconstruye el lenguaje utilizado en los debates televisados ​​colocando citas de los líderes en boca de sus hijos. Así, la frase de Gordon Brown: "'La semana pasada conocí a una viuda en Portsmouth', se convierte, en boca de su hijo, en: 'La semana pasada mi padre conoció a una viuda en Portsmouth'". El efecto acumulativo de las declaraciones es cómico, "resaltando lo absurdo del lenguaje 'amigable con los medios'". ^{[ 47 ]}

Como parte del Festival Mundial de Shakespeare de 2012, la Royal Shakespeare Company encargó a Crouch la escritura y dirección de una obra complementaria a la producción de Julio César de Gregory Doran . En Yo, Cinna (El poeta) , Jude Owusu interpretó a Cinna, el poeta asesinado por la multitud tras ser confundido con un conspirador en la obra de Shakespeare. En la obra de Crouch, Cinna invita a su joven público a «reflexionar sobre la relación entre palabras y acciones, arte y política, el yo y la sociedad. Durante la representación, nos invita a escribir junto a él: un breve poema sobre un tema trascendental». ^{[ 48 ]}

En una reposición de 2020, dirigida por Naomi Wirthner en el Unicorn Theatre de Londres, Crouch interpretó a Cinna. Entrevistado por Catherine Greenwood, habló sobre cómo la obra había adquirido nuevos significados desde su estreno: «2012 fue el año posterior a los disturbios de Londres, así que había una conexión con eso en la producción original. Pero los disturbios parecen fragmentarios, a pequeña escala, comparados con lo que está sucediendo globalmente ahora. Y la idea de un país liderado por un dictador que manipula el lenguaje... ¡bienvenidos al mundo!... Las palabras en este momento son realmente complejas, resbaladizas, políticamente hablando. En 2012, éramos bebés en ese mundo, y ahora somos adolescentes horrorizados que se preguntan: ¿ De verdad las palabras pueden tener ese efecto? La gente puede mentir, usando las palabras adecuadas, mienten y todo el mundo simplemente los acepta. Y eso también está en Julio César de Shakespeare ; Marco Antonio cambia el curso de la historia con su uso del lenguaje». ^{[ 49 ]}

En su reseña en The Stage, Sally Hales escribió que «Crouch teje un rico tapiz de significado que abarca la revolución, el republicanismo, la democracia, el poder de la palabra escrita, la libertad y la responsabilidad personal en la era digital... La escenografía de Lily Arnold está respaldada por una gran extensión de papel arrugado sobre la cual aparecen las violentas imágenes de vídeo de disturbios de Will Monks en momentos impactantes, acompañadas por el paisaje sonoro de Owen Crouch, que irrumpe desde un silencio casi absoluto hasta ritmos pulsantes e insistentes. Esto, junto con la fascinante narrativa de Crouch, se combina para darle al espectáculo una implacable sensación de urgencia». ^{[ 50 ]}

Melinda Haunton, en el sitio web View from the Cheap Seat, escribió: «Es un tributo al éxito de este espectáculo como fuente de inspiración creativa que un público de adultos y críticos, ávido de la noche del estreno, escribiera sin parar». ^{[ 51 ]} Eve Allin, en la revista Exeunt, respondió al desafío poético de Crouch escribiendo su reseña del espectáculo «en sonetos, haikus y pareados». ^{[ 52 ]}

En 2018, Crouch escribió Beginners , una obra de teatro interpretada por y para niños y adultos. «Cuenta la historia de tres familias atrapadas en una casa de vacaciones inundada durante el verano. Los niños están aburridos. Los adultos están en el pub. Hasta aquí todo normal». ^{[ 53 ]} Crouch declaró al Evening Standard: «La escribí porque mis hijos han crecido. Adoro a los adultos en que se han convertido, pero echo de menos a los niños que fueron. A veces creo ver a los niños que fueron en los adultos en que se han convertido, y eso me hace inmensamente feliz y también inconsolablemente triste». ^{[ 54 ]}

La obra, dirigida por Crouch, se estrenó en el Unicorn Theatre de Londres en marzo de 2018. El reparto estaba compuesto por cinco actores adultos (Pandora Colin, Rob Das , Jacqui Dubois, Neil D'Souza y Amalia Vitale) que interpretaban a los niños, sus padres y un perro. Los niños también fueron representados por cuatro jóvenes actores, cuyos papeles fueron compartidos por Atinuke Akinrinade, Ethan Dattani, Nekisha Eric, Rowan Davies-Moore, Archie MacGregor, Ella Scott, Emilija Trajkovic y Milan Verma. Beginners fue diseñada por Chloe Lamford y Camilla Clarke, con música de Nick Powell. ^{[ 53 ]}

Miriam Gillinson, en Time Out , describió la obra como "una pieza de teatro infantil verdaderamente adulta que trasciende generaciones... A Crouch le gusta provocar a su público... poner a prueba nuestros sentidos y, en general, jugar con nuestras mentes. Lo realmente emocionante aquí es que Crouch aplica exactamente estos mismos métodos a su espectáculo familiar y lo logra brillantemente... El escenario se cede gradualmente a los cuatro jóvenes y talentosos actores... Sus esperanzas y sueños llenan el espacio... y nos damos cuenta de que estas son realmente nuestras esperanzas y sueños, solo que más frescos y libres". ^{[ 55 ]} Maddy Costa, en Exeunt, describió Beginners como "compleja y llena de matices, escurridiza y astuta, frecuentemente hilarante, densamente poética, a menudo desconcertante para mis hijos, pero un desafío gratificante para sus poderes de deducción". ^{[ 56 ]} Lyn Gardner, en The Guardian , escribió que la obra «funciona como un misterio de asesinato travieso pero con matices emocionales, pero sin cadáver. En cambio, investiga cómo se mata la infancia... El placer de la obra cada vez más divertida de Crouch reside en la forma en que... amplía gradualmente el espacio metafísico y físico. Al verla —y la obra dentro de la obra que representan los niños— ampliamos nuestra creencia en lo que es posible y en cómo podemos superar lo que la vida nos depara». ^{[ 57 ]} Sin embargo, la crítica de The Evening Standard , Fiona Mountford, «constantemente luchaba por determinar si los personajes que veíamos eran adultos o niños». ^{[ 58 ]}

En 2022, Crouch escribió Superglue para el festival de teatro juvenil National Theatre Connections . La obra invirtió la estructura de Beginners , con actores infantiles interpretando ahora a adultos, encarnados por la presencia de personas mayores. Según la programación del National Theatre, «Superglue cuenta la historia de un grupo de activistas climáticos que se reúnen en un cementerio boscoso para despedirse de un amigo que murió durante una protesta. Mientras se reúnen, colocan pancartas y hablan de su pasado y su futuro, de la acción pacífica frente a la violenta, de cómo la sociedad los ignora y subestima su causa. Inicialmente, creemos que estos activistas tienen la misma edad que los actores que los interpretan. Gradualmente, nos damos cuenta de que esta es la historia de un grupo de activistas climáticos de la tercera edad: personajes ancianos interpretados sin imitación por jóvenes actores. Se trazan paralelismos entre la vejez y la adolescencia en una obra que invita sutilmente a una comprensión intergeneracional del futuro de nuestro planeta». ^{[ 59 ]}

La obra se estrenó en febrero de 2022 en el Young Peoples' Theatre de Newcastle. ^{[ 60 ]} Una segunda producción del Croydon Youth Theatre se representó en el Southwark Playhouse en abril. ^{[ 61 ]}

En 2024, Crouch retomó una idea que había esbozado inicialmente para la compañía Visible Fictions en Escocia 20 años antes: una obra de teatro presentada al público a través de auriculares que combinaba grabación binaural y acción en vivo. ¡Toto Kerblammo! cuenta la historia de Effy, una niña de 12 años que lucha contra sus problemas de salud mental, y su perro Toto. La madre de Effy, incapaz de cuidar de su hija, ha sido ingresada en un hospital psiquiátrico y Effy es enviada a vivir con sus tíos en un bloque de pisos donde no se permiten mascotas. Effy introduce a Toto a escondidas, pero, cuando lo descubren, huyen en la noche y ambos son atropellados por un coche. En su estado de inconsciencia, pueden hablar entre sí. Hablan de esperanza, altruismo, amor y la necesidad de escuchar. Toto narra para el público en algunos momentos. Y la madre de Effy envía grabaciones de voz para ayudar a su hija a recuperarse. Mientras Effy recupera gradualmente la consciencia en el hospital, la vida de Toto se desvanece lentamente junto al lugar donde fue atropellado. Pero ha aprendido la lección. La situación de Effy se ve redimida por su perro y también por la presencia de un niño, Noah, que es «tan diferente a Toto como un niño a un perro, pero con el mismo espíritu. (Y es interpretado por el mismo actor)». La lealtad y el amor de Noah le brindan a Effy una esperanza al final, a pesar de la pérdida definitiva de su perro.

En 2023, el Unicorn Theatre encargó a Crouch que retomara su idea original, terminara el guion y la dirigiera. Para la producción, que se representó del 6 de octubre al 3 de noviembre de 2024, el equipo creativo incluyó a la colaboradora habitual de Crouch, Lily Arnold (diseñadora), Will Monks (diseño de iluminación) y la diseñadora de sonido Helen Skiera, con quien Crouch había trabajado en The Author (2009) y Adler & Gibb (2014). Effy fue interpretada por Peyvand Sadeghian. Toto/Noah fueron interpretados por Felipe Pacheco. La voz de la Madre fue grabada por Sinead Matthews . ^{[ 62 ]}

En su reseña de cuatro estrellas, The Guardian describió el diseño de sonido como utilizado «con un efecto tanto lúdico como profundo» y afirmó que el público «sale del teatro con los sentidos agudizados». ^{[ 63 ]} The Stage, en una reseña de cinco estrellas, concluyó que «lo que más resuena es una profunda sensación de misterio que rodea el funcionamiento de la mente humana y, sobre todo, el corazón». ^{[ 64 ]} Time Out de Londres describió la obra como «un exquisito retrato de las heridas infantiles y la inarticulación emocional». ^{[ 65 ]} En su reseña de cinco estrellas, North West End escribió: «El concepto es ingenioso y la ejecución brillante, pero la verdadera genialidad de esta obra reside en su corazón. Tim Crouch les brinda a sus personajes el espacio para ser genuinamente inteligentes, complejos y tiernos. Es reconfortante verlo —escucharlo— y es el argumento principal del amor y el cuidado que esta obra exige que nos mostremos a nosotros mismos. Todos luchamos, todos somos complicados y, sin embargo, todos somos valiosos. Un mensaje vital tanto para adultos como para niños». ^{[ 66 ]}

Crouch recibió una nominación al premio Offie como mejor escritor para público joven ^{[ 67 ]} y Helen Skiera recibió una por mejor diseño de sonido para público joven.

En 2019, Crouch colaboró ​​con Toby Jones en el guion de « Don't Forget the Driver» , una miniserie de comedia de seis episodios para la BBC. Ambientada en Bognor Regis, la serie narra la historia de Peter Green (Jones), un conductor de autobús y padre soltero. Su vida transcurre con normalidad: corbatas de clip, almuerzos poco apetitosos, revisiones de vehículos y viajes de ida y vuelta en autobús transportando grupos religiosos a santuarios de burros y turistas japoneses a la catedral de Canterbury. ^{[ 68 ]} Crouch describió la serie como "una canción de amor a Bognor. Es de donde vengo y es gran parte de lo que soy... La serie trata sobre un momento en que una vida aparentemente pequeña interactúa con el mundo exterior. Bognor se encuentra en el extremo de Inglaterra, mirando hacia Europa. Lo conozco desde los años sesenta y ha cambiado con el tiempo. Una población inmigrante ha enriquecido su cultura... El mundo moderno ha llegado y, sin embargo, Bognor todavía tiene el inconfundible aire de un pueblo costero que se aferra a sus valores tradicionales. Es como dos ríos que se unen: un pasado a veces mal recordado y un futuro desconocido. Bognor se ha convertido en un buen lugar para explorar muchos de los temas de identidad nacional que están afectando a nuestro país". ^{[ 69 ]}