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Mujeres en la danza

Litografía de AE ​​Chalon de (de izquierda a derecha) Carlotta Grisi , Marie Taglioni , Lucille Grahn y Fanny Cerrito en Pas de Quatre , 1845. La importancia de la mujer en la d...

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Litografía de AE ​​Chalon de (de izquierda a derecha) Carlotta Grisi , Marie Taglioni , Lucille Grahn y Fanny Cerrito en Pas de Quatre , 1845.

La importancia de la mujer en la danza se remonta a los orígenes de la civilización. Pinturas rupestres, frescos egipcios, estatuillas indias, arte griego y romano antiguo y registros de tradiciones cortesanas en China y Japón dan testimonio del papel fundamental que desempeñaron las mujeres en la danza ritual y religiosa desde sus inicios. En la Edad Media , lo que hoy conocemos como ballet tuvo sus comienzos en los festivales de la corte italiana, donde las mujeres frecuentemente interpretaban papeles masculinos. Sin embargo, fue a finales del siglo XVII en Francia cuando la Ópera de París produjo a las primeras bailarinas célebres. Si bien las mujeres comenzaron a dominar la escena del ballet en el siglo XVIII, fue con la llegada del ballet romántico en el siglo XIX que se convirtieron en el centro de atención indiscutible, con estrellas interpretando los papeles principales en las obras de Marius Petipa , actuando en teatros de toda Europa, desde La Scala de Milán hasta el Teatro Mariinsky de San Petersburgo. Más recientemente, las mujeres han desempeñado un papel fundamental en el desarrollo de diversas formas de danza moderna, incluyendo la danza expresionista y la danza posmoderna .

Historia

Las mujeres siempre han desempeñado un papel predominante en la danza, como puede apreciarse desde sus inicios hasta la aparición de las danzas formales en el siglo XV, que dieron origen al ballet .

Antigüedad

Las pinturas rupestres que datan de hace 6000 a. C. muestran escenas de mujeres danzando. Ejemplos de ello se pueden ver en la cueva de Addauta, cerca de Palermo , y en la Roca dels Moros, en Cataluña . En el antiguo Egipto , las mujeres realizaban danzas rituales para ceremonias religiosas como los funerales, como ilustran los frescos de las tumbas de los faraones. [ 1 ] Los registros más antiguos de danza organizada y de bailarinas profesionales provienen de Egipto. Especialmente durante el Imperio Antiguo , las mujeres se organizaban en grupos conocidos como khener , a los que aparentemente se unieron los hombres en una etapa posterior. [ 2 ]

En el subcontinente indio también existen evidencias tempranas de mujeres danzantes, en particular una estatuilla de bronce de Mohenjo-daro en el valle del Indo que data de alrededor del 2500 a. C. [ 3 ] [ 4 ] Mientras que la participación temprana de los hombres en los rituales de danza parece haber estado relacionada con la caza y la lucha, la danza de las mujeres estaba sobre todo relacionada con la fertilidad, tanto agrícola como humana. [ 5 ]

La danza en la Creta y Grecia clásicas parece haber estado influenciada por las danzas del Antiguo Egipto . [ 6 ] Hay muchos ejemplos del arte griego antiguo de los siglos VI y V a. C. que representan mujeres danzantes. [ 5 ] Las vírgenes de Delos danzaban en círculo para honrar a Apolo [ 7 ] mientras que Terpsícore era la Musa de la danza. [ 8 ] En el siglo VI a. C., el coro se convirtió en un elemento permanente del teatro griego, mientras que las mujeres conocidas como dionisíacas, frecuentemente representadas en vasos griegos, danzan frenéticamente, celebrando a Dioniso , el dios del vino. [ 9 ] En la Antigua Roma, cantantes y bailarinas femeninas actuaban en las celebraciones anuales de Isis , que incluían autos sacramentales que representaban la resurrección de Osiris . [ 10 ]

La Biblia contiene varios relatos de mujeres bailando, en particular las celebraciones dirigidas por Miriam después del cruce del Mar Rojo, cuando se dice que las mujeres bailaron y tocaron tambores de mano. [ 11 ] Después de que David regresó de matar a Goliat , las mujeres salieron cantando y bailando. [ 12 ] En el Nuevo Testamento , Mateo cuenta la historia de cómo Salomé bailó para Herodes para que le dieran la cabeza de Juan el Bautista. [ 13 ]

China y Japón

En China también hay una larga historia documentada de bailarinas desde la dinastía Zhou (c. 1046–256 a. C.) que alcanzó su apogeo en la dinastía Tang (618–907 d. C.). [ 14 ] Las danzas corales interpretadas por mujeres en la dinastía Zhou eran conocidas como xi . Los antiguos espectáculos teatrales llamados baixi probablemente involucraban bailarinas con vestidos con mangas de seda ondeantes. [ 15 ] Textos del período de Primavera y Otoño (771–476 a. C.) contienen descripciones de bailarinas profesionales mientras que la danza Nishang Yuyi, creada por el emperador Li Longji (685–762), presenta a mujeres vírgenes bailando como si estuvieran en un mundo mágico. [ 16 ] A principios del siglo XX, la danza moderna fue introducida por primera vez en China por Nellie Yu Roung Ling , hija de un diplomático de la dinastía Qing en Francia. [ 17 ] Desarrolló una serie de estilos de danza que combinaban la estética oriental con la técnica occidental durante su estancia en la corte imperial Qing. [ 18 ] En el Japón del siglo XII, los Shirabyoshi eran famosos por su danza y poesía. Una de las más famosas fue la bailarina de la corte Shizuka, que aparece en la literatura japonesa de la época. [ 19 ]

India

India cuenta con nueve danzas clásicas . Algunas son interpretadas exclusivamente por mujeres, como el Mohiniattam . Otras son interpretadas con hombres, como el Kathak .

La Edad Media en Europa

En la Edad Media , con la expansión del cristianismo por Europa, la Iglesia generalmente desaprobaba el baile, aunque a menudo se bailaba en las fiestas populares , sobre todo a principios de mayo. En Francia e Italia, las danzas en cadena y circulares, como la carole y la tresque, fueron populares entre los siglos IV y XIV. [ 20 ] Se bailaban habitualmente en círculo cerrado, con hombres y mujeres intercalados y tomados de la mano. [ 21 ] En Italia, el animado saltarello de Nápoles se popularizó en los siglos XIV y XV. Grupos de cortesanas vestidas de hombres interpretaban la danza en los bailes de máscaras . [ 22 ]

Surgimiento del ballet

En el siglo XV, las festividades cortesanas en Italia se volvieron cada vez más elaboradas, incluyendo a menudo danzas formales. Uno de los primeros maestros fue Domenico da Piacenza (c. 1400–1470) quien compiló un manual de danza: De arte saltandi et choreas ducendi . [ 23 ] En Francia, también, la danza profesional comenzó a tomar forma cuando bailarines actuaron para Enrique III de Francia en Fontainebleau a principios de la década de 1580. Se hicieron más presentaciones para Luis XIII , quien frecuentemente asumía el papel principal él mismo. Pero fue, sobre todo, durante el reinado de Luis XIV (1643–1715) cuando se sentaron las bases de lo que se conocería como ballet. El rey no solo hizo escribir las reglas de la danza, sino que fundó la Académie Royale de Danse en 1661, que se convirtió en el actual Ballet de la Ópera de París . [ 5 ] Muchos de los primeros ballets fueron creados por el compositor ítalo-francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamp , a menudo con la ayuda de Molière . [ 24 ]

Inicialmente, los papeles femeninos en los primeros ballets eran interpretados por hombres jóvenes; pero, en 1681, una joven conocida como Mademoiselle De Lafontaine bailó en Le Triomphe de l'amour de Lully . [ 25 ] Continuó siendo la bailarina principal en al menos otras 18 producciones en la Ópera de París entre 1681 y 1693, estableciendo la suprema importancia de las mujeres en el ballet. [ 26 ] De Lafontaine fue sucedida por Marie-Thérèse de Subligny , quien se convirtió en la primera bailarina en actuar en Londres cuando apareció con Claude Ballon en 1699. [ 27 ] Considerada la mejor bailarina de su época, con hermosos ojos y una figura esbelta, Subligny bailó en la Ópera de París desde 1688 hasta su retiro en 1707. [ 28 ]

La siguiente bailarina principal de la Ópera fue Françoise Prévost (1680-1741), cuya precisión, ligereza y gracia contribuyeron enormemente al ballet clásico. [ 29 ] Persuadió al director de orquesta Jean-Féry Rebel para que compusiera suites específicamente para ballet. Sus obras Caprice , Boutade , Les Caractères de la danse y La Terpsichore le brindaron un éxito considerable. En particular, su interpretación personal de los pasos en Caprice sirvió de ejemplo para otros solistas, mientras que transformó las Caractères en una secuencia que ilustraba diferentes tipos de amantes, tanto masculinos como femeninos. Prévost formó a dos bailarinas de gran éxito, Marie Camargo (1710-1770) y Marie Sallé (1707-1756), quienes añadieron sus preferencias personales a sus Caractères , desarrollando cada una estilos individuales. Ellas la reemplazarían como primeras bailarinas tras su retiro de la ópera en 1730. [ 30 ] [ 31 ]

Camargo demostró ser un éxito rotundo, no solo por su deslumbrante juego de pies (especialmente su entrechat à quatre ), sino también porque introdujo faldas ligeramente más cortas y nuevos peinados. [ 32 ] Además, abandonó los zapatos de tacón alto e introdujo zapatillas de baile que facilitaron la ejecución de las rutinas más exigentes. [ 33 ] Al bailar rutinas exigentes, que antes habían sido interpretadas exclusivamente por hombres, Camargo consolidó aún más la imagen de la bailarina. [ 34 ]

Sallé buscaba en el ballet algo más que demostraciones de técnica, como preferían los defensores del ballet tradicional. Creía que la música, los pasos, la escenografía y el vestuario debían contribuir a una interpretación elegante y expresiva que combinara la pantomima con la danza, en lo que se conoció como ballet d'action . Como muchos en la Ópera de París no compartían su visión, decidió trasladarse al Londres más liberal. En Covent Garden , causó sensación en 1734 como Galatea en Pigmalión , un ballet que ella misma había coreografiado. Dejando de lado el atuendo habitual de una bailarina, optó por usar una sencilla túnica de muselina y dejar que su cabello cayera libremente sobre sus hombros. [ 35 ] Al año siguiente, incluso decidió vestirse de hombre para interpretar el papel de Cupido, pero las críticas fueron extremadamente negativas. Como resultado, regresó a París, donde bailó en la Ópera hasta su retiro en 1740, a la temprana edad de 33 años. Posteriormente, bailó ocasionalmente para la corte de Versalles . [ 30 ]

Durante la segunda mitad del siglo XVIII, la estrella dominante de la Ópera de París fue Marie-Madeleine Guimard, quien, si bien no poseía la técnica de Sallé, era reconocida por sus sensuales movimientos, sus numerosos pretendientes y su exótico vestuario. Otras estrellas fueron Marie Allard (1738-1802), quien se unió a la Ópera de París en 1756, donde fue formada por Gaétan Vestris , convirtiéndose no solo en primera bailarina, sino también en su esposa. Aunque era bastante corpulenta y frecuentemente embarazada, era aclamada por su impresionante juego de pies. [ 36 ]

Ballet romántico

El periodo de mayor éxito para las bailarinas de ballet fue entre las décadas de 1830 y 1840, cuando se convirtieron en las grandes estrellas del ballet romántico . La italo-sueca Marie Taglioni (1804-1884) no solo brilló en la Ópera de París al bailar La Sylphide en 1832, sino que extendió su fama al Ballet Mariinsky de San Petersburgo , así como a los escenarios de Berlín, Milán y Londres hasta su retiro en 1847. Fue ella quien desarrolló el ballet en puntas (bailar sobre la punta de los pies) e introdujo nuevas modas en vestuario y peinados que se popularizaron en toda Europa. La austriaca Fanny Elssler (1810-1884) alcanzó la fama y la fortuna bailando la coqueta cachucha española en Le Diable boiteux , actuando no solo en Austria, Alemania, Francia, Inglaterra y Rusia, sino también en Estados Unidos. Sin embargo, en 1845 se negó a bailar con sus rivales Marie Taglioni, Carlotta Grisi , Fanny Cerrito y Lucile Grahn en el Pas de Quatre de Jules Perrot . [ 37 ] [ 38 ]

Presentado en el Her Majesty's Theatre de Londres, el Pas de Quatre causó sensación, reuniendo a las cuatro mejores bailarinas de la época. Además de Marie Taglioni, la italiana Grisi (1819-1899) se había hecho famosa tanto en París como en San Petersburgo por su Giselle , mientras que Cerrito, de Nápoles, se había convertido en la estrella de La Scala de Milán. Grahn (1819-1907), una danesa formada por Bournonville, residía en París, pero también había bailado en Londres, San Petersburgo y Milán antes de establecerse en Alemania. [ 37 ]

Varias bailarinas italianas notables surgieron en la segunda mitad del siglo XIX, alcanzando sus apogeos en Rusia. La italiana Virginia Zucchi (1849–1933) bailó primero en Italia y Alemania, pero sus interpretaciones del ballet de Marius Petipa en Rusia fueron tan exitosas que el zar insistió en que se uniera al Ballet Mariinsky en San Petersburgo. A mediados de la década de 1880, protagonizó Coppélia , La fille mal gardée y La Esmeralda , revolucionando el ballet en Rusia a través del extraordinario poder de sus interpretaciones. [ 39 ] Pierina Legnani (1863–1930) de Milán siguió un camino similar, bailando también en el Mariinsky desde 1892 donde originó papeles famosos en los ballets de Petipa, incluyendo Cenicienta , El lago de los cisnes y Raymonda , obteniendo el título de prima ballerina assoluta . [ 40 ] Carlotta Brianza (1865–1938), también de Milán, alcanzó la fama en La Scala , con la que realizó una gira por Estados Unidos. Se la recuerda sobre todo por interpretar a Aurora en el estreno de La Bella Durmiente de Petipa en 1890. [ 41 ] [ 42 ]

ballet del siglo XX

Nuevos enfoques más dinámicos del ballet se desarrollaron desde principios del siglo XX, siendo el más influyente el de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev , que promovieron colaboraciones innovadoras entre coreógrafos, compositores y bailarines. [ 43 ] Una de las primeras estrellas fue Anna Pavlova (1881–1931) que alcanzó la fama bailando El cisne moribundo coreografiado por Mikhail Fokine antes de unirse a los Ballets Rusos en 1909. [ 44 ] Su rival, Tamara Karsavina (1885–1978), que también actuó con los Ballets Rusos, es recordada sobre todo por crear el papel principal en El pájaro de fuego de Fokine . [ 45 ] Olga Spessivtseva (1895–1991) bailó con el Mariinsky en San Petersburgo pero también realizó giras con los Ballets Rusos, bailando Aurora en La princesa durmiente de Diaghilev (1921) en Londres. [ 46 ]

El ballet también comenzó a desarrollarse en Londres, gracias principalmente a los esfuerzos de dos mujeres. Marie Rambert (1888-1982), nacida en Polonia y con experiencia en los Ballets Rusos, fundó el Ballet Club (más tarde la Compañía de Danza Rambert) en 1926, presentando a nuevos coreógrafos como Frederick Ashton . Aún más influyente fue Ninette de Valois (1898-2001), quien pasó tres años con los Ballets Rusos antes de crear el Vic-Wells Ballet de Londres en 1931 (que posteriormente se convertiría en el Royal Ballet), donde Alicia Markova (1910-2004) fue la primera prima ballerina, protagonizando ballets de las producciones clásicas del Mariinsky. Markova se marchó para formar su propia compañía itinerante en 1937. Diez años después, Margot Fonteyn (1919-1991) se convirtió en la prima ballerina de la compañía. [ 47 ] El apogeo de su fama llegó en 1961 cuando inició una colaboración con Rudolf Nureyev , primero en Giselle , hasta su retiro en 1979. [ 48 ]

A medida que el ballet se desarrollaba en los Estados Unidos, Maria Tallchief (1925–2013), la primera gran prima ballerina estadounidense, fue promovida por la coreógrafa Bronislava Nijinska (1891–1972) cuando se unió al Ballet Russe de Monte Carlo en Nueva York en 1942. Bailó como solista en los arreglos de George Balanchine para Song of Norway en 1944. Como esposa de Balanchine, pronto se convirtió en la estrella del New York City Ballet . [ 49 ] Lucia Chase (1897–1986) fue cofundadora del American Ballet Theatre en 1939 y se convirtió en su directora artística durante más de 40 años, supervisando la producción de una amplia variedad de nuevos ballets. [ 50 ] Varias bailarinas estadounidenses destacadas han surgido a lo largo de los años, entre ellas Gelsey Kirkland (nacida en 1952), quien interpretó el papel principal en El pájaro de fuego cuando tenía solo 17 años, [ 51 ] y Suzanne Farrell (nacida en 1945), quien fue la estrella de Don Quijote de Balanchine en 1965. [ 52 ]

Otras formas de danza

Bailarina de flamenco

Las mujeres también han contribuido significativamente a la mayoría de las demás formas de danza, en particular al flamenco , la danza moderna , la danza expresionista , la danza del vientre y el cabaret , que dieron origen al teatro musical . [ 53 ]

Flamenco

La música flamenca se originó en el sur de España en el siglo XV, probablemente como resultado de la influencia de los moros, con posibles orígenes en la India. Si bien muchos de los cantaores que surgieron en el siglo XVIII eran hombres, las mujeres ganaron cada vez más fama como bailarinas. [ 54 ] Una de las primeras fue Juana la Macarrona (1860–1947), quien actuó por primera vez en Sevilla con el cantaor Silverio Franconetti , pero pronto se hizo popular no solo en toda España sino en toda Europa. [ 55 ] Lola Flores (1923–1995) es recordada por cantar y bailar folclore andaluz, especialmente flamenco, copla y chotis . [ 56 ] Angelita Vargas (nacida en 1946) es considerada una de las mayores estrellas del baile flamenco andaluz, realizando giras por Europa, Estados Unidos, Japón y Australia. [ 57 ]

La danza moderna en los Estados Unidos

Liderados por mujeres, varios estilos de danza moderna comenzaron a desarrollarse hacia finales del siglo XIX. Loie Fuller (1862–1928) de Chicago fue una de las pioneras. Empleó su propio enfoque natural del movimiento y la improvisación, convirtiéndose más tarde en una estrella en el Folies Bergère de París. [ 58 ] Inspirada por el arte griego, Isadora Duncan (1877–1927) de San Francisco allanó el camino al estilo de danza libre moderna creyendo que era más importante expresar la esencia de la vida a través del movimiento que seguir los preceptos del ballet clásico. [ 59 ] Criada en una granja en Nueva Jersey, Ruth St. Denis (1879–1968) desarrolló sus propias interpretaciones de la danza oriental como una expresión de espiritualidad. [ 60 ] La estadounidense Martha Graham (1894–1991) ejerció una influencia considerable en el desarrollo de la danza moderna a través de su Centro de Danza Contemporánea Martha Graham con sede en Nueva York . [ 61 ] Otras figuras femeninas que contribuyeron a los desarrollos de mediados del siglo XX incluyen a Doris Humphrey (1895–1958), quien coreografió espirituales afroamericanos, y a Helen Tamiris (1905–1966), quien desempeñó un papel importante en la coreografía de los primeros musicales. [ 62 ] [ 63 ] Otra coreógrafa importante de los musicales de Broadway fue la alemana Hanya Holm (1893–1992), alumna de Mary Wigman . [ 64 ]

danza expresionista

A la alemana Mary Wigman se le atribuye la creación de la danza expresionista . Inspirada por la percusión oriental, a menudo enfatizaba lo macabro. [ 65 ] Hertha Feist (1896–1990), también de Alemania, fue una bailarina y coreógrafa expresionista. Fundó su propia escuela en Berlín, combinando gimnasia con nudismo y danza, aunque sus ambiciones fueron posteriormente seriamente truncadas por los nazis. [ 66 ] También asociada de Wigman, Gret Palucca (1902–1993) abrió sus propias escuelas en Alemania en las décadas de 1920 y 1930, pero posteriormente fueron cerradas debido a su ascendencia judía. [ 67 ] Una de sus alumnas, Dore Hoyer (1911–1967), quien también fue asociada de Mary Wigman, desarrolló sus propios programas antes de la Segunda Guerra Mundial en Alemania, los Países Bajos, Dinamarca y Suecia. Después de la guerra, se convirtió en directora de ballet en la Ópera Estatal de Hamburgo . [ 68 ]

Danza del vientre

Aunque la danza del vientre parece tener sus orígenes en un pasado lejano, se introdujo en Europa y Norteamérica hacia finales del siglo XIX. Varias actrices de cine egipcias interpretaron danza del vientre en los musicales de las décadas de 1930 y 1940. [ 69 ] Entre las primeras estrellas se encontraban Tahia Carioca (1919–1999), Samia Gamal (1924–1994) y Nelly Mazloum (1929–2003). [ 70 ] A partir de la década de 1960, la danza del vientre se hizo cada vez más popular en Estados Unidos con estrellas como Dalilah (1936–2001), Zouba El-Klobatiyya (1917-1972), Dahlena y Serena (1933–2007). [ 71 ]

Cabaret

Las mujeres comenzaron a cantar y bailar en los cabarets de París en la década de 1890, enfatizando el cuerpo femenino mediante la introducción de movimientos seductores que resaltaban sus senos y caderas. La mayoría de ellas no tenía formación formal, con la excepción de Cléo de Mérode (1875–1966), quien dejó la Ópera de París para actuar en las Folies Bergère . [ 72 ] La coreógrafa principal fue Mariquita (1830–1922) , nacida en Argelia, quien se convirtió en directora de ballet en las Folies Bergère y la Opéra Comique . Entre las estrellas de la época se encontraban la española La Belle Otero, de Galicia , que alcanzó la fama en el Cirque d'été de Charles Franconi en 1890, [ 73 ] Émilienne d'Alençon (1869–1946), que bailó en las Folies Bergère, y la holandesa Mata Hari (1876–1917), que desde 1905 se hizo famosa por su danza del templo de inspiración indonesia, primero en París y luego en otras capitales europeas. [ 72 ] [ 74 ] La Goulue (1866–1929) es recordada por bailar el cancán en el Moulin Rouge en la década de 1890. [ 75 ]

Danza afroamericana

Antes de la Segunda Guerra Mundial, el racismo influyó drásticamente en la danza. Durante este tiempo, existían bailes sociales, como el swing , el jitterbug y el Lindy Hop , creados por personas negras para complacer a personas blancas adineradas. La danza era una terapia o una droga, ya que durante la Gran Depresión era una forma de encontrar la felicidad; unía a personas de diferentes razas, e incluso observarla les hacía sentir mejor ante las dificultades que atravesaban. Después de la Segunda Guerra Mundial, la danza se transformó en algo que cualquiera podía aprender fácilmente, incluso quienes recién comenzaban. Se convirtió en un baile social callejero que todos podían disfrutar, y aunque el racismo persistía, aunque de diferentes maneras, la danza era una forma de disfrutar la vida y una nueva manera de entretener. Otros bailes como el Charleston , el Pattin' Juba , el Jive , el Spank the Baby y el Boogie Back se convirtieron en pilares fundamentales de la danza para la comunidad negra y muchas otras comunidades de danza y baile social. Estos estilos de baile sentaron las bases de la técnica del jazz actual .

Véase también

Referencias

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