Mauricio Ravel

Ravel nació en la ciudad vasca de Ciboure , Francia, cerca de Biarritz , a 18 kilómetros (11 millas) de la frontera española. Su padre, Pierre-Joseph Ravel , fue un ingeniero, inventor y fabricante culto y exitoso, nacido en Versoix, cerca de la frontera franco-suiza. ^{[ 4 ] [ n 2 ]} Su madre, Marie, de soltera Delouart, era vasca, pero se había criado en Madrid. En términos del siglo XIX, Joseph se había casado con una mujer de menor estatus social —Marie era ilegítima y apenas sabía leer y escribir—, pero el matrimonio fue feliz. ^{[ 7 ]} Algunos de los inventos de Joseph tuvieron éxito, incluyendo un motor de combustión interna primitivo y una notoria máquina de circo, el «Torbellino de la Muerte», un looping automovilístico que fue una gran atracción hasta un accidente fatal en el Circo Barnum y Bailey en 1903. ^{[ 8 ]} 

Ambos padres de Ravel eran católicos romanos ; Marie también era una especie de librepensadora , rasgo que heredó su hijo mayor. ^{[ 9 ]} Fue bautizado en la iglesia parroquial de Ciboure seis días después de su nacimiento. La familia se mudó a París tres meses después, y allí nació su hijo menor, Édouard. (Era muy unido a su padre, a quien finalmente siguió en la profesión de ingeniero). ^{[ 10 ]} Maurice era particularmente devoto de su madre; su herencia vasco-española influyó mucho en su vida y en su música. ^{[ 11 ]} Entre sus primeros recuerdos se encuentran las canciones populares que ella le cantaba. ^{[ 10 ]} La familia no era rica, pero vivían cómodamente y los dos niños tuvieron una infancia feliz. ^{[ 12 ]}

Ravel padre disfrutaba llevando a sus hijos a las fábricas para que vieran los últimos dispositivos mecánicos, pero también tenía un gran interés por la música y la cultura en general. ^{[ 13 ]} En su vida adulta, Ravel recordó: «Durante toda mi infancia fui sensible a la música. Mi padre, mucho mejor educado en este arte que la mayoría de los aficionados, supo cómo cultivar mi gusto y estimular mi entusiasmo desde temprana edad». ^{[ 14 ]} No hay constancia de que Ravel recibiera educación formal general en sus primeros años; su biógrafo Roger Nichols sugiere que el niño pudo haber sido educado principalmente por su padre. ^{[ 15 ]}

A los siete años, Ravel comenzó a tomar clases de piano con Henri Ghys , amigo de Emmanuel Chabrier ; cinco años después, en 1887, empezó a estudiar armonía , contrapunto y composición con Charles-René, alumno de Léo Delibes . ^{[ 15 ]} Sin ser un niño prodigio, era un muchacho muy musical. ^{[ 16 ]} Charles-René descubrió que la concepción de la música de Ravel era natural para él «y no, como en el caso de tantos otros, el resultado del esfuerzo». ^{[ 17 ]} Las primeras composiciones conocidas de Ravel datan de este período: variaciones sobre un coral de Schumann , variaciones sobre un tema de Grieg y un solo movimiento de una sonata para piano. ^{[ 18 ]} Se conservan solo de forma fragmentaria. ^{[ 19 ]}

En 1888, Ravel conoció al joven pianista Ricardo Viñes , quien se convirtió no solo en un amigo de por vida, sino también en uno de los intérpretes más destacados de sus obras y en un importante vínculo entre Ravel y la música española. ^{[ 20 ]} Ambos compartían la admiración por Wagner , la música rusa y los escritos de Poe , Baudelaire y Mallarmé . ^{[ 21 ]} En la Exposición Universal de París de 1889, Ravel quedó muy impresionado por las nuevas obras rusas dirigidas por Nikolai Rimsky-Korsakov . ^{[ 22 ]} Esta música tuvo un efecto duradero tanto en Ravel como en su contemporáneo mayor, Claude Debussy , al igual que el exótico sonido del gamelán javanés , que también se escuchó durante la Exposición. ^{[ 18 ]}

Émile Decombes se convirtió en el profesor de piano de Ravel en 1889; ese mismo año Ravel ofreció su primera actuación pública. ^{[ 23 ]} A los catorce años, participó en un concierto en la Salle Érard junto con otros alumnos de Decombes, entre ellos Reynaldo Hahn y Alfred Cortot . ^{[ 24 ]}

Con el apoyo de sus padres, Ravel solicitó el ingreso al Conservatorio de París , la escuela de música más importante de Francia . En noviembre de 1889, interpretando música de Chopin , aprobó el examen de admisión a la clase preparatoria de piano dirigida por Eugène Anthiome. ^{[ 25 ]} Ravel ganó el primer premio en el concurso de piano del Conservatorio en 1891, pero por lo demás no destacó como estudiante. ^{[ 26 ]} Sin embargo, estos años fueron una época de considerable avance en su desarrollo como compositor. El musicólogo Arbie Orenstein escribe que para Ravel la década de 1890 fue un período "de inmenso crecimiento  ... de la adolescencia a la madurez". ^{[ 27 ]}

En 1891, Ravel pasó a las clases de Charles-Wilfrid de Bériot , para piano, y de Émile Pessard , para armonía. ^{[ 23 ]} Hizo un progreso sólido, aunque discreto, con especial aliento por parte de Bériot, pero, en palabras de la musicóloga Barbara L. Kelly , "solo era aleccionador en sus propios términos". ^{[ 28 ]} Su maestro posterior, Gabriel Fauré, lo entendió, pero no era generalmente aceptable para el profesorado conservador del Conservatorio de la década de 1890. ^{[ 28 ]} Ravel fue expulsado en 1895, sin haber ganado más premios. ^{[ n 3 ]} Sus primeras obras que se conservan íntegras son de esta época de estudiante: Sérénade grotesque , para piano, y "Ballade de la Reine morte d'aimer", ^{[ n 4 ]} una melodía que musicaliza un poema de Roland de Marès (ambas de 1893). ^{[ 18 ]}

Ravel nunca fue un estudiante de piano tan asiduo como sus colegas Viñes y Cortot. ^{[ n 5 ]} Era evidente que como pianista nunca los igualaría, y su ambición primordial era ser compositor. ^{[ 26 ]} A partir de este momento se concentró en la composición. Sus obras de este período incluyen las canciones "Un grand sommeil noir" y "D'Anne jouant de l'espinette" con letra de Paul Verlaine y Clément Marot , ^{[ 18 ] [ n 6 ]} y las piezas para piano Menuet antique y Habanera (para cuatro manos), esta última incorporada posteriormente a la Rapsodie espagnole . ^{[ 31 ]} Por esta época, Joseph Ravel presentó a su hijo a Erik Satie , quien se ganaba la vida como pianista de café. Ravel fue uno de los primeros músicos —Debussy fue otro— que reconoció la originalidad y el talento de Satie. ^{[ 32 ]} Los constantes experimentos de Satie con la forma musical fueron una inspiración para Ravel, quien los consideró "de valor inestimable". ^{[ 33 ]}

En 1897, Ravel fue readmitido en el Conservatorio, donde estudió composición con Fauré y tomó clases particulares de contrapunto con André Gedalge . ^{[ 23 ]} Ambos maestros, en particular Fauré, lo tenían en alta estima y fueron influencias clave en su desarrollo como compositor. ^{[ 18 ]} A medida que avanzaba el curso de Ravel, Fauré informó de «un notable aumento de madurez  ... una riqueza de imaginación cautivadora». ^{[ 34 ]} Sin embargo, la posición de Ravel en el Conservatorio se vio socavada por la hostilidad del director, Théodore Dubois , quien deploraba la visión progresista del joven, tanto musical como políticamente. ^{[ 35 ]} En consecuencia, según un compañero de estudios, Michel-Dimitri Calvocoressi , era «un hombre marcado, contra quien todas las armas eran útiles». ^{[ 36 ]} Escribió algunas obras importantes mientras estudiaba con Fauré, incluyendo la obertura Shéhérazade y una sonata para violín en un solo movimiento , pero no ganó ningún premio y, por lo tanto, fue expulsado nuevamente en 1900. Como antiguo alumno, se le permitió asistir a las clases de Fauré como "auditor" no participante hasta que finalmente abandonó el Conservatorio en 1903. ^{[ 37 ]}

En mayo de 1897, Ravel dirigió el estreno de la obertura de Shéhérazade , que tuvo una recepción mixta, con abucheos mezclados con aplausos del público y críticas poco halagadoras. Uno de ellos describió la pieza como "un debut impactante: un plagio torpe de la escuela rusa" y llamó a Ravel un "debutante mediocremente talentoso  ... que tal vez llegue a ser alguien en unos diez años, si trabaja duro". ^{[ 38 ] [ n 7 ]} Otro crítico, Pierre Lalo , pensó que Ravel mostraba talento, pero que estaba demasiado influenciado por Debussy y que, en cambio, debería emular a Beethoven . ^{[ 40 ]} Durante las décadas siguientes, Lalo se convirtió en el crítico más implacable de Ravel. ^{[ 40 ]} En 1899, Ravel compuso su primera pieza que se hizo ampliamente conocida, aunque inicialmente tuvo poco impacto: Pavane pour une infante défunte (" Pavana para una princesa muerta"). ^{[ 41 ]} Originalmente era una obra para piano solo, encargada por la Princesa de Polignac . ^{[ 42 ] [ n 8 ]}

Desde el comienzo de su carrera, Ravel parecía tranquilamente indiferente a la culpa o al elogio. Quienes lo conocían bien creían que esto no era una pose, sino algo totalmente genuino. ^{[ 43 ]} La única opinión de su música que realmente valoraba era la suya propia, perfeccionista y severamente autocrítica. ^{[ 44 ]} A los veinte años de edad era, en palabras del biógrafo Burnett James, "seguro de sí mismo, un poco distante, intelectualmente sesgado, dado a las bromas suaves". ^{[ 45 ]} Vestía como un dandi y era meticuloso con su apariencia y comportamiento. ^{[ 46 ]} Orenstein comenta que, de baja estatura, ^{[ n 9 ]} complexión delgada y rasgos huesudos, Ravel tenía la "apariencia de un jinete bien vestido", cuya gran cabeza parecía apropiadamente emparejada con su formidable intelecto. ^{[ 47 ]} Durante finales de la década de 1890 y principios del siglo siguiente, Ravel lució barba a la moda de la época; Desde los treinta y tantos años, se afeitaba bien. ^{[ 48 ]}

Hacia 1900, Ravel y varios jóvenes artistas, poetas, críticos y músicos innovadores se unieron en un grupo informal; llegaron a ser conocidos como Les Apaches («Los gamberros»), nombre acuñado por Viñes para representar su condición de «marginados artísticos». ^{[ 49 ]} Se reunían regularmente hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial, y sus miembros se estimulaban mutuamente con debates intelectuales e interpretaciones de sus obras. La composición del grupo era cambiante y, en diferentes momentos, incluyó a Igor Stravinsky y Manuel de Falla, así como a sus amigos franceses. ^{[ n 10 ]}

Entre los entusiasmos de los Apaches se encontraba la música de Debussy. Ravel, doce años menor que él, conocía a Debussy superficialmente desde la década de 1890, y su amistad, aunque nunca íntima, se prolongó durante más de diez años. ^{[ 51 ]} En 1902, André Messager dirigió el estreno de la ópera Pelléas et Mélisande de Debussy en la Opéra-Comique . La obra dividió la opinión musical. Dubois prohibió en vano la asistencia de los estudiantes del Conservatorio, y el amigo y antiguo profesor del director, Camille Saint-Saëns, figuraba entre quienes detestaban la pieza. ^{[ 52 ]} Los Apaches la apoyaron con vehemencia. ^{[ 53 ]} La primera temporada de la ópera constó de catorce representaciones: Ravel asistió a todas ellas. ^{[ 54 ]}

Debussy era considerado por muchos un compositor impresionista , una etiqueta que le disgustaba profundamente. Muchos amantes de la música comenzaron a aplicar el mismo término a Ravel, y las obras de ambos compositores se consideraban frecuentemente parte de un mismo género. ^{[ 55 ]} Ravel pensaba que Debussy era, en efecto, impresionista, pero que él mismo no lo era. ^{[ 56 ] [ n 11 ]} Orenstein comenta que Debussy era más espontáneo e informal en su composición, mientras que Ravel era más atento a la forma y la técnica. ^{[ 58 ]} Ravel escribió que el «genio de Debussy era obviamente de gran individualidad, creando sus propias leyes, en constante evolución, expresándose libremente, pero siempre fiel a la tradición francesa. Por Debussy, el músico y el hombre, he sentido una profunda admiración, pero por naturaleza soy diferente de Debussy  ... Creo que siempre he seguido personalmente una dirección opuesta a la de su simbolismo ». ^{[ 59 ]} Durante los primeros años del nuevo siglo, las nuevas obras de Ravel incluyeron la pieza para piano Jeux d'eau ^{[ n 12 ]} (1901), el Cuarteto de cuerdas y el ciclo de canciones orquestales Shéhérazade (ambos de 1903). ^{[ 60 ]} Los comentaristas han señalado algunos toques debussianos en algunas partes de estas obras. Nichols llama al cuarteto "a la vez homenaje y exorcismo de la influencia de Debussy". ^{[ 61 ]}

Los dos compositores dejaron de ser amigos a mediados de la primera década del siglo XX, por razones musicales y posiblemente personales. Sus admiradores comenzaron a formar facciones, con los seguidores de un compositor denigrando al otro. Surgieron disputas sobre la cronología de las obras de los compositores y quién influyó en quién. ^{[ 51 ]} Destacado en el bando anti-Ravel estaba Lalo, quien escribió: "Mientras que el Sr. Debussy es toda sensibilidad, el Sr. Ravel es toda insensibilidad, tomando prestada sin vacilación no solo la técnica sino también la sensibilidad de otras personas". ^{[ 62 ]} La tensión pública condujo a un distanciamiento personal. ^{[ 62 ]} Ravel dijo: "Probablemente sea mejor para nosotros, después de todo, estar en términos fríos por razones ilógicas". ^{[ 63 ]} Nichols sugiere una razón adicional para la ruptura. En 1904, Debussy dejó a su esposa y se fue a vivir con la cantante Emma Bardac . Ravel, junto con su amiga íntima y confidente Misia Edwards y la estrella de la ópera Lucienne Bréval , contribuyeron a un modesto ingreso regular para la abandonada Lilly Debussy, un hecho que Nichols sugiere que pudo haber irritado a su esposo. ^{[ 64 ]}

Durante los primeros años del nuevo siglo, Ravel hizo cinco intentos para ganar el premio más prestigioso de Francia para jóvenes compositores, el Prix de Rome , cuyos ganadores anteriores incluían a Berlioz , Gounod , Bizet , Massenet y Debussy. ^{[ 65 ]} En 1900, Ravel fue eliminado en la primera ronda; en 1901 ganó el segundo premio del concurso. ^{[ 66 ]} En 1902 y 1903 no ganó nada: según el musicólogo Paul Landormy , los jueces sospechaban que Ravel se burlaba de ellos al presentar cantatas tan académicas que parecían parodias. ^{[ 60 ] [ n 13 ]} En 1905, Ravel, que ya tenía treinta años, compitió por última vez, causando inadvertidamente un furor . Fue eliminado en la primera ronda, lo que incluso los críticos que no simpatizaban con su música, incluido Lalo, denunciaron como injustificable. ^{[ 68 ]} La indignación de la prensa aumentó cuando se supo que el catedrático titular del Conservatorio, Charles Lenepveu , formaba parte del jurado, y que solo sus alumnos fueron seleccionados para la ronda final; ^{[ 69 ]} su insistencia en que se trataba de una mera coincidencia no fue bien recibida. ^{[ 70 ]} El caso Ravel se convirtió en un escándalo nacional, lo que llevó a la jubilación anticipada de Dubois y a su sustitución por Fauré, nombrado por el gobierno para llevar a cabo una reorganización radical del Conservatorio. ^{[ 71 ]}

Entre quienes seguían de cerca la controversia se encontraba Alfred Edwards , propietario y editor de Le Matin , periódico para el que escribía Lalo. Edwards estaba casado con Misia, amiga de Ravel; ^{[ n 14 ]} la pareja llevó a Ravel en un crucero de siete semanas por el Rin en su yate en junio y julio de 1905, siendo esta la primera vez que viajaba al extranjero. ^{[ 73 ]}

Hacia finales del siglo XX, Ravel había establecido un patrón de componer obras para piano y posteriormente arreglarlas para orquesta completa. ^{[ 74 ]} En general, era un trabajador lento y meticuloso, y la reelaboración de sus primeras composiciones para piano le permitió aumentar el número de piezas publicadas e interpretadas. ^{[ 75 ]} Al parecer, no existía ningún motivo mercenario para ello; Ravel era conocido por su indiferencia hacia los asuntos financieros. ^{[ 76 ]} Las piezas que comenzaron como composiciones para piano y luego recibieron vestimenta orquestal fueron Pavane pour une infante défunte (orquestada en 1910), Une barque sur l'océan (1906, de la suite para piano Miroirs de 1905 ), la sección Habanera de Rapsodie espagnole (1907-08), Ma mère l'Oye (1908-10, orquestada 1911), Valses nobles et sentimentales (1911, orquestado en 1912), Alborada del gracioso (de Miroirs , orquestado en 1918) y Le tombeau de Couperin (1914-17, orquestado en 1919). ^{[ 18 ]}

Ravel no era profesor por vocación, pero impartió clases a algunos jóvenes músicos que, a su juicio, podrían beneficiarse de ellas. Manuel Rosenthal fue uno de ellos, y relata que Ravel era un profesor muy exigente cuando creía que su alumno tenía talento. Al igual que su propio maestro, Fauré, le preocupaba que sus alumnos encontraran su propia voz y no se vieran excesivamente influenciados por los maestros consagrados. ^{[ 77 ]} Le advirtió a Rosenthal que era imposible aprender estudiando la música de Debussy: «Solo Debussy podría haberla escrito y haberla hecho sonar como solo Debussy puede sonar». ^{[ 78 ]} Cuando George Gershwin le pidió clases en la década de 1920, Ravel, tras una seria reflexión, se negó, argumentando que «probablemente le harían escribir mal Ravel y perder su gran don para la melodía y la espontaneidad». ^{[ 79 ] [ n 15 ]} El compositor más conocido que estudió con Ravel fue probablemente Ralph Vaughan Williams , quien fue su alumno durante tres meses en 1907-08. ^{[ n 16 ]} Vaughan Williams recordó que Ravel lo ayudó a escapar de "la pesada manera contrapuntística teutónica  ... Complejo pero no complicado era su lema". ^{[ 85 ]}

Los recuerdos de Vaughan Williams arrojan algo de luz sobre la vida privada de Ravel, sobre la cual la personalidad reservada y misteriosa de este último ha dado lugar a mucha especulación. Vaughan Williams, Rosenthal y Marguerite Long han registrado que Ravel frecuentaba burdeles; ^{[ 86 ]} Long atribuyó esto a su timidez por su baja estatura y la consiguiente falta de confianza con las mujeres. ^{[ 76 ]} Según otros relatos, ninguno de ellos de primera mano, Ravel estaba enamorado de Misia Edwards, ^{[ 72 ]} o quería casarse con la violinista Hélène Jourdan-Morhange . ^{[ 87 ]} Rosenthal registra y descarta la especulación contemporánea de que Ravel, soltero de por vida, pudiera haber sido homosexual. ^{[ 88 ]} Dicha especulación reapareció en una biografía de Ravel de 2000 escrita por Benjamin Ivry ; ^{[ 89 ]} estudios posteriores han concluido que la sexualidad y la vida personal de Ravel siguen siendo un misterio. ^{[ 90 ]}

El primer concierto de Ravel fuera de Francia tuvo lugar en 1909. Como invitado de los Vaughan Williams, visitó Londres, donde tocó para la Société des Concerts Français, obteniendo críticas favorables y consolidando su creciente reputación internacional. ^{[ 91 ] [ n 17 ]}

La Société Nationale de Musique , fundada en 1871 para promover la música de compositores franceses emergentes, había estado dominada desde mediados de la década de 1880 por una facción conservadora liderada por Vincent d'Indy . ^{[ 93 ]} Ravel, junto con otros exalumnos de Fauré, creó una nueva organización modernista, la Société Musicale Indépendante, con Fauré como presidente. ^{[ n 18 ]} El concierto inaugural de la nueva sociedad tuvo lugar el 20 de abril de 1910; los siete elementos del programa incluyeron estrenos del ciclo de canciones de Fauré La chanson d'Ève , la suite para piano de Debussy D'un cahier d'esquisses , Six pièces pour piano de Zoltán Kodály y la versión original para dúo de piano de Ma mère l'Oye de Ravel . Entre los intérpretes figuraban Fauré, Florent Schmitt , Ernest Bloch , Pierre Monteux y, en la obra de Debussy, Ravel. ^{[ 95 ]} Kelly considera que es una señal de la nueva influencia de Ravel que la sociedad presentara la música de Satie en un concierto en enero de 1911. ^{[ 18 ]}

La primera de las dos óperas de Ravel, la comedia en un acto L'heure espagnole ^{[ n.º 19 ]} , se estrenó en 1911. La obra se había completado en 1907, pero el director de la Opéra-Comique, Albert Carré , pospuso repetidamente su presentación. Le preocupaba que su argumento —una farsa de alcoba— fuera mal recibido por las madres e hijas ultrarrespetuosas que constituían una parte importante del público de la Opéra-Comique. ^{[ 96 ]} La obra tuvo un éxito moderado en su estreno, y no fue hasta la década de 1920 que se popularizó. ^{[ 97 ]}

En 1912, Ravel estrenó tres ballets. El primero, con la versión orquestada y ampliada de Ma mère l'Oye , se estrenó en el Théâtre des Arts en enero. ^{[ 98 ]} Las críticas fueron excelentes: el Mercure de France calificó la partitura de «absolutamente deslumbrante, una obra maestra en miniatura». ^{[ 99 ]} La música entró rápidamente en el repertorio de conciertos; se interpretó en el Queen's Hall de Londres, pocas semanas después del estreno en París, y se repitió en los Proms ese mismo año. The Times elogió «el encanto de la obra  ... el efecto de espejismo, por el cual algo muy real parece flotar en la nada». ^{[ 100 ]} El público neoyorquino escuchó la obra ese mismo año. ^{[ 101 ]} El segundo ballet de Ravel de 1912 fue Adélaïde ou le langage des fleurs , bailado con la partitura de Valses nobles et sentimentales , que se estrenó en el Châtelet en abril. Daphnis et Chloé se estrenó en el mismo teatro en junio. Esta fue su obra orquestal de mayor envergadura, y le llevó inmensos esfuerzos y varios años completarla. ^{[ 102 ]}

Daphnis et Chloé fue encargada en o alrededor de 1909 por el empresario Sergei Diaghilev para su compañía, los Ballets Rusos . ^{[ n 20 ]} Ravel comenzó a trabajar con el coreógrafo de Diaghilev, Michel Fokine , y el diseñador, Léon Bakst . ^{[ 104 ]} Fokine tenía reputación por su enfoque moderno de la danza, con números individuales reemplazados por música continua. Esto atrajo a Ravel, y después de discutir la acción en gran detalle con Fokine, Ravel comenzó a componer la música. ^{[ 105 ]} Hubo frecuentes desacuerdos entre los colaboradores, y el estreno fue ensayado insuficientemente debido a la finalización tardía de la obra. ^{[ 106 ]} Tuvo una recepción poco entusiasta y fue retirada rápidamente, aunque fue reestrenada con éxito un año después en Montecarlo y Londres. ^{[ 107 ]} El esfuerzo por completar el ballet pasó factura a la salud de Ravel; ^{[ n 21 ]} La neurastenia lo obligó a guardar reposo durante varios meses después del estreno. ^{[ 109 ]}

Ravel compuso poco durante 1913. Colaboró ​​con Stravinsky en una versión para interpretación de la ópera inacabada de Mussorgsky , Khovanshchina , y sus propias obras fueron los Trois poèmes de Mallarmé para soprano y conjunto de cámara, y dos piezas cortas para piano, À la manière de Borodine y À la manière de Chabrier . ^{[ 23 ]} En 1913, junto con Debussy, Ravel estuvo entre los músicos presentes en el ensayo general de La consagración de la primavera . ^{[ 110 ]} Stravinsky dijo más tarde que Ravel fue la única persona que comprendió la música de inmediato. ^{[ 111 ]} Ravel predijo que el estreno de La consagración de la primavera sería visto como un evento de importancia histórica igual a la de Pelléas et Mélisande . ^{[ 112 ] [ n 22 ]}

Cuando Alemania invadió Francia en 1914, Ravel intentó unirse a la Fuerza Aérea Francesa . Consideraba que su baja estatura y peso ligero eran ideales para un aviador, pero fue rechazado debido a su edad y una leve dolencia cardíaca. ^{[ 114 ]} Mientras esperaba ser reclutado, Ravel compuso Trois Chansons , su única obra para coro a cappella , musicalizando sus propios textos en la tradición de las chansons francesas del siglo XVI. Dedicó las tres canciones a las personas que podrían ayudarlo a alistarse. ^{[ 115 ]} Después de varios intentos fallidos de alistarse, Ravel finalmente se unió al Decimotercer Regimiento de Artillería como conductor de camión en marzo de 1915, cuando tenía cuarenta años. ^{[ 116 ]} Stravinsky expresó admiración por el coraje de su amigo: "a su edad y con su nombre podría haber tenido un lugar más fácil, o no haber hecho nada". ^{[ 117 ]} Algunas de las tareas de Ravel lo ponían en peligro mortal, ya que conducía municiones de noche bajo un intenso bombardeo alemán. Al mismo tiempo, su tranquilidad se veía afectada por el delicado estado de salud de su madre. Su propia salud también se deterioró; sufría de insomnio y problemas digestivos, se sometió a una operación intestinal tras una disentería amebiana en septiembre de 1916 y sufrió congelación en los pies el invierno siguiente. ^{[ 118 ]}

Durante la guerra, Saint-Saëns, Dubois, d'Indy y otros fundaron la Ligue Nationale pour la Défense de la Musique Française, que abogaba por la prohibición de la interpretación de música alemana contemporánea. ^{[ 119 ]} Ravel declinó unirse, declarando ante el comité de la liga en 1916: «Sería peligroso para los compositores franceses ignorar sistemáticamente las obras de sus colegas extranjeros y, por lo tanto, formar una especie de camarilla nacional: nuestro arte musical, tan rico en la actualidad, pronto degeneraría, quedando aislado en fórmulas banales». ^{[ 120 ]} La liga respondió prohibiendo la música de Ravel en sus conciertos. ^{[ 121 ]}

La madre de Ravel falleció en enero de 1917, y él cayó en una «horrible desesperación», agravando la angustia que sentía por el sufrimiento padecido por el pueblo de su país durante la guerra. ^{[ 122 ]} Compuso pocas obras durante los años de la guerra. El Trío para piano estaba casi terminado cuando comenzó el conflicto, y la más importante de sus obras de la época de guerra es Le tombeau de Couperin , compuesta entre 1914 y 1917. La suite celebra la tradición de François Couperin , el compositor francés del siglo XVIII; cada movimiento está dedicado a un amigo de Ravel que murió en la guerra. ^{[ 123 ]}

Tras la guerra, quienes conocían bien a Ravel reconocieron que había perdido gran parte de su resistencia física y mental. Como afirma el musicólogo Stephen Zank, «el equilibrio emocional de Ravel, tan duramente alcanzado en la década anterior, se había visto seriamente comprometido». ^{[ 124 ]} Su producción, nunca abundante, disminuyó. ^{[ 124 ]} No obstante, tras la muerte de Debussy en 1918, se le consideraba, tanto en Francia como en el extranjero, el principal compositor francés de la época. ^{[ 125 ]} Fauré le escribió: «Me alegra más de lo que te imaginas la sólida posición que ocupas y que has adquirido con tanta brillantez y rapidez. Es motivo de alegría y orgullo para tu antiguo profesor». ^{[ 125 ]} A Ravel se le ofreció la Legión de Honor en 1920, ^{[ n 23 ]} y aunque rechazó la condecoración, la nueva generación de compositores, representada por los protegidos de Satie, Les Six, lo consideraba una figura del establishment. Satie se había vuelto contra él y comentó: «Ravel rechaza la Legión de Honor, pero toda su música la acepta». ^{[ 128 ] [ n 24 ]} A pesar de este ataque, Ravel continuó admirando la música temprana de Satie y siempre reconoció la influencia del compositor mayor en su propio desarrollo. ^{[ 56 ]} Ravel tenía una visión benévola de Les Six, promoviendo su música y defendiéndola de los ataques periodísticos. Consideraba su reacción contra sus obras como natural y preferible a que copiaran su estilo. ^{[ 132 ]} A través de la Société Musicale Indépendante, pudo alentarlos a ellos y a compositores de otros países. La Société presentó conciertos de obras recientes de compositores estadounidenses como Aaron Copland , Virgil Thomson y George Antheil , así como de Vaughan Williams y sus colegas ingleses Arnold Bax y Cyril Scott . ^{[ 133 ]}

Orenstein y Zank comentan que, aunque la producción de Ravel después de la guerra fue pequeña, con un promedio de solo una composición por año, incluyó algunas de sus mejores obras. ^{[ 134 ]} En 1920 completó La valse , en respuesta a un encargo de Diaghilev. Había trabajado en ella intermitentemente durante algunos años, planeando una pieza de concierto, "una especie de apoteosis del vals vienés, mezclada, en mi mente, con la impresión de un torbellino fantástico y fatal". ^{[ 135 ]} Fue rechazada por Diaghilev, quien dijo: "Es una obra maestra, pero no es un ballet. Es el retrato de un ballet". ^{[ 136 ]} Ravel escuchó el veredicto de Diaghilev sin protestar ni discutir, se fue y no volvió a tener tratos con él. ^{[ 137 ] [ n 25 ]} Nichols comenta que Ravel tuvo la satisfacción de ver el ballet representado dos veces por otras compañías antes de la muerte de Diaghilev. ^{[ 140 ]} Un ballet bailado con la versión orquestal de Le tombeau de Couperin se presentó en el Théâtre des Champs-Elysées en noviembre de 1920, y el estreno de La valse siguió en diciembre. ^{[ 141 ]} Al año siguiente, Daphnis et Chloé y L'heure espagnole se repusieron con éxito en la Ópera de París. ^{[ 141 ]}

En la posguerra hubo una reacción contra la música a gran escala de compositores como Gustav Mahler y Richard Strauss . ^{[ 142 ]} Stravinsky, cuya consagración de la primavera fue escrita para una gran orquesta, comenzó a trabajar en una escala mucho menor. Su partitura de ballet de 1923, Las bodas, está compuesta para voces y veintiún instrumentos. ^{[ 143 ]} A Ravel no le gustó la obra (su opinión provocó un enfriamiento en la amistad de Stravinsky con él) ^{[ 144 ]} pero simpatizaba con la moda del "dépouillement" – el "despojamiento" de la extravagancia de antes de la guerra para revelar lo esencial. ^{[ 132 ]} Muchas de sus obras de la década de 1920 son notablemente más austeras en textura que las piezas anteriores. ^{[ 145 ]} Otras influencias en él en este período fueron el jazz y la atonalidad . El jazz era popular en los cafés parisinos, y compositores franceses como Darius Milhaud incorporaron elementos del mismo en su obra. ^{[ 146 ]} Ravel comentó que prefería el jazz a la gran ópera , ^{[ 147 ]} y su influencia se escucha en su música posterior. ^{[ 148 ]} El abandono de la tonalidad convencional por parte de Arnold Schönberg también tuvo ecos en algunas de las obras de Ravel, como las Chansons madécasses ^{[ n 26 ]} (1926), que Ravel dudaba haber podido escribir sin el ejemplo de Pierrot Lunaire . ^{[ 149 ]} Entre sus otras obras importantes de la década de 1920 se incluyen el arreglo orquestal de la suite para piano Cuadros de una exposición de Mussorgsky (1922), la ópera El niño y los sorteos ^{[ n 27 ]} con libreto de Colette (1926), Tzigane (1924) y la Sonata para violín n.° 2 (1927). ^{[ 141 ]}

Al encontrar la vida en la ciudad agotadora, Ravel se mudó al campo. ^{[ 150 ]} En mayo de 1921 se instaló en Le Belvédère, una pequeña casa en las afueras de Montfort-l'Amaury , a 50 kilómetros (31 mi) al oeste de París, en el departamento de Seine-et-Oise . Atendido por una dedicada ama de llaves, la Sra. Revelot, vivió allí el resto de su vida. ^{[ 151 ]} En Le Belvédère, Ravel componía y se dedicaba a la jardinería, cuando no estaba actuando en París o en el extranjero. ^{[ 152 ]} Su agenda de giras aumentó considerablemente en la década de 1920, con conciertos en Gran Bretaña, Suecia, Dinamarca, Estados Unidos, Canadá, España, Austria e Italia. ^{[ 141 ]} 

Después de dos meses de planificación, Ravel realizó una gira de cuatro meses por Norteamérica en 1928, tocando y dirigiendo. Su tarifa era un mínimo garantizado de $10,000 y un suministro constante de cigarrillos Gauloises . ^{[ 154 ]} Se presentó con la mayoría de las principales orquestas de Canadá y Estados Unidos y visitó veinticinco ciudades. ^{[ 155 ]} El público fue entusiasta y los críticos elogiosos. ^{[ n 28 ]} En un programa íntegramente de Ravel dirigido por Serge Koussevitzky en Nueva York, todo el público se puso de pie y aplaudió cuando el compositor tomó asiento. Ravel se conmovió por este gesto espontáneo y observó: "Sabes, esto no me pasa en París". ^{[ 153 ]} Orenstein, comentando que esta gira marcó el cenit de la reputación internacional de Ravel, enumera sus momentos más destacados no musicales como una visita a la casa de Poe en Nueva York y excursiones a las Cataratas del Niágara y el Gran Cañón . ^{[ 153 ]} Ravel no se inmutó ante su nueva fama internacional. Comentó que el reciente entusiasmo de los críticos no tenía más importancia que su juicio anterior, cuando lo llamaron «el ejemplo más perfecto de insensibilidad y falta de emoción». ^{[ 157 ]}

La última composición que Ravel completó en la década de 1920, el Bolero , se convirtió en su obra más famosa. Recibió el encargo de componer la música para la compañía de ballet de Ida Rubinstein , y al no poder obtener los derechos para orquestar Iberia de Albéniz , decidió emprender «un experimento en una dirección muy especial y limitada ... una pieza de diecisiete minutos que consistía enteramente en tejido orquestal sin música». ^{[ 158 ]} Ravel continuó diciendo que la obra era «un largo y muy gradual crescendo. No hay contrastes, y prácticamente no hay invención, salvo el plan y la manera de ejecución. Los temas son completamente impersonales». ^{[ 158 ]} Le asombró, y no le complació del todo, que se convirtiera en un éxito masivo. Cuando una anciana del público de la Ópera gritó «¡Tonterías!» en el estreno, comentó: «¡Esa anciana entendió el mensaje!». ^{[ 159 ]} La obra fue popularizada por el director de orquesta Arturo Toscanini , ^{[ 160 ]} y ha sido grabada cientos de veces. ^{[ n 29 ]} Ravel comentó a Arthur Honegger , uno de los Seis: «Solo he escrito una obra maestra: el Bolero . Desafortunadamente, no tiene música». ^{[ 162 ]} 

A principios de la década de 1930, Ravel trabajaba en dos conciertos para piano. Completó primero el Concierto para piano en re mayor para la mano izquierda . Fue un encargo del pianista austriaco Paul Wittgenstein , quien había perdido el brazo derecho durante la Primera Guerra Mundial. Ravel se sintió motivado por los desafíos técnicos del proyecto: «En una obra de este tipo, es esencial dar la impresión de una textura no más delgada que la de una parte escrita para ambas manos». ^{[ 163 ]} Ravel, que no tenía la destreza suficiente para interpretar la obra solo con la mano izquierda, la interpretó con ambas. ^{[ n 30 ]} Wittgenstein se sintió inicialmente decepcionado por la pieza, pero tras un largo estudio quedó fascinado y la consideró una gran obra. ^{[ 165 ]} En enero de 1932 la estrenó en Viena con gran éxito y la interpretó en París con Ravel como director al año siguiente. ^{[ 166 ]} El crítico Henry Prunières escribió: «Desde los primeros compases, nos sumergimos en un mundo en el que Ravel rara vez nos ha introducido». ^{[ 167 ]}

El Concierto para piano en sol mayor se completó un año después. Tras el estreno en enero de 1932, la solista, Marguerite Long, y la partitura de Ravel recibieron grandes elogios, aunque no su dirección. ^{[ 168 ]} Long, a quien estaba dedicada la obra, interpretó el concierto en más de veinte ciudades europeas, con el compositor dirigiendo; ^{[ 169 ]} planearon grabarlo juntos, pero en las sesiones Ravel se limitó a supervisar el proceso y Pedro de Freitas Branco dirigió. ^{[ 170 ]}

En octubre de 1932, Ravel sufrió un golpe en la cabeza en un accidente de taxi. En ese momento no se consideró grave la lesión, pero en un estudio para el British Medical Journal en 1988, el neurólogo RA Henson concluyó que pudo haber exacerbado una condición cerebral preexistente. ^{[ 172 ]} Ya en 1927, amigos cercanos estaban preocupados por la creciente distracción de Ravel, y un año después del accidente comenzó a experimentar síntomas que sugerían afasia . ^{[ 173 ]} Antes del accidente, había comenzado a trabajar en la música para una película, Don Quijote (1933), pero no pudo cumplir con el cronograma de producción, y Jacques Ibert escribió la mayor parte de la partitura. ^{[ 174 ]} Ravel completó tres canciones para barítono y orquesta destinadas a la película; fueron publicadas como Don Quichotte à Dulcinée . La partitura orquestal manuscrita está escrita de puño y letra de Ravel, pero Lucien Garban y Manuel Rosenthal ayudaron en la transcripción. Ravel no compuso más después de esto. ^{[ 172 ]} Se desconoce la naturaleza exacta de su enfermedad. Los expertos han descartado la posibilidad de un tumor y han sugerido diversas posibilidades: demencia frontotemporal , enfermedad de Alzheimer y enfermedad de Creutzfeldt-Jakob . ^{[ 175 ] [ n 31 ]} Aunque ya no podía componer ni interpretar música, Ravel se mantuvo física y socialmente activo hasta sus últimos meses. Henson señala que Ravel conservó la mayor parte o la totalidad de su imaginación auditiva y aún podía oír música en su cabeza. ^{[ 172 ]}

En 1937, Ravel comenzó a sufrir los efectos de su enfermedad y fue examinado por Clovis Vincent , un reconocido neurocirujano parisino. Vincent le recomendó tratamiento quirúrgico. Consideraba improbable un tumor y esperaba encontrar ventriculomegalia por hidrocefalia , cuya progresión podría detenerse con la cirugía. El hermano de Ravel, Édouard, aceptó este consejo; como comenta Henson, el paciente no estaba en condiciones de expresar una opinión meditada. Tras la operación, pareció haber una mejoría en su estado, pero fue efímera, y pronto cayó en coma. Falleció el 28 de diciembre, a los 62 años. ^{[ 178 ]}

El 30 de diciembre de 1937, Ravel fue enterrado junto a sus padres en una tumba de granito en el cementerio de Levallois-Perret , al noroeste de París. Era ateo y no se celebró ninguna ceremonia religiosa. ^{[ 179 ]}

Ravel completó dos óperas y trabajó en otras tres. Las tres que no llegaron a realizarse fueron Olympia , La cloche engloutie y Jeanne d'Arc . Olympia se basaría en " The Sandman " de Hoffmann ; realizó bocetos para ella entre 1898 y 1899, pero no avanzó mucho. La cloche engloutie, después de que The Sunken Bell de Hauptmann lo ocupara intermitentemente entre 1906 y 1912, Ravel destruyó los bocetos de Olympia y la mayor parte de La cloche engloutie , excepto una "Symphonie horlogère" que incorporó al inicio de L'heure espagnole . ^{[ 195 ]} El tercer proyecto no realizado fue una versión operística de la novela de Joseph Delteil de 1925 sobre Juana de Arco . Iba a ser una obra de gran envergadura y de larga duración para la Ópera de París, pero la enfermedad final de Ravel le impidió escribirla. ^{[ 196 ]}

La primera ópera completa de Ravel fue L'heure espagnole (estrenada en 1911), descrita como una "comedia musical". ^{[ 197 ]} Se encuentra entre las obras ambientadas en España o que la ilustran que Ravel escribió a lo largo de su carrera. Nichols comenta que el color español esencial le dio a Ravel una razón para el uso virtuoso de la orquesta moderna, que el compositor consideraba "perfectamente diseñada para subrayar y exagerar los efectos cómicos". ^{[ 198 ]} Edward Burlingame Hill encontró la escritura vocal de Ravel particularmente hábil en la obra, "dando a los cantantes algo más que recitativos sin obstaculizar la acción", y "comentando orquestalmente las situaciones dramáticas y los sentimientos de los actores sin desviar la atención del escenario". ^{[ 199 ]} Algunos encuentran los personajes artificiales y la pieza carente de humanidad. ^{[ 197 ]} El crítico David Murray escribe que la partitura "brilla con la famosa ternura de Ravel ". ^{[ 200 ]}

La segunda ópera, también en un acto, es L'enfant et les sortilèges (1926), una «fantasie lyrique» con libreto de Colette. Ella y Ravel habían planeado la historia como un ballet, pero a sugerencia del compositor, Colette la convirtió en un libreto de ópera. Su estilo musical es más radicalmente moderno que el de L'heure espagnole , y los elementos de jazz y la bitonalidad de gran parte de la obra incomodaron a muchos aficionados a la ópera parisina. Ravel fue acusado una vez más de artificialidad y falta de emoción humana, pero Nichols encuentra «un sentimiento profundamente serio en el corazón de esta obra vívida y entretenida». ^{[ 201 ]} La partitura presenta una impresión de simplicidad, disimulando intrincados vínculos entre los temas, con, en palabras de Murray, «sonidos extraordinarios y cautivadores provenientes del foso de la orquesta en todo momento». ^{[ 202 ]}

Aunque las óperas de un acto generalmente se representan con menos frecuencia que las de larga duración, ^{[ 203 ]} las de Ravel se producen regularmente en Francia y en el extranjero. ^{[ 204 ]}

Una proporción sustancial de la producción de Ravel fue vocal. Sus primeras obras en ese ámbito incluyen cantatas escritas para sus intentos fallidos en el Prix de Rome. Su otra música vocal de ese período muestra la influencia de Debussy, en lo que Kelly describe como "un estilo vocal estático, similar a un recitativo", partes de piano prominentes y flexibilidad rítmica. ^{[ 18 ]} Hacia 1906, Ravel llevaba incluso más allá que Debussy la musicalización natural, a veces coloquial, del idioma francés en Histoires naturelles . La misma técnica se destaca en Trois poèmes de Mallarmé (1913); Debussy musicalizó dos de los tres poemas al mismo tiempo que Ravel, y la musicalización de las palabras del primero es notablemente más formal que la del segundo, en la que las sílabas a menudo se eliden. En los ciclos Shéhérazade y Chansons madécasses , Ravel da rienda suelta a su gusto por lo exótico, incluso lo sensual, tanto en la línea vocal como en el acompañamiento. ^{[ 18 ] [ 205 ]}

Las canciones de Ravel a menudo se basan en estilos vernáculos, utilizando elementos de muchas tradiciones populares en obras como Cinq mélodies populaires grecques , Deux mélodies hébraïques y Chants populaires . ^{[ 206 ]} Entre los poetas en cuyas letras se basó se encontraban Marot, Léon-Paul Fargue , Leconte de Lisle y Verlaine. Para tres canciones que datan de 1914 a 1915, escribió sus propios textos. ^{[ 207 ]}

Aunque Ravel escribió para coros mixtos y voces solistas masculinas, en sus canciones se le asocia principalmente con las voces de soprano y mezzosoprano. Incluso al musicalizar letras claramente narradas por un hombre, a menudo prefería una voz femenina, ^{[ 208 ]} y parece haber preferido que su ciclo más conocido, Shéhérazade , fuera cantado por una mujer, aunque la partitura permite una voz de tenor como alternativa. ^{[ 209 ]}

Durante su vida, Ravel fue famoso sobre todo como maestro de la orquestación. ^{[ 210 ]} Estudió minuciosamente la capacidad de cada instrumento orquestal para determinar su potencial, aprovechando al máximo su color y timbre individuales. ^{[ 211 ]} El crítico Alexis Roland-Manuel escribió: «En realidad, junto con Stravinsky, es el único hombre en el mundo que mejor conoce el peso de una nota de trombón, los armónicos de un violonchelo o un tam -tam en pianissimo en las relaciones de un grupo orquestal con otro». ^{[ 212 ]}

A pesar de la maestría orquestal de Ravel, solo cuatro de sus obras fueron concebidas como obras de concierto para orquesta sinfónica: Rapsodie espagnole , La valse y los dos conciertos. Todas las demás obras orquestales fueron escritas para el escenario, como Daphnis et Chloé , o como reelaboración de piezas para piano: Alborada del gracioso y Une barque sur l'ocean , ( Miroirs ), Valses nobles et sentimentales, Ma mère l'Oye , Tzigane (originalmente para violín y piano) y Le tombeau de Couperin. ^{[ 213 ]} En las versiones orquestales, la instrumentación generalmente clarifica el lenguaje armónico de la partitura y aporta nitidez a los ritmos de danza clásica. ^{[ 214 ]} En ocasiones, como en Alborada del gracioso , los críticos han encontrado la versión orquestal posterior menos convincente que el original para piano, de carácter más incisivo. ^{[ 215 ]}

En algunas de sus partituras de la década de 1920, incluyendo Daphnis et Chloé , Ravel frecuentemente divide sus cuerdas agudas, haciéndolas tocar en seis a ocho partes mientras que los viento madera deben tocar con extrema agilidad. Su escritura para los metales varía desde suaves sordinas hasta explosiones de triple forte en puntos climáticos. ^{[ 216 ]} En la década de 1930 tendió a simplificar sus texturas orquestales. El tono más ligero del Concierto para piano en sol mayor sigue los modelos de Mozart y Saint-Saëns, junto con el uso de temas de tipo jazz. ^{[ 217 ]} Los críticos Edward Sackville-West y Desmond Shawe-Taylor comentan que en el movimiento lento, "una de las melodías más bellas que Ravel jamás inventó", el compositor "realmente puede decirse que se une a Mozart". ^{[ 218 ]} La más popular de las obras orquestales de Ravel, Boléro (1928), fue concebida varios años antes de su finalización; En 1924 dijo que estaba contemplando "un poema sinfónico sin tema, donde todo el interés residirá en el ritmo". ^{[ 162 ]}

Ravel realizó versiones orquestales de obras para piano de Schumann, Chabrier, Debussy y la suite para piano Cuadros de una exposición de Mussorgsky . Las versiones orquestales de esta última, realizadas por Mikhail Tushmalov , Sir Henry Wood y Leo Funtek, precedieron a la versión de Ravel de 1922, y desde entonces se han realizado muchas más, pero la de Ravel sigue siendo la más conocida. ^{[ 219 ]} Kelly destaca su «deslumbrante gama de colores instrumentales», ^{[ 18 ]} y un crítico contemporáneo comentó cómo, al abordar la música de otro compositor, Ravel había producido un sonido orquestal totalmente distinto al suyo. ^{[ 220 ]}

Aunque Ravel compuso menos de treinta obras para piano, estas ejemplifican su amplitud; Orenstein señala que el compositor conserva su toque personal «desde la sorprendente sencillez de Ma mère l'Oye hasta el virtuosismo trascendental de Gaspard de la nuit ». ^{[ 221 ]} La primera obra importante de Ravel para piano, Jeux d'eau (1901), se cita con frecuencia como prueba de que desarrolló su estilo independientemente de Debussy, cuyas obras principales para piano fueron todas posteriores. ^{[ 222 ]} Al componer para piano solo, Ravel rara vez buscaba el efecto íntimo de cámara característico de Debussy, sino un virtuosismo lisztiano. ^{[ 223 ]} Los autores de The Record Guide consideran que obras como Gaspard de la Nuit y Miroirs poseen una belleza y originalidad con una inspiración más profunda «en el genio armónico y melódico del propio Ravel». ^{[ 223 ]}

La mayor parte de la música para piano de Ravel es extremadamente difícil de tocar y presenta a los pianistas un equilibrio entre desafíos técnicos y artísticos. ^{[ 224 ] [ n 33 ]} Al escribir sobre la música para piano, el crítico Andrew Clark comentó en 2013: «Una interpretación exitosa de Ravel es algo finamente equilibrado. Implica una musicalidad sutil, una sensibilidad para el color pianístico y el tipo de virtuosismo ligeramente desgastado que enmascara los desafíos técnicos avanzados que plantea en Alborada del gracioso  ... y los dos movimientos exteriores de Gaspard de la nuit . Demasiado temperamento, y la música pierde su forma clásica; muy poco, y suena pálida». ^{[ 226 ]} Este equilibrio provocó una ruptura entre el compositor y Viñes, quien dijo que si observaba los matices y velocidades que Ravel estipulaba en Gaspard de la nuit , «Le gibet» «aburriría al público hasta la muerte». ^{[ 227 ]} Algunos pianistas siguen recibiendo críticas por sobreinterpretar la escritura para piano de Ravel. ^{[ 228 ] [ n 34 ]}

El respeto de Ravel por sus predecesores se percibe en varias de sus obras para piano; Menuet sur le nom de Haydn (1909), À la manière de Borodine (1912), À la manière de Chabrier (1913) y Le tombeau de Couperin incorporan elementos de los compositores mencionados, interpretados de una manera característicamente raveliana. ^{[ 230 ]} Clark comenta que las obras para piano que Ravel orquestó posteriormente quedan eclipsadas por las versiones revisadas: «Escuchen Le tombeau de Couperin y la música completa del ballet Ma mère L'Oye en las grabaciones clásicas dirigidas por André Cluytens , y las versiones para piano nunca volverán a sonar igual». ^{[ 226 ]}

Aparte de una Sonata en un movimiento para violín y piano que data de 1899, inédita en vida del compositor, Ravel escribió siete obras de cámara. ^{[ 18 ]} La más antigua es el Cuarteto de cuerdas (1902-03), dedicado a Fauré, y que muestra la influencia del cuarteto de Debussy de diez años antes. Al igual que el de Debussy, difiere de los cuartetos más monumentales de la escuela francesa establecida de Franck y sus seguidores, con melodías más sucintas, intercambiadas fluidamente, en tempos flexibles y variedades de color instrumental. ^{[ 231 ]} La Introducción y Allegro para arpa, flauta, clarinete y cuarteto de cuerdas (1905) fue compuesta muy rápidamente para los estándares de Ravel. Es una pieza etérea en la línea de la Pavana para una infanta difunta . ^{[ 232 ]} Ravel también trabajó a una velocidad inusual en el Trío para piano (1914) para completarlo antes de unirse al ejército francés. Contiene influencias vascas, barrocas y del Lejano Oriente, y muestra la creciente habilidad técnica de Ravel, quien lidia con las dificultades de equilibrar el piano percusivo con el sonido sostenido del violín y el violonchelo, "fusionando los dos elementos dispares en un lenguaje musical inconfundiblemente suyo", en palabras del comentarista Keith Anderson. ^{[ 233 ]}

Las cuatro obras de cámara de Ravel compuestas después de la Primera Guerra Mundial son la Sonata para violín y violonchelo (1920-22), la "Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré" para violín y piano (1922), la obra de cámara original de Tzigane para violín y piano (1924) y, finalmente, la Sonata para violín (1923-27). ^{[ 18 ]} Las dos obras centrales son, respectivamente, un afectuoso homenaje al maestro de Ravel, ^{[ 234 ]} y una pieza de exhibición virtuosa para el violinista Jelly d'Arányi . ^{[ 235 ]} La Sonata para violín y violonchelo representa un alejamiento de las ricas texturas y armonías del Trío para piano de antes de la guerra: el compositor dijo que marcó un punto de inflexión en su carrera, con la delgadez de la textura llevada al extremo y el encanto armónico renunciado en favor de la melodía pura. ^{[ 236 ]} Su última obra de cámara, la Sonata para violín (a veces llamada la Segunda tras la publicación póstuma de su sonata de estudiante), es una obra frecuentemente disonante . Ravel afirmó que el violín y el piano son instrumentos «esencialmente incompatibles» y que su Sonata revela dicha incompatibilidad. ^{[ 236 ]} Sackville-West y Shawe-Taylor consideran las sonatas de posguerra «bastante laboriosas e insatisfactorias», ^{[ 237 ]} y ninguna de ellas ha alcanzado la popularidad de las obras de cámara de Ravel anteriores a la guerra. ^{[ 238 ]}

Las interpretaciones de Ravel de algunas de sus obras para piano fueron capturadas en rollos de pianola entre 1914 y 1928, aunque algunos rollos supuestamente tocados por él pueden haber sido realizados bajo su supervisión por Robert Casadesus , un pianista mejor. ^{[ 239 ]} Las transferencias de los rollos han sido publicadas en disco compacto. ^{[ 239 ]} En 1913 hubo una grabación de gramófono de Jeux d'eau interpretada por Mark Hambourg , y a principios de la década de 1920 hubo discos que presentaban la Pavane pour une infante défunte y Ondine , y movimientos del Cuarteto de cuerdas, Le tombeau de Couperin y Ma mère l'Oye . ^{[ 240 ]} Ravel fue uno de los primeros compositores que reconoció el potencial de la grabación para llevar su música a un público más amplio, ^{[ n 35 ]} y a lo largo de la década de 1920 hubo un flujo constante de grabaciones de sus obras, algunas de las cuales presentaban al compositor como pianista o director. ^{[ 242 ]} Una grabación de 1932 del Concierto para piano en sol mayor se anunció como "Dirigida por el compositor", ^{[ 243 ]} aunque en realidad había supervisado las sesiones mientras un director más competente tomaba la batuta. ^{[ 244 ]} Las grabaciones en las que Ravel fue realmente el director incluyeron un Bolero en 1930 y una película sonora de una interpretación de 1933 del concierto en re mayor con Wittgenstein como solista. ^{[ 245 ]}

• Partituras gratuitas de Maurice Ravel en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP).
• Partituras gratuitas de Maurice Ravel en la Biblioteca Coral de Dominio Público (ChoralWiki)

• Portada de Maurice Ravel. Archivado el 22 de septiembre de 2017 en Wayback Machine.
• "Descubriendo Ravel" . BBC Radio 3 .
• Recortes de prensa sobre Maurice Ravel en los archivos de prensa del siglo XX de la ZBW.

• Academia Internacional de Música de San Juan de Luz: Académie internationale de Musique Maurice Ravel de Saint-Jean-de-Luz
• La sociedad de amigos de Maurice Ravel: Les Amis de Maurice Ravel