Arte militar

El arte que representa temas militares ha existido a lo largo de la historia. ^{[ 3 ]} La Paleta del Campo de Batalla , una paleta cosmética del Período Protodinástico de Egipto (alrededor de 3500 a 3000 a. C.) está incompleta, pero muestra prisioneros siendo llevados y animales salvajes alimentándose de los muertos. La Paleta de Narmer del mismo período muestra una victoria militar en un estilo más simbólico. La Estela de los Buitres , alrededor del 2500 a. C., es una de varias " estelas de victoria " mesopotámicas . También alrededor del 2500 a. C., la representación más antigua conocida de una ciudad siendo asediada se encuentra en la tumba de Inti, un funcionario del nomo 21 del Alto Egipto , que vivió durante la última parte de la Quinta Dinastía. ^{[ 4 ]} La escena muestra soldados egipcios escalando las murallas de una fortaleza cercana al este en escaleras. ^{[ 5 ]} Aunque la batalla de Kadesh en 1274 a. C. parece haber sido inconclusa, los relieves erigidos por Ramsés II lo muestran dispersando a sus oponentes hititas con su carro.

El arte asirio que se conserva consiste principalmente en grandes relieves de piedra que muestran escenas detalladas de campañas militares o de caza; los relieves de Laquis son un ejemplo de lo primero. Los mármoles del Partenón, en la antigua Grecia, muestran largos desfiles de la caballería voluntaria de la ciudad , y muchos jarrones griegos representan escenas de combate. En la China de la dinastía Han , un famoso relieve de piedra de entre 150 y 170 d. C. procedente de los santuarios de la familia Wu muestra una batalla entre fuerzas de caballería en la campaña contra Dong Zhuo . ^{[ 6 ]}

En el arte de la Antigua Roma, las columnas triunfales romanas más elaboradas mostraban relieves muy largos de campañas militares que se enroscaban alrededor del cuerpo de enormes columnas; entre las más impresionantes se encuentran las de Trajano y Marco Aurelio en Roma. El mosaico de Alejandro es una gran y dramática escena de batalla que muestra a Alejandro Magno derrotando a Darío III de Persia ; es un mosaico de suelo excavado en Pompeya , probablemente copiando una pintura perdida. ^{[ 7 ]} Muchos sarcófagos helenísticos y romanos mostraban escenas de combate multitudinarias, a veces mitológicas (una amazonomaquia es un término para una escena de batalla entre amazonas y griegos ), y generalmente no relacionadas con una batalla en particular; estos no se usaban necesariamente para enterrar a personas con experiencia militar. Tales escenas tuvieron una gran influencia en las escenas de batalla del Renacimiento. ^{[ 8 ]} A finales del Imperio Romano, el reverso de las monedas mostraba muy a menudo soldados y llevaba una inscripción que elogiaba a "nuestros muchachos", sin duda con la esperanza de retrasar la siguiente revuelta militar.

El tapiz de Bayeux completo, de 70 metros de largo (230 pies). Las imágenes individuales de cada escena se encuentran en los títulos del tapiz de Bayeux . (Deslice hacia la izquierda o hacia la derecha).

El arte cristiano producido para la iglesia generalmente evitaba las escenas de batalla, aunque un raro motivo de la Antigüedad tardía muestra a Cristo vestido como un emperador victorioso con atuendo de general, habiendo vencido al diablo, en Cristo pisoteando a las bestias y otras iconografías . Los gustos violentos de la élite anglosajona lograron agregar el Descenso de Cristo a los Infiernos , concebido como una incursión en la fortaleza de Satanás, liderada por Cristo, al grupo estándar de escenas para un ciclo sobre la Vida de Cristo . ^{[ 9 ]} Los santos soldados , representados con atuendo militar, eran extremadamente populares, al igual que las imágenes del Arcángel Miguel apuñalando a Satanás como un dragón con una cruz con punta de lanza en su base. Algunos manuscritos iluminados ilustraron las numerosas batallas del Antiguo Testamento .

Las obras seculares producidas para mecenas seculares a menudo muestran temas militares, por ejemplo en copias de manuscritos iluminados de historias como el Froissart del siglo XV de Luis de Gruuthuse (BnF Fr 2643-6) , donde la mayoría de las 112 miniaturas muestran escenas militares. El asedio del castillo del amor , que se encuentra a menudo en estuches de espejos góticos de marfil, mostraba a caballeros atacando un castillo defendido por damas, una metáfora de la literatura del amor cortés . El tapiz de Bayeux del siglo XI es una narración panorámica lineal de los acontecimientos que rodearon la conquista normanda y la batalla de Hastings en 1066, ^{[ 10 ]} el único ejemplo superviviente de un tipo de tapiz bordado con el que los ricos anglosajones solían decorar sus hogares. En el arte islámico , la escena de batalla, a menudo de una obra ficticia de poesía épica , era un tema frecuente en las miniaturas persas , y el punto de vista elevado que adoptaban hacía que las escenas fueran más fáciles de comprender que muchas imágenes occidentales.

La pintura del Renacimiento italiano experimentó un gran auge en el arte militar por parte de los artistas más destacados. Las pinturas de batallas a menudo presentaban escenas casi contemporáneas, como el enorme conjunto de tres lienzos de La batalla de San Romano (c. 1445) de Paolo Uccello , y la fallida Batalla de Cascina (1504-1506) de Miguel Ángel y la Batalla de Anghiari de Leonardo da Vinci (1503-1506), que estaban destinadas a ser colocadas una frente a la otra en el Palazzo Vecchio de Florencia , pero ninguna de las cuales llegó a completarse. Para los artistas renacentistas, con sus nuevas habilidades para representar la figura humana, las escenas de batalla les permitieron demostrar toda su destreza en la representación de poses complejas; Miguel Ángel eligió un momento en que un grupo de soldados fue sorprendido bañándose, y casi todas las figuras están desnudas. La batalla de Leonardo era una batalla de caballería, cuya sección central fue muy vista antes de ser destruida, y tuvo una enorme influencia: «ejerció un cambio fundamental en toda la idea de la pintura de batallas, una influencia que perduró durante el Renacimiento tardío y el Barroco hasta las máquinas heroicas de los pintores napoleónicos e incluso las composiciones de batallas de Delacroix », según el historiador de arte Frederick Hartt . ^{[ 11 ]}

Todas estas representaban acciones francamente menores en las que Florencia había derrotado a ciudades vecinas, pero importantes batallas de la historia lejana eran igualmente populares. Los Triunfos de César de Andrea Mantegna muestran el desfile triunfal romano de Julio César , aunque se centra en el botín más que en el ejército que lo seguía; la serie de grabados Triunfos de Maximiliano muestra ambos, culminando con Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, montado en un enorme carruaje. La Batalla del Puente Milvio de Giulio Romano llevó una escena de batalla enorme y "fundamental" a las Salas de Rafael en el Palacio Vaticano . ^{[ 8 ]} La inusual La Batalla de Alejandro en Issos (1528-29) de Albrecht Altdorfer logró crear una de las escenas de batalla renacentistas más apreciadas, a pesar de, o quizás debido a, tener un formato vertical, que fue dictado por el escenario planeado; fue encargada como una de una serie de ocho pinturas de batallas de varios artistas. "Fue la imagen de batalla más detallada y panorámica de su época", ^{[ 7 ]} y su punto de vista aéreo fue ampliamente imitado durante los siglos siguientes, aunque rara vez con un efecto tan dramático.

Especialmente en el norte de Europa, los pequeños grupos de soldados se convirtieron en un tema popular para pinturas y, sobre todo, grabados de muchos artistas, entre ellos Urs Graf , quien resulta singular por haber sido mercenario suizo profesional durante muchos años. Estas obras comenzaron a presentar una visión menos heroica de los soldados, que a menudo representaban una amenaza considerable para la población civil incluso en tiempos de paz, aunque los extravagantes uniformes de los lansquenetes suelen ser tratados como glamurosos. ^{[ 12 ]} Para Peter Paret, desde el Renacimiento «la glorificación del líder temporal y de su sistema político —que, por supuesto, también había estado presente en el arte medieval— reemplaza a la fe cristiana como fuerza interpretativa determinante» en el arte militar. ^{[ 13 ]}

La pintura naval se convencionalizó en la pintura del Siglo de Oro holandés del siglo XVII , y desde entonces los artistas tendieron a especializarse en ella o a no intentarla; además, «los artistas marinos siempre han tratado con una clase de mecenas particularmente exigente», como descubrió J.M.W. Turner cuando el «Rey Marinero» Guillermo IV del Reino Unido rechazó su versión de La batalla de Trafalgar por inexactitud. Hendrick Vroom fue el primer verdadero especialista, seguido por el equipo de padre e hijo Willem van de Velde , quienes emigraron a Londres en 1673 y fundaron la tradición inglesa de la pintura naval, «produciendo un impresionante registro visual de las guerras navales anglo-holandesas, que estableció las convenciones de la pintura de batallas marítimas durante los siguientes 150 años». Vroom también había trabajado para mecenas ingleses, diseñando una gran serie de tapices de la derrota de la Armada Española que fue destruida cuando las Casas del Parlamento se incendiaron en 1834. ^{[ 14 ]}

Los siglos XVII y XVIII vieron representaciones de batallas que en su mayoría adoptaban una perspectiva aérea , como si fuera desde una colina cercana; esto las hacía menos interesantes para pintar, y los principales artistas ahora tendían a evitarlas. Una visión muy diferente de la guerra se ve en Les Grandes Misères de la guerre ("Las desgracias de la guerra"), un conjunto de doce grabados producidos por Jacques Callot durante la Guerra de los Treinta Años que muestra a un grupo de soldados asolando el campo antes de ser finalmente acorralados por sus propios compañeros y ejecutados. ^{[ 15 ]} También en la primera mitad del siglo XVII, una rama de la pintura de género en la pintura del Siglo de Oro holandés se especializó en escenas de salas de guardia de soldados bastante desordenados, no a menudo en batalla, sino saqueando granjas o sentados en una sala de guardia de campamento. ^{[ 16 ]} Las pinturas de Salvator Rosa , esencialmente paisajes , a menudo mostraban grupos descritos de diversas maneras como bandidos o soldados merodeando por el campo del sur de Italia. La rendición de Breda de Velázquez (1634-1635) muestra una escena multitudinaria donde ambos bandos se reúnen pacíficamente para rendir la ciudad; un tema más frecuentemente copiado en la pintura naval que en el arte militar terrestre. ^{[ 7 ]}

Desde al menos finales del siglo XV, los conjuntos de tapices se convirtieron en el medio más grandioso para el "arte militar oficial"; los tapices portugueses de Pastrana (década de 1470) fueron un ejemplo temprano. Un conjunto producido para el duque de Marlborough que mostraba sus victorias fue modificado para diferentes clientes, e incluso vendido a uno de sus oponentes, Maximiliano II Manuel, elector de Baviera , después de retocar los rostros del general y otros detalles. ^{[ 17 ] [ 18 ]}

A mediados del siglo XVIII, varios artistas, especialmente en Gran Bretaña, buscaron revivir el arte militar con grandes obras centradas en un incidente heroico que devolvería al género su protagonismo en la pintura histórica , como había ocurrido durante el Renacimiento. La escena de batalla contemporánea estándar solía agruparse en la humilde categoría de pintura topográfica , abarcando mapas y vistas de casas de campo. La muerte del general Wolfe (1771) de Benjamin West , La muerte del capitán James Cook (1779) de Johann Zoffany , La derrota de las baterías flotantes en Gibraltar, septiembre de 1782 y La muerte del mayor Pierson (1784) de John Singleton Copley son ejemplos destacados de este nuevo tipo, que ignoraba las quejas sobre la inadecuación de la vestimenta moderna para temas heroicos. Sin embargo, estas obras tuvieron una influencia más inmediata en Francia que en Gran Bretaña. ^{[ 19 ]}

En la era napoleónica , Francia añadió el Romanticismo a su estilo y comenzó a retratar a los soldados con mayor carácter. Las pinturas de batallas se producían cada vez más para grandes edificios públicos y alcanzaron tamaños sin precedentes. El barón Gros pintó principalmente glorificaciones de Napoleón y sus victorias, pero su pintura de 1808 de la Batalla de Eylau no descuida el sufrimiento de los muertos y heridos en el gélido campo de batalla. ^{[ 20 ]} En contraste, las grandes pinturas de Goya , El dos de mayo de 1808 y El tres de mayo de 1808 , quizás concebidas conscientemente como una réplica a Gros, y su serie relacionada de 82 grabados , Los desastres de la guerra , enfatizaron la brutalidad de las fuerzas francesas durante la Guerra de la Independencia Española . ^{[ 21 ] [ 22 ]} Las representaciones británicas de las guerras napoleónicas continuaron los patrones de finales del siglo XVIII, a menudo a mayor escala, y la muerte del almirante Horatio Nelson produjo rápidamente grandes obras de Arthur William Devis ( La muerte de Nelson, 21 de octubre de 1805 ) y West ( La muerte de Nelson ). JMW Turner fue uno de los artistas que produjo escenas de las victorias de Nelson, con La batalla de Trafalgar . ^{[ 23 ]} La British Institution organizó concursos de bocetos de arte que conmemoraban las victorias británicas, y los trabajos ganadores fueron posteriormente encargados. ^{[ 24 ]}

En este período, el grabado de uniformes, que se centraba en una representación detallada del uniforme de una o más figuras de pie, generalmente coloreadas a mano, también se hizo muy popular en toda Europa. Al igual que otros grabados, estos se publicaban normalmente en forma de libro, pero también se vendían individualmente. En Gran Bretaña, los 87 grabados de Los Voluntarios Leales de Londres (1797-98) de Thomas Rowlandson , publicados por Rudolph Ackermann , marcan el comienzo del período clásico. Aunque Rowlandson solía satirizar a sus sujetos hasta cierto punto, aquí los soldados fueron «representados como ellos, y particularmente sus coroneles que pagaban sus uniformes, preferían verse a sí mismos», lo que siguió siendo la representación habitual en tales grabados. ^{[ 25 ]} Un conjunto de grabados de Carle Vernet de los espléndidos uniformes de La Grande Armée de 1812 mostraba a la mayoría de los soldados de infantería en parejas en el campamento, en una variedad de poses relajadas que mostraban a uno de frente y al otro de espaldas. Una singular pintura al óleo de un artista destacado que retrata a los soldados con el espíritu de los grabados de uniformes es Soldados del 10.º Regimiento de Dragones Ligeros («Propio del Príncipe de Gales»), pintada en 1793 por George Stubbs para su Coronel en Jefe , el futuro Jorge IV del Reino Unido. Otras pinturas de soldados individuales eran más dramáticas, como El Cazador Cargando (c. 1812) de Théodore Géricault .

Eugène Delacroix , quien también pintó numerosas escenas de combate de menor escala, terminó su obra La masacre de Quíos en 1824, que muestra un ataque tristemente célebre contra civiles griegos por parte de las fuerzas otomanas durante la Guerra de Independencia griega , representados bajo una luz completamente negativa. Tuvo un impacto más inmediato en el arte europeo que El tres de mayo de 1808 de Goya , pintado unos años antes, que al parecer ni siquiera se exhibió en el Museo del Prado hasta años después. En contraste, La Libertad guiando al pueblo de Delacroix , de 1830, mostraba la lucha bajo una luz positiva, pero no al "militar", ya que representa a revolucionarios civiles armados de la Revolución de Julio , avanzando contra las invisibles fuerzas uniformadas del gobierno. ^{[ 26 ]} Las atrocidades turcas seguirían siendo un tema recurrente en la pintura del siglo XIX, especialmente en los antiguos territorios otomanos que escaparon del imperio en decadencia (a menudo escenas previas a la violación tratadas de manera bastante lasciva), y los sentimientos antimilitaristas generales, que antes se encontraban principalmente en grabados, también aparecerían regularmente en grandes pinturas al óleo.

El arte militar siguió siendo popular durante el resto del siglo XIX en la mayor parte de Europa. Artistas franceses como Ernest Meissonier , ^{[ 27 ]} Edouard Detaille , ^{[ 28 ]} y Alphonse de Neuville ^{[ 29 ]} establecieron la pintura de género militar en el Salón de París . ^{[ 30 ]} Las nuevas formas de arte militar que se desarrollaron en la década de 1850 encontraron una considerable oposición por parte de la Real Academia del Reino Unido. ^{[ 31 ]}

Artistas europeos de estilo generalmente académico que eran bien conocidos como pintores de escenas de batalla, todavía a menudo de temas de las Guerras Napoleónicas o conflictos más antiguos, incluyeron a Albrecht Adam , ^{[ 32 ]} Nicaise de Keyser , ^{[ 33 ]} Piotr Michałowski ^{, [ 34 ]} Antoine Charles Horace Vernet , ^{[ 35 ]} Emile Jean Horace Vernet , ^{[ 36 ]} Wilhelm Camphausen y Emil Hünten . El auge del nacionalismo promovió la pintura de batallas en países como Hungría (gran atención prestada a los uniformes), Polonia (enormes fuerzas) y las Tierras Checas . La enorme Batalla de Grunwald (1878) de Jan Matejko refleja el sentimiento paneslavo , mostrando a varias fuerzas eslavas uniéndose para aplastar el poder de los Caballeros Teutónicos .

El uso del término "arte militar" ha evolucionado desde mediados del siglo XIX. En Francia, Charles Baudelaire analizó el arte militar y el impacto de la fotografía en él, en el Salón de París de 1859. ^{[ 37 ]} Un crítico británico de la exposición de la Royal Academy de 1861 observó que

Los pintores británicos nunca se han enfrentado plenamente al arte militar , solo se han mantenido en los márgenes, tocándolo y retocándolo. – William Michael Rossetti ^{[ 38 ]}

En contraste, la artista británica Elizabeth Thompson (Lady Butler) explicó que «nunca pintó por la gloria de la guerra, sino para retratar su patetismo y heroísmo». ^{[ 39 ]} Las secuelas de la batalla se representaron en pinturas como « Pase de lista tras un enfrentamiento, Crimea» , que se exhibió en la Royal Academy en 1874. Esta perspectiva también se observa en «Restos de un ejército» , que muestra a William Brydon luchando por entrar en Jalalabad en un caballo moribundo. El Dr. Brydon fue el único superviviente de la retirada de Kabul en 1842, en la que 16.000 personas fueron masacradas por tribus afganas. ^{[ 40 ]}

El mercado británico comenzó a desarrollarse a mediados del siglo XIX. ^{[ 41 ]} Las relaciones entre el Estado y sus fuerzas armadas, y las ideologías implícitas en esa relación, afectaron a las obras de arte, a los artistas y a la percepción pública tanto de las obras de arte como de los artistas. ^{[ 42 ]}

Para la época de la Guerra Civil Estadounidense y la Guerra de Crimea, los fotógrafos comenzaron a competir fuertemente con los artistas en la cobertura de escenas en los campamentos y las consecuencias de la batalla, pero los tiempos de exposición generalmente eran demasiado largos para que pudieran tomar fotografías de batallas con mucha eficacia. La fotografía de guerra no se trata en este artículo. Las ilustraciones para periódicos y revistas continuaron con un estilo heroico, quizás con más confianza que los pintores, y Melton Prior siguió a las fuerzas británicas por los puntos conflictivos imperiales durante décadas, trabajando para el Illustrated London News ; sus escenas "contribuyeron a establecer un estilo de dibujo de acción que ha dejado una huella imborrable en el arte de la tira cómica ". ^{[ 43 ]} Prior y otros "corresponsales especiales", como Frederic Villiers, eran conocidos como "especiales". Richard Caton Woodville Jr. y Charles Edwin Fripp fueron "especiales" y también pintores que expusieron en la Royal Academy y otros lugares. ^{[ 43 ]}

La Primera Guerra Mundial confirmó en gran medida el fin de la glorificación de la guerra en el arte, que había estado en declive desde finales del siglo anterior. ^{[ 44 ]} En general, y a pesar del establecimiento de grandes programas que empleaban a artistas de guerra oficiales , el arte más impactante que representa la guerra es aquel que enfatiza su horror. Los artistas de guerra oficiales eran designados por los gobiernos con fines informativos o propagandísticos y para registrar los eventos en el campo de batalla; ^{[ 45 ]} pero muchos artistas lucharon como soldados rasos y registraron sus experiencias en ese momento y posteriormente, incluidos los alemanes George Grosz y Otto Dix , quienes habían luchado en el Frente Occidental y continuaron representando el tema durante el resto de sus carreras. La obra de Dix , La trinchera (1923), que muestra los cuerpos desmembrados de los muertos después de un asalto, causó un escándalo y se exhibió primero detrás de una cortina, antes de provocar el despido del director del museo que había planeado comprarla. Más tarde, después de exhibirla en su exposición itinerante de 1937 de " Arte degenerado ", el gobierno nazi la quemó. En 1924, produjo una serie de cincuenta grabados sobre Der Krieg ("La Guerra"). El artista inglés Paul Nash comenzó a dibujar sobre la guerra mientras luchaba en el Frente Occidental con los Artists Rifles . Tras recuperarse de una herida, fue reclutado como artista de guerra oficial y produjo muchas de las imágenes más memorables del bando británico en ambas Guerras Mundiales. Después de la guerra, la enorme demanda de monumentos conmemorativos de guerra provocó un auge para los escultores, que se describen más adelante, y los fabricantes de vidrieras .

Los carteles se habían vuelto universales para 1914 y se dirigían tanto al ejército como al "frente interno" con diversos propósitos, incluido el reclutamiento, donde el Lord Kitchener británico te necesita (que no era el eslogan real) se repitió en Estados Unidos con el Tío Sam , y en otros lugares con figuras totémicas similares. La Unión Soviética comenzó con carteles muy modernistas como " Golpea a los blancos con la cuña roja" de Lazar Markovich Lissitzky, pero pronto se volcó al realismo socialista , utilizado para la mayoría de los carteles de la Segunda Guerra Mundial de la Unión Soviética , que a veces son similares a sus equivalentes nazis . En la Segunda Guerra Mundial se utilizaron aún más ampliamente. ^{[ 46 ]} Ilustradores y dibujantes como Norman Rockwell también siguieron la tendencia de alejarse de las imágenes de temática militar después de la Segunda Guerra Mundial y con el auge de las portadas fotográficas en general.

El impacto de la Guerra Civil Española en una población no combatiente fue representado en la obra maestra de Picasso de 1937, Guernica , que muestra el bombardeo de Guernica en 1937 ; ^{[ 47 ]} un tratamiento muy diferente de un tema similar se ve en los dibujos de Henry Moore de civiles durmiendo que se refugian del bombardeo del Blitz en los andenes de las estaciones del metro de Londres . Entre los artistas oficiales de la Segunda Guerra Mundial, Totes Meer de Paul Nash es una poderosa imagen de un desguace de aviones alemanes derribados, y el paisajista Eric Ravilious produjo algunas pinturas muy buenas antes de ser derribado y muerto en 1942. ^{[ 48 ]} Las pinturas de Edward Ardizzone se concentraron por completo en soldados relajándose o realizando tareas rutinarias, y fueron elogiadas por muchos soldados: "Es la única persona que ha captado la atmósfera de esta guerra", sintió Douglas Cooper , el crítico de arte e historiador, amigo de Picasso, y entonces en una unidad médica militar. ^{[ 49 ]} La fotografía y el cine ahora podían capturar la acción rápida, y se puede decir con razón que produjeron la mayoría de las imágenes memorables que documentan el combate en la guerra, y ciertamente conflictos posteriores como la Guerra de Vietnam , que fue más notable por el arte de protesta específicamente antibélica, en carteles y la obra de artistas como Nancy Spero . ^{[ 50 ]} El arte militar contemporáneo forma parte del subcampo "cultura militar y popular". ^{[ 51 ]}

Los gobernantes han sido representados con vestimenta específicamente militar desde la antigüedad; la diferencia es especialmente fácil de ver en la escultura romana antigua , donde los generales y cada vez más a menudo los emperadores son representados con armadura y la túnica militar corta. Las efigies de tumbas medievales suelen representar a caballeros, nobles y reyes con armadura, hayan participado o no en servicio activo. En el período de la Edad Moderna , cuando los altos mandos solían usar su atuendo de equitación habitual incluso en el campo de batalla, la distinción entre un retrato militar y uno normal se transmite principalmente por el fondo, o por una coraza o el jubón de cuero beige que se usaba debajo de la armadura, pero una vez que incluso los generales comenzaron a usar uniforme militar, a mediados del siglo XVIII, la distinción se vuelve clara nuevamente, ^{[ 52 ]} aunque inicialmente los uniformes de los oficiales eran similares a la vestimenta civil elegante.

Los retratos de cuerpo entero y a caballo de gobernantes y generales a menudo los mostraban en el campo de batalla, pero con la acción en el fondo distante; una característica que probablemente se remonta al magistral Retrato ecuestre de Carlos V de Tiziano , que muestra al emperador después de su victoria en la batalla de Mühlberg pero sin otros soldados presentes. Los monarcas no solían ser pintados con uniforme militar hasta el período napoleónico, pero en el siglo XIX esto se convirtió en típico para los retratos formales, quizás porque el uniforme era más atractivo visualmente. Un tipo de pintura distintivamente holandesa son los enormes retratos de grupo encargados por los ricos oficiales a tiempo parcial de las compañías de milicias de la ciudad, de los cuales La ronda de noche de Rembrandt (1642) es el más famoso, aunque su ambientación narrativa es atípica del género. La mayoría de los ejemplos simplemente muestran a los oficiales alineados como si estuvieran a punto de cenar, y algunos los muestran comiendo realmente. ^{[ 53 ]} Por lo demás, los retratos de grupo de oficiales son bastante sorprendentemente raros hasta el siglo XIX.

La mayoría de las esculturas de escenas de batalla de la antigüedad que se conservan son relieves de piedra, como se mencionó anteriormente. Los artistas y mecenas del Renacimiento estaban interesados ​​en revivir esta forma, lo que hicieron principalmente con escenas mucho más pequeñas en piedra o bronce. La tumba en Milán del brillante general francés Gastón de Foix, duque de Nemours, incluía numerosos relieves de mármol alrededor de la base del sarcófago (que nunca se terminó). Las estatuas y los monumentos funerarios de comandantes siguieron siendo los lugares más comunes hasta que, durante las guerras napoleónicas, comenzaron a surgir los monumentos conmemorativos de guerra más generales que recordaban a todos los caídos. La Columna de Nelson en Londres aún conmemora a un solo comandante; tiene relieves muy grandes alrededor de la base, realizados por diferentes artistas, aunque generalmente se consideran menos memorables que otros aspectos del monumento. La Columna de Wellington en Liverpool también se conoce como el "Monumento a Waterloo", adoptando el concepto más moderno cuando "los muertos eran recordados esencialmente como soldados que lucharon en nombre de colectivos nacionales". ^{[ 54 ]}

Las enormes pérdidas de la Guerra Civil Estadounidense propiciaron la creación del primer grupo realmente grande de monumentos conmemorativos de guerra escultóricos, así como numerosos monumentos individuales. Entre los más destacados artísticamente se encuentra el Memorial a Robert Gould Shaw y al 54.º Regimiento, compuesto íntegramente por soldados negros , obra de Augustus Saint-Gaudens en Boston, con una segunda réplica en la Galería Nacional de Arte de Washington . Las pérdidas aún mayores de la Primera Guerra Mundial llevaron incluso a pequeñas comunidades en la mayoría de los países involucrados a erigir algún tipo de monumento, introduciendo el uso generalizado de esta forma en Australia, Canadá y Nueva Zelanda. El repentino aumento de la demanda provocó un auge para los escultores de arte público . Incluso más que en la pintura, la guerra trajo consigo una crisis de estilo, ya que gran parte de la opinión pública consideraba inapropiados los estilos heroicos tradicionales. Uno de los monumentos británicos más exitosos es el Monumento a la Artillería Real en Londres, de un realismo austero , obra maestra de Charles Sargeant Jagger , quien fue herido tres veces en la guerra y dedicó la mayor parte de la década siguiente a conmemorarla. En las naciones derrotadas de Alemania y Austria, la controversia, que tenía un aspecto político, fue especialmente feroz, y varios monumentos considerados excesivamente modernos fueron retirados por los nazis, cuyos propios monumentos, como el Monumento a Tannenberg , fueron retirados después de la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 55 ]} Otras soluciones consistieron en hacer los monumentos más neutrales, como en el caso de la Neue Wache en Berlín, que fue reconvertida y dedicada a diferentes grupos en varias ocasiones, y las dignas formas arquitectónicas del Cenotafio en Londres (ampliamente imitado) y el Monumento Naval Alemán de Laboe ; las tumbas del Soldado Desconocido y las llamas eternas fueron otras maneras de evitar la controversia. Algunos, como el Monumento Nacional a la Guerra de Canadá y la mayoría de los monumentos franceses, se contentaron con actualizar los estilos tradicionales. ^{[ 56 ]}

Un gran número de monumentos conmemorativos de la Primera Guerra Mundial simplemente ampliaron su alcance para incluir a los caídos en la Segunda Guerra Mundial y, a menudo, en conflictos posteriores. El papel dominante que ahora desempeña la fotografía en la representación de la guerra se refleja en el Monumento Nacional a Iwo Jima , que recrea la icónica fotografía de 1945 « Izando la bandera en Iwo Jima» . El Monumento Nacional al Día D , un proyecto de la década de 1990, incluye esculturas de marcado realismo, en contraste con el Monumento a los Veteranos de Vietnam en Washington. Con frecuencia se han erigido monumentos más innovadores para las víctimas civiles de la guerra, sobre todo las del Holocausto . ^{[ 57 ]}

El arte militar abarca las acciones de las fuerzas militares en tiempos de paz. Por ejemplo, el sargento del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, Kristopher Battles , el único artista de guerra estadounidense oficial que quedaba en 2010, se desplegó con las fuerzas estadounidenses en Haití para brindar ayuda humanitaria como parte de la Operación Respuesta Unificada después del desastroso terremoto de 2010. ^{[ 58 ]}

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  El caballero, la muerte y el diablo, de Alberto Durero , siglo XVI.
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  Húsares de Bercheny, caballería ligera francesa, 1776.
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  c. 1847 pintura de un soldado del ejército de Madrás
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  Caballería en la batalla de Kooshab durante la guerra anglo-persa , alrededor de la década de 1850.
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  ¡Escocia para siempre!, que representa el inicio de la carga de los Royal Scots Greys en la batalla de Waterloo , por Elizabeth Thompson , 1881.
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  Vuelvan Caras en la Batalla de Las Queseras del Medio , de Arturo Michelena , 1890. Esta fue una batalla crucial en la Guerra de Independencia de Venezuela .
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  El 4.º Regimiento de Húsares francés en la batalla de Friedland , por Edouard Detaille , 1891.
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  Coraceros saludando a Napoleón en la batalla de Friedland (1807), de Ernest Meissonier , 1875.

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  Relieve tras la batalla, obra de Jean-Louis-Ernest Meissonier , siglo XIX.
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  Boceto que muestra a prisioneros de guerra estadounidenses en un campo de prisioneros japonés en Filipinas, 1945.

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  Washington cruzando el río Delaware la noche del 25 al 26 de diciembre de 1776, pintura realizada por Emanuel Leutze en Düsseldorf en 1850.
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  Napoleón Bonaparte cruzando el puente de Arcole en 1796. El cruce del puente de Arcole, de Horace Vernet (1826).
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  El cruce ruso del Danubio cerca de Zimnitsa el 15 de junio de 1877, pintado por Nikolai Dmitriev-Orenburgsky en París en 1883.

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  Llamadas de trompeta de Norman Lindsay , Australia, 1914–1918
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  El Ejército de Mujeres de la Tierra de América , EE. UU., 1918
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  Nuestros chicos necesitan calcetines: teje tu parte , EE. UU., 1917-1918
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  Cartel sobre huertos de la victoria, EE. UU., 1945