Guitarra de jazz

El ritmo de cuerdas y acordes se puede escuchar en grupos que incluían instrumentos de estilo militar como metales, saxofones, clarinetes y batería, como los primeros grupos de jazz. A medida que la guitarra acústica se popularizó a principios del siglo XX, los fabricantes comenzaron a construir guitarras con mayor volumen, útiles en una gama más amplia de contextos. Nick Lucas es considerado el padre de la guitarra de jazz; dos de sus composiciones, grabadas en 1922, «Picking the Guitar» y «Teasing the Frets», fueron los primeros solos de guitarra jamás grabados. Lucas sentó las bases de la guitarra de jazz mediante el desarrollo de diversas técnicas rítmicas, de punteo de una sola cuerda y de barrido.

La Gibson L5, una guitarra acústica de caja arqueada que se fabricó por primera vez en 1923, fue una de las primeras guitarras de estilo jazz, utilizada por guitarristas pioneros como Eddie Lang . En la década de 1930, la guitarra comenzó a desplazar al banjo como instrumento rítmico principal en el jazz, ya que permitía interpretar acordes de mayor complejidad armónica y tenía un tono algo más apagado que combinaba bien con el contrabajo , que, para entonces, había reemplazado casi por completo a la tuba como instrumento de bajo dominante en el jazz.

A finales de la década de 1930 y durante la década de 1940 —el apogeo del jazz de big band y la música swing— la guitarra fue un instrumento importante en la sección rítmica . Algunos guitarristas, como Freddie Green de la banda de Count Basie , desarrollaron un estilo de acompañamiento específico para la guitarra. Sin embargo, pocas big bands incluían solos de guitarra amplificados, que se realizaban en el contexto de pequeños combos. Entre los guitarristas solistas de jazz más importantes de este período se encontraban Django Reinhardt , el virtuoso de la guitarra manouche; Oscar Moore , que tocó con el trío de Nat “King” Cole; y Charlie Christian , de la banda y el sexteto de Benny Goodman, quien fue una gran influencia a pesar de su muerte a principios de 1942 a la edad de 25 años. También cabe destacar a Mike Danzi , quien tocó con la Orquesta de Alex Hyde en Estados Unidos, así como con varias orquestas de jazz en toda Alemania durante la década de 1930. ^{[ 1 ]}

No fue hasta el surgimiento a gran escala del jazz de pequeños combos después de la Segunda Guerra Mundial que la guitarra despegó como un instrumento versátil que se usaba tanto en la sección rítmica como instrumento melódico destacado e improvisador solista. En manos de George Barnes , Billy Bauer , Kenny Burrell , Herb Ellis , Barney Kessel , Jimmy Raney y Tal Farlow , quienes habían absorbido el lenguaje del bebop , la guitarra comenzó a ser vista como un instrumento de jazz "serio". Las guitarras eléctricas mejoradas, como la Gibson ES-175 (lanzada en 1949), brindaron a los músicos una mayor variedad de opciones tonales. Entre las décadas de 1940 y 1960, músicos como Wes Montgomery , Joe Pass , Al Caiola ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]} , Tony Mottola ^{[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]} y Jim Hall sentaron las bases de lo que hoy se conoce como tocar la "guitarra de jazz".

Como resultado de la omnipresencia de la guitarra en las bandas de rock y pop durante la década de 1960, los guitarristas de jazz comenzaron a explorar estilos y géneros basados ​​en el rock, transformando radicalmente la guitarra de jazz y desarrollando el estilo de " jazz fusión ", que rompió con los lenguajes estándar del jazz y exploró el rock, el funk y la música electrónica. Ya en 1967, Larry Coryell y su banda The Free Spirits grabaron Out of Sight and Sound , un álbum innovador que fue uno de los primeros ejemplos de música rock interpretada por músicos de jazz. Más prominentemente, Miles Davis incluyó a George Benson como solista en el tema "Paraphernalia" de su álbum de 1968 Miles in the Sky , lo que marcó el primer ejemplo de su larga colaboración con guitarristas. Poco después, reclutó a John McLaughlin para tocar en In A Silent Way y Bitches Brew , algunos de los primeros álbumes de jazz en ser llamados "fusión" y los primeros álbumes serios de jazz-rock. McLaughlin era un veterano de la escena del blues británico y se había fogueado tocando con grupos populares de blues y rock, como The Graham Bond Quartet , The Rolling Stones y Georgie Fame and the Blue Flames . McLaughlin era un fan declarado de Jimi Hendrix y utilizaba un fraseo más cercano al de los guitarristas de blues y funk que al fraseo estereotípico del bebop, e incluso una canción de Bitches Brew lleva su nombre. También tocó con Tony Williams Lifetime durante dos años, antes de marcharse, alterar radicalmente su enfoque y fundar una nueva banda. Davis continuaría experimentando con música basada en la guitarra durante la década de 1970, liderado por el solista experimental Pete Cosey y los guitarristas rítmicos Reggie Lucas y, durante un tiempo, Dominique Gaumont . Cosey hizo un uso intensivo de efectos, incluyendo un sintetizador, así como guitarras de 10 cuerdas y afinaciones experimentales. Su obra e influencia son reconocidas por varios guitarristas de vanguardia, como Tom Verlaine, guitarrista de Television .

La Mahavishnu Orchestra , la banda resultante, abrió nuevos caminos tanto en el rock como en el jazz, y estuvo liderada por el estilo más novedoso y experimental de McLaughlin. Su forma de tocar la guitarra comenzó a utilizar bends, sustain y distorsión comunes en los músicos de blues rock, así como un vocabulario fuertemente influenciado por los estilos indostaní y carnático de la música clásica india, que se habían popularizado en el rock psicodélico . Sus tonos distorsionados y su virtuosismo le valieron fama a él y a su banda, y se convirtió en una figura dominante de la guitarra de jazz. Inspirado por él, el pianista Chick Corea reorganizó su banda de jazz latino Return to Forever en una banda de rock con la guitarra como protagonista, primero con el guitarrista de blues Bill Connors , y luego con el joven virtuoso Al Di Meola . Di Meola también se ganaría un gran respeto como solista e influyó en numerosos guitarristas de rock y jazz posteriores.

Muchos guitarristas de rock también comenzaron a utilizar vocabulario e ideas basadas en el jazz, reflejo de la evolución convergente del rock progresivo con el jazz fusión. Los guitarristas de Yes, Peter Banks y Steve Howe, tenían estilos similares a los de muchos guitarristas de jazz en sus inicios, y ayudaron a definir el sonido de Yes, diferenciándolo de otras bandas. John Goodsall , guitarrista de la influyente banda de jazz-rock Brand X , utilizó un estilo de guitarra fusión en el contexto del rock progresivo. Sin embargo, el más notable fue Allan Holdsworth , quien tocó con numerosos grupos y músicos de rock progresivo ( Soft Machine , Gong , Tempest , Bill Bruford , UK ) antes de embarcarse en una carrera solista de décadas que lo convirtió en uno de los solistas más venerados del mundo de la guitarra. En lugar de utilizar la técnica de púa estándar, Holdsworth se basó en un fraseo legato inspirado en trompetistas como John Coltrane e ideas armónicas sumamente únicas y extremadamente avanzadas. A pesar de ser un músico "underground" y tener muy poco éxito comercial, Holdsworth inspiró a varios guitarristas a lo largo de los años, muy particularmente a Eddie Van Halen . ^{[ 8 ]}

A principios de la década de 1980, los experimentos radicales del jazz fusión de principios de la década de 1970 dieron paso a un sonido más apto para la radio: el smooth jazz . El guitarrista Pat Metheny mezcló sonidos de rock, blues, country y música del mundo, manteniendo una sólida base en bebop y cool jazz, tocando tanto una guitarra acústica de tapa plana como una guitarra eléctrica con un tono más suave y melódico, endulzado con un efecto brillante conocido como " chorusing ". Durante la década de 1980, una escuela neotradicional de jazz buscó reconectar con el pasado. En consonancia con esta estética, los jóvenes guitarristas de esta época buscaban un tono limpio y redondo, y a menudo tocaban guitarras tradicionales de caja hueca con tapa arqueada sin efectos electrónicos, frecuentemente a través de amplificadores de válvulas .

Mientras músicos como Bobby Broom , Peter Bernstein , Howard Alden , Russell Malone y Mark Whitfield revivían los sonidos de la guitarra de jazz tradicional, también se produjo un resurgimiento de la lutería de guitarras archtop. A principios de la década de 1990, muchos pequeños luthiers independientes comenzaron a fabricar guitarras archtop. En la década de 2000, la forma de tocar la guitarra de jazz siguió evolucionando. Algunos guitarristas incorporaron influencias del jazz latino, la música dance de estilo acid jazz utiliza samples de Wes Montgomery, y guitarristas como Bill Frisell continuaron desafiando las clasificaciones.

Aunque el jazz se puede tocar con cualquier tipo de guitarra, desde una acústica hasta una eléctrica de cuerpo sólido como una Fender Stratocaster, la guitarra archtop de gran profundidad se ha convertido en el prototipo de la "guitarra de jazz". Las guitarras archtop son guitarras acústicas de cuerdas de acero con una caja de resonancia grande, tapa arqueada, orificios en forma de f al estilo de un violín , un puente flotante y pastillas magnéticas o piezoeléctricas . Entre los primeros fabricantes de guitarras de jazz se encuentran Gibson , Epiphone , D'Angelico y Stromberg. La guitarra eléctrica se conecta a un amplificador para que suene con la potencia suficiente para la interpretación. Los amplificadores tienen controles de ecualización que permiten al guitarrista modificar el tono del instrumento, enfatizando o atenuando ciertas frecuencias. El uso de efectos de reverberación , a menudo incluidos en los amplificadores, ha sido durante mucho tiempo parte del sonido característico de la guitarra de jazz. Particularmente desde la era del jazz fusión de los años 70 , algunos guitarristas de jazz también han utilizado pedales de efectos como pedales de overdrive , pedales de chorus y pedales wah .

Las primeras guitarras utilizadas en el jazz eran acústicas, posteriormente reemplazadas por guitarras eléctricas con pastillas de bobina simple (típicamente Gibson P90), que luego evolucionaron hacia una configuración eléctrica típica de dos pastillas humbucker . En la década de 1990, resurgió el interés entre los guitarristas de jazz por las guitarras acústicas archtop con pastillas flotantes. Las guitarras acústicas archtop originales fueron diseñadas para aumentar el volumen; por esa razón, se construyeron para usarse con cuerdas de guitarra relativamente gruesas . Incluso después de que la electrificación se convirtiera en la norma, los guitarristas de jazz continuaron usando cuerdas de calibre 0.012" o más gruesas para mantener la tradición, y también prefieren las cuerdas de entorchado plano . La característica tapa arqueada puede estar hecha de una pieza de madera maciza tallada con la forma arqueada, o de una pieza de madera laminada (esencialmente un tipo de madera contrachapada) prensada para darle forma. El abeto se usa a menudo para las tapas y el arce para los fondos. Las guitarras archtop pueden ser producidas en masa, como la serie Ibanez Artcore , o hechas a mano por luthiers como Robert Benedetto .

• La guitarra Selmer-Maccaferri está estrechamente asociada con Django Reinhardt y el swing gitano .
• La guitarra de resonador fue utilizada (aunque no exclusivamente) por Oscar Alemán .
• Las guitarras de cuerdas de nailon se asocian con el jazz latino , por ejemplo en la obra de Charlie Byrd y Laurindo Almeida .
• Las guitarras de cuerdas de acero con tapa plana (en particular las guitarras Ovation ) se han utilizado en el " shredding acústico " de John McLaughlin , Larry Coryell y Al Di Meola .
• Las guitarras eléctricas de cuerpo sólido se han utilizado en el jazz-rock , por ejemplo por Bill Frisell y Stanley Jordan . La Telecaster , en particular, tiene muchos seguidores en el jazz, como Ed Bickert y Ted Greene .
• Guitarras sintetizadas en el jazz-rock y el jazz de vanguardia, por ejemplo, en las obras de Allan Holdsworth y Pat Metheny .
• Guitarras de siete cuerdas de George van Eps , Lenny Breau , Bucky Pizzarelli y Howard Alden .
• Guitarras de ocho cuerdas de Ralph Patt . ^{[ 9 ]}

La guitarra rítmica de jazz suele caracterizarse por una interpretación muy textural y de compás irregular, con un uso abundante de acordes exóticos y difíciles de tocar. En compás de 4/4, es común tocar intervalos de 2,5 tiempos, como en el segundo tiempo y luego el medio tiempo, o un "y" después del cuarto. Los guitarristas de jazz pueden tocar acordes "adelantados" al tiempo, tocando el acorde una corchea con swing antes del cambio de acorde propiamente dicho. Los acordes no se suelen tocar de forma rítmica y repetitiva, como lo haría un guitarrista rítmico de rock.

Los guitarristas de jazz utilizan sus conocimientos de armonía y teoría del jazz para crear "voces" de acordes de jazz, que enfatizan la tercera y la séptima nota del acorde. Algunas voicings de acordes más sofisticadas también incluyen la novena, la undécima y la decimotercera nota del acorde. En algunos estilos de jazz moderno, los acordes de séptima dominante en una melodía pueden contener novenas alteradas (ya sea bemolizadas por un semitono, lo que se denomina "novena bemol", o sostenidas por un semitono, lo que se denomina "novena sostenida"); undécimas (sostenidas por un semitono, lo que se denomina "undécima sostenida"); decimoterceras (generalmente bemolizadas por un semitono, lo que se denomina "decimotercera bemol").

Los guitarristas de jazz necesitan aprender una variedad de acordes, incluyendo acordes de séptima mayor , sexta mayor , séptima menor , séptima menor/mayor , séptima dominante , disminuidos , semidisminuidos y aumentados . Además, deben aprender sobre transformaciones de acordes (por ejemplo, acordes alterados, como los acordes dominantes alterados descritos anteriormente), sustituciones de acordes y técnicas de rearmonización. Algunos guitarristas de jazz utilizan su conocimiento de escalas y acordes de jazz para proporcionar un acompañamiento al estilo del bajo caminante .

Los guitarristas de jazz aprenden a interpretar estos acordes en una variedad de progresiones de acordes diferentes utilizadas en el jazz, como la omnipresente progresión ii-VI, la progresión de blues al estilo jazz (que, a diferencia de una progresión de blues de 12 compases, puede tener dos o más cambios de acordes por compás), la forma menor de blues al estilo jazz, la progresión de " cambios rítmicos " basada en I-vi-ii-V, y la variedad de progresiones de acordes ricas en modulación utilizadas en baladas de jazz y estándares de jazz . Los guitarristas también pueden aprender a usar los tipos de acordes, estilos de rasgueo y pedales de efectos (por ejemplo, efecto chorus o fuzzbox ) utilizados en la música de fusión jazz-latina, jazz-funk y jazz-rock de la década de 1970.

Los guitarristas de jazz integran los elementos básicos de escalas y patrones de arpegios en frases rítmicas y melódicas equilibradas que conforman un solo coherente. A menudo, intentan dotar a su fraseo melódico de la sensación de respiración natural y el legato propios de instrumentos de viento como el saxofón. Asimismo, las improvisaciones de un guitarrista de jazz deben tener un impulso rítmico y un sentido del tiempo que generen swing y groove. Los guitarristas de jazz más experimentados aprenden a tocar con diferentes sentidos del tiempo, como adelantarse o retrasarse respecto al tiempo, para crear o liberar tensión.

Otro aspecto del estilo de guitarra de jazz es el uso de adornos estilísticamente apropiados, como notas de adorno, slides y notas apagadas. Cada subgénero o época del jazz tiene adornos diferentes que forman parte de su estilo. Los guitarristas de jazz suelen aprender los estilos de ornamentación adecuados escuchando grabaciones destacadas de un estilo o época de jazz determinada. Algunos guitarristas de jazz también toman prestadas técnicas de ornamentación de otros instrumentos de jazz, como Wes Montgomery, que utilizaba la técnica de tocar melodías en octavas paralelas, propia del piano de jazz. Los guitarristas de jazz también deben aprender a añadir notas de paso, usar notas guía y notas de la progresión de acordes para estructurar sus improvisaciones.

En las décadas de 1970 y 1980, con la fusión de jazz y rock, los guitarristas de jazz incorporaron técnicas de solos de guitarra rock , como solos basados ​​en riffs y el uso de escalas pentatónicas y de blues . Algunos guitarristas utilizaron distorsión y efectos wah-wah influenciados por Jimi Hendrix para obtener un tono sostenido y potente, o incluso técnicas de shred de guitarra a gran velocidad , como el tapping y el bending de la palanca de trémolo . El guitarrista Al Di Meola , quien comenzó su carrera con Return to Forever en 1974, fue uno de los primeros guitarristas en tocar al estilo " shred ", una técnica que posteriormente se utilizó en el rock y el heavy metal. Di Meola empleó la púa alternada para ejecutar secuencias de notas muy rápidas en sus solos.

Cuando los guitarristas de jazz improvisan , utilizan las escalas, los modos y los arpegios asociados con los acordes en la progresión de acordes de una melodía. El enfoque de la improvisación ha cambiado desde las primeras épocas de la guitarra de jazz. Durante la era del swing, muchos solistas improvisaban "de oído" adornando la melodía con ornamentos y notas de paso. Sin embargo, durante la era del bebop, el tempo rápido y las progresiones de acordes complicadas hicieron cada vez más difícil tocar "de oído". Junto con otros improvisadores, como saxofonistas y pianistas, los guitarristas de jazz de la era del bebop comenzaron a improvisar sobre los cambios de acordes utilizando escalas (escala de tonos enteros, escala cromática, etc.) y arpegios. ^{[ 10 ]} Los guitarristas de jazz tienden a improvisar en torno a las relaciones acorde/escala, en lugar de reelaborar la melodía, posiblemente debido a su familiaridad con los acordes resultante de su rol de acompañante. Una fuente de ideas melódicas para la improvisación es transcribir solos improvisados ​​de grabaciones. Esto proporciona a los guitarristas de jazz una fuente de "licks", frases melódicas e ideas que incorporan, ya sea intactas o en variaciones, y es una forma establecida de aprender de las generaciones anteriores de músicos.

En las big bands de jazz , populares durante las décadas de 1930 y 1940, el guitarrista se considera parte integral de la sección rítmica (guitarra, batería y bajo ). Generalmente tocaban cuatro rasgueos por compás, aunque era posible cierta improvisación armónica. Freddie Green , guitarrista de la orquesta de Count Basie , fue un destacado exponente de este estilo. Las armonías suelen ser mínimas; por ejemplo, la nota fundamental a menudo se omite, asumiendo que la proporcionará el bajo.

Cuando los guitarristas de jazz tocan acordes debajo de la melodía de una canción o las improvisaciones solistas de otro músico, se le llama " acompañamiento ". El estilo de acompañamiento en la mayoría de los estilos de jazz difiere de la forma en que los instrumentos de acordes acompañan en muchos estilos de música popular. En muchos estilos de música popular, como el rock y el pop, el guitarrista rítmico suele tocar los acordes de forma rítmica, marcando el compás o el groove de una melodía. En cambio, en muchos estilos de jazz moderno dentro de grupos más pequeños, el guitarrista toca de forma mucho más minimalista, intercalando acordes periódicos y delicadas armonías en las pausas de la melodía o el solo, y utilizando periodos de silencio. Los guitarristas de jazz suelen utilizar una amplia variedad de inversiones al acompañar, en lugar de usar solo armonías estándar. ^{[ 11 ]}

En este estilo, el guitarrista busca interpretar una canción completa —armonía , melodía y bajo— de manera similar a como lo haría un guitarrista clásico o un pianista . Las raíces de los acordes no se dejan en manos del bajista. Los acordes mismos pueden usarse de forma dispersa o más densa, dependiendo tanto del intérprete como de su arreglo de la pieza. En el estilo disperso, un acorde completo a menudo se toca solo al comienzo de una frase melódica. ^{[ 12 ]} Las texturas de acordes más densas, en cambio, se acercan al solo de acordes (ver más abajo). Un tercer enfoque es mantener una línea de bajo constante y activa, como un pianista de Nueva Orleans. Aquí, no se tocan más de dos o tres notas a la vez, y la armonía completa se indica mediante arpegios. Los exponentes de este estilo a menudo provienen de un entorno country , folk o ragtime , como Chet Atkins , aunque también lo emplean a veces músicos de jazz tradicional , como Martin Taylor . La melodía de acordes se suele tocar con púa (véanse Tal Farlow , George Benson y otros); mientras que el fingerstyle , practicado por Joe Pass, George van Eps , Ted Greene , Robert Conti , Lenny Breau, o el hybrid picking , practicado por Ed Bickert , Laszlo Sirsom y otros, permite un enfoque más complejo y polifónico para los solos sin acompañamiento.

Eddie Lang y Lonnie Johnson fueron dos de los pioneros de los solos improvisados ​​de una sola nota. Ambos tocaron con Louis Armstrong y otros destacados músicos de jazz y blues de las décadas de 1920 y 1930. Años más tarde, Charlie Christian y Django Reinhardt , el primero con guitarra eléctrica y el segundo con una guitarra acústica de gran fuerza, son reconocidos como los primeros solistas en equiparar la improvisación de guitarra de jazz con la de otros instrumentos. A lo largo de los años, los guitarristas de jazz han podido improvisar en estilos de jazz tradicionales, como el bebop y el cool jazz , al tiempo que absorbían influencias de guitarristas de rock, como el uso de efectos electrónicos.

Los guitarristas de jazz no se limitan a la improvisación de notas individuales. Al trabajar con acompañamiento, los solos de acordes se crean improvisando acordes (armonía) y melodía simultáneamente, generalmente en el registro agudo de las cuerdas 1, 2, 3 y 4. Wes Montgomery era conocido por tocar coros sucesivos en notas individuales, luego octavas y finalmente un solo de acordes; esto se puede escuchar en su improvisación sobre el estándar Lover Man (Oh, Where Can You Be?) . Al tocar sin acompañamiento, los guitarristas de jazz pueden crear solos de acordes tocando bajo, melodía y acordes, individualmente o simultáneamente, en cualquiera o en todas las cuerdas, como en el trabajo de Lenny Breau , Joe Pass, Martin Taylor y otros. Esta técnica también se puede incorporar a los solos sin acompañamiento: por ejemplo, las "improvisaciones" de Django Reinhardt , como él llamaba a sus piezas solistas.