Dennis Ashbaugh

Dennis John Ashbaugh (nacido en 1946 en Red Oak, Iowa ^{[ 1 ]} ) es un pintor y artista estadounidense que reside en River House en la ciudad de Nueva York, y también vive y trabaja en Millbrook y Pawling, Nueva York.

En la medida de lo posible, Ashbaugh ha evitado ser etiquetado o categorizado por los diversos "ismos" contemporáneos: Minimalismo , Expresionismo Abstracto , Popismo , Op Art o Pintura de Campos de Color . El hilo conductor constante de la obra abstracta de Ashbaugh es su enfoque en eventos actuales específicos vistos a través del prisma de la historia del arte, como el futuro, la política, las computadoras, los clones, el ADN , las redes y los virus (informáticos y biológicos), aunque no utiliza computadoras para crear estas obras.

En 1992, Ashbaugh colaboró ​​con el novelista de ciencia ficción y cyberpunk William Gibson en el poema electrónico Agrippa (A Book of the Dead) . ^{[ 2 ]} Ashbaugh cita a Gibson y al también novelista cyberpunk Bruce Sterling como influencias clave, así como a Barnett Newman , Jackson Pollock y Mark Rothko . ^{[ 3 ] [ 4 ]}

Los abuelos de Ashbaugh eran un herrero y un gran terrateniente y agricultor; su padre, un planificador eléctrico; y su madre, una esteticista. La familia Ashbaugh se mudó a Anaheim, California , donde, de niño, observó con gran interés la construcción de Disneyland .

Una influencia importante en la vida de Ashbaugh fue la recién nacida escena del surf californiano de las décadas de 1950 y 1960 ^{[ 5 ]} , la era de los grandes del surf Phil Edwards , Hobart "Hobie" Alter , Gordon "Grubby" Clark , Carter Pyle y Bruce Brown, con quienes surfeaba. En 1961, sus padres compraron una caravana frente al mar en San Clemente , cerca de donde residía la mayor parte de la Mafia de Dana Point. ^{[ 6 ]} La libertad e independencia del surf moldearon su visión del mundo tanto estética como intelectualmente.

Durante sus años universitarios, Ashbaugh pintó con óleo o cualquier pintura que tuviera a mano, a menudo trabajando en lienzos de gran formato. Obtuvo una maestría en 1969 en la Universidad Estatal de California, Fullerton . A los 19 años, conoció a Frank Stella , Barbara Rose , Alan Solomon y Leo Castelli . Stella le ofreció usar su estudio en Costa Mesa, California , y más tarde animó a Ashbaugh a mudarse a Nueva York para pintar.

A través de Stella, Rose y otros, Ashbaugh conoció a muchos de los artistas, intérpretes, coleccionistas y galeristas más conocidos de la ciudad de Nueva York, muchos de los cuales frecuentaban Max's Kansas City , como John Chamberlain , Andy Warhol , Larry Poons , Nancy Graves , Carl André , Brice Marden y Robert Rauschenberg .

Ashbaugh alquiló un estudio en la calle Murray de Tribeca . Comenzó a trabajar en una serie titulada "The Ovals" (en referencia a Larry Poons): grandes pinturas de fibra de vidrio con formato elíptico y tambores de resina de poliéster . Las superficies planas e inflexibles, junto con los bordes intencionadamente irregulares, aluden de forma oblicua a las superficies mate de la técnica de la encáustica que Brice Marden y Jasper Johns utilizaban en aquella época, aunque con un toque californiano.

Estas pinturas y dibujos evolucionaron directamente a partir de la última obra pintada en Costa Mesa, California, y fueron exhibidas en el Museo de Arte del Condado de Orange (anteriormente Museo de Arte de Newport Harbor) y en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (anteriormente Museo de Arte Contemporáneo de La Jolla). ^{[ 7 ]}

En 1971, la marchante de arte Ileana Sonnabend y Henry Geldzahler , director de arte contemporáneo del Museo Metropolitano de Arte , pusieron en contacto a Ashbaugh con un espacio en el centro de SoHo . Ashbaugh vendió entonces su loft de Murray Street a la artista de performance Laurie Anderson y se mudó al número 67 de Greene Street, un espacio con capacidad para sus grandes pinturas. Allí, Ashbaugh comenzó «The Shineys», una serie de pinturas sobre fibra de vidrio, muchas de ellas de hasta 305 x 605 cm. Las superficies eran similares al vidrio, gracias al uso de resina de poliéster , tintes industriales y pigmentos.

Las obras de Shiney se exhibieron en exposiciones individuales en Suecia [Galleri Ostegren, Malmö, Suecia] y California (Jack Glenn Gallery, Corona del Mar, California), y fueron adquiridas por el Orange County Museum of Art (anteriormente Newport Harbor Art Museum), el Museum of Contemporary Art San Diego (anteriormente La Jolla Museum of Contemporary Art) y los propietarios de la revista Artforum . ^{[ 7 ]}

Debido a la crisis del petróleo de 1973 , el uso de bidones de 50 galones de resinas de poliéster se volvió insostenible, ya que los precios se dispararon, superando las posibilidades de Ashbaugh. En busca de inspiración, Ashbaugh recurrió a la Revolución Rusa de 1917, el inicio de la pintura abstracta y no figurativa con Malevich , Tatlin y Lissitzky, quienes también fueron abandonados por el Estado. Las pinturas de Ashbaugh eran de gran tamaño (aproximadamente 120 x 240 pulgadas) y sobresalían seis pulgadas de la pared. Los colores se limitaban a los primarios, con una inquietante inclusión de una paleta terciaria. Estaban realizadas con óleo y cera de abejas mediante la técnica de la encáustica , y sus títulos estaban escritos en ruso.

En 1975, la serie completa, comisariada por Marcia Tucker , se convirtió en una exposición individual en el Museo Whitney , ^{[ 8 ]} así como en Bélgica (Galerie Alexandria Monett, Bruselas) y Francia (Galerie Farideh Cadot, París). ^{[ 7 ]}

Ashbaugh decidió trabajar durante los meses más cálidos en Laguna Beach, California , donde alquiló un edificio sin terminar, con espacios interiores y exteriores, techos de 15 metros de altura y sin puertas ni ventanas. Vivía en un andamio para evitar escorpiones y serpientes de cascabel.

Mientras trasladaba el equipo de estudio de Nueva York al Canyon Studio, Ashbaugh escuchó fuertes ruidos y estampidos sónicos. Volando a velocidad supersónica , bombarderos furtivos de Camp Pendleton y la Base de Marines de El Toro realizaban vuelos de práctica a lo largo del corredor del cañón. Sus configuraciones sinuosas y escorzadas le recordaban a Ashbaugh la obra suprematista de Malevich y Lissitzky. Además, los aviones estaban construidos con un precursor del Vantablack , que disimula todos los contornos. Ashbaugh creó lienzos grandes y de formas irregulares con la pintura mate más plana disponible en ese momento. Las pinturas recibieron títulos que hacían referencia al corredor de vuelo de prueba utilizado entre Tijuana y Canadá.

Ashbaugh recibió la beca John Simon Guggenheim en 1976.

En 1976, Thomas M. Messer , director del Museo Guggenheim de Arte de Nueva York, reclutó a Ashbaugh para ayudar a organizar e instalar la exposición de Alfred Jensen para la Bienal de Arte de São Paulo, en representación de Estados Unidos. Mientras completaba la instalación, Ashbaugh se enteró de las obras de arte terrestre impulsadas por Virginia Dwan , Michael Heizer , Robert Smithson y Walter De Maria , que se estaban creando en el desierto de Nevada.

Ashbaugh viajó a Perú , sobrevoló las Líneas de Nazca y contactó a Maria Reiche , la académica y matemática alemana que había estado estudiando la catalogación y protección de los dibujos de Nazca desde 1946. Al regresar a Nueva York, Ashbaugh comenzó la construcción de las pinturas de Nazca, de gran tamaño y forma sinuosa, de 3 x 6 metros. Ashbaugh las concebía como geometría plana antropomorfizada o como pistas de aterrizaje alienígenas, e imaginaba que estaban colocadas verticalmente sobre una pared, no planas sobre el suelo como en las construcciones de tierra de Nazca y Nevada.

La fundadora Alanna Heiss de PS1 Project Room en Brooklyn, ahora el Museo de Arte Moderno , comisarió la construcción e instalación de la obra influenciada por el viaje a Perú. ^{[ 7 ]}

En la Dia Art Foundation , Ashbaugh observó en la obra Hammer and Sickle de Andy Warhol ^{[ 9 ]} que dos formas, incluso tres distintas, proyectarían una sola sombra combinada. Comenzó una serie de pinturas con múltiples imágenes, pero con una sola sombra combinada. Estas obras están pintadas con trazos sueltos en fluorescentes con franjas de pigmentos fosforescentes. Vistas con las luces apagadas, recuerdan inquietantemente a la pincelada frenética de Willem de Kooning o Franz Kline . Ashbaugh quedó fascinado por la nueva tecnología de la química de la pintura y también aplicó flocado a las superficies.

Desde 1974, Ashbaugh se ha centrado en los derechos de la Primera Enmienda , preocupado por la degradación de las noticias periodísticas convertidas en una herramienta de propaganda o un gancho comercial de la cultura popular. En 1979, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York adquirió una pintura de 108 x 108 pulgadas de la serie titulada "Neoyorquino enfrenta juicio por espionaje en Irán". ^{[ 10 ]} El título provenía de un titular del sensacionalista tabloide New York Post , al igual que cada pintura de la Serie Woofer. ^{[ 11 ]}

La serie San Onofre (1980) de Ashbaugh tuvo exposiciones individuales en la Galería Knoedler Kasmin de Londres, la Galería Richard Gray de Chicago, la Galería Janie C. Lee de Houston, así como adquisiciones por parte del Museo de Arte Hirshhorn de Washington, D.C., la Universidad de Stanford , el Museo de Arte del Condado de Orange y el Museo de Bellas Artes de Houston. Estas pinturas se exhibieron a nivel mundial, viajando a Inglaterra, Portugal, Australia y Sudáfrica. Galería Natalie Knight (Johannesburgo, Sudáfrica), Fundación Gulbenkian (Lisboa, Portugal) y Fundación Suiza de Arte (Suiza). ^{[ 7 ]}

En 1983, Anna Wintour , la recién nombrada editora de la revista New York Magazine , solicitó permiso a un grupo de artistas, entre ellos Dennis Ashbaugh, Jean-Michel Basquiat y David Salle , para incluir su obra en una sesión de fotos de moda para su publicación. El número se tituló "The Art Beat". A Wintour le impresionó la forma en que Ashbaugh había integrado a las modelos en la puesta en escena y decidió utilizar esta imagen como la página central de la revista. Al enterarse de la ubicación de la imagen, Ashbaugh solicitó que la página central se convirtiera en una revista con aroma que desprendiera el perfume de las modelos, un homenaje a las antiguas revistas pornográficas, una propuesta que, por supuesto, fue rechazada. El éxito de este número catapultó a la Sra. Wintour al puesto de editora en jefe de Vogue. La Sra. Wintour y Alexander Liberman encargaron a Ashbaugh un reportaje de ocho páginas para Condé Nast utilizando sus imágenes de colores brillantes. ^{[ 12 ] [ 13 ]}

Con los numerosos avances en ADN y tecnologías informáticas, Ashbaugh creía que debía existir un camino viable para la pintura abstracta. Como afirmó Barbara Rose: «Al igual que Pollock, Ashbaugh es muy consciente de que las innovaciones tecnológicas requieren una respuesta reflexiva por parte de artistas que estén al tanto de su época». ^{[ 14 ]} Comenzó a trabajar en la serie Clone Series, de gran formato y colorida, conceptualmente basada en la idea de que toda la historia del arte podría caber en un solo disquete . Estas pinturas se exhibieron en una retrospectiva en el IVAM de Valencia, España, en 2007. ^{[ 7 ]}

En 1988 , Robert Tappan Morris , estudiante de la Universidad de Cornell , creó el primer virus informático . ^{[ 15 ]} Ashbaugh lo reconoció como un importante acontecimiento tecnológico y cultural, donde la información informática podía crearse, luego ser manipulada y eliminada. Lo percibió como un cambio de paradigma : la información nunca volvería a ser la misma. Recordando el borrado del dibujo de Willem de Kooning por Robert Rauschenberg, Ashbaugh se embarcó en la creación de una serie de obras de gran formato en negro y fluorescentes, utilizando las imágenes visuales que surgían tras un ataque de virus, o, en sus propias palabras, «un nuevo comienzo». ^{[ 16 ]} Las obras fueron pintadas con esmalte industrial brillante para suelos y epoxi , y parecían pantallas de televisión en blanco con cartas de colores insertadas en el borde superior o inferior del marco. Posteriormente, realizó exposiciones individuales en la Galería Marisa del Re, la Galería Paul Kasmin y el IVAM (Valencia, España). ^{[ 7 ]}

El Proyecto Genoma Humano , lanzado en 1990 por James Watson y Craig Venter, le dio a Ashbaugh la idea de las Pinturas de Manchas Genéticas. Utilizó veladuras de color, aludiendo a las pinturas de manchas de Morris Louis y a sutiles marcas en lienzos de gran formato.

Cuando el historiador y crítico de arte Robert Rosenblum vio por primera vez esta obra en 1990, comentó: "¿Por qué querría alguien hacer pinturas con manchas ahora?". ^{[ 17 ]} Ashbaugh le recordó al crítico que ya en 1946, Barnett Newman había pintado una obra titulada "El momento genético". ^{[ 18 ]} Ashbaugh ejecutó estas pinturas en varios estudios improvisados ​​al aire libre debido a la extrema toxicidad de las pinturas utilizadas.

Las pinturas de manchas genéticas se exhibieron en la Academia Nacional de Ciencias , ^{[ 19 ]} la Galería Marisa del Re, ^{[ 20 ]} la Galería Paul Kasmin y el IVAM. Microsoft Corporation , el Lincoln Center y las colecciones de arte del Departamento de Estado en las embajadas adquirieron ediciones impresas . ^{[ 7 ]}

En 1992 se publicó un libro fruto de la colaboración entre el fundador del cyberpunk, William Gibson, y Dennis Ashbaugh, en dos ediciones limitadas (Deluxe y Pequeña), titulado Agrippa (A Book of the Dead) . El libro incluía grabados en aguatinta (Ashbaugh) y un poema (Gibson).

Véase la entrada correspondiente en Wikipedia: Agrippa (El libro de los muertos).

A principios de la década de 1990, se debatió ampliamente en las comunidades forenses y científicas, así como en la cultura en general, sobre qué fracción de ADN era necesaria para realizar un análisis preciso de ascendencia, raza y origen. Trabajando al aire libre, Ashbaugh se percató de que el óxido, así como los elementos del sol, la lluvia ácida y la nieve, provocaban una descomposición entrópica . Utilizó polvo de acero Corten y pigmentos fluorescentes fugitivos, que se degradan con los rayos ultravioleta, sobre grandes lienzos y los dejó al aire libre durante un año. Los componentes se transformaron en una rica pátina oxidada sobre lienzos de 108”x108”. Estas obras se asemejaban a pinturas usadas y hacían alusiones a las pinturas de Anselm Kieffer y Julian Schnabel , y fueron exhibidas en la Galería Marisa del Re y en el IVAM . ^{[ 7 ]}

Los temas de privacidad e identidad se convirtieron en una profunda preocupación para Ashbaugh. En 2006, la empresa 23andMe comenzó a vender kits de ADN para investigación genealógica —estudios de herencia individual para uso doméstico—, acumulando enormes cantidades de datos. Más tarde, en el Instituto Whitehead de Cambridge, Massachusetts, Ashbaugh conoció a Yaniv Erlich, un científico israelí cuyo laboratorio acababa de determinar que ninguna información genética es privada y que cualquiera puede acceder a ella.

Ashbaugh había estado pintando grandes obras de ADN con colores saturados, como las aguadas de su serie anterior. Cada una de las pinturas de colores brillantes que representaban una secuencia genética humana típica estaba ahora cubierta con camuflaje, de modo que no se podía determinar con precisión ninguna lectura adecuada de la secuencia. ^{[ 21 ]}

Esta serie se mostró en el IVAM de Valencia, España, como parte de la importante retrospectiva de Ashbaugh de 2007 organizada por la crítica Barbara Rose, ^{[ 22 ]} y en la Academia Nacional de Ciencias. ^{[ 7 ] [ 23 ]}

Es el compañero de toda la vida de la autora Alexandra Penney . El New York Times lo ha descrito como un "exsurfista carismático cuya agenda de contactos probablemente podría competir con la de la jet set más agresiva". ^{[ 24 ]}

• Beneficiaria de la beca de la Fundación Barnett y Annalee Newman (2024-2025).
• Primer lugar, Concurso de Diseño de Arquitectura Olímpica de Estados Unidos (1996) ^{[ 25 ]}
• Beca de la Fundación John Simon Guggenheim (1976)
• CAPS, Consejo Estatal de las Artes de Nueva York (1975) ^{[ 26 ]}

Fuente: ^{[ 27 ]}

• Institut Valencia d'Art Modern IVAM (una retrospectiva de obras), Valencia, España (2007)
• Academia Nacional de Ciencias, Washington, DC (2006)
• Galería Margulies-Taplan, Miami, FL (1994)
• Marisa, Galería del Re, Nueva York, NY (1993)
• Ediciones Goode Crowley, Houston, TX (1993)
• La Sociedad de las Américas, Nueva York, NY (1992)
• Galería del entresuelo del Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY (1992)
• La cocina, Nueva York, NY (1992)
• Galería Margulies-Taplan, Miami, FL (1990)
• Galería Paul Kasmin, Nueva York, Nueva York (1990)
• Galería Paul Kasmin, Nueva York, Nueva York (1989)
• Galería Charles Cowles, Nueva York, Nueva York (1982)
• Galería Richard Gray, Chicago, IL (1982)
• Galería Charles Cowles, Nueva York, Nueva York (1982)
• Galería Kasmin-Knoedler, Londres, Inglaterra (1981)
• Galería Charles Cowles, Nueva York, Nueva York (1980)
• Galería Janie C. Lee, Houston, TX (1980)
• Galerie Farideh Cadot, París, Francia (1979)
• PS I, Salas de Proyectos de Long Island City, Nueva York (1977)
• Museo de Arte de Seattle, Seattle, WA (1976)
• Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, NY (1975)
• Galleri Ostergren, Malmö, Suecia (1972)
• Museo de Arte del Puerto de Newport, Newport Beach, California (1971)
• Galería Farideh Cadot, París, Francia (1970)
• Museo de Arte Contemporáneo de La Jolla, La Jolla, California (1970)

Fuente: ^{[ 28 ]}

• Museo de Arte de Boca Ratón, Florida
• Museo de Brooklyn, Nueva York
• Banco Nacional Crocker, San Francisco, California
• Universidad Drew, Madison, Nueva Jersey
• First City Bank, Houston, TX
• Primer Banco Nacional de Minnesota, MN
• First National City Bank, Nueva York, NY
• Museo de la Universidad Internacional de Florida, Florida
• General Electric Co., Nueva York, NY
• Museo de Arte Getty de Londres, Malibú, California
• Compañía Papelera Gilman, St. Mar's, GA
• Fundación Gulbenkian, Lisboa, Portugal
• Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn, Washington, D.C.
• Museo de Bellas Artes de Houston, Houston, Texas
• Universidad Estatal de Illinois, Normal, IL
• Publicaciones Knight Rider, Miami, Florida
• Centro Lincoln para las Artes Escénicas, Nueva York, NY
• Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, California
• Museo de Arte Lowe, Miami, Florida
• Fabricantes Hanover Trust, Nueva York
• Martin Z. Margulies, Grove Island, Coconut Grove, Florida
• Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
• Museo de Arte Moderno, Teherán, Irán
• Galería Nacional de Arte, Washington, DC
• Museo de Arte del Puerto de Newport, California
• Biblioteca Pública de la Ciudad de Nueva York, NY
• Owens Corning, Nueva York, NY
• Queensborough College, Bayside, Nueva York
• Rolls Royce, Inc., Nueva York, NY
• Museo de Arte de San Francisco, San Francisco, California
• Banco First National de Seattle, Seattle, WA
• Museo de Arte Contemporáneo de Seattle, Seattle, WA
• Security Pacific Bank, Los Ángeles, California
• Museo de Arte de la Universidad de Stanford, Palo Alto, California
• La Fundación Suiza de Arte, Suiza
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• Dennis Ashbaugh en Wingate Studio
• Sitio web de Dennis Ashbaugh