Rainer Werner Fassbinder

Filmada en blanco y negro con un presupuesto ínfimo en abril de 1969, la primera película de larga duración de Fassbinder, El amor es más frío que la muerte (1969) ( Liebe ist kälter als der Tod ), fue una deconstrucción de las películas de gánsteres estadounidenses de las décadas de 1930, 1940 y 1950. Fassbinder interpreta el papel principal de Franz, un proxeneta de poca monta que se debate entre su amante Joanna, una trabajadora sexual interpretada por Hanna Schygulla, y su amigo Bruno, un gánster enviado tras Franz por el sindicato al que se ha negado a unirse. Joanna informa a la policía de un robo a un banco que los dos hombres han planeado. Bruno muere en el tiroteo, pero Franz y Joanna escapan. ^{[ 31 ] [ 32 ]}

Love Is Colder Than Death es una película discreta con un tono sobrio, secuencias largas, actuaciones poco naturalistas y escasos diálogos. ^{[ 33 ] [ 34 ]} El éxito no fue inmediato. Love Is Colder Than Death tuvo una mala acogida en su estreno en el Festival de Cine de Berlín . Sin embargo, la película ya muestra los temas que permanecerían presentes en la obra posterior del director: la soledad, el anhelo de compañía y amor, y el miedo y la realidad de la traición. ^{[ 35 ]}

La segunda película de Fassbinder, Katzelmacher (1969; el título es un término peyorativo bávaro para referirse a un trabajador extranjero del Mediterráneo), fue recibida de forma más positiva, obteniendo cinco premios tras su estreno en Mannheim . Presenta a un grupo de parejas jóvenes, desarraigadas y aburridas, que pasan gran parte del tiempo charlando ociosamente, alardeando sin sentido, bebiendo, jugando a las cartas, intrigando o simplemente sin hacer nada. La llegada de Jorgos, un trabajador inmigrante de Grecia, despierta la curiosidad de las mujeres y el antagonismo entre los hombres que viven en un bloque de apartamentos en las afueras de Múnich. ^{[ 36 ]} Este tipo de crítica social, con personajes alienados incapaces de escapar de las fuerzas de la opresión, es una constante en la obra de Fassbinder. Katzelmacher fue adaptada de la primera obra de teatro de Fassbinder, una pieza corta que se amplió de cuarenta minutos a largometraje, trasladando la acción de un pueblo rural a Múnich y retrasando la aparición de Jorgos. ^{[ 37 ]}

Dioses de la peste ( Götter der Pest ) es una sombría película de gánsteres ambientada en invierno, rodada principalmente en interiores y de noche. El personaje de Franz (de la primera película de Fassbinder, pero ahora interpretado por Harry Baer ) sale de prisión, pero vuelve a juntarse con malas compañías. Se une a su mejor amigo, un criminal bávaro negro que mató a su hermano, para asaltar un supermercado. Ambos son traicionados por Joanna, la despechada amante de Franz, quien avisa a la policía. Franz muere y la película termina con su lacónico funeral. ^{[ 38 ]}

Similar en trama y personajes a Love is Colder than Death (1969) y The American Soldier (1970), el tema del amor homoerótico de Gods of the Plague reaparecería repetidamente en las películas del director. ^{[ 39 ]}

La última de las cuatro películas que Fassbinder rodó en 1969 fue su primera en color, ¿ Por qué se vuelve loco el señor R.? (Warum läuft Herr R. Amok?) . Fue codirigida por Michael Fengler (el amigo que había sido su camarógrafo en el cortometraje El pequeño caos en 1967). Fassbinder solo esbozó los contornos de las escenas. Fengler y el reparto improvisaron los diálogos. Fassbinder afirmó que en realidad era obra de Fengler, no suya. Sin embargo, ambos recibieron conjuntamente un premio a la mejor dirección por el proyecto en el concurso del Premio del Cine Alemán de 1971, y ¿ Por qué se vuelve loco el señor R.? siempre se ha considerado una de las películas de Fassbinder. ^{[ 40 ]}

¿Por qué el señor R. se vuelve loco? retrata la vida del señor Raab, un dibujante técnico casado y con un hijo pequeño. Las presiones de la vida de clase media le pasan factura. La visita de una vecina desencadena el incidente que da título a la película. Irritado por la charla incesante entre su esposa y su amiga mientras intenta ver la televisión, el señor Raab mata a la vecina de un golpe en la cabeza con un candelabro y luego asesina a su esposa y a su hijo. El señor Raab es encontrado ahorcado en el baño de una oficina. ^{[ 41 ]}

El tema principal de la película de gánsteres El soldado americano (Der Amerikanische Soldat) es que la violencia es una expresión de amor frustrado. Un repentino y frenético estallido de pasión reprimida, la revelación del deseo y la necesidad de un amor frustrado y que llega demasiado tarde es fundamental aquí. ^{[ 42 ]} El sicario epónimo del título (en realidad un alemán, interpretado por Karl Scheydt) es un asesino a sueldo a sangre fría, que regresa de Vietnam a su Múnich natal, donde es contratado por tres policías renegados para deshacerse de varios indeseables. Finalmente, termina matando a la novia de uno de los policías con su amigo Franz Walsh (Fassbinder). La película termina con la música de la canción "Tanta ternura", escrita por Fassbinder e interpretada por Gunther Kaufmann. El soldado americano es la tercera y última entrega de la trilogía informal de películas de gánsteres de Fassbinder formada por El amor es más frío que la muerte y Dioses de la peste . Rinde homenaje al género de gánsteres de Hollywood y también alude a las narrativas raciales del gótico sureño .

En El viaje de Niklashausen ( Die Niklashauser Fahrt ), Fassbinder coescribe y codirige con Michael Fengler. Esta película vanguardista, encargada por la cadena de televisión WDR, se rodó en mayo de 1970 y se emitió en octubre del mismo año. ^{[ 43 ]} El viaje de Niklashausen se basó libremente en la vida real de Hans Boehm , un pastor que en 1476 afirmó que la Virgen María lo llamó para fomentar una revuelta contra la iglesia y las clases altas. A pesar de un éxito temporal, los seguidores de Boehm fueron finalmente masacrados y él fue quemado en la hoguera. ^{[ 43 ]} La intención de Fassbinder era mostrar cómo y por qué fracasan las revoluciones. ^{[ 44 ]} Su enfoque fue comparar la agitación política y sexual de la Alemania feudal con la del movimiento contracultural y las protestas de 1968 . Fassbinder no especificó el marco temporal de la acción, mezclando elementos medievales (incluidos algunos vestuarios, escenarios, diálogos y música) con otros de diferentes épocas, como la Revolución Rusa, el período rococó , la Alemania de posguerra y el Tercer Mundo . ^{[ 44 ]}

El viaje de Niklashausen , influenciado por Weekend de Jean-Luc Godard y Antonio das Mortes de Glauber Rocha , consta de apenas una docena de escenas, la mayoría de las cuales son cuadros teatrales donde los personajes permanecen inmóviles y la cámara salta de un orador a otro, o bien son planos donde los personajes caminan de un lado a otro mientras pronuncian discursos revolucionarios sobre las luchas marxistas y debaten sobre teorías económicas. ^{[ 45 ]}

Ambientada en 1876, Whity se centra en el personaje principal, un mulato que trabaja como sirviente servil en la mansión de una familia disfuncional del sur de Estados Unidos. Es hijo ilegítimo del patriarca de la familia y del cocinero negro. Whity intenta cumplir todas sus órdenes, por humillantes que sean, hasta que varios miembros de la familia le piden que mate a algunos de los demás. Finalmente, los asesina a todos y huye al desierto con una prostituta del bar local.

La película se rodó en Almería , España, en formato panorámico, en localizaciones construidas para los westerns de Sergio Leone . Su producción fue particularmente traumática para el reparto y el equipo técnico. Whity , una mezcla de western europeo y melodrama del sur de Estados Unidos, recibió pésimas críticas y se convirtió en el mayor fracaso de Fassbinder. La película no se estrenó en cines ni hubo interés en emitirla por televisión. Por consiguiente, Whity solo se proyectó en su estreno. Permaneció inédita hasta la década de 1990, cuando comenzó a exhibirse; ahora, como casi todas las películas de Fassbinder, está disponible en DVD.

Rio das Mortes es una comedia extravagante que narra la historia de dos jóvenes sin futuro que intentan recaudar dinero para cumplir su sueño de encontrar un tesoro enterrado en Perú utilizando un mapa del Río das Mortes . La novia de uno de ellos considera la idea absurda y quiere impedirlo, pero finalmente los dos amigos encuentran una mecenas que financia su aventura. ^{[ 46 ]}

Basada en una idea de Volker Schlöndorff , Rio das Mortes se filmó en enero de 1970 después de Why Does Herr R. Run Amok?, [ ^{41 ] pero} se emitió por televisión un año después, en febrero de 1971. ^{[ 47 ]} La ​​película se siente construida de manera informal; el humor es insípido y la trama ha sido criticada por su descuido y el pobre desarrollo de los personajes. ^{[ 48 ] [ 49 ]} Rio das Mortes es recordada principalmente por una escena sin relación con la trama, en la que la novia, interpretada por Schygulla, baila al ritmo de " Jailhouse Rock " de Elvis Presley en la máquina de discos en compañía de un joven torpe con chaqueta de cuero, interpretado por Fassbinder. ^{[ 49 ]}

Pioneros en Ingolstadt (Pioniere in Ingolstadt) es una adaptación de la obra homónima de Marieluise Fleißer, escrita en 1927. ^{[ 50 ]} Narra la historia de dos jóvenes cuyas vidas se transforman cuando los ingenieros del ejército (los pioneros del título) llegan a su ciudad para construir un puente. Una de ellas coquetea con los soldados, pero su amiga se enamora solo para ser abandonada. ^{[ 51 ]}

Filmada en noviembre de 1970, Pioneros en Ingolstaldt fue encargada para televisión. Fassbinder quería trasladar la trama de la década de 1920 a la Alemania contemporánea, pero los productores, temiendo ofender al ejército alemán, se negaron. Un compromiso no satisfizo a ninguna de las partes, y a mitad del proyecto Fassbinder perdió el interés. ^{[ 50 ]} La película se resintió como consecuencia y se encuentra entre las películas más flojas de Fassbinder. ^{[ 45 ] [ 52 ] [ 53 ]}

Las tensiones y la amargura que rodearon la realización de Whity llevaron a Fassbinder a desmantelar el proyecto colectivo del Anti-Teatro como productora. En su lugar, fundó su propia productora: Tango Films. ^{[ 52 ]} Pioneros en Ingolstadt , aunque se emitió antes del estreno en cines de ¡Cuidado con la santa puta !, fue la última película que Fassbinder realizó durante su período formativo. Al año siguiente, 1971, Fassbinder rodó solo una película: El mercader de las cuatro estaciones . ^{[ 52 ] [ 54 ] [ 55 ] [ 56 ]}

Cuidado con la santa puta se basó, como muchas de las películas de Fassbinder, en una experiencia personal: el rodaje de su anterior película, el western revisionista Whity (1970). La película muestra a un director ególatra, acosado por una producción estancada, actores temperamentales y un equipo frustrado. Cuando se le pregunta de qué trata la película que está haciendo, responde: "brutalidad". La película termina con una ironía típica de Fassbinder, cuando el equipo se confabula contra el director. Cuidado con la santa puta marcó el final del período vanguardista de Fassbinder. Presentó una autocrítica tan amarga y radical que sus futuras películas tendrían que ser muy diferentes de las anteriores. Después de rodar diez películas en poco más de un año (esta película se filmó solo unos meses después de Whity ) en un frenético estallido de creatividad, su impulso anticinematográfico y antiteatral pareció llegar a su fin.

Fassbinder obtuvo su primer éxito comercial en Estados Unidos con El mercader de las cuatro estaciones ( Händler der vier Jahreszeiten , 1971). ^{[ 57 ]} La película retrata a un matrimonio que vende fruta. Hans sufre el rechazo de su familia tras agredir violentamente a su esposa por no someterse a su voluntad. Ella lo abandona, pero después de que él sufre un infarto se reconcilian, aunque ahora él tiene que emplear a otros hombres. Su limitada capacidad para funcionar lo lleva a reflexionar sobre su propia futilidad. Literalmente, muere a causa del alcoholismo.

El mercader de las cuatro estaciones utiliza el melodrama como estilo para crear estudios críticos de la vida alemana contemporánea para un público general. Fue el primer intento de Fassbinder de crear lo que declaró que anhelaba: una declaración cinematográfica de la condición humana que trascendiera las fronteras nacionales, como lo habían hecho las películas de Michelangelo Antonioni , Ingmar Bergman y Federico Fellini . ^{[ 58 ]} También es su primera constatación de lo que aprendió de Sirk: que las personas, por pequeñas que sean, y sus emociones, por insignificantes que parezcan, podían ser grandiosas en la pantalla de cine. ^{[ 58 ]}

La soledad es un tema recurrente en la obra de Fassbinder, junto con la idea de que el poder se convierte en un factor determinante en todas las relaciones humanas. Sus personajes anhelan el amor, pero parecen condenados a ejercer un control, a menudo violento, sobre quienes los rodean. Un buen ejemplo es Las amargas lágrimas de Petra von Kant ( Die bitteren Tränen der Petra von Kant , 1972), adaptación teatral de Fassbinder. La protagonista es una diseñadora de moda que vive en un mundo de fantasía creado por ella misma, y ​​la acción se desarrolla principalmente en su opulenta habitación. Tras el fracaso de su segundo matrimonio, Petra se enamora perdidamente de Karin, una astuta joven de clase trabajadora que aspira a una carrera como modelo. La explotación que la modelo ejerce sobre Petra refleja el extraordinario abuso psicológico que Petra inflige a su silenciosa asistente, Marlene. Fassbinder retrata el lento desmoronamiento de estas relaciones como inevitable, y sus actrices (no hay hombres en la película) se mueven de una manera lenta, casi hipnótica, que insinúa un vasto mundo de anhelo bajo la hermosa y frágil superficie.

Jail Bait ( Wildwechsel , 1972), también conocida como Wild Game , es una historia sombría de angustia adolescente, ambientada en el norte industrial de Alemania durante la década de 1950. Como en muchas otras de sus películas, Fassbinder analiza la vida de la clase media baja con personajes que, incapaces de articular sus sentimientos, los entierran en frases insulsas y actos violentos. ^{[ 59 ]} El amor se convierte en una lucha de poder de engaño y traición. La historia se centra en Hanni, una precoz estudiante de 14 años que comienza una relación con Franz, un trabajador de 19 años en una planta procesadora de pollos. Su romance enfrenta la oposición de los padres conservadores de la chica. Franz es sentenciado a nueve meses de prisión por tener relaciones sexuales con una menor. Cuando es liberado en libertad condicional, continúan su relación y Hanni queda embarazada. Temerosa de la ira de su padre, persuade a Franz para que lo mate. Cuando Franz regresa a prisión por este asesinato, Hanni le dice que su hijo murió al nacer y que su amor era "solo físico". ^{[ 60 ]}

Originalmente realizada para la televisión alemana, Jail Bait se basó en una obra de teatro de Franz Xaver Kroetz , quien se opuso vehementemente a la adaptación de Fassbinder, calificándola de pornográfica. ^{[ 61 ]} La crudeza de su temática avivó la controversia.

Su única película de ciencia ficción , World on a Wire ( Welt am Draht , 1973), supuso un cambio para Fassbinder. Adaptación de la novela pulp de ciencia ficción Simulacron-3 de Daniel F. Galouye , se realizó como una producción de dos partes y 205 minutos para televisión, utilizando película de 16 mm , durante un receso de la larga producción de Effi Briest y el mismo año que Martha and Ali: Fear Eats the Soul .

Una historia de realidades dentro de realidades, World on a Wire sigue a un investigador que trabaja en el instituto de cibernética y ciencia del futuro, quien comienza a investigar la misteriosa muerte de su mentor. Se ve envuelto en la conspiración detrás de una computadora capaz de crear un mundo artificial con unidades que viven como seres humanos, sin saber que su mundo es solo una proyección informática. Realizada en el París contemporáneo, la película se inspiró estilísticamente en Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard y, en su temática de humanos artificiales que anhelan alcanzar la vida real, anticipó Blade Runner (1982) de Ridley Scott . ^{[ 62 ]}

Fassbinder alcanzó el éxito internacional con *El miedo devora el alma* ( Angst essen Seele auf , 1974). Esta película se rodó en 15 días en septiembre de 1973 con un presupuesto muy bajo, siendo una de las más rápidas y económicas de Fassbinder. Sin embargo, su impacto en la carrera de Fassbinder y en su distribución internacional sigue siendo indiscutible, consolidándose como una obra grandiosa e influyente. Ganó el Premio de la Crítica Internacional en Cannes y fue aclamada por la crítica internacional como una de las mejores películas de 1974.

La novela Fear Eats the Soul se inspiró libremente en All That Heaven Allows (1955) de Sirk . Narra la cruel reacción de la familia y la comunidad ante una anciana limpiadora blanca y solitaria que se casa con un trabajador inmigrante marroquí negro, musculoso y mucho más joven. Ambos se sienten atraídos el uno por el otro debido a su mutua soledad. Cuando su relación se hace pública, experimentan diversas formas de hostilidad y rechazo público. Gradualmente, su relación se tolera, no por una aceptación genuina, sino porque quienes rodean a la bondadosa anciana se dan cuenta de que su capacidad para explotarla está amenazada. A medida que las presiones externas sobre la pareja comienzan a disminuir, afloran los conflictos internos.

Los personajes principales de Fassbinder suelen ser ingenuos, hombres o mujeres, a quienes se les desengaña de sus ilusiones románticas de forma brusca, a veces incluso violenta. Filmada en 16 mm y realizada para televisión, Martha (1974) es un melodrama sobre la crueldad en un matrimonio tradicional.

La trama se centra en el personaje principal, una bibliotecaria solterona. Poco después de la muerte de su padre durante unas vacaciones en Roma , Martha conoce a un adinerado ingeniero civil que la enamora perdidamente. Se reencuentran en una boda en su ciudad natal, Constanza , y pronto se casan. Sin embargo, su vida matrimonial se convierte en un ejercicio de sadismo por parte de su marido y en una tortura para Martha. Su esposo le demuestra su deseo de forma violenta, dejándole marcas en el cuerpo. Controla obsesivamente su vida, su alimentación, sus gustos musicales y sus intereses, hasta que la confina a su casa. El deseo inicial de Martha de ser querida por su marido opresor y abusivo la lleva a tal extremo que enloquece, lo que la lleva a una parálisis física permanente.

Effi Briest fue la película soñada de Fassbinder y aquella en la que invirtió más trabajo. Si bien normalmente tardaba entre nueve y veinte días en hacer una película, esta vez requirió 58 días de rodaje, extendiéndose a lo largo de dos años. ^{[ 63 ]} La película es una obra de época adaptada de la novela clásica de Theodor Fontane de 1894, que trata sobre las consecuencias del amor traicionado. Ambientada en la cerrada y represiva sociedad prusiana de la era de Bismarck , la película pinta un retrato del destino de una mujer completamente ligado a un código de conducta social inflexible y absolutamente implacable. La trama sigue la historia de Effi Briest, una joven que busca escapar de su asfixiante matrimonio con un hombre mucho mayor iniciando un breve romance con un encantador soldado. Seis años después, el marido de Effi descubre su romance con trágicas consecuencias.

La película sirvió de escaparate para la musa y actriz favorita de Fassbinder, Hanna Schygulla , cuyo estilo interpretativo distante encajaba a la perfección con los papeles que el director creó para ella. Fassbinder la convirtió en una estrella, pero las diferencias artísticas surgidas durante el rodaje de Effi Briest provocaron una ruptura que duró varios años, hasta que Fassbinder la volvió a llamar para que interpretara el papel de Maria Braun.

«Como un pájaro en un alambre » ( Wie ein Vogel auf dem Draht ) es una producción televisiva de cuarenta minutos protagonizada por Brigitte Mira , la actriz principal de « El miedo devora el alma» , quien interpreta canciones de cabaret y baladas románticas de los años 40 y 50. Entre canción y canción, bebe y habla de sus maridos. El título está tomado de la canción « Bird on the Wire » de Leonard Cohen , con la que finaliza el programa.

Fassbinder consideró este proyecto "un intento de hacer un programa sobre la era Adenauer . Para nosotros, desde luego, no fue del todo exitoso. Pero la película sí revela la absoluta repulsión y el sentimentalismo de la época", explicó. ^{[ 64 ]}

Muchas de las películas de Fassbinder tratan sobre la homosexualidad, en consonancia con su interés por los personajes marginados socialmente, pero se distanció de la mayoría de las representaciones de homosexuales en el cine. En una entrevista en el Festival de Cannes de 1975 , Fassbinder dijo sobre Fox y sus amigos : «Sin duda, es la primera película en la que los personajes son homosexuales, sin que la homosexualidad se convierta en un problema. En películas, obras de teatro o novelas, si aparecen homosexuales, la homosexualidad era el problema o un recurso cómico. Pero aquí la homosexualidad se muestra como algo completamente normal, y el problema es algo muy distinto: es una historia de amor, donde una persona explota el amor de la otra, y esa es la historia que siempre cuento». ^{[ 65 ]}

En «El zorro y sus amigos» ( Faustrecht der Freiheit , 1974), un homosexual obrero, dulce pero ingenuo, gana la lotería y se enamora del elegante hijo de un industrial. Su amante intenta convertirlo en un reflejo de los valores de la clase alta, mientras se apropia del premio de lotería de Fox para sus propios fines. Finalmente, destruye las ilusiones de Fox, dejándolo desconsolado y en la indigencia.

Fassbinder trabajó dentro de los límites del melodrama hollywoodiense, aunque la película se basa parcialmente en la difícil situación de su entonces amante, Armin Meier (a quien está dedicada). La película destaca por la interpretación de Fassbinder como el desafortunado Fox, en un papel protagónico que él mismo dirigió.

Algunos consideran que Fox y sus amigos es homofóbica y otros, excesivamente pesimista. ^{[ 66 ]} Sorprendentemente, los homosexuales de la película no se diferencian en nada de los heterosexuales igualmente lascivos. El pesimismo de la película queda ampliamente contrarrestado por la acusación de Fassbinder a Fox como participante activo en su propia victimización, una crítica recurrente en muchas de las películas del director.

En El viaje de la madre Küsters al cielo ( Mutter Küsters Fahrt zum Himmel ), un melodrama , Emma Küsters se convierte en el centro de atención mediática y política después de que su esposo, un obrero, matara a su supervisor o al hijo de este y luego se suicidara cuando se anunciaron los despidos. La película se inspiró tanto en los melodramas de Sirk como en las películas obreras de la época de Weimar, conectando ambos géneros para contar una historia de maduración política sobre la madre Küsters, quien busca comprender qué llevó a las acciones de su esposo y cómo responder. ^{[ 67 ]} La película critica duramente la política y los medios de comunicación de la época, ya que las personas a las que Emma Küsters recurre la explotan a ella y a su experiencia. Los medios, los comunistas, los anarquistas e incluso sus propios familiares se aprovechan de la tragedia de la madre Küsters para promover sus propios intereses.

Producida para la televisión alemana, El miedo al miedo ( Angst vor der Angst ) es un drama psicológico sobre un ama de casa de clase media, atrapada en una vida monótona con un marido distraído, dos hijos pequeños y unos suegros abiertamente hostiles. Se vuelve adicta al Valium y al alcohol, abrumada por una ansiedad irracional y el miedo a su inexorable descenso a la locura.

Fear of Fear tiene una temática similar a Martha , que también retrata el efecto de un matrimonio disfuncional en un ama de casa oprimida. El papel principal fue interpretado nuevamente por Margit Carstensen .

Solo quiero que me ames ( Ich will doch nur, daß ihr mich liebt , 1976) cuenta la historia de Peter, un obrero de la construcción encarcelado por homicidio. Su vida se narra a través de una serie de flashbacks. Peter, un hombre trabajador, dedica su tiempo libre a construir una casa para sus padres, fríos y desapasionados. Se casa y encuentra trabajo en otra ciudad, pero en su desesperado anhelo de afecto intenta comprar el cariño de quienes lo rodean con regalos caros, lo que pronto lo sume en una espiral de deudas. Cuando ve reflejado su propio amor no correspondido por sus padres durante una discusión en un bar, asesina a un hombre que actúa como sustituto de su padre.

La película fue realizada para televisión y filmada durante un descanso en el rodaje de Satan's Brew . Basada en un relato real extraído de For Life , un libro de entrevistas editado por Klaus Antes y Christiane Erhardt, recoge las reflexiones personales de Fassbinder sobre su infancia y adolescencia.

En un momento de crisis profesional, Fassbinder realizó * Satansbraten* ( 1976), una comedia amoral y sombría que rinde homenaje al teatro de la crueldad de Antonin Artaud . Alejada estilísticamente de los melodramas que lo hicieron conocido internacionalmente, *Satansbraten* marcó el comienzo de una nueva etapa en su carrera. En *Satansbraten* , un poeta neurótico con bloqueo creativo lucha por llegar a fin de mes mientras lidia con una esposa frustrada y sufrida, un hermano con discapacidad intelectual y diversas prostitutas y mujeres masoquistas que entran y salen de su vida. Se convence a sí mismo de ser la reencarnación del poeta romántico gay Stefan George (1868-1933) tras plagiar su poema * El Albatros* . ^{[ 68 ]}

Ruleta china ( Chinesisches Roulette ) es un thriller gótico con un reparto coral. La película sigue a Angela, una niña discapacitada de doce años que, debido a la falta de afecto de sus padres, organiza un encuentro entre ellos y sus respectivas amantes en la finca familiar. La película culmina con un juego de adivinanzas. Los jugadores se dividen en dos equipos, que se turnan para elegir a un miembro del otro equipo y hacerle preguntas sobre personas y objetos. El juego se juega a sugerencia de Angela, quien juega contra su madre. Cuando la madre pregunta: "¿En el Tercer Reich , qué habría sido esa persona?", la respuesta de Angela es "Comandante del campo de concentración de Bergen-Belsen "; es a su madre a quien describe. ^{[ 69 ]}

En las películas de Fassbinder no hay finales felices. Sus protagonistas, generalmente hombres o mujeres débiles con tendencias masoquistas, pagan un alto precio por su victimización. La esposa del jefe de estación ( Bolwieser ) está basada en la novela de 1931, Bolwieser: La novela de un marido, del escritor bávaro Oskar Maria Graf . La trama sigue la caída de Xaver Bolwieser, un jefe de estación sometido a la voluntad de su esposa dominante e infiel, cuyas repetidas infidelidades arruinan por completo la vida de Bolwieser. Emitida inicialmente como una miniserie de televisión de dos partes, La esposa del jefe de estación se redujo a un largometraje de 112 minutos y se estrenó en el primer aniversario de la muerte de Fassbinder. La película está protagonizada por Kurt Raab , amigo íntimo de Fassbinder, a quien el director solía elegir para interpretar a un hombre patético. Raab también fue el diseñador de producción de las películas de Fassbinder hasta que su amistad y relación profesional se rompieron tras el rodaje de esta película. ^{[ 70 ]}

Alemania en otoño (Deutschland im Herbst) es una película colectiva , fruto del trabajo de ocho cineastas alemanes, entre ellos Fassbinder, Alf Brustellin , Volker Schlöndorff , Bernhard Sinkel y Alexander Kluge , principal organizador del proyecto. Analizaron la ola de culpa y paranoia que afectó ala sociedad y a las autoridades de Alemania Occidental en los meses transcurridos entre el secuestro y asesinato del industrial Hanns Martin Schleyer por miembros de la Fracción del Ejército Rojo y las muertes de Andreas Baader , Gudrun Ensslin y Jan-Carl Raspe en la prisión de Stammheim . La película es un documento sobre el terrorismo y sus consecuencias sociopolíticas. Comienza con el velatorio de Schleyer, un segmento filmado por Alexander Kluge y Volker Schlöndorff, y finaliza con el tumultuoso funeral conjunto de Baader, Ensslin y Raspe en Stuttgart.

Fassbinder realizó tres películas en inglés, idioma que no dominaba: Despair (1978), Lili Marleen (1980) y Querelle (1982). Las tres películas cuentan con actores internacionales y son muy ambiciosas, pero cada una enfrentó problemas artísticos y comerciales. ^{[ 71 ]} Despair está basada en la novela homónima de Vladimir Nabokov de 1936 , adaptada por Tom Stoppard y protagonizada por Dirk Bogarde . Se realizó con un presupuesto de 6.000.000 DEM , superando el costo total de las primeras 15 películas de Fassbinder.

Desesperación: Un viaje hacia la luz ( Despair – Eine Reise ins Licht ) narra la historia de Hermann Hermann, un exiliado ruso y magnate del chocolate, desequilibrado, cuyos negocios y matrimonio se han vuelto amargos. La fábrica está al borde de la bancarrota y su vulgar esposa le es infiel crónicamente. Hermann urde un elaborado plan para adoptar una nueva identidad, convencido de que así se librará de todas sus preocupaciones. La historia del descenso de Hermann a la locura se contrapone al auge del nacionalsocialismo en la Alemania de la década de 1930.

En un año de trece lunas ( In einem Jahr mit 13 Monden , 1978) es la obra más personal y sombría de Fassbinder. La película sigue la trágica vida de Elvira, una transexual antes conocida como Erwin. En los últimos días antes de su suicidio, decide visitar a algunas de las personas y lugares importantes en su vida. En una secuencia, Elvira deambula por el matadero donde trabajó como Erwin, relatando su historia entre los cadáveres de ganado enganchados en ganchos de carne cuyas gargantas cortadas hacen llover sangre sobre el suelo. ^{[ 72 ]} En otra escena, Elvira regresa al orfanato donde fue criada por monjas y escucha la brutal historia de su infancia. La cámara de Fassbinder sigue a la monja (interpretada por su madre) contando la historia de Elvira; Se mueve con una especie de precisión militar por los terrenos, relatando la historia con todo lujo de detalles, sin saber que Elvira se había desmayado y ya no podía oírla.

En un año de trece lunas fue explícitamente personal, una reacción al suicidio de su antiguo amante, Armin Meier. ^{[ 73 ]} Además de escribir, dirigir y editar, Fassbinder también diseñó la producción y trabajó como camarógrafo. Cuando la película se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 1979, el crítico Vincent Canby (quien defendió la obra de Fassbinder en Estados Unidos) escribió: «Su único mérito es su genialidad». ^{[ 74 ]}

Con El matrimonio de Maria Braun ( Die Ehe der Maria Braun ), su mayor éxito, Fassbinder finalmente logró la aceptación popular que buscaba entre el público alemán. El personaje principal es una mujer ambiciosa y de carácter fuerte, separada de su marido hacia el final de la Segunda Guerra Mundial. La trama sigue el ascenso constante de Maria Braun como una exitosa empresaria durante la era Adenauer . El sueño de Maria de una vida feliz con su marido permanece incumplido. Sus logros profesionales no van acompañados de felicidad personal. ^{[ 75 ]} La película, construida en la tradición hollywoodense de las "películas para mujeres" que presentan a una mujer superando adversidades, sirve también como parábola del milagro económico de Alemania Occidental, encarnado en el personaje de Maria Braun. Su historia de manipulación y traición guarda paralelismo con la espectacular recuperación económica de Alemania tras la guerra en términos de su coste en valores humanos. ^{[ 76 ]}

La película fue la primera parte de una trilogía centrada en las mujeres durante el " milagro económico " de la posguerra, que se completó con Lola (1981) y Veronika Voss (1982).

El éxito económico de El matrimonio de Maria Braun permitió a Fassbinder pagar sus deudas y embarcarse en un proyecto personal, La tercera generación ( Die Dritte Generation , 1979), una comedia negra sobre terrorismo. A Fassbinder le resultó difícil conseguir financiación para esta película, que finalmente se realizó con un presupuesto reducido y dinero prestado. ^{[ 77 ]} Al igual que con En un año de trece lunas , Fassbinder volvió a trabajar como director de fotografía. ^{[ 78 ]}

La película trata sobre un grupo de aspirantes a terroristas de origen burgués de izquierda que secuestran a un industrial durante el carnaval, sin saber que han sido manipulados por el capitalismo y las autoridades, cuyo objetivo oculto es que el terrorismo genere demanda de equipos de seguridad y obtenga apoyo para medidas de seguridad más severas. Las acciones de la ineficaz célula terrorista clandestina se ven acompañadas por una banda sonora con fragmentos de noticieros, voces en off, música y balbuceos. El tema político de la película generó controversia.

Retomando sus exploraciones de la historia alemana, Fassbinder finalmente cumplió su sueño de adaptar la novela de Alfred Döblin de 1929 , Berlin Alexanderplatz . Una serie de televisión de más de 13 horas, con un epílogo de dos horas (estrenada en Estados Unidos como un largometraje de 15 horas), fue la culminación de los temas interrelacionados del director: el amor, la vida y el poder. ^{[ 79 ]}

Berlin Alexanderplatz se centra en Franz Biberkopf, un exconvicto y proxeneta de poca monta, que intenta mantenerse alejado de los problemas pero se ve arrastrado por el crimen, la pobreza y la duplicidad de quienes lo rodean. Su mejor amigo, Reinhold, le hace perder un brazo y asesina a Mieze, la novia prostituta de Franz. El triángulo amoroso entre Franz, Reinhold y Mieze se desarrolla en el contexto del creciente nazismo en Alemania. La película enfatiza la relación sadomasoquista entre Biberkopf y Reinhold, destacando su naturaleza homoerótica. Fassbinder había leído el libro a los 14 años; más tarde afirmó que le ayudó a sobrevivir a una "pubertad asesina". La influencia de la novela de Döblin se puede apreciar en muchas de las películas de Fassbinder, la mayoría de cuyos protagonistas se llaman Franz, algunos con el apellido Biberkopf, como el ingenuo ganador de la lotería de clase trabajadora en Fox and His Friends , interpretado por el propio Fassbinder. También adoptó el seudónimo de Franz Walsch para su trabajo como montador en sus propias películas: Walsch era un homenaje indirecto al director Raoul Walsh .

Fassbinder abordó el período nazi con Lili Marleen , una coproducción internacional, rodada en inglés y con un gran presupuesto. El guion se basó vagamente en la autobiografía de la cantante de la Segunda Guerra Mundial Lale Andersen , El cielo tiene muchos colores . ^{[ 80 ]} La película está construida como un gran melodrama hollywoodiense lacrimógeno que retrata la historia de amor no consumada entre una cantante de variedades alemana separada por la guerra de un compositor judío suizo. La canción que da título a la película es fundamental para la historia.

Fassbinder presenta el período de la Alemania nazi como un desarrollo predecible de la historia alemana, escenificado como un espectáculo impulsado por el odio. Filmada con una nostalgia morbosa por las esvásticas , el glamour del mundo del espectáculo y como un romance de intriga y espionaje, el tema principal de Lili Marleen es la pregunta: ¿es moralmente justificable sobrevivir bajo el nacionalsocialismo, como lo hace la ingenua cantante al tener una carrera exitosa? ^{[ 81 ]}

Theater in Trance es un documental que Fassbinder filmó en Colonia en junio de 1981 en el Festival "Teatros del Mundo". Sobre escenas de grupos como el Squat Theatre y el Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Fassbinder recitó pasajes de Antonin Artaud, además de sus propios comentarios. ^{[ 82 ]}

Lola narra la historia de un intachable inspector de obras recién llegado a un pequeño pueblo. Se enamora de Lola, sin saber que es una famosa prostituta y la amante de un promotor inmobiliario sin escrúpulos. Incapaz de conciliar su imagen idealizada de Lola con la realidad, el inspector se ve envuelto en la misma corrupción que había intentado combatir.

Fassbinder ganó el Oso de Oro en el 32.º Festival Internacional de Cine de Berlín por Veronika Voss . ^{[ 83 ]} El título original en alemán, Die Sehnsucht der Veronika Voss , se traduce como «El anhelo de Veronika Voss». Ambientada en la década de 1950, la película retrata los últimos años del personaje principal, una estrella nazi en decadencia. Un reportero deportivo queda cautivado por la desequilibrada actriz y descubre que está bajo el poder de un médico malvado que le suministra las drogas que anhela a cambio de que pague la exorbitante suma. A pesar de los esfuerzos del reportero, no logra salvarla de un final terrible. ^{[ 84 ]}

Fassbinder no llegó a ver el estreno de su última película, Querelle , basada en la novela homónima de Jean Genet . ^{[ 85 ]} La trama sigue al personaje principal, un apuesto marinero ladrón y estafador. Frustrado en una relación homoerótica con su propio hermano, Querelle traiciona a quienes lo aman y les paga incluso con un asesinato.