Música clásica indostaní

Ravana y Narada, de la tradición hindú, son músicos consumados; Saraswati, con su veena , es la diosa de la música. Los gandharvas se presentan como espíritus maestros de la música, y el estilo gandharva busca la música principalmente por placer, acompañada del soma rasa. En el Vishnudharmottara Purana , el rey naga Ashvatara pide a Saraswati que le revele los swaras .

Si bien el término raga se articula en el Natya Shastra (donde su significado es más literal, es decir "color" o "estado de ánimo"), encuentra una expresión más clara en lo que se llama Jati en el Dattilam , un texto compuesto poco después o casi al mismo tiempo que el Natya Shastra . El Dattilam se centra en la música Gandharva y analiza las escalas ( swara ), definiendo un marco tonal llamado grama en términos de 22 intervalos microtonales ( shruti ) ^{[ 3 ]} que comprenden una octava. También analiza varios arreglos de las notas ( Murchhana ), las permutaciones y combinaciones de secuencias de notas ( tanas ) y alankara o elaboración. El Dattilam clasifica la estructura melódica en 18 grupos llamados Jati , que son las estructuras melódicas fundamentales similares al raga . Los nombres de los Jatis reflejan orígenes regionales, por ejemplo Andhri y Oudichya .

La música también se menciona en varios textos del período Gupta ; Kalidasa menciona diversos tipos de veena (parivadini, vipanchi ), así como instrumentos de percusión ( mridang ), la flauta ( vamshi ) y la caracola ( shankha ). Asimismo, la música aparece en textos budistas y jainistas de los primeros tiempos de nuestra era.

El tratado Sangita Makarandha de Narada , de alrededor del año 1100 d. C., es el texto más antiguo donde se encuentran reglas similares a las de la música clásica indostaní actual. Narada, de hecho, nombra y clasifica el sistema en su forma original, antes de que las influencias persas introdujeran cambios en él. El Gita Govinda de Jayadeva , del siglo XII, fue quizás la composición musical más antigua cantada en la tradición clásica conocida como música Ashtapadi .

En el siglo XIII, Sharangadeva compuso el Sangita Ratnakara , que incluye títulos como Turushka Todi (" Todi turco "), lo que evidencia la influencia de la cultura islámica. Este texto es el último mencionado tanto por la tradición carnática como por la indostaní, y a menudo se considera que marca el inicio de la divergencia entre ambas.

La llegada del dominio islámico bajo el Sultanato de Delhi y, posteriormente, el Imperio mogol sobre el norte de la India, propició un considerable intercambio cultural. Los músicos recibieron cada vez más apoyo en las cortes de los nuevos gobernantes, quienes, a su vez, mostraron un creciente interés por las formas musicales locales. Si bien las primeras generaciones pudieron haber estado arraigadas en tradiciones culturales de fuera de la India, gradualmente adoptaron muchos aspectos de la cultura hindú de sus reinos. Esto impulsó la fusión de ideas hindúes y musulmanas, dando lugar a nuevas formas de síntesis musical como el qawwali y el khyal .

El músico más influyente del Sultanato de Delhi fue Amir Khusrau (1253-1325), compositor en persa , turco , árabe y braj bhasha . Se le atribuye la sistematización de algunos aspectos de la música indostaní y la introducción de varios ragas como Yaman Kalyan , Zeelaf y Sarpada . Creó seis géneros musicales: khyal , tarana , naqsh, gul, qaul y qalbana. Durante este periodo también se desarrollaron diversos instrumentos (como el sitar ).

A veces se atribuye a Amir Khusrau el origen del género khyal, pero el registro de sus composiciones no parece respaldar esta afirmación. Las composiciones del músico de la corte Sadarang, en la corte de Muhammad Shah, guardan una mayor afinidad con el khyal moderno. Sugieren que, si bien el khyal ya existía en alguna forma, Sadarang pudo haber sido el precursor del khyal moderno.

Gran parte de las formas musicales innovadas por estos pioneros se fusionaron con la tradición hindú, compuestas en la lengua popular (a diferencia del sánscrito) en la obra de compositores como Kabir o Nanak . Esto puede considerarse parte de una tradición Bhakti más amplia (estrechamente relacionada con el movimiento vaisnava ) que mantuvo su influencia durante varios siglos; entre las figuras más destacadas se encuentran Jayadeva (siglo XII), Vidyapati (activo hacia 1375 d. C.), Chandidas (siglos XIV-XV) y Meerabai (1555-1603 d. C.).

A medida que el Imperio mogol estrechaba su contacto con los hindúes, especialmente bajo el reinado de Jalal ud-Din Akbar , la música y la danza también florecieron. En particular, el músico Tansen introdujo varias innovaciones, incluyendo ragas y composiciones específicas. Cuenta la leyenda que, al amanecer, cuando interpretó un raga nocturno, toda la ciudad quedó sumida en un profundo silencio y las nubes se acumularon en el cielo para que pudiera encender hogueras cantando el raga "Deepak".

En la casa real de Gwalior , el Raja Mansingh Tomar (1486-1516 d. C.) también participó en la transición del sánscrito al hindi como lengua de las canciones clásicas. Él mismo compuso varios volúmenes de obras sobre temas religiosos y seculares, y fue responsable de la importante compilación Mankutuhal ("Libro de las Curiosidades"), que describía las principales formas musicales de la época. En particular, la forma musical conocida como dhrupad experimentó un desarrollo considerable en su corte y se mantuvo como un pilar fundamental de la gharana de Gwalior durante muchos siglos.

Tras la disolución del Imperio mogol, el mecenazgo musical continuó en pequeños reinos principescos como Oudh , Patiala y Banaras , dando lugar a la diversidad de estilos que hoy se conoce como gharanas . Muchas familias de músicos obtuvieron grandes extensiones de tierra que les permitieron ser autosuficientes, al menos durante algunas generaciones (por ejemplo, la gharana Sham Chaurasia ). Mientras tanto, las tradiciones Bhakti y Sufí siguieron desarrollándose e interactuando con las diferentes gharanas y grupos.

Hasta finales del siglo XIX, la música clásica indostaní se impartía de forma individual a través de la tradición guru-shishya ("mentor-discípulo"). Este sistema tenía muchas ventajas, pero también varios inconvenientes. En muchos casos, el shishya debía dedicar la mayor parte de su tiempo a servir a su gurú con la esperanza de que este le enseñara algún " cheez " (pieza o matiz). Además, el sistema obligaba a que la música se limitara a un pequeño sector de la comunidad india. En gran medida, se restringía a los palacios y salones de baile. Era rechazada por los intelectuales, evitada por la clase media educada y, en general, vista con desdén como una práctica frívola. ^{[ 4 ]}

En primer lugar, a medida que el poder de los maharajás y nawabs disminuyó a principios del siglo XX, también lo hizo su mecenazgo. Con la expulsión de Wajid Ali Shah a Calcuta después de 1857, la tradición musical de Lucknow influyó en la música del Renacimiento en Bengala , dando origen a la tradición del Ragpradhan gan alrededor del cambio de siglo. El Raja Chakradhar Singh de Raigarh fue el último de los maharajás de la era moderna en patrocinar a músicos, cantantes y bailarines clásicos indostaníes. ^{[ 5 ] [ 6 ]}

Asimismo, a principios de siglo, Vishnu Digambar Paluskar y Vishnu Narayan Bhatkhande, de la gharana de Gwalior, difundieron la música clásica indostaní entre las masas en general mediante la organización de conferencias musicales, la creación de escuelas, la enseñanza de música en las aulas, el diseño de un sistema estandarizado de calificación y evaluación, y la estandarización del sistema de notación. ^{[ 7 ]}

Vishnu Digambar Paluskar se consolidó como un músico y organizador talentoso a pesar de ser ciego desde los 12 años. Sus libros sobre música, así como la escuela de música Gandharva Mahavidyalaya que abrió en Lahore en 1901, contribuyeron a impulsar un movimiento que se alejaba del sistema cerrado de gharanas.

Vishnu Narayan Bhatkhande, contemporáneo (y ocasional rival) de Paluskar, reconoció las numerosas fisuras surgidas en la estructura de la música clásica india. Realizó extensas visitas de investigación a un gran número de gharanas, tanto indostaníes como carnáticas, recopilando y comparando composiciones. Entre 1909 y 1932, publicó la monumental obra en cuatro volúmenes Hindustani Sangeeta Paddhati ^{[ 8 ]} , que proponía una transcripción de la música india y describía las diversas tradiciones en esta notación. Finalmente, sugería una posible categorización de los ragas en función de sus notas, dividiéndolos en varios thaats (modos), siguiendo el sistema Melakarta que reorganizó la tradición carnática en el siglo XVII. Los ragas actuales se clasificaron según este esquema, si bien el sistema de Bhatkhande presenta algunas inconsistencias y ambigüedades.

En la época moderna, las emisoras estatales All India Radio , Bangladesh Betar y Radio Pakistan contribuyeron a dar a conocer a los artistas, contrarrestando la pérdida del sistema de mecenazgo. La primera estrella fue Gauhar Jan , cuya carrera nació de las primeras grabaciones de música india realizadas por Fred Gaisberg en 1902. Con el auge del cine y otros medios de comunicación públicos, los músicos comenzaron a ganarse la vida con actuaciones en público. Surgieron numerosos gurukuls , como el de Alauddin Khan en Maihar . En tiempos más recientes, también se ha recibido apoyo corporativo, como en el caso de la ITC Sangeet Research Academy . Mientras tanto, la música clásica indostaní se ha popularizado en todo el mundo gracias a la influencia de artistas como Ravi Shankar , Ali Akbar Khan y Vikash Maharaj .

El dhrupad es un estilo de canto antiguo, tradicionalmente interpretado por cantantes masculinos. Se interpreta con acompañamiento instrumental de tambura y pakhawaj . Las letras, algunas escritas en sánscrito hace siglos, se cantan actualmente a menudo en brajbhasha , una forma medieval de lenguas del norte y este de la India que se hablaban en el este del país. La rudra veena , un antiguo instrumento de cuerda, se utiliza en la música instrumental del dhrupad.

La música Dhrupad es principalmente devocional en su temática y contenido. Contiene recitaciones en alabanza a deidades específicas. Las composiciones Dhrupad comienzan con un alap relativamente largo y acíclico, donde se recitan las sílabas del siguiente mantra:

" Om Anant tam Taran Tarini Twam Hari Om Narayan, Anant Hari Om Narayan ".

El alap se desarrolla gradualmente en secciones más rítmicas de jod y jhala. A estas secciones les sigue una interpretación de bandish, con el pakhawaj como acompañamiento. El gran músico indio Tansen cantaba en el estilo dhrupad. Una forma más ligera de dhrupad llamada dhamar se canta principalmente durante el festival de primavera de Holi .

El dhrupad fue la principal forma de música clásica del norte de la India hasta hace dos siglos, cuando cedió su lugar al khyal, un estilo de canto menos austero y de mayor libertad. Tras perder a sus principales mecenas entre la realeza de los principados indios, el dhrupad estuvo a punto de desaparecer en la primera mitad del siglo XX. Sin embargo, los esfuerzos de algunos defensores, especialmente de la familia Dagar , han propiciado su resurgimiento.

Algunos de los vocalistas más conocidos que cantan al estilo Dhrupad son los miembros del linaje Dagar, incluyendo a los hermanos mayores, Nasir Moinuddin y Nasir Aminuddin Dagar ; los hermanos menores, Nasir Zahiruddin y Nasir Faiyazuddin Dagar ; y Wasifuddin , Fariduddin y Sayeeduddin Dagar . Otros exponentes destacados son los hermanos Gundecha y Uday Bhawalkar , quienes recibieron formación de algunos de los Dagar. Entre los vocalistas destacados fuera del linaje Dagar se encuentra la familia Mallik de la tradición musical Darbhanga ; algunos de los exponentes más importantes de esta tradición fueron Ram Chatur Mallick, Siyaram Tiwari y Vidur Mallick. Actualmente, Prem Kumar Mallick, Prashant y Nishant Mallick son los vocalistas Dhrupad de esta tradición. Un Dhrupad Gharana muy antiguo de 500 años de Bihar es Dumraon Gharana, pt. Tilak Chand Dubey , pt. Ghanarang Baba fue el fundador de este prestigioso Gharana. Dumraon Gharana Dist-Buxar es una antigua tradición de música Dhrupad de casi 500 años. Este Gharana floreció bajo el patrocinio del rey de Dumraon Raj. El estilo dhrupad (vanis) del gharana es Gauhar, Khandar y Nauharvani. Las leyendas vivientes de este gharana son pt. Ramjee Mishra .

Una sección de cantantes de dhrupad de la Gharana de Delhi de la corte del emperador mogol Shah Jahan emigró a Bettiah bajo el patrocinio del Bettiah Raj , dando origen a la Gharana de Bettiah. ^{[ 10 ]}

El khyal es la forma moderna de música vocal indostaní. Khyal, que significa literalmente "pensamiento" o "imaginación" en indostaní y deriva del término persa/árabe, es una letra de dos a ocho versos con melodía. El khyal contiene una mayor variedad de adornos y ornamentaciones en comparación con el dhrupad . Características del khyal como el sargam y el taan , así como la incorporación de movimientos al estilo alap del dhrupad , han contribuido a su popularidad.

La importancia del contenido del khyal radica en que el cantante, a través de la música en el raga establecido , exprese el significado emocional del mismo. El cantante improvisa y encuentra inspiración dentro del raga para representar el khyal.

El origen del Khyal es controvertido, aunque se acepta que este estilo se basa en el dhrupad y recibió influencias de otras tradiciones musicales. Muchos sostienen que Amir Khusrau creó el estilo a finales del siglo XIV. Esta forma musical fue popularizada por el emperador mogol Mohammad Shah a través de sus músicos de corte; algunos compositores destacados de este período fueron Sadarang , Adarang y Manrang .

Otra forma vocal, las taranas, son canciones de ritmo medio a rápido que se utilizan para transmitir un estado de ánimo de euforia y suelen interpretarse hacia el final de un concierto. Consisten en unas pocas líneas de bols, ya sea del lenguaje rítmico de la tabla , el pakhawaj o la danza kathak , con una melodía predefinida. El cantante utiliza estas líneas como base para una improvisación rápida. La tillana de la música carnática se basa en la tarana, aunque la primera se asocia principalmente con la danza.

El tappa es un género de música vocal semiclasica india cuya especialidad es su ritmo ondulante, basado en una construcción rápida, sutil y compleja. Tiene su origen en las canciones folclóricas de los camelleros del Punjab y fue desarrollado como música clásica por Mian Ghulam Nabi Shori o Shori Mian, cantante de la corte de Asaf-Ud-Dowlah , el Nawab de Awadh . Los "Nidhubabur Tappa", o tappas interpretados por Nidhu Babu, fueron muy populares en Bengala durante los siglos XVIII y XIX.

Thumri es una forma vocal semiclásica que, según se dice, se originó en Uttar Pradesh con la corte del Nawab Wajid Ali Shah (r. 1847-1856). Las letras están escritas principalmente en dialectos antiguos y rurales del hindi, como el Brij Bhasha , el Awadhi y el Bhojpuri . Los temas que aborda suelen ser románticos, lo que otorga mayor importancia a las letras que al Raag y resalta la capacidad narrativa de la música. La necesidad de expresar esta intensa estética emocional hace que Thumri y Kathak combinen a la perfección, ya que, antes de que Thumri se convirtiera en una forma solista, se interpretaban juntos.

Algunos intérpretes recientes de este género son Abdul Karim Khan , los hermanos Barkat Ali Khan y Bade Ghulam Ali Khan , Begum Akhtar , Nirmala Devi , Girija Devi , Prabha Atre , Siddheshwari Devi , Shobha Gurtu y Chhannulal Mishra .

En el subcontinente indio, durante el Imperio mogol , el ghazal persa se convirtió en la forma poética más común en lengua urdu y fue popularizado por poetas clásicos como Mir Taqi Mir , Ghalib , Daagh , Zauq y Sauda entre la élite literaria del norte de la India. El género del ghazal se caracteriza por su romanticismo y sus reflexiones sobre las diversas facetas del amor. La música vocal basada en este tipo de poesía es popular, con múltiples variaciones, en Asia Central , Oriente Medio y otros países y regiones del mundo.