Melodrama

El melodrama surgió en la segunda mitad del siglo XVIII como un género intermedio entre el teatro y la ópera. Combinaba la recitación hablada con breves piezas musicales de acompañamiento. La música y el diálogo hablado solían alternarse en estas obras, aunque a veces la música también se utilizaba para acompañar la pantomima . Si hay un solo actor, se puede usar el término monodrama ; si hay dos, duodrama . ^{[ 11 ]} También aparecía a veces como una escena dentro de una obra de teatro o una ópera. Fue más tarde, en el siglo XIX, cuando el término perdió su asociación con la música y comenzó a usarse para obras de teatro con tramas sentimentales y sensacionalistas típicas del drama popular victoriano . ^{[ 12 ]}

Los primeros ejemplos conocidos de melodrama son escenas de la obra escolar latina Sigismundus (1753) de J. Eberlin. ^{[ 11 ]} El primer melodrama completo fue el monodrama Pigmalión de Jean-Jacques Rousseau , ^{[ 11 ]} cuyo texto fue escrito en 1762; se estrenó en Lyon en 1770. Rousseau compuso la obertura y un Andante, pero la mayor parte de la música fue compuesta por Horace Coignet . ^{[ 12 ] [ 13 ]}

En 1772 se interpretó en Weimar una versión musical diferente del Pigmalión de Rousseau, obra de Anton Schweitzer , y Goethe escribió sobre ella con aprobación en Dichtung und Wahrheit . ^{[ 14 ]}

En el último cuarto del siglo XVIII se produjeron en Alemania unos 30 monodramas. ^{[ 15 ]} Georg Benda tuvo un éxito particular con sus duodramas Ariadne auf Naxos (1775) y Medea (1775). El éxito sensacional de los melodramas de Benda impulsó a otros a componer obras similares. Mozart, por ejemplo, elogió la música de Benda y posteriormente utilizó dos largos monólogos melodramáticos en su ópera Zaide (1780). ^{[ 11 ]}

Ejemplos posteriores y más conocidos del estilo melodramático en las óperas son la escena de la excavación de la tumba en Fidelio de Beethoven (1805) y la escena del encantamiento en Der Freischütz de Weber (1821). ^{[ 11 ] [ 14 ]}

Después de que la Restauración inglesa de Carlos II en 1660 levantara la prohibición puritana del teatro, a la mayoría de los teatros británicos se les prohibió representar dramas "serios", pero se les permitió mostrar comedias u obras con música. ^{[ 16 ]} Carlos II emitió cartas patentes para permitir que solo dos compañías de teatro de Londres representaran dramas "serios". Estas fueron el Theatre Royal, Drury Lane y el Tennis Court de Lisle en Lincoln's Inn Fields , este último se trasladó al Theatre Royal, Covent Garden en 1720 (ahora la Royal Opera House ). Los dos teatros con patente cerraban durante los meses de verano. Para llenar el vacío, el Theatre Royal, Haymarket se convirtió en un tercer teatro con patente en Londres en 1766.

Finalmente, se concedieron patentes adicionales a un teatro en cada una de varias otras ciudades y pueblos británicos. Otros teatros presentaban obras dramáticas con acompañamiento musical y, tomando prestado el término francés, las denominaban melodramas para sortear la restricción. La Ley de Teatros de 1843 finalmente permitió a todos los teatros representar obras dramáticas. ^{[ 17 ]}

A principios del siglo XIX, la influencia de la ópera propició la creación de oberturas musicales y música incidental para numerosas obras de teatro. En 1820, Franz Schubert compuso el melodrama Die Zauberharfe («El arpa mágica»), musicalizando la obra de G. von Hofmann. Como todas las incursiones teatrales de Schubert, la obra fracasó, pero el género del melodrama gozaba de gran popularidad en aquel entonces. En una época de músicos mal pagados, muchas obras de teatro del siglo XIX en Londres contaban con orquesta en el foso. En 1826, Felix Mendelssohn compuso su célebre obertura para El sueño de una noche de verano de Shakespeare , y posteriormente le proporcionó música incidental.

En La Traviata de Verdi , Violetta recibe una carta del padre de Alfredo en la que este le escribe que Alfredo ahora sabe por qué se separaron y que la perdona ("Teneste la promesa..."). Con su voz, entona las palabras escritas, mientras la orquesta recapitula la música de su primer amor del Acto I: técnicamente, esto es melodrama. En unos instantes, Violetta irrumpe en un aria apasionada y desesperada ("Addio, del passato"): esto vuelve a ser ópera.

De manera similar, los victorianos solían añadir «música incidental» bajo el diálogo de una obra preexistente, aunque este estilo de composición ya se practicaba en tiempos de Ludwig van Beethoven ( Egmont ) y Franz Schubert ( Rosamunde ). (Este tipo de producción, a menudo fastuosa, ahora se limita principalmente al cine (véase banda sonora ) debido al coste de contratar una orquesta. La tecnología de grabación moderna está produciendo un cierto resurgimiento de la práctica en el teatro, pero no a la escala anterior). Una versión particularmente completa de esta forma, la música incidental de Sullivan para Los guardabosques de Tennyson , está disponible en línea, ^{[ 18 ]} completa con varios melodramas, por ejemplo, el n.º 12 que se encuentra aquí. ^{[ 19 ]} Algunas operetas exhiben melodrama en el sentido de música tocada bajo diálogo hablado, por ejemplo, Ruddigore de Gilbert y Sullivan (que en sí es una parodia de los melodramas en el sentido moderno) tiene un "melodrama" corto (reducido a diálogo solamente en muchas producciones) en el segundo acto; ^{[ 20 ]} Orfeo en el inframundo de Jacques Offenbach comienza con un melodrama pronunciado por el personaje de "Opinión pública"; y otras piezas de operetas y musicales pueden considerarse melodramas, como el "Recitativo y minueto" ^{[ 21 ]} en El hechicero de Gilbert y Sullivan . Como ejemplo del musical estadounidense, varios discursos largos en Brigadoon de Lerner y Loewe se pronuncian sobre un acompañamiento de música evocadora. Esta técnica también se utiliza con frecuencia en la zarzuela española , tanto en el siglo XIX como en el XX, y se siguió utilizando como "efecto especial" en la ópera, por ejemplo en Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss .

En París, el siglo XIX presenció un florecimiento del melodrama en los numerosos teatros ubicados en el popular Boulevard du Crime , especialmente en la Gaîté . Sin embargo, todo esto llegó a su fin cuando la mayoría de estos teatros fueron demolidos durante la reconstrucción de París por el barón Haussmann en 1862. ^{[ 22 ]}

A finales del siglo XIX, el término melodrama se había reducido casi exclusivamente a un género específico de entretenimiento de salón: palabras habladas con un ritmo más o menos marcado (a menudo poesía), no cantadas, a veces representadas de forma más o menos teatral, al menos con alguna estructura o argumento dramático, sincronizadas con el acompañamiento de música (normalmente piano). Se la consideraba un género para autores y compositores de menor estatura (probablemente también por eso casi no se recuerdan realizaciones del género), aunque hay ejemplos de Robert Schumann ( Ballads for Declaration , década de 1850) ^{[ 23 ]} y Richard Strauss para narrador y piano ( Enoch Arden (1897). El compositor inglés Stanley Hawley hizo muchas composiciones de este tipo, algunas de las cuales se interpretaron en la primera temporada de los Henry Wood Proms en Londres. Probablemente también fue en este momento cuando la connotación de sobreactuación barata se asoció por primera vez con el término. Como un género cruzado que mezclaba narración y música de cámara, fue eclipsado casi de la noche a la mañana por una sola composición: Pierrot Lunaire (1912) de Schoenberg , donde se usó Sprechgesang en lugar de palabras habladas rítmicamente, y que tomó un curso más libre e imaginativo con respecto a la prerrogativa de la trama .

En el contexto del Renacimiento Nacional Checo , el melodrama adquirió un significado específicamente nacionalista para los artistas checos, a partir de la década de 1870 y durante la Primera República Checoslovaca del período de entreguerras. Esta nueva comprensión del melodrama surgió principalmente de eruditos y críticos del siglo XIX como Otakar Hostinský , quien consideraba el género una contribución singularmente "checa" a la historia de la música (basándose en los orígenes nacionales de Georg Benda , cuyos melodramas, sin embargo, habían sido en alemán). Estos sentimientos impulsaron a un gran número de compositores checos a crear melodramas basados ​​en la poesía romántica checa, como el Kytice de Karel Jaromír Erben .

El compositor romántico Zdeněk Fibich, en particular, defendió el género como un medio para plasmar correctamente la declamación checa: sus melodramas Štědrý den (1874) y Vodník (1883) utilizan duraciones rítmicas para especificar la sincronización entre la palabra hablada y el acompañamiento. El principal logro de Fibich fue Hippodamie (1888-1891), una trilogía de melodramas escenificados de larga duración basados ​​en textos de Jaroslav Vrchlický con múltiples actores y orquesta, compuestos en un estilo musical wagneriano avanzado. Las principales contribuciones de Josef Suk a principios de siglo incluyen melodramas para obras de dos escenarios de Julius Zeyer : Radúz a Mahulena (1898) y Pod Jabloní (1901), ambos con una larga trayectoria escénica.

Siguiendo el ejemplo de Fibich y Suk, muchos otros compositores checos musicalizaron melodramas como obras independientes basadas en la poesía del Renacimiento Nacional, entre ellos Karel Kovařovic , Otakar Ostrčil , Ladislav Vycpálek , Otakar Jeremiáš , Emil Axman y Jan Zelinka. Vítězslav Novák incluyó fragmentos de melodrama en su ópera Lucerna de 1923 , y Jaroslav Ježek compuso escenas clave para las obras de teatro del Osvobozené divadlo como melodrama (en particular el prólogo inicial de la farsa antifascista Osel a stín (1933), interpretado por el personaje de Dioniso en ritmo de bolero ). La práctica del melodrama checo disminuyó después del Protectorado Nazi .

El melodrama teatral victoriano presentaba seis personajes arquetípicos : el héroe, el villano, la heroína, un padre anciano, un compañero y un sirviente del padre anciano, todos involucrados en una trama sensacionalista con temas de amor y asesinato. A menudo, el héroe, bueno pero no muy astuto, es engañado por un villano intrigante, que tiene la vista puesta en la damisela en apuros hasta que el destino interviene al final para asegurar el triunfo del bien sobre el mal. ^{[ 24 ]} Dos características centrales eran el golpe de efecto, o cambio de fortuna, y el discurso desastroso: una oratoria forzada del héroe que obliga al público a aplaudir. ^{[ 25 ]}

El melodrama inglés evolucionó a partir de la tradición del drama populista establecida durante la Edad Media por los autos sacramentales y las obras de moralidad , bajo influencias de la commedia dell'arte italiana , así como del drama alemán Sturm und Drang y el melodrama parisino del período posrevolucionario. ^{[ 26 ]} Un notable dramaturgo francés fue Pixérécourt, cuya obra La Femme à deux maris fue muy popular. ^{[ 27 ]}

La primera obra inglesa catalogada como melodrama fue *A Tale of Mystery * (1802), de Thomas Holcroft . Esta obra pertenece al género gótico , cuyo ejemplo teatral anterior fue *The Castle Spectre * (1797), de Matthew Gregory Lewis . Otros melodramas góticos incluyen *The Miller and his Men * (1813), de Isaac Pocock ; * The Woodsman's Hut* (1814), de Samuel Arnold; y *The Broken Sword * (1816), de William Dimond .

Suplantando al gótico, el siguiente subgénero popular fue el melodrama náutico, del que Douglas Jerrold fue pionero en su obra Black-Eyed Susan (1829). Otros melodramas náuticos incluyeron The Mutiny at the Nore (1830) de Jerrold y The Red Rover (1829) de Edward Fitzball (Rowell 1953). ^{[ 24 ]} Los melodramas basados ​​en situaciones urbanas se popularizaron a mediados del siglo XIX, incluyendo The Streets of London (1864) de Dion Boucicault ; y Lost in London (1867) de Watts Phillips, mientras que también aparecieron melodramas carcelarios, melodramas de la templanza y melodramas imperialistas; estos últimos típicamente presentaban las tres categorías del nativo «bueno», el nativo valiente pero malvado y el nativo traicionero. ^{[ 28 ]}

Las novelas sensacionalistas de las décadas de 1860 y 1870 no solo proporcionaron material fértil para adaptaciones melodramáticas, sino que son melodramáticas por derecho propio. Un ejemplo notable de este género es El secreto de Lady Audley, de Elizabeth Braddon , adaptada en dos versiones diferentes por George Roberts y C. H. Hazlewood. Las novelas de Wilkie Collins poseen características melodramáticas; su obra más conocida, La mujer de blanco, es considerada por algunos críticos modernos como «el melodrama más brillante de la época». ^{[ 29 ]}

El villano suele ser el personaje central del melodrama, y ​​el crimen era un tema recurrente. Esto incluía dramatizaciones de las carreras asesinas de Burke y Hare , Sweeney Todd (presentado por primera vez en The String of Pearls (1847) de George Dibdin Pitt ), el asesinato de Maria Marten en el Red Barn y las extrañas hazañas de Spring Heeled Jack . Las desventuras de un prisionero liberado son el tema de la sensacional The Ticket-of-Leave Man (1863) de Tom Taylor .

Las primeras películas mudas, como Los peligros de Pauline, tenían temas similares. Más tarde, tras la llegada del cine sonoro, el actor teatral Tod Slaughter , a los 50 años, trasladó a la pantalla los melodramas victorianos en los que había interpretado a un villano en sus inicios teatrales. Estas películas, entre las que se incluyen Maria Marten o Asesinato en el granero rojo (1935), Sweeney Todd: El barbero diabólico de Fleet Street (1936) y El hombre del permiso (1937), constituyen un testimonio único de una forma de arte ya desaparecida.

El melodrama clásico es menos común que antes en la televisión y el cine del mundo occidental. Sin embargo, sigue siendo muy popular en otras regiones, especialmente en Asia y en países hispanohablantes. El melodrama es uno de los principales géneros (junto con el romance, la comedia y la fantasía) utilizados en las telenovelas latinoamericanas, particularmente en Venezuela , México , Colombia , Argentina y Brasil , y en las telenovelas asiáticas, como en Corea del Sur , Japón , Taiwán , China , Pakistán , Tailandia , India , Turquía y (en una fusión de las culturas hispana y asiática) Filipinas . Las comunidades de expatriados en la diáspora de estos países ofrecen un mercado global para la audiencia.

En los estudios y la crítica cinematográfica , el melodrama puede referirse de diversas maneras a un género , modo , estilo o sensibilidad caracterizados por su énfasis en emociones intensas y exageradas y situaciones dramáticas exacerbadas. ^{[ 33 ]} No existe una definición fija del término y puede utilizarse para referirse a una amplia y diversa gama de películas de otros géneros, incluyendo dramas románticos , dramas históricos , thrillers psicológicos o thrillers policíacos , entre otros. ^{[ 33 ]}

Las feministas han señalado cuatro categorías de temas en el melodrama cinematográfico: aquellos con una paciente femenina, una figura materna, un "amor imposible" y el melodrama paranoico. ^{[ 10 ]} La mayoría de los melodramas cinematográficos de las décadas de 1930 y 1940, conocidos en ese entonces como "melodramas lacrimógenos" o "películas para llorar", eran adaptaciones de ficción femenina, como novelas románticas y romances históricos. ^{[ 10 ]} Al compartir una historia con la ficción femenina, las películas melodramáticas a menudo se centran en las perspectivas y los deseos femeninos. Desde la década de 1930 hasta finales de la década de 1960, las restricciones del Código Hays sobre la inclusión de contenido "licencioso" en las películas limitaron la representación del deseo femenino en el melodrama cinematográfico estadounidense. ^{[ 10 ]}

Durante la década de 1940, los melodramas británicos de Gainsborough tuvieron éxito entre el público.

En la década de 1950, películas del director Douglas Sirk , como Solo el cielo lo sabe (1955) y Escrito en el viento (1956), son representativas del género. Muchos cineastas melodramáticos posteriores citan a Sirk y su obra como influencias significativas.

En la década de 1970, Rainer Werner Fassbinder , influenciado por Sirk, contribuyó al género abordando temas del subconsciente cultural, como la clase social en El mercader de las cuatro estaciones (1971) y La madre Küsters va al cielo (1975), la orientación sexual y la codependencia en Las amargas lágrimas de Petra von Kant (1972), y el racismo, la xenofobia y la discriminación por edad en El miedo devora el alma (1974).

En la década de 1980 se produjo un resurgimiento de los melodramas estadounidenses "para mujeres", como Terms of Endearment (1983), Beaches (1988) y Steel Magnolias (1989). En televisión, la miniserie fue un formato popular para melodramas suntuosos centrados en mujeres, como Scruples (1980), Lace (1984) y Sins (1986). ^{[ 34 ]}

Los melodramas, como las películas de la serie "Momento de la Verdad" de la década de 1990 , se dirigían a un público femenino estadounidense al retratar los efectos del alcoholismo , la violencia doméstica , la violación y otros problemas similares. Un ejemplo típico del melodrama de los 90 es la película "Agnes Browne" de Anjelica Huston , de 1999. ^{[ 35 ]}

Las películas de Todd Haynes , Lejos del cielo (2002), Carol (2015) y Mayo diciembre (2023), son versiones más recientes del melodrama. ^{[ 36 ]} El director contemporáneo Pedro Almodóvar también se ha inspirado mucho en el género melodramático y en directores como Sirk. ^{[ 37 ]}

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