Teoría musical

Do central (261,626  Hz)

El tono es la gravedad o la altura de un sonido ; por ejemplo, la diferencia entre un do central y un do agudo. La frecuencia de las ondas sonoras que producen un tono se puede medir con precisión, pero la percepción del tono es más compleja, ya que las notas individuales de fuentes naturales suelen ser una mezcla compleja de muchas frecuencias. Por consiguiente, los teóricos a menudo describen el tono como una sensación subjetiva en lugar de una medición objetiva del sonido. ^{[ 28 ]}

A menudo, a las frecuencias específicas se les asignan nombres de letras. Hoy en día, la mayoría de las orquestas asignan el La de concierto (el La sobre el Do central del piano) a la frecuencia de 440  Hz. Esta asignación es algo arbitraria; por ejemplo, en Francia, en 1859, el mismo La se afinaba a 435  Hz. Tales diferencias pueden tener un efecto notable en el timbre de los instrumentos y otros fenómenos. Por lo tanto, en la interpretación históricamente informada de música antigua, la afinación suele ajustarse a la utilizada en el período en que fue compuesta. Además, muchas culturas no intentan estandarizar el tono, considerando a menudo que debe permitirse que varíe según el género, el estilo, el estado de ánimo, etc.

La diferencia de tono entre dos notas se denomina intervalo . El intervalo más básico es el unísono , que consiste simplemente en dos notas con el mismo tono. El intervalo de octava se da entre dos tonos cuya frecuencia es el doble o la mitad de la frecuencia de uno. Las características únicas de las octavas dieron origen al concepto de clase de tono : los tonos con el mismo nombre de letra que aparecen en diferentes octavas pueden agruparse en una sola "clase" sin tener en cuenta la diferencia de octava. Por ejemplo, un do agudo y un do grave pertenecen a la misma clase de tono: la clase que contiene todos los do. ^{[ 29 ]}

Los sistemas de afinación musical , o temperamentos, determinan la amplitud de los intervalos. Estos sistemas varían considerablemente entre las distintas culturas del mundo. En la cultura occidental , desde hace tiempo existen diversos sistemas de afinación que compiten entre sí, cada uno con características diferentes. A nivel internacional, el sistema conocido como temperamento igual es el más utilizado actualmente, ya que se considera la solución más satisfactoria que permite que los instrumentos de afinación fija (como el piano) suenen correctamente afinados en todas las tonalidades.

Las notas se pueden organizar en diversas escalas y modos . La teoría musical occidental generalmente divide la octava en una serie de doce tonos, llamada escala cromática , dentro de la cual el intervalo entre tonos adyacentes se denomina semitono o medio tono. Al seleccionar tonos de este conjunto de doce y organizarlos en patrones de semitonos y tonos enteros, se crean otras escalas. ^{[ 30 ]}

Las escalas más comunes son la mayor de siete tonos , la menor armónica , la menor melódica y la menor natural . Otros ejemplos de escalas son la escala octatónica y la pentatónica o de cinco tonos, común en la música folclórica y el blues . Las culturas no occidentales suelen utilizar escalas que no se corresponden con una división equitativa de la octava en doce tonos. Por ejemplo, los sistemas musicales clásicos otomanos , persas , indios y árabes suelen utilizar múltiplos de cuartos de tono (la mitad del tamaño de un semitono, como indica su nombre), por ejemplo, en segundas «neutras» (tres cuartos de tono) o terceras «neutras» (siete cuartos de tono); normalmente no utilizan el cuarto de tono como intervalo directo. ^{[ 30 ]}

En la notación occidental tradicional, la escala utilizada en una composición se indica generalmente mediante una armadura al principio para designar las notas que la componen. A medida que la música avanza, las notas pueden cambiar e introducir una escala diferente. La música puede transponerse de una escala a otra con diversos fines, a menudo para adaptarse al registro vocal de un intérprete. Dicha transposición eleva o baja el rango tonal general, pero conserva las relaciones de intervalo de la escala original. Por ejemplo, la transposición de la tonalidad de do mayor a re mayor eleva todas las notas de la escala de do mayor por igual en un tono entero . Dado que las relaciones de intervalo permanecen inalteradas, la transposición puede pasar desapercibida para el oyente; sin embargo, otras cualidades pueden cambiar notablemente, ya que la transposición modifica la relación del rango tonal general con respecto al registro de los instrumentos o voces que interpretan la música. Esto suele afectar al sonido general de la música, además de tener implicaciones técnicas para los intérpretes. ^{[ 31 ]}

La interrelación de las tonalidades más utilizadas en la música tonal occidental se ilustra claramente mediante el círculo de quintas . En ocasiones, también se crean armaduras únicas para una composición en particular. Durante el Barroco, las asociaciones emocionales con tonalidades específicas, conocidas como la doctrina de los afectos , fueron un tema importante en la teoría musical, pero las características tonales únicas de las tonalidades que dieron origen a dicha doctrina se perdieron en gran medida con la adopción del temperamento igual. Sin embargo, muchos músicos siguen considerando que ciertas tonalidades son más apropiadas para ciertas emociones que otras. La teoría de la música clásica india continúa asociando fuertemente las tonalidades con estados emocionales, momentos del día y otros conceptos extramusicales, y cabe destacar que no emplea el temperamento igual.

Octava perfecta , un intervalo consonante

Segunda menor , un intervalo disonante

La consonancia y la disonancia son cualidades subjetivas de la sonoridad de los intervalos que varían ampliamente en diferentes culturas y a lo largo de la historia. La consonancia (o concordia) es la sensación de que un intervalo o acorde es estable, armonioso o completo. La disonancia (o discordia ) es la sensación de que el intervalo o los acordes son incompletos, discordantes o no resueltos. En la teoría musical occidental, las cuartas, quintas y octavas perfectas, así como todas las terceras y sextas mayores y menores, se consideran consonantes, mientras que otros intervalos se consideran disonantes en mayor o menor grado. ^{[ 32 ]}

El contexto y muchos otros aspectos pueden afectar la disonancia y la consonancia aparentes. Por ejemplo, en un preludio de Debussy, una segunda mayor puede sonar estable y consonante, mientras que el mismo intervalo puede sonar disonante en una fuga de Bach. En la era de la práctica común , la cuarta justa se considera disonante cuando no está respaldada por una tercera o quinta inferior. Desde principios del siglo XX, el concepto de disonancia "emancipada" de Arnold Schoenberg , en el que los intervalos tradicionalmente disonantes pueden tratarse como consonancias "superiores" y más distantes, se ha generalizado. ^{[ 32 ]}

El ritmo se produce mediante la disposición secuencial de sonidos y silencios en el tiempo. La métrica mide la música en grupos regulares de pulsos, llamados compases . La indicación de compás especifica cuántos pulsos hay en un compás y qué valor de la nota escrita se cuenta o se siente como un solo pulso.

Mediante un mayor énfasis o variaciones en la duración o articulación, se pueden acentuar ciertos tonos. En la mayoría de las tradiciones musicales existen convenciones para la acentuación regular y jerárquica de los tiempos con el fin de reforzar un compás determinado. Los ritmos sincopados contradicen estas convenciones al acentuar partes inesperadas del tiempo. ^{[ 33 ]} Tocar ritmos simultáneos en más de una indicación de compás se denomina polirritmia . ^{[ 34 ]}

En los últimos años, el ritmo y la métrica se han convertido en un área importante de investigación entre los musicólogos. Los más citados de estos investigadores recientes son Maury Yeston , ^{[ 35 ]} Fred Lerdahl y Ray Jackendoff , ^{[ 36 ]} Jonathan Kramer , ^{[ 37 ]} y Justin London. ^{[ 38 ]}

melodía de " Pop Goes the Weasel " ^{[ 39 ]}

Una melodía es un grupo de sonidos en sucesión, una tonada o un arreglo. ^{[ 40 ]} La melodía suele ser un aspecto destacado de la música, por lo que su construcción y cualidades son de interés primordial para la teoría musical.

Los elementos básicos de la melodía son la altura, la duración, el ritmo y el tempo. Las notas de una melodía suelen derivarse de sistemas de altura como las escalas o los modos . La melodía puede constar, en grado creciente, de figura, motivo, semifrase, frase antecedente y consecuente, y período u oración. El período puede considerarse la melodía completa; sin embargo, algunos ejemplos combinan dos períodos o utilizan otras combinaciones de constituyentes para crear melodías de mayor tamaño. ^{[ 41 ]}

Tríada de Do mayor representada en notación musical .Jugar^ⓘ enentonación justaJugar^ⓘ entemperamento igualJugar^ⓘ enmedio de coma de 1/4Jugar^ⓘ entemperamento jovenJugar^ⓘ enafinación pitagórica

Un acorde, en música, es cualquier conjunto armónico de tres o más notas que se escucha como si sonaran simultáneamente . ^{[ 42 ] : pp. 67, 359 [ 43 ] : p. 63} Estos no necesariamente tienen que tocarse juntos: los arpegios y los acordes rotos pueden, para muchos propósitos prácticos y teóricos, constituir acordes. Los acordes y las secuencias de acordes se usan con frecuencia en la música occidental moderna, de África occidental ^{[ 44 ]} y de Oceanía ^{[ 45 ]} , mientras que están ausentes en la música de muchas otras partes del mundo. ^{[ 46 ] : p. 15}

Los acordes más frecuentes son las tríadas , llamadas así porque constan de tres notas distintas: se pueden añadir más notas para formar acordes de séptima , acordes extendidos o acordes con notas añadidas . Los acordes más comunes son las tríadas mayores y menores , y luego las tríadas aumentadas y disminuidas . Las descripciones mayor , menor , aumentada y disminuida a veces se denominan colectivamente cualidad del acorde . Los acordes también se clasifican comúnmente por su nota fundamental ; por ejemplo, el acorde de do mayor se puede describir como una tríada de cualidad mayor construida sobre la nota do . Los acordes también se pueden clasificar por inversión , es decir, el orden en que se apilan las notas.

Una serie de acordes se llama progresión de acordes . Aunque en principio cualquier acorde puede ir seguido de cualquier otro, ciertos patrones de acordes se han aceptado como determinantes de la tonalidad en la armonía de práctica común . Para describir esto, los acordes se numeran usando números romanos (desde la nota fundamental) ^{[ 47 ]} según su función diatónica . Las formas comunes de notar o representar acordes ^{[ 48 ]} en la música occidental, además de la notación convencional en pentagrama, incluyen números romanos , bajo cifrado (muy utilizado en la época barroca ), letras de acordes (a veces utilizadas en la musicología moderna ) y varios sistemas de diagramas de acordes que se encuentran típicamente en las partituras utilizadas en la música popular para establecer la secuencia de acordes de modo que el músico pueda tocar acordes de acompañamiento o improvisar un solo.

En música, la armonía es el uso de tonos ( notas ) o acordes simultáneos . ^{[ 46 ] : p. 15} El estudio de la armonía implica acordes y su construcción, progresiones de acordes y los principios de conexión que los rigen. ^{[ 49 ]} A menudo se dice que la armonía se refiere al aspecto "vertical" de la música, a diferencia de la línea melódica , o el aspecto "horizontal". ^{[ 50 ]} El contrapunto , que se refiere al entrelazamiento de líneas melódicas, y la polifonía , que se refiere a la relación de voces independientes separadas, se distinguen a veces de la armonía. ^{[ 51 ]}

En la armonía popular y del jazz , los acordes se nombran por su raíz más varios términos y caracteres que indican sus cualidades. Por ejemplo, una partitura puede indicar acordes como Do mayor, Re menor y Sol dominante séptima. En muchos tipos de música, especialmente en el barroco, el romántico, el moderno y el jazz, los acordes suelen ir aumentados con "tensiones". Una tensión es un miembro adicional del acorde que crea un intervalo relativamente disonante en relación con el bajo. Forma parte de un acorde, pero no es una de las notas del acorde (1, 3, 5, 7). Normalmente, en el período de la práctica clásica común, un acorde disonante (acorde con tensión) "resuelve" en un acorde consonante. La armonización suele sonar agradable al oído cuando hay un equilibrio entre los sonidos consonantes y disonantes. En pocas palabras, esto ocurre cuando hay un equilibrio entre momentos "tensos" y "relajados". ^{[ 52 ]}

El timbre, a veces llamado "color" o "color tonal", es el fenómeno principal que permite distinguir un instrumento de otro cuando ambos tocan al mismo tono y volumen, una cualidad de una voz o instrumento que a menudo se describe con términos como brillante, apagado, agudo, etc. Es de considerable interés en la teoría musical, especialmente porque es un componente de la música que aún no tiene una nomenclatura estandarizada. Se le ha llamado "... la categoría de la cesta de la basura multidimensional del psicoacústico para todo lo que no se puede etiquetar como tono o volumen" ^{[ 53 ]} , pero puede describirse y analizarse con precisión mediante el análisis de Fourier y otros métodos ^{[ 54 ]} porque resulta de la combinación de todas las frecuencias de sonido , las envolventes de ataque y liberación, y otras cualidades que comprende un tono.

El timbre está determinado principalmente por dos factores: (1) el equilibrio relativo de los armónicos producidos por un instrumento dado debido a su construcción (por ejemplo, forma, material), y (2) la envolvente del sonido (incluyendo los cambios en la estructura de los armónicos a lo largo del tiempo). El timbre varía ampliamente entre diferentes instrumentos, voces y, en menor medida, entre instrumentos del mismo tipo debido a variaciones en su construcción y, significativamente, a la técnica del intérprete. El timbre de la mayoría de los instrumentos puede modificarse empleando diferentes técnicas durante la ejecución. Por ejemplo, el timbre de una trompeta cambia cuando se inserta una sordina en la campana, cuando el intérprete cambia su embocadura o el volumen.

Una voz puede cambiar su timbre según la forma en que el intérprete manipule su aparato vocal (por ejemplo, la forma de la cavidad vocal o la boca). La notación musical suele especificar la alteración del timbre mediante cambios en la técnica de sonido, el volumen, el acento y otros medios. Estos se indican de diversas maneras mediante instrucciones simbólicas y verbales. Por ejemplo, la palabra dolce (dulcemente) indica un timbre suave y "dulce" no específico, pero comúnmente entendido. Sul tasto indica a un instrumentista de cuerda que toque el diapasón con el arco para producir un sonido menos brillante. Cuivre indica a un instrumentista de viento metal que produzca un sonido forzado y estridente. Los símbolos de acento como marcato (^) y las indicaciones dinámicas ( pp ) también pueden indicar cambios en el timbre. ^{[ 55 ]}

En música, la dinámica se refiere normalmente a las variaciones de intensidad o volumen, medidas por físicos e ingenieros de sonido en decibelios o fonios . Sin embargo, en la notación musical, la dinámica no se considera un valor absoluto, sino relativo. Dado que suele medirse de forma subjetiva, existen otros factores, además de la amplitud, que influyen en la interpretación o la percepción de la intensidad, como el timbre, el vibrato y la articulación.

Las indicaciones convencionales de dinámica son abreviaturas de palabras italianas como forte ( f ) para fuerte y piano ( p ) para suave. Estas dos notaciones básicas se modifican con indicaciones que incluyen mezzo piano ( mp ) para moderadamente suave (literalmente "medio suave") y mezzo forte ( mf ) para moderadamente fuerte, sforzando o sforzato ( sfz ) para un ataque repentino o "empujado", o fortepiano ( fp ) para un ataque fuerte con una disminución repentina a un nivel suave. El rango completo de estas marcas generalmente va desde un pianissississimo casi inaudible ( pppp ) hasta un fortissississimo lo más fuerte posible ( ffff ).

En ocasiones se encuentran extremos mayores de pppppp y fffff y matices como p+ o più piano . También se utilizan otros sistemas para indicar el volumen, tanto en la notación como en el análisis: dB (decibelios), escalas numéricas, notas de diferentes colores o tamaños, palabras en idiomas distintos del italiano y símbolos como los de aumento progresivo del volumen ( crescendo ) o disminución del volumen ( diminuendo o decrescendo ), a menudo llamados " horquillas " cuando se indican con líneas divergentes o convergentes, como se muestra en el gráfico anterior.

La articulación es la forma en que el intérprete produce las notas. Por ejemplo, el staccato consiste en acortar la duración de la nota con respecto a su valor nominal, mientras que el legato implica una serie de notas tocadas de forma fluida y continua, sin pausas entre ellas. La articulación suele describirse en lugar de cuantificarse, por lo que existe la posibilidad de interpretar cómo ejecutar con precisión cada articulación.

Por ejemplo, el staccato se suele denominar "separado" o "desprendido" en lugar de tener una cantidad definida o numerada para reducir la duración indicada. Los violinistas pueden utilizar diversas técnicas para interpretar distintos tipos de staccato . La manera en que un intérprete decide ejecutar una articulación determinada suele basarse en el contexto de la pieza o frase, pero muchos símbolos de articulación e instrucciones verbales dependen del instrumento y del período musical (por ejemplo, viola da gamba, viento; clásico, barroco, etc.).

Hay un conjunto de articulaciones que la mayoría de los instrumentos y voces realizan en común. Son, de más largo a más corto: legato (suave, conectado); tenuto (tocado con la duración completa indicada en la notación); acentuado (con énfasis); marcato (énfasis fuerte y breve, literalmente marcado); staccato (separado, desvinculado); staccatissimo (muy separado, staccato extremo). Muchas de estas se pueden combinar para crear ciertas articulaciones "intermedias". Por ejemplo, portato es la combinación de tenuto y staccato . Algunos instrumentos tienen métodos únicos para producir sonidos, como el spiccato para cuerdas frotadas, donde el arco rebota en la cuerda.

En música, la textura es la forma en que se combinan los elementos melódicos , rítmicos y armónicos en una composición , determinando así la calidad general del sonido en una pieza. La textura se describe a menudo en relación con la densidad, o grosor, y el rango , o amplitud, entre las notas más graves y más agudas, tanto en términos relativos como, más específicamente, según el número de voces, o partes, y la relación entre estas voces. Por ejemplo, una textura densa contiene muchas «capas» de instrumentos. Una de estas capas podría ser una sección de cuerdas u otra sección de metales.

El grosor también se ve afectado por la cantidad y la riqueza de los instrumentos que interpretan la pieza. El grosor varía de ligero a grueso. Una pieza de textura ligera tendrá una instrumentación ligera y dispersa. Una pieza de textura densa o pesada estará instrumentada para muchos instrumentos. La textura de una pieza puede verse afectada por la cantidad y el carácter de las partes que se tocan simultáneamente, el timbre de los instrumentos o voces que interpretan estas partes y la armonía, el tempo y los ritmos utilizados. ^{[ 57 ]} Los tipos categorizados por la cantidad y la relación de las partes se analizan y determinan mediante la denominación de los elementos texturales primarios: melodía primaria, melodía secundaria, melodía de apoyo paralela, apoyo estático, apoyo armónico, apoyo rítmico y apoyo armónico y rítmico. ^{[ 58 ]}

Los tipos comunes incluían textura monofónica (una sola voz melódica, como una pieza para soprano solista o flauta solista), textura bifónica (dos voces melódicas, como un dúo para fagot y flauta en el que el fagot toca una nota de bordón y la flauta toca la melodía), textura polifónica y textura homofónica (acordes que acompañan una melodía ).

El término forma musical (o arquitectura musical) se refiere a la estructura o plan general de una pieza musical, y describe la disposición de una composición dividida en secciones. ^{[ 60 ]} En la décima edición de The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define la forma musical como «una serie de estrategias diseñadas para encontrar un término medio exitoso entre los extremos opuestos de la repetición sin alivio y la alteración sin alivio». ^{[ 61 ]} Según Richard Middleton , la forma musical es «la forma o estructura de la obra». La describe a través de la diferencia: la distancia que se mueve desde una repetición ; siendo esta última la diferencia más pequeña. La diferencia es cuantitativa y cualitativa: cuán lejos y de qué tipo es diferente. En muchos casos, la forma depende de la declaración y la reformulación , la unidad y la variedad, y el contraste y la conexión. ^{[ 62 ]}

La expresión musical es el arte de interpretar música con emoción. Los elementos que la componen incluyen indicaciones dinámicas como forte o piano, fraseo , diferentes timbres y articulación, color, intensidad, energía y emoción. El intérprete puede incorporar todos estos recursos. Su objetivo es despertar emociones en el público, así como excitarlo, calmarlo o influir en sus respuestas físicas y emocionales. A veces se considera que la expresión musical se produce por la combinación de varios parámetros, y otras veces se describe como una cualidad trascendente que va más allá de la suma de cantidades medibles como el tono o la duración.

La expresión en los instrumentos puede estar estrechamente relacionada con el papel de la respiración en el canto y la capacidad natural de la voz para expresar sentimientos, emociones y sentimientos profundos. Si estos pueden categorizarse de alguna manera es quizás ámbito de los académicos, quienes ven la expresión como un elemento de la interpretación musical que encarna una emoción consistentemente reconocible , idealmente provocando una respuesta emocional empática en sus oyentes. ^{[ 63 ]} El contenido emocional de la expresión musical es distinto del contenido emocional de sonidos específicos (p. ej., un «estruendo» sorprendentemente fuerte) y de asociaciones aprendidas (p. ej., un himno nacional ), pero rara vez puede separarse por completo de su contexto.

Los componentes de la expresión musical siguen siendo objeto de una disputa extensa y sin resolver. ^{[ 64 ] [ 65 ] [ 66 ] [ 67 ] [ 68 ] [ 69 ]}

Partitura musical tibetana del siglo XIX.

La notación musical es la representación escrita o simbólica de la música. Esto se logra con mayor frecuencia mediante el uso de símbolos gráficos de uso común e instrucciones verbales escritas y sus abreviaturas. Existen muchos sistemas de notación musical de diferentes culturas y épocas. La notación occidental tradicional evolucionó durante la Edad Media y sigue siendo un área de experimentación e innovación. ^{[ 70 ]} En la década de 2000, los formatos de archivos informáticos también adquirieron importancia. ^{[ 71 ]} El lenguaje hablado y los gestos manuales también se utilizan para representar simbólicamente la música, principalmente en la enseñanza.

En la notación musical occidental estándar, las notas se representan gráficamente mediante símbolos colocados en un pentagrama o pentagramas, donde el eje vertical corresponde a la altura del sonido y el eje horizontal al tiempo. Las cabezas de las notas, las plicas, las plicas, las ligaduras y los puntos se utilizan para indicar la duración. Otros símbolos indican tonalidades, dinámicas, acentos, silencios, etc. El director de orquesta suele dar instrucciones verbales para indicar el tempo, la técnica y otros aspectos.

En la música occidental, se utilizan diversos sistemas de notación musical. En la música clásica occidental, los directores usan partituras impresas que muestran las partes de todos los instrumentos, y los músicos leen sus partes con las líneas melódicas escritas. En los estilos de música popular, la notación musical es mucho menor. Una banda de rock puede entrar a una sesión de grabación con solo un diagrama de acordes escrito a mano que indica la progresión de acordes de la canción mediante los nombres de los acordes (por ejemplo, Do mayor, Re menor, Sol7, etc.). Todas las voces de los acordes, los ritmos y las figuras de acompañamiento son improvisadas por los miembros de la banda.

El análisis musical es el intento de responder a la pregunta: ¿cómo funciona esta música? El método empleado para responder a esta pregunta, e incluso el significado exacto de la misma, difiere de un analista a otro y según el propósito del análisis. Según Ian Bent , «el análisis, como disciplina independiente, se consolidó a finales del siglo XIX; su surgimiento como enfoque y método se remonta a la década de 1750. Sin embargo, existió como herramienta académica, aunque auxiliar, desde la Edad Media ». ^{[ 72 ]} Adolfo Bernhard Marx influyó en la formalización de conceptos sobre composición y comprensión musical hacia la segunda mitad del siglo XIX. El principio del análisis ha sido objeto de diversas críticas, especialmente por parte de compositores, como Edgard Varèse , quien afirmó que «explicar mediante el análisis es descomponer, mutilar el espíritu de una obra». ^{[ 73 ]}

El análisis schenkeriano es un método de análisis musical de la música tonal basado en las teorías de Heinrich Schenker (1868-1935). El objetivo de un análisis schenkeriano es interpretar la estructura subyacente de una obra tonal y ayudar a leer la partitura de acuerdo con esa estructura. Los principios básicos de la teoría pueden considerarse una forma de definir la tonalidad en la música. Un análisis schenkeriano de un pasaje musical muestra relaciones jerárquicas entre sus alturas y extrae conclusiones sobre la estructura del pasaje a partir de esta jerarquía. El análisis utiliza una forma simbólica especializada de notación musical que Schenker ideó para demostrar diversas técnicas de elaboración . El concepto más fundamental de la teoría de la tonalidad de Schenker puede ser el del espacio tonal . ^{[ 74 ]} Los intervalos entre las notas de la tríada tónica forman un espacio tonal que se llena con notas de paso y vecinas, produciendo nuevas tríadas y nuevos espacios tonales, abiertos a elaboraciones adicionales hasta alcanzar la superficie de la obra (la partitura).

Aunque Schenker suele presentar sus análisis en la dirección generativa, partiendo de la estructura fundamental ( Ursatz ) para llegar a la partitura, la práctica del análisis schenkeriano es más a menudo reductiva, partiendo de la partitura y mostrando cómo puede reducirse a su estructura fundamental. El gráfico del Ursatz es arrítmico, al igual que un ejercicio de cantus firmus de contrapunto estricto. ^{[ 75 ]} Incluso en niveles intermedios de la reducción, la notación rítmica (cabezas de nota abiertas y cerradas, barras y banderas) no muestra ritmo, sino las relaciones jerárquicas entre los eventos de altura. El análisis schenkeriano es subjetivo . No hay ningún procedimiento mecánico involucrado y el análisis refleja las intuiciones musicales del analista. ^{[ 76 ]} El análisis representa una forma de escuchar (y leer) una pieza musical.

La teoría transformacional es una rama de la teoría musical desarrollada por David Lewin en la década de 1980 e introducida formalmente en su obra de 1987, * Intervalos y transformaciones musicales generalizadas* . Esta teoría, que modela las transformaciones musicales como elementos de un grupo matemático , puede utilizarse para analizar tanto la música tonal como la atonal . El objetivo de la teoría transformacional es cambiar el enfoque de los objetos musicales —como el acorde de do mayor o el de sol mayor— a las relaciones entre ellos. Así, en lugar de decir que a un acorde de do mayor le sigue uno de sol mayor, un teórico transformacional podría decir que el primer acorde se ha "transformado" en el segundo mediante la " operación dominante ". (Simbólicamente, se podría escribir "Dominante (do mayor) = sol mayor"). Mientras que la teoría musical tradicional se centra en la composición de los objetos musicales, la teoría transformacional se centra en los intervalos o tipos de movimiento musical que pueden ocurrir. Según la descripción de Lewin sobre este cambio de énfasis, "[La actitud transformacional] no pide alguna medida observable de extensión entre 'puntos' reificados; más bien pregunta: 'Si estoy en s y deseo llegar a t, ¿qué gesto característico debo realizar para llegar allí?'" ^{[ 77 ]}

La psicología de la música puede considerarse una rama tanto de la psicología como de la musicología . Su objetivo es explicar y comprender el comportamiento y la experiencia musical , incluyendo los procesos mediante los cuales la música es percibida, creada, recibida e incorporada a la vida cotidiana. ^{[ 78 ] [ 79 ]} La psicología de la música moderna es principalmente empírica ; su conocimiento tiende a avanzar a partir de interpretaciones de datos recopilados mediante la observación sistemática y la interacción con participantes humanos . La psicología de la música es un campo de investigación con relevancia práctica para muchas áreas, incluyendo la interpretación musical , la composición , la educación , la crítica y la terapia , así como investigaciones sobre aptitud , habilidad, inteligencia , creatividad y comportamiento social humanos .

La psicología de la música puede esclarecer aspectos no psicológicos de la musicología y la práctica musical. Por ejemplo, contribuye a la teoría musical mediante investigaciones sobre la percepción y el modelado computacional de estructuras musicales como la melodía , la armonía , la tonalidad , el ritmo , la métrica y la forma . La investigación en historia de la música puede beneficiarse del estudio sistemático de la historia de la sintaxis musical , o de análisis psicológicos de compositores y composiciones en relación con las respuestas perceptivas, afectivas y sociales a su música.

Un género musical es una categoría convencional que identifica ciertas piezas musicales como pertenecientes a una tradición o conjunto de convenciones compartidas. ^{[ 80 ]} Debe distinguirse de la forma musical y el estilo musical , aunque en la práctica estos términos a veces se usan indistintamente. ^{[ 81 ]}

La música puede dividirse en diferentes géneros de muchas maneras distintas. La naturaleza artística de la música implica que estas clasificaciones suelen ser subjetivas y controvertidas, y algunos géneros pueden superponerse. Incluso existen diversas definiciones académicas del término género . En su libro «Forma en la música tonal» , Douglass M. Green distingue entre género y forma . Enumera el madrigal , el motete , la canzona , el ricercar y la danza como ejemplos de géneros del Renacimiento . Para aclarar aún más el significado de género , Green escribe: «El Op. 61 de Beethoven y el Op. 64 de Mendelssohn son idénticos en género —ambos son conciertos para violín— pero difieren en forma. Sin embargo, el Rondó para piano, K. 511, de Mozart, y el Agnus Dei de su Misa, K. 317, son bastante diferentes en género, pero resultan ser similares en forma». ^{[ 82 ]} Algunos, como Peter van der Merwe , tratan los términos género y estilo como sinónimos, afirmando que el género debe definirse como piezas musicales que provienen del mismo estilo o "lenguaje musical básico". ^{[ 83 ]}

Otros, como Allan F. Moore, afirman que género y estilo son dos términos distintos, y que características secundarias como el tema también pueden diferenciar entre géneros. ^{[ 84 ]} Un género o subgénero musical también puede definirse por las técnicas musicales , el estilo, el contexto cultural y el contenido y espíritu de los temas. El origen geográfico se utiliza a veces para identificar un género musical, aunque una sola categoría geográfica suele incluir una amplia variedad de subgéneros. Timothy Laurie sostiene que «desde principios de la década de 1980, el género ha pasado de ser un subconjunto de los estudios de música popular a ser un marco casi omnipresente para constituir y evaluar objetos de investigación musical». ^{[ 85 ]}

La técnica musical es la capacidad de los músicos instrumentales y vocales para ejercer un control óptimo de sus instrumentos o cuerdas vocales y producir efectos musicales precisos. Mejorar la técnica generalmente implica practicar ejercicios que aumentan la sensibilidad y la agilidad muscular. Para ello, los músicos suelen practicar patrones fundamentales de notas, como las escalas natural , menor , mayor y cromática , las tríadas menores y mayores , las séptimas dominantes y disminuidas , las fórmulas y los arpegios . Por ejemplo, las tríadas y las séptimas enseñan a tocar acordes con precisión y rapidez. Las escalas enseñan a moverse con rapidez y fluidez de una nota a otra (generalmente por grados conjuntos). Los arpegios enseñan a tocar acordes rotos en intervalos más amplios. Muchos de estos componentes musicales se encuentran en composiciones; por ejemplo, la escala es un elemento muy común en las composiciones clásicas y románticas.

Heinrich Schenker argumentó que la "característica más llamativa y distintiva" de la técnica musical es la repetición . ^{[ 86 ]} Las obras conocidas como estudios (que significa "estudio") también se utilizan con frecuencia para mejorar la técnica.

Los teóricos de la música a veces usan las matemáticas para entender la música, y aunque la música no tiene una base axiomática en las matemáticas modernas, las matemáticas son "la base del sonido" y el sonido mismo "en sus aspectos musicales... exhibe una notable variedad de propiedades numéricas", simplemente porque la naturaleza misma "es asombrosamente matemática". ^{[ 87 ]} El intento de estructurar y comunicar nuevas formas de componer y escuchar música ha llevado a aplicaciones musicales de la teoría de conjuntos , el álgebra abstracta y la teoría de números . Algunos compositores han incorporado la proporción áurea y los números de Fibonacci en su trabajo. ^{[ 88 ] [ 89 ]} Hay una larga historia de examinar las relaciones entre la música y las matemáticas. Aunque se sabe que los antiguos chinos, egipcios y mesopotámicos estudiaron los principios matemáticos del sonido, ^{[ 90 ]} los pitagóricos (en particular Filolao y Arquitas ) ^{[ 91 ]} de la antigua Grecia fueron los primeros investigadores conocidos que investigaron la expresión de las escalas musicales en términos de proporciones numéricas .

Los primeros 16 armónicos, sus nombres y frecuencias, que muestran la naturaleza exponencial de la octava y la naturaleza fraccionaria simple de los armónicos que no pertenecen a la octava.

En la era moderna, la teoría de conjuntos musicales utiliza el lenguaje de la teoría matemática de conjuntos de forma elemental para organizar objetos musicales y describir sus relaciones. Para analizar la estructura de una pieza musical (típicamente atonal) mediante la teoría de conjuntos musicales, se suele partir de un conjunto de tonos, que pueden formar motivos o acordes. Aplicando operaciones sencillas como la transposición y la inversión , se pueden descubrir estructuras profundas en la música. Estas operaciones se denominan isometrías porque preservan los intervalos entre los tonos de un conjunto. Ampliando los métodos de la teoría de conjuntos musicales, algunos teóricos han utilizado el álgebra abstracta para analizar la música. Por ejemplo, las clases de altura en una octava temperada forman un grupo abeliano con 12 elementos. Es posible describir la entonación justa en términos de un grupo abeliano libre . ^{[ 92 ]}

En teoría musical, el serialismo es un método o técnica de composición que utiliza una serie de valores para manipular diferentes elementos musicales . El serialismo comenzó principalmente con la técnica dodecafónica de Arnold Schoenberg , aunque sus contemporáneos también trabajaban para establecer el serialismo como un ejemplo de pensamiento postonal . La técnica dodecafónica ordena las doce notas de la escala cromática , formando una fila o serie y proporcionando una base unificadora para la melodía , la armonía , las progresiones estructurales y las variaciones de una composición . Otros tipos de serialismo también trabajan con conjuntos , colecciones de objetos, pero no necesariamente con series de orden fijo, y extienden la técnica a otras dimensiones musicales (a menudo llamadas " parámetros "), como la duración , la dinámica y el timbre . La idea del serialismo también se aplica de diversas maneras en las artes visuales, el diseño y la arquitectura ^{[ 93 ].}

El «serialismo integral» o «serialismo total» es el uso de series para aspectos como la duración, la dinámica y el registro, así como la altura tonal. ^{[ 94 ]} Otros términos, utilizados especialmente en Europa para distinguir la música serial posterior a la Segunda Guerra Mundial de la música dodecafónica y sus extensiones estadounidenses, son «serialismo general» y «serialismo múltiple». ^{[ 95 ]}

La teoría de conjuntos musicales proporciona conceptos para categorizar objetos musicales y describir sus relaciones. Muchas de estas nociones fueron elaboradas inicialmente por Howard Hanson (1960) en relación con la música tonal, y posteriormente desarrolladas principalmente en relación con la música atonal por teóricos como Allen Forte (1973), basándose en la obra de Milton Babbitt sobre la teoría dodecafónica. Los conceptos de la teoría de conjuntos son muy generales y pueden aplicarse a estilos tonales y atonales en cualquier sistema de afinación temperada, e incluso, en cierta medida, de forma más general.

La teoría de conjuntos musicales suele asignar elementos a conjuntos entre corchetes utilizando números. Por ejemplo, en una escala cromática, a cada semitono se le asigna una posición en el siguiente conjunto: {0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11}. Los acordes mayores se describen mediante el subconjunto {0 4 7}, mientras que los acordes menores se describen como {0 3 7}.

Una rama de la teoría de conjuntos musicales se ocupa de colecciones (conjuntos y permutaciones) de alturas y clases de alturas (teoría de conjuntos de clases de alturas), que pueden ser ordenadas o desordenadas, y que pueden relacionarse mediante operaciones musicales como la transposición , la inversión y la complementación . Los métodos de la teoría de conjuntos musicales también se aplican a veces al análisis del ritmo.

La semiología musical (o semiótica ) estudia los signos relacionados con la música en diversos niveles. Siguiendo a Roman Jakobson , Kofi Agawu adopta la idea de que la semiosis musical puede ser introvertida o extrovertida; es decir, que existen signos musicales dentro y fuera de un texto. Agawu, entre otros, ha abordado de forma sugerente los "tópicos" o diversas convenciones musicales (como las llamadas de trompa, las formas de danza y los estilos). La noción de gesto está adquiriendo cada vez más importancia en la investigación músico-semiótica.

"Existen sólidos argumentos que sostienen que la música habita un ámbito semiológico que, tanto a nivel ontogenético como filogenético , tiene prioridad de desarrollo sobre el lenguaje verbal." ^{[ 96 ] [ 97 ] [ 98 ] [ 99 ] [ 100 ] [ 101 ] [ 102 ] [ 103 ]}

Entre los autores que escriben sobre semiología musical se incluyen Kofi Agawu (sobre la teoría del tema), ^{[ 104 ]} Heinrich Schenker , ^{[ 105 ] [ 106 ]} Robert Hatten (sobre el tema, el gesto) , Raymond Monelle (sobre el tema, el significado musical), ^{[ 107 ]} Jean-Jacques Nattiez (sobre el análisis taxonómico introvertido y las aplicaciones etnomusicológicas) , Anthony Newcomb (sobre la narratividad) y Eero Tarasti .

Roland Barthes , semiólogo y pianista aficionado habilidoso, escribió sobre música en Imagen, música, texto , ^{[ 108 ]} La responsabilidad de las formas , ^{[ 109 ]} y La Torre Eiffel , ^{[ 110 ]} aunque no consideraba la música como un sistema semiótico. ^{[ 111 ]}

Los signos y significados en la música surgen esencialmente a través de las connotaciones de los sonidos y mediante la construcción social, la apropiación y la amplificación de ciertos significados asociados a dichas connotaciones. La obra de Philip Tagg ( Ten Little Tunes , Fernando the Flute , Music's Meanings ) ofrece uno de los análisis más completos y sistemáticos de la relación entre estructuras musicales y connotaciones en la música occidental, especialmente en la música popular, televisiva y cinematográfica. La obra de Leonard B. Meyer, Style and Music, teoriza la relación entre ideologías y estructuras musicales, así como el fenómeno del cambio de estilo, centrándose en el romanticismo como caso de estudio.

La teoría musical, en su sentido práctico, ha formado parte de la enseñanza en conservatorios y escuelas de música durante siglos, pero el estatus que actualmente tiene dentro de las instituciones académicas es relativamente reciente. En la década de 1970, pocas universidades contaban con programas dedicados a la teoría musical, muchos teóricos musicales se habían formado como compositores o historiadores, y existía la creencia entre los teóricos de que la enseñanza de la teoría musical era inadecuada y que la materia no estaba debidamente reconocida como una disciplina académica por derecho propio. ^{[ 112 ]} Un número creciente de académicos comenzó a promover la idea de que la teoría musical debería ser enseñada por teóricos, en lugar de compositores, intérpretes o historiadores musicales. ^{[ 112 ]} Esto llevó a la fundación de la Sociedad para la Teoría Musical en los Estados Unidos en 1977. En Europa, la Société d'Analyse musicale francesa se fundó en 1985. Convocó la Primera Conferencia Europea de Análisis Musical para 1989, que resultó en la fundación de la Société belge d'Analyse musicale en Bélgica y el Gruppo analisi e teoria musicale en Italia ese mismo año, la Sociedad para el Análisis Musical en el Reino Unido en 1991, la Vereniging voor Muziektheorie en los Países Bajos en 1999 y la Gesellschaft für Musiktheorie en Alemania en 2000. ^{[ 113 ]} Posteriormente les siguieron la Sociedad Rusa para la Teoría Musical en 2013, la Sociedad Polaca para el Análisis Musical en 2015 y la Sociedad de Análisis y Teoría Musical en España en 2020, y otras están en construcción. Estas sociedades coordinan la publicación de estudios sobre teoría musical y apoyan el desarrollo profesional de los investigadores en este campo. En 2018, crearon una red de sociedades europeas para la teoría y/o el análisis de la música, la EuroT&AM.

Como parte de su formación inicial, los teóricos musicales suelen completar una licenciatura en música ( B.Mus.) o una licenciatura en música (o un campo relacionado) y, en muchos casos, una maestría en teoría musical. Algunas personas solicitan directamente desde una licenciatura a un doctorado, y en estos casos, es posible que no reciban una maestría. En la década de 2010, dada la naturaleza cada vez más interdisciplinaria de los programas de posgrado universitarios, algunos solicitantes a programas de doctorado en teoría musical pueden tener formación académica tanto en música como fuera de ella (por ejemplo, un estudiante puede solicitar con una licenciatura en música y una maestría en composición musical o filosofía de la música).

La mayoría de los teóricos de la música trabajan como instructores, profesores o catedráticos en colegios, universidades o conservatorios . El mercado laboral para puestos de profesor titular es muy competitivo: con un promedio de alrededor de 25 puestos de profesor titular anunciados por año en la última década, se producen entre 80 y 100 graduados de doctorado cada año (según la Encuesta de Doctorados Obtenidos) que compiten no solo entre sí por esos puestos, sino también con solicitantes de empleo que obtuvieron doctorados en años anteriores y que aún buscan un puesto de profesor titular. Los solicitantes deben tener un doctorado completo o un título equivalente (o esperar obtenerlo dentro del año de ser contratados, lo que se denomina etapa "ABD", por " All But Dissertation ", "All But Dissertation ") y (para puestos de mayor responsabilidad) tener un sólido historial de publicaciones en revistas revisadas por pares. Algunos teóricos de la música con doctorado solo pueden encontrar puestos precarios como profesores a tiempo parcial . Las tareas de un teórico musical son las mismas que las de un profesor de cualquier otra disciplina de humanidades: impartir clases de grado y/o posgrado en esta área de especialización y, en muchos casos, algunos cursos generales (como Apreciación Musical o Introducción a la Teoría Musical), realizar investigaciones en esta área de especialización, publicar artículos de investigación en revistas arbitradas, escribir capítulos de libros, libros o manuales, asistir a congresos para presentar ponencias y conocer las investigaciones en el campo y, si el programa incluye una escuela de posgrado, supervisar a estudiantes de maestría y doctorado y orientarlos en la preparación de sus tesis y disertaciones. Algunos profesores de teoría musical pueden ocupar puestos administrativos de alto nivel en su institución, como decano o director de la Facultad de Música.