Shakespeare en escena

Las obras de William Shakespeare se han representado ampliamente desde finales del siglo XVI. Mientras Shakespeare vivía, muchas de sus obras más importantes fueron representadas por las compañías teatrales Lord Chamberlain's Men y King's Men en los teatros Globe y Blackfriars . ^{[ 1 ] [ 2 ]} Entre los actores de estas representaciones originales se encontraban Richard Burbage (quien interpretó el papel principal en las primeras representaciones de Hamlet , Otelo , Ricardo III y El rey Lear ), ^{[ 3 ]} Richard Cowley y William Kempe . Es probable que algunos de los papeles en las obras de Shakespeare fueran interpretados por el propio Shakespeare.

Las obras de Shakespeare continuaron representándose tras su muerte hasta el Interregno (1642-1660), periodo en el que los puritanos prohibieron la mayoría de las representaciones públicas . Tras la Restauración inglesa , las obras de Shakespeare se representaron en teatros con elaborados decorados, acompañados de música, baile, truenos, relámpagos, máquinas de olas y fuegos artificiales . Durante este tiempo, los textos fueron «reformados» y «mejorados» para su puesta en escena.

Las producciones victorianas de Shakespeare a menudo buscaban efectos pictóricos en vestuario y decorados históricos "auténticos". La puesta en escena de las batallas navales y la escena de la barcaza en Antonio y Cleopatra fue un ejemplo espectacular. ^{[ 4 ]} Una escenografía tan elaborada para los escenarios que cambiaban con frecuencia en las obras de Shakespeare solía provocar una pérdida de ritmo. Hacia finales del siglo XIX, William Poel lideró una reacción contra este estilo pesado. En una serie de producciones " isabelinas " en un escenario de proscenio , prestó nueva atención a la estructura del drama. A principios del siglo XX, Harley Granville-Barker dirigió textos en cuarto y folio con pocos cortes, ^{[ 5 ]} mientras que Edward Gordon Craig y otros abogaron por una puesta en escena abstracta. Ambos enfoques han influido en la variedad de estilos de producción shakespeariana que se ven hoy en día. ^{[ 6 ]}

No se conoce con certeza la compañía para la que Shakespeare escribió sus primeras obras; la página del título de la edición de 1594 de Tito Andrónico revela que había sido representada por tres compañías diferentes. ^{[ 7 ]} Después de las plagas de 1592-93, las obras de Shakespeare fueron representadas por los Lord Chamberlain's Men, una nueva compañía de la que Shakespeare fue miembro fundador, en The Theatre and the Curtain en Shoreditch , al norte del Támesis. ^{[ 8 ]} Los londinenses acudieron en masa para ver la primera parte de Enrique IV , y Leonard Digges recuerda: "Que venga Falstaff, Hal, Poins, el resto  ... y apenas habrá sitio". ^{[ 9 ]} Cuando el propietario del teatro anunció que no renovaría el contrato de arrendamiento de la compañía, derribaron el teatro y utilizaron las maderas para construir el Globe Theatre , el primer teatro londinense construido por actores para actores, en la orilla sur del Támesis en Southwark . ^{[ 10 ]} El Globe abrió sus puertas en otoño de 1599, siendo Julio César una de las primeras obras representadas. La mayoría de las obras más importantes de Shakespeare posteriores a 1599 fueron escritas para el Globe, incluyendo Hamlet , Otelo y El rey Lear . ^{[ 11 ]}

El Globe, al igual que otros teatros públicos londinenses con techo abierto, utilizaba un escenario de proscenio cubierto por un dosel de tela. Una fachada de dos pisos en la parte trasera del escenario ocultaba el camerino y, a través de ventanas cerca de la parte superior de la fachada, permitía rodar escenas desde el balcón, como la de Romeo y Julieta . Es posible que unas puertas en la parte inferior de la fachada se usaran para escenas de descubrimiento, como la del final de La Tempestad . Una trampilla en el propio escenario podía utilizarse para escenas de acción, como algunas que involucran al fantasma en Hamlet . Esta zona de la trampilla se llamaba "infierno", mientras que el dosel superior se llamaba "cielo".

Se sabe menos sobre otros aspectos de la puesta en escena y la producción. Los elementos escénicos parecen haber sido mínimos, aunque el vestuario era tan elaborado como era posible. Las "dos horas de tráfico" mencionadas en el prólogo de Romeo y Julieta no eran una fantasía; la hostilidad del gobierno municipal hizo que las representaciones se limitaran oficialmente a ese tiempo. Si bien se desconoce hasta qué punto las compañías se tomaban en serio estas restricciones, parece probable que las obras se representaran a una velocidad vertiginosa o que los textos que se conservan se recortaran para su representación, o ambas cosas.

El otro teatro principal donde se representaban las obras originales de Shakespeare era el segundo Teatro Blackfriars , un teatro cubierto construido por James Burbage , padre de Richard Burbage , y empresario de los Lord Chamberlain's Men. Sin embargo, las protestas vecinales impidieron que Burbage utilizara el teatro para las representaciones de los Lord Chamberlain's Men durante varios años. Después de que los Lord Chamberlain's Men pasaran a llamarse King's Men en 1603, establecieron una relación especial con la nueva corte del rey Jacobo . Los registros de las representaciones son fragmentarios, pero se sabe que los King's Men representaron siete obras de Shakespeare en la corte entre el 1 de noviembre de 1604 y el 31 de octubre de 1605, incluyendo dos representaciones de El mercader de Venecia . ^{[ 12 ]} En 1608, los King's Men (como se conocía entonces a la compañía) tomaron posesión del Teatro Blackfriars. Después de 1608, la compañía actuó en el teatro cubierto Blackfriars durante el invierno y en el Globe durante el verano. ^{[ 13 ]} El entorno cubierto, combinado con la moda jacobina de las mascaradas fastuosamente escenificadas , creó nuevas condiciones para la representación que permitieron a Shakespeare introducir recursos escénicos más elaborados. En Cymbeline , por ejemplo, Júpiter desciende «entre truenos y relámpagos, sentado sobre un águila: lanza un rayo. Los fantasmas caen de rodillas». ^{[ 14 ]} Es de suponer que las obras producidas en el teatro cubierto también hicieron un mayor uso de efectos de sonido y música.

Se conserva un fragmento del diario del capitán naval William Keeling , en el que detalla las representaciones de Hamlet (frente a la costa de Sierra Leona , 5 de septiembre de 1607, y en Socotra , 31 de marzo de 1608) ^{[ 15 ]} y Ricardo II (Sierra Leona, 30 de septiembre de 1607) a bordo de sus barcos. [ ^{15 ] Tras} su descubrimiento, durante un tiempo se sospechó que el fragmento era una falsificación, pero actualmente se acepta generalmente como auténtico. ^{[ 16 ]} Estas son las primeras representaciones amateur registradas de obras de Shakespeare. ^{[ 15 ]}

El 29 de junio de 1613, el Teatro Globe se incendió durante una representación de Enrique VIII . Un cañón de utilería, disparado durante la función, falló, prendiendo fuego a las vigas de madera y al techo de paja. Según uno de los pocos documentos que se conservan del suceso, nadie resultó herido, salvo un hombre que apagó sus pantalones en llamas con una botella de cerveza. ^{[ 17 ]} El suceso sitúa la fecha de una obra de Shakespeare con una precisión excepcional. Sir Henry Wotton dejó constancia de que la obra «se presentó con gran pompa y ceremonia». ^{[ 18 ]} El teatro fue reconstruido, pero, como todos los demás teatros de Londres, el Globe fue clausurado por los puritanos en 1642.

Entre los actores de la compañía de Shakespeare se encontraban Richard Burbage , Will Kempe , Henry Condell y John Heminges . Burbage interpretó el papel principal en los estrenos de muchas obras de Shakespeare, como Ricardo III , Hamlet , Otelo y El rey Lear . ^{[ 19 ]} El popular actor cómico Will Kempe interpretó a Peter en Romeo y Julieta y a Dogberry en Mucho ruido y pocas nueces , entre otros papeles. Fue reemplazado a principios del siglo XVI por Robert Armin , quien interpretó papeles como Touchstone en Como gustéis y el bufón en El rey Lear . ^{[ 20 ]} Se sabe poco sobre los estilos de actuación. Los críticos elogiaban a los mejores actores por su naturalidad. Se despreciaba a los vociferantes y a aquellos que "destrozaban una pasión", como dice Hamlet. También en Hamlet, los dramaturgos se quejan de los bufones que improvisan en escena (los críticos modernos suelen culpar a Kemp en particular en este sentido). En la antigua tradición cómica, que alcanzó su apogeo con Richard Tarlton , los payasos, a menudo la principal atracción de una compañía, eran los responsables de crear el humor secundario. Para la época jacobina, ese tipo de humor había sido reemplazado por el ingenio verbal.

Las obras de Shakespeare continuaron representándose tras su muerte hasta el Interregno (1642-1660), cuando los gobernantes puritanos prohibieron la mayoría de las representaciones teatrales públicas . Aunque se les negaba el uso del escenario, el vestuario y la escenografía, los actores lograron ejercer su oficio interpretando « drolls » o fragmentos cortos de obras más extensas que solían terminar con algún tipo de jiga. Shakespeare fue uno de los muchos dramaturgos cuyas obras fueron adaptadas para estas escenas. Entre los drolls tomados de Shakespeare se encuentran Bottom el Tejedor ( escenas de Bottom en Sueño de una noche de verano ) ^{[ 21 ]} y Los Sepultureros (escena del sepulturero en Hamlet ). ^{[ 22 ]}

Tras la Restauración en 1660, las obras de Shakespeare se repartieron entre las dos compañías recién autorizadas: la King's Company de Thomas Killigrew y la Duke 's Men de William Davenant . Este sistema de licencias se mantuvo vigente durante dos siglos; entre 1660 y 1843, solo dos compañías principales representaban regularmente a Shakespeare en Londres. Davenant, quien había conocido a actores de la época de los primeros Estuardo como John Lowin y Joseph Taylor , fue la figura clave que estableció cierta continuidad con las tradiciones anteriores; por lo tanto, sus consejos a sus actores resultan interesantes como posibles reflejos de las prácticas originales.

En general, sin embargo, la innovación era la norma para las compañías de la Restauración. John Downes informa que los King's Men inicialmente incluían algunos actores carolingios; sin embargo, la ruptura forzada del Interregno separó a ambas compañías del pasado. Los actores de la Restauración actuaban en escenarios a la italiana , a menudo por la noche, entre las seis y las nueve. El diseño de la escenografía y los accesorios se volvieron más elaborados y variables. Quizás lo más notable fue que los actores jóvenes fueron reemplazados por actrices. El público de los teatros cubiertos, comparativamente caros, era más rico, mejor educado y más homogéneo que las diversas y a menudo indisciplinadas multitudes del Globe. La compañía de Davenant comenzó en el Salisbury Court Theatre , luego se trasladó al teatro de Lincoln's Inn Fields y finalmente se estableció en el Dorset Garden Theatre . Killigrew comenzó en el Gibbon's Tennis Court antes de establecerse en el nuevo teatro de Christopher Wren en Drury Lane . Los mecenas de ambas compañías esperaban un espectáculo muy diferente al que había complacido a los isabelinos. Para la tragedia, sus gustos se inclinaban hacia el drama heroico ; para la comedia, para la comedia de costumbres . Aunque les gustaba Shakespeare, parece que deseaban que sus obras se ajustaran a estas preferencias.

Los escritores de la Restauración les complacieron adaptando libremente las obras de Shakespeare. Escritores como William Davenant y Nahum Tate reescribieron algunas de las obras de Shakespeare para adaptarlas a los gustos de la época, que favorecían la comedia cortesana de Beaumont y Fletcher y las reglas neoclásicas del drama . ^{[ 23 ]} En 1681, Tate proporcionó La historia del rey Lear , una versión modificada de la tragedia original de Shakespeare con un final feliz. Según Stanley Wells, la versión de Tate "sustituyó la obra de Shakespeare en todas las representaciones desde 1681 hasta 1838", ^{[ 24 ]} cuando William Charles Macready interpretó a Lear a partir de una versión abreviada y reorganizada del texto de Shakespeare. ^{[ 25 ]} «Tuve la fortuna», dijo Tate, «de encontrar un recurso para rectificar lo que faltaba en la regularidad y verosimilitud del relato, que consistía en mantener a lo largo de toda la historia un amor entre Edgar y Cordelia que nunca cambió de palabras en el original». ^{[ 26 ]}

La versión de Lear de Tate sigue siendo famosa como ejemplo de una adaptación mal concebida, producto de la insensibilidad a la visión trágica de Shakespeare. La genialidad de Tate no residía en el lenguaje —muchas de sus líneas interpoladas ni siquiera tienen ritmo— sino en la estructura; su Lear comienza brillantemente con el primer discurso impactante de Edmund el Bastardo y termina con el heroico rescate de Cordelia por parte de Lear en la prisión y la restauración de la justicia en el trono. La visión del mundo de Tate, y la del mundo teatral que durante más de un siglo acogió (y exigió) sus versiones con "final feliz" de las obras trágicas del Bardo (como El rey Lear y Romeo y Julieta ), surgió de una concepción profundamente diferente de la moralidad en la sociedad y del papel que el teatro y el arte debían desempeñar en ella. Las versiones de Shakespeare de Tate conciben la responsabilidad del teatro como un agente transformador para el cambio positivo, al confrontar nuestros instintos más bajos con la moral. Las versiones de Tate de lo que hoy consideramos algunas de las obras más importantes del Bardo dominaron los escenarios durante todo el siglo XVIII precisamente porque la Ilustración y la Razón consideraban inmoral la «visión trágica» de Shakespeare y sus obras trágicas imposibles de representar. Hoy en día, las obras de Tate rara vez se representan, aunque en 1985, la Riverside Shakespeare Company montó una exitosa producción de La historia del rey Lear en el Shakespeare Center , aclamada por algunos como un «Lear para la era de Ronald Reagan». ^{[ 27 ]}

Quizás un ejemplo más típico del propósito de las revisiones de la Restauración sea La ley contra los amantes de Davenant , una comedia de 1662 que combina la trama principal de Medida por medida con la subtrama de Mucho ruido y pocas nueces . El resultado es una instantánea de los gustos cómicos de la Restauración. Beatrice y Benedick se introducen para establecer un paralelismo con Claudio y Hero; el énfasis a lo largo de la obra está en la conversación ingeniosa, y el enfoque temático de Shakespeare en la lujuria se reduce progresivamente. La obra termina con tres matrimonios: el de Benedick con Beatrice, el de Claudio con Hero, y el de Isabella con un Angelo cuyo intento de seducir la virtud de Isabella fue una estratagema. Davenant escribió muchas de las escenas de transición y reformuló gran parte del verso de Shakespeare como pareados heroicos .

Una característica final de la puesta en escena de la Restauración influyó en las producciones de Shakespeare. El gusto por la ópera que los exiliados habían desarrollado en Francia también dejó su huella en Shakespeare. Davenant y John Dryden adaptaron La Tempestad a una ópera, La Tempestad o La Isla Encantada ; su obra presentaba una hermana para Miranda, un hombre, Hipólito, que nunca había visto a una mujer, y otro matrimonio concertado al final. También incluía numerosas canciones, una espectacular escena de naufragio y una mascarada de cupidos voladores. Otras obras de Shakespeare que recibieron tratamiento operístico fueron El sueño de una noche de verano (como La Reina de las Hadas en 1692) y Medida por medida de Charles Gildon (a través de una elaborada mascarada).

Por muy desacertadas que puedan parecer ahora estas revisiones, tenían sentido para los dramaturgos y el público de la época. Los dramaturgos se acercaban a Shakespeare no como admiradores , sino como profesionales del teatro. A diferencia de Beaumont y Fletcher, cuyas obras, según Dryden en 1668, «son ahora los entretenimientos más agradables y frecuentes del escenario», «dos de las suyas se representan durante todo el año por cada una de Shakespeare o Jonson», ^{[ 28 ]} Shakespeare les parecía anticuado. Sin embargo, casi universalmente, lo consideraban digno de actualización. Aunque la mayoría de estas obras revisadas fracasaron en escena, muchas se mantuvieron vigentes durante décadas; la adaptación romana de Romeo y Julieta de Thomas Otway , por ejemplo, parece haber desplazado la obra original de Shakespeare de los escenarios entre 1680 y 1744. Fue en gran parte el Shakespeare revisado el que ocupó el primer lugar en el repertorio a principios del siglo XVIII, mientras que la participación de Beaumont y Fletcher disminuyó constantemente. ^{[ 29 ]}

El siglo XVIII fue testigo de tres grandes cambios en la representación de las obras de Shakespeare. En Inglaterra, el auge del estrellato transformó tanto la actuación como la producción; a finales de siglo, el Romanticismo influyó en la actuación, al igual que en todas las artes. Al mismo tiempo, actores y productores comenzaron a retomar los textos de Shakespeare, dejando atrás gradualmente las revisiones de la Restauración. Finalmente, a finales de siglo, las obras de Shakespeare se habían consolidado como parte del repertorio fuera de Gran Bretaña: no solo en Estados Unidos, sino también en muchos países europeos.

Gran Bretaña

En el siglo XVIII, Shakespeare dominaba los escenarios londinenses, mientras que las producciones de Shakespeare se centraban cada vez más en la creación de papeles estelares para actores consagrados. Tras la Ley de Licencias de 1737 , una cuarta parte de las obras representadas eran de Shakespeare, y en al menos dos ocasiones, teatros rivales de Londres representaron la misma obra de Shakespeare simultáneamente ( Romeo y Julieta en 1755 y El rey Lear al año siguiente), atrayendo a un gran público. Este hecho fue un claro ejemplo de la creciente importancia de las estrellas de Shakespeare en la cultura teatral, siendo el principal atractivo la competencia y rivalidad entre los protagonistas masculinos de Covent Garden y Drury Lane, Spranger Barry y David Garrick . En la década de 1740, Charles Macklin , en papeles como Malvolio y Shylock , y David Garrick , que alcanzó la fama como Ricardo III en 1741, contribuyeron a la verdadera popularidad de Shakespeare. ^{[ 30 ]} Garrick llegó a producir 26 de las obras en el Teatro Drury Lane entre 1747 y 1776, y celebró un gran Jubileo de Shakespeare en Stratford en 1769. ^{[ 31 ]} Sin embargo, adaptó libremente la obra de Shakespeare, diciendo de Hamlet : "Había jurado que no abandonaría el escenario hasta haber rescatado esa noble obra de toda la basura del quinto acto. La he traído sin el truco del sepulturero, Osrick, y el duelo de esgrima". ^{[ 32 ]} Aparentemente no se percibió ninguna incongruencia en que Barry y Garrick, de casi cuarenta años, interpretaran al Romeo adolescente en una temporada y al anciano Rey Lear en la siguiente. Las nociones de verosimilitud del siglo XVIII no solían exigir que un actor tuviera la apariencia física adecuada para un papel, un hecho que quedó ejemplificado en una producción de Romeo y Julieta de 1744 en la que Theophilus Cibber , que entonces tenía cuarenta años, interpretó a Romeo y a Julieta, papel que desempeñaba su hija adolescente, Jennie.

Los teatros y la escenografía se volvieron cada vez más elaborados en el siglo XIX, y las ediciones de actuación utilizadas fueron progresivamente recortadas y reestructuradas para enfatizar cada vez más los soliloquios y las estrellas, a expensas del ritmo y la acción. ^{[ 37 ]} Las representaciones se ralentizaron aún más por la necesidad de pausas frecuentes para cambiar la escenografía, creando una necesidad percibida de aún más recortes para mantener la duración de la representación dentro de límites tolerables; se convirtió en una máxima generalmente aceptada que las obras de Shakespeare eran demasiado largas para ser representadas sin recortes sustanciales. La plataforma, o proscenio, en la que los actores del siglo XVII salían para interactuar con el público, desapareció, y los actores permanecieron permanentemente detrás de la cuarta pared o arco del proscenio , separados aún más del público por la orquesta (ver imagen a la derecha).

Las producciones victorianas de Shakespeare a menudo buscaban efectos pictóricos en vestuario y decorados históricos "auténticos". La puesta en escena de las batallas navales y la escena de la barcaza en Antonio y Cleopatra fue un ejemplo espectacular. ^{[ 4 ]} Con demasiada frecuencia, el resultado era una pérdida de ritmo. Hacia finales de siglo, William Poel lideró una reacción contra este estilo pesado. En una serie de producciones "isabelinas" en un escenario de proscenio , prestó renovada atención a la estructura del drama.

A lo largo del siglo XIX, una lista de nombres de actores legendarios eclipsó casi por completo las obras en las que aparecían: Sarah Siddons (1755-1831), John Philip Kemble (1757-1823), Henry Irving (1838-1905) y Ellen Terry (1847-1928). Ser una estrella del teatro serio llegó a significar, ante todo, ser un "gran actor shakesperiano", con una interpretación célebre de Hamlet para los hombres y de Lady Macbeth para las mujeres, y especialmente con una interpretación impactante de los grandes soliloquios. El apogeo del espectáculo, el estrellato y el soliloquio en las representaciones de Shakespeare llegó con el reinado del actor y director Henry Irving y su coprotagonista Ellen Terry en sus elaboradas producciones, a menudo con música incidental orquestal , en el Teatro Lyceum de Londres, de 1878 a 1902. Al mismo tiempo, la Sociedad Teatral Isabelina de William Poel impulsaba un retorno revolucionario a las raíces de los textos originales de Shakespeare, al escenario de plataforma, la ausencia de escenografía y los fluidos cambios de escena del teatro isabelino . ^{[ 38 ]}

A principios del siglo XX, Harley Granville-Barker dirigió textos en formato cuarto y folio con pocos cortes, ^{[ 5 ]} mientras que Edward Gordon Craig y otros abogaron por una puesta en escena abstracta. Ambos enfoques han influido en la variedad de estilos de producción shakespeariana que se ven hoy en día. ^{[ 6 ]}

El siglo XX también fue testigo de una multiplicidad de interpretaciones visuales de las obras de Shakespeare .

El diseño de Gordon Craig para Hamlet en 1911 fue revolucionario por su influencia cubista . Craig definió el espacio con sencillos paneles: lienzos monocromáticos tensados ​​sobre bastidores de madera, unidos mediante bisagras para que se sostuvieran por sí mismos. Si bien la construcción de estos paneles no era original, su aplicación a Shakespeare fue completamente novedosa. Los paneles podían alinearse en múltiples configuraciones y proporcionaban una técnica para simular estructuras arquitectónicas o abstractas a partir de materiales y métodos comunes en cualquier teatro de Europa o América.

El segundo gran cambio en la escenografía de Shakespeare del siglo XX se produjo en la producción de Cymbeline de Barry Vincent Jackson en 1923 en el Birmingham Rep . Esta producción fue innovadora porque reintrodujo la idea del vestuario moderno en Shakespeare. No fue la primera producción con vestuario moderno, ya que hubo algunos ejemplos menores antes de la Primera Guerra Mundial , pero Cymbeline fue la primera en llamar la atención sobre el recurso de manera descarada. Iachimo vestía traje de noche para la apuesta, la corte llevaba uniformes militares e Imogen , disfrazada , llevaba pantalones bombachos y gorra. Fue para esta producción que los críticos acuñaron la frase "Shakespeare en pantalones bombachos". ^{[ 39 ]} El experimento tuvo un éxito moderado, y el director, HK Ayliff , dos años después puso en escena Hamlet con vestuario moderno. Estas producciones allanaron el camino para las producciones shakespearianas con vestuario moderno que conocemos hoy.

En 1936, Orson Welles fue contratado por el Federal Theatre Project para dirigir una innovadora producción de Macbeth en Harlem con un elenco completamente afroamericano . La producción se conoció como el Macbeth vudú , ya que Welles cambió la ambientación a un Haití del siglo XIX gobernado por un rey malvado totalmente controlado por la magia africana. ^{[ 40 ]} Inicialmente hostil, la comunidad negra acogió la producción con entusiasmo, asegurando lleno total durante diez semanas en el Teatro Lafayette y propiciando un pequeño éxito en Broadway y una gira nacional. ^{[ 41 ]}

Otras producciones notables del siglo XX que siguen esta tendencia de reubicar las obras de Shakespeare son Macbeth de HK Ayliff de 1928 ambientada en los campos de batalla de la Primera Guerra Mundial , Julio César de Welles de 1937 basado en los mítines nazis de Núremberg , y Coriolano de Thacker de 1994 con vestuario al estilo de la Revolución Francesa . ^{[ 42 ]}

En 1978, se representó una versión deconstructiva de La fierecilla domada en el Royal Shakespeare Theatre . ^{[ 43 ]} El personaje principal caminó entre el público hacia el escenario, fingiendo estar borracho y gritando comentarios sexistas antes de proceder a derribar (es decir, deconstruir) la escenografía. Incluso después de la cobertura de prensa, algunos espectadores huyeron de la función, creyendo que estaban presenciando una agresión real. ^{[ 43 ]}

La Royal Shakespeare Company del Reino Unido ha producido dos importantes festivales de Shakespeare en el siglo XXI. El primero fue el Complete Works (festival de la RSC) en 2006-2007, que presentó producciones de todas las obras de teatro y poemas de Shakespeare. ^{[ 44 ]} El segundo es el World Shakespeare Festival en 2012, que forma parte de la Olimpiada Cultural de Londres 2012 , y presenta casi 70 producciones con miles de intérpretes de todo el mundo. ^{[ 45 ]} Más de la mitad de estas producciones forman parte del Globe to Globe Festival . Cada una de las producciones de este festival ha sido reseñada por académicos de Shakespeare, profesionales del teatro y blogueros en un proyecto llamado Year of Shakespeare .

En mayo de 2009, Hamlet se estrenó con Jude Law en el papel principal en la temporada del Donmar Warehouse West End en Wyndham's . Lo acompañaron Ron Cook , Peter Eyre , Gwilym Lee , John MacMillan , Kevin R McNally , Gugu Mbatha-Raw , Matt Ryan , Alex Waldmann y Penelope Wilton . La producción se estrenó oficialmente el 3 de junio y se mantuvo en cartelera hasta el 22 de agosto de 2009. ^{[ 46 ] [ 47 ]} La producción también se presentó en el Castillo de Elsinore en Dinamarca del 25 al 30 de agosto de 2009 ^{[ 48 ]} y en Broadway en el Broadhurst Theatre en Nueva York .

La compañía Propeller ha llevado producciones con elencos exclusivamente masculinos por todo el mundo. ^{[ 49 ]} Phyllida Lloyd ha puesto en escena continuamente versiones de Shakespeare con elencos exclusivamente femeninos en Londres. ^{[ 50 ] [ 51 ] [ 52 ]}

Se han producido más de 420 versiones cinematográficas de larga duración de las obras de Shakespeare desde principios del siglo XX, lo que convierte a Shakespeare en el autor más filmado de la historia. ^{[ 53 ]} Algunas de las adaptaciones cinematográficas, especialmente las películas de Hollywood dirigidas al público adolescente, utilizan sus argumentos en lugar de sus diálogos, mientras que otras son simplemente versiones filmadas de sus obras.

Durante siglos, existió un estilo aceptado para representar a Shakespeare, erróneamente denominado «isabelino», que en realidad reflejaba una tendencia estilística de un período posterior a su muerte. Las representaciones de Shakespeare se realizaban originalmente con vestuario contemporáneo. Los actores vestían ropa que usarían fuera del escenario. Esta práctica se mantuvo durante el siglo XVIII, en la época georgiana, cuando el vestuario era la moda del momento. No fue hasta siglos después de su muerte, principalmente en el siglo XIX, que las producciones comenzaron a mirar hacia atrás e intentaron ser «auténticas» al estilo shakesperiano. La época victoriana tenía una fascinación por la precisión histórica, que se adaptó al teatro para atraer a la clase media culta. Charles Kean estaba particularmente interesado en el contexto histórico y dedicó muchas horas a investigar el vestuario y la ambientación de la época para sus producciones. Este estilo pseudo-shakesperiano se mantuvo vigente hasta el siglo XX. En pleno siglo XXI, son muy pocas las producciones de Shakespeare, tanto teatrales como cinematográficas, que todavía se representan con vestuario de época "auténtico", mientras que hasta 1990 prácticamente todas las versiones cinematográficas fieles de una obra de Shakespeare se representaban con el vestuario de época correcto.

• época isabelina
• Teatro Globe

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