Música de la Unión Soviética

Después de que Joseph Stalin lograra expulsar a León Trotsky del Comité Central en 1927, rápidamente cortó las conexiones con Occidente y estableció un estado aislacionista . Stalin rechazó la cultura occidental y sus "principios burgueses", ya que estos no coincidían con las políticas del Partido Comunista Soviético ni con las de la clase obrera. La Asociación de Músicos Contemporáneos (ACM), una facción de músicos soviéticos más progresistas que habían prosperado gracias a la exposición a Occidente durante los años de la NEP, se disolvió rápidamente sin el apoyo del Estado obrero. Los antiguos miembros de la ACM se unieron a la Asociación Rusa de Músicos Proletarios (RAPM). La RAPM, compuesta por "proletarios reaccionarios", se oponía a los ideales de la música occidental y, en cambio, buscaba fomentar la música tradicional rusa. ^{[ 2 ]} Se produjo un conflicto entre reaccionarios y progresistas (antiguos miembros de la ACM) dentro de la RAPM. Aunque el Partido Comunista apoyó a los reaccionarios, no actuó directamente para resolver el conflicto; la atención del partido durante este período se centró en el desarrollo económico de la Unión Soviética . ^{[ 3 ]} En 1932, la RAPM fue disuelta en favor de una nueva organización: la Unión de Compositores Soviéticos (USC).

El año 1932 marcó un nuevo movimiento cultural del nacionalismo soviético. ^{[ 3 ]} El partido impulsó su agenda a través de la recién fundada Unión de Compositores Soviéticos (USC), una división del Ministerio de Cultura . Los músicos que aspiraban al apoyo financiero del Partido Comunista estaban obligados a afiliarse a la USC. Se esperaba que los compositores presentaran sus nuevas obras a la organización para su aprobación antes de su publicación. La USC declaró que este proceso tenía como objetivo guiar a los jóvenes músicos hacia carreras exitosas. De esta manera, a través de la USC, el Partido Comunista pudo controlar la dirección de la nueva música.

Stalin aplicó la noción de realismo socialista a la música clásica. Maxim Gorki fue el primero en introducir el realismo socialista en un contexto literario a principios del siglo XX. El realismo socialista exigía que todos los medios artísticos transmitieran las luchas y los triunfos del proletariado. Era un movimiento intrínsecamente soviético: un reflejo de la vida y la sociedad soviéticas. ^{[ 4 ]} Se esperaba que los compositores abandonaran el progresismo occidental en favor de melodías rusas y soviéticas sencillas y tradicionales. En 1934, Prokofiev escribió en su diario sobre la necesidad compositiva de una «nueva sencillez», un nuevo lirismo que, según él, sería fuente de orgullo nacional para el pueblo soviético. Pedro y el lobo es un buen ejemplo de la consonancia que existía entre la visión artística de Prokofiev y los ideales soviéticos. ^{[ 5 ]} Además, la música sirvió como un poderoso agente de propaganda, ya que glorificaba al proletariado y al régimen soviético. La grandeza de Stalin se convirtió en tema de innumerables canciones soviéticas, una tendencia que intentó frenar en más de una ocasión. ^{[ 6 ]} Los ideales comunistas y la promoción del partido fueron, por lo tanto, los fundamentos de este movimiento cultural.

La ópera de Ivan Dzerzhinsky , Tikhii Don , compuesta en 1935, se convirtió en el modelo del realismo socialista en la música. Tras verla, el propio Stalin elogió la obra, pues presentaba temas de patriotismo con melodías sencillas y revolucionarias. ^{[ 7 ]} Los compositores escribían para un público proletario; Tikhii Don de Dzerzhinsky cumplió con esta expectativa. Por otro lado, la ópera de Shostakovich, Lady Macbeth del distrito de Mtsensk , estrenada en 1934, resultó un desastre para el prodigioso compositor. Aunque la obra de Shostakovich fue inicialmente bien recibida por la crítica, Stalin y el Partido Comunista consideraron totalmente inapropiados los temas de la ópera, que reflejaban una «mentalidad rusa presocialista, pequeñoburguesa». ^{[ 8 ]} Pravda , un periódico estatal, criticó duramente la ópera de Shostakovich. Así, estas dos óperas proporcionaron a los compositores una indicación de la dirección que el Partido Comunista planeaba dar a la música soviética. La música soviética debía ser música que el trabajador común pudiera comprender y de la que pudiera sentirse orgulloso. Esto marcó un cambio radical en la política del partido con respecto a las libertades sin restricciones de los primeros años de la Unión Soviética.

La invasión nazi de la Unión Soviética en junio de 1941 sorprendió a las desprevenidas fuerzas soviéticas. El gobierno de Stalin se vio obligado a reaccionar con rapidez y a dedicar todos sus recursos al esfuerzo bélico. Como resultado, la música soviética experimentó una relajación de las restricciones a la expresión. Este período supuso una ruptura con las políticas de la década de 1930. El Partido Comunista, al estar aliado con varias potencias occidentales, se centró en la propaganda patriótica en lugar de la retórica antioccidental. Con una conexión restaurada con Occidente, la música soviética experimentó un renacimiento, con temas más modernistas e innovadores. ^{[ 9 ]}

Los compositores respondieron a sus nuevas libertades con música cargada de temas de patriotismo y triunfo militar. La música de guerra presentó un resurgimiento de grandes obras sinfónicas en comparación con las simplistas «óperas de canciones» (como Tikhii Don) de la década de 1930. ^{[ 9 ]} Sergei Prokofiev, Nikolai Myaskovsky , Aram Khachaturian y Shostakovich compusieron sinfonías de guerra. La música de cámara , un género que había caído en desuso en la década anterior, también se revitalizó. La música de guerra buscaba elevar la moral soviética tanto en el país como en el frente de batalla, y tuvo éxito, especialmente cuando el ejército soviético comenzó a ganar impulso contra los nazis en 1942. ^{[ 10 ]}

Tras el fin de la guerra, el Partido Comunista volvió a centrarse en el aislacionismo y el control cultural. Stalin nombró a Andrei Zhdanov en 1946 para llevar a cabo este retorno a las políticas de la década de 1930. El zhdanovismo significó un nuevo énfasis en el realismo socialista, así como en el sentimiento antioccidental. ^{[ 11 ]} El Partido Comunista volvió a alentar a los compositores a incorporar temas de la Revolución Rusa , así como melodías nacionalistas. Zhdanov criticó duramente a compositores individualmente, en particular a Prokofiev y Shostakovich, por adoptar ideales occidentales durante la guerra. Mientras tanto, Tikhon Khrennikov fue nombrado director de la Unión de Compositores Soviéticos. Khrennikov se convertiría en una de las figuras más despreciadas entre los músicos soviéticos, a medida que la USC asumía un papel más importante en la censura. ^{[ 12 ]}

La reacción a las restricciones del Partido Comunista varió según las distintas generaciones de compositores. La generación más joven se esforzó en gran medida por adaptarse, aunque la música que produjeron era simple y de estructura austera. ^{[ 12 ]} Desesperados por encontrar melodías aceptables, los compositores incorporaron melodías folclóricas a su música. Algunos compositores, incluidos Prokofiev y Shostakovich, recurrieron a la música de cine . Shostakovich, entre otros, retuvo sus obras más expresivas y quizás controvertidas hasta después de la muerte de Stalin. ^{[ 13 ]} Stalin y los soviéticos honraron a Shostakovich por su brillante música, a pesar de que a Stalin no le gustaba la dirección que tomó parte de su música. Las complejas estructuras tonales y los temas progresivos que prevalecieron durante la guerra desaparecieron lentamente. ^{[ 12 ]} Los años posteriores a la guerra y anteriores al deshielo cultural bajo Nikita Khrushchev marcaron, por lo tanto, un rápido declive en la música soviética.

El ascenso al poder de Nikita Khrushchev en 1953 inauguró un período de liberalización moderada en la cultura soviética, a menudo denominado el "Deshielo de Khrushchev" . Este período marcó el fin de las persecuciones antiformalistas de finales de la década de 1940 y principios de la de 1950. Compositores que habían caído en desgracia durante los últimos años de Stalin volvieron a la atención pública, y piezas que anteriormente se habían considerado inadecuadas para la presentación pública por su heterodoxia volvieron a interpretarse. Muchas de las primeras obras prohibidas de Dmitri Shostakovich, incluyendo su primera ópera y sus sinfonías, fueron rehabilitadas durante el mandato de Khrushchev. ^{[ 14 ]} Músicos occidentales como Leonard Bernstein y Glenn Gould también realizaron giras por la Unión Soviética por primera vez a finales de la década de 1950. ^{[ 15 ]}

La administración de Khrushchev también consolidó la posición de la Unión de Compositores Soviéticos (USC) como la autoridad administrativa dominante sobre el patrocinio estatal de la música clásica, un proceso que comenzó durante los últimos años de Stalin. ^{[ 16 ]} Tikhon Khrennikov, compositor de profesión, dirigió la USC desde 1948 hasta 1991 como uno de los pocos nombramientos políticos de la era de Stalin que permaneció en el poder hasta el colapso de la Unión Soviética en 1991. La USC de Khrennikov intentó activamente deshacer las políticas de Zhdanovischina , la campaña de pureza ideológica emprendida por el segundo al mando de Stalin, Andrei Zhdanov, desde 1946 hasta 1948. En 1958, Khrennikov persuadió a Khrushchev para que rehabilitara oficialmente a muchos de los artistas acusados ​​en la "Resolución sobre la música del Comité Central del Partido Comunista" de Zhdanov de 1948, un documento que censuraba a los compositores cuya música no lograba plasmar suficientemente la estética del realismo socialista. ^{[ 17 ]}

El deshielo de Jruschov otorgó mayor autonomía artística a los compositores y músicos soviéticos, pero no puso fin a la intervención estatal en la producción de música clásica. Si bien la Unión de Compositores Soviéticos (USC) rara vez respaldaba el encarcelamiento directo de compositores heterodoxos, a menudo bloqueaba el patrocinio estatal para compositores que consideraba no representativos de la posición ideológica del Partido Comunista. ^{[ 15 ]} El Partido Comunista seguía oponiéndose a las técnicas desarrolladas por compositores modernistas occidentales, especialmente la armonía atonal y el serialismo . Por ejemplo, compositores serialistas como Arnold Schoenberg y Anton Webern no fueron incluidos en el currículo oficial de música soviética de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, incluido el del prestigioso Conservatorio de Moscú . ^{[ 18 ]} A lo largo de la década de 1960, estas técnicas se introdujeron gradualmente en el vocabulario musical soviético; en 1971, incluso Jrennikov, la personificación del establishment musical soviético, empleó una melodía serialista dodecafónica en su Concierto para piano n.º 2 en do mayor. ^{[ 14 ]}

La postura conservadora respecto a la introducción de nuevas técnicas en el repertorio musical fue solo una rama de la estética del " realismo socialista ". Además de su adhesión general a las normas estilísticas de finales del siglo XIX y principios del XX, el realismo socialista en la música clásica soviética se expresó como un enfoque heroico en la vida de la clase trabajadora y la iconografía revolucionaria soviética. ^{[ 19 ]} La Cantata para el vigésimo aniversario de la Revolución de Octubre de Sergei Prokofiev es la composición prototípica del realismo socialista, escrita en 1937 pero no interpretada hasta 1966. La cantata de Prokofiev romantiza los eventos del ascenso bolchevique al poder, con un libreto extraído de los escritos de los héroes socialistas Marx, Lenin y Stalin. ^{[ 20 ]} Las Canciones de Kursk de 1964 de Georgy Sviridov también encarnan la estética del realismo socialista. El ciclo de canciones de Sviridov describe escenas pastorales de la vida campesina en Kursk , la ciudad natal del compositor , adoptando melodías y estilos folclóricos del oeste de Rusia. ^{[ 21 ]}

La música de Dmitri Shostakovich definió el estilo dominante de la música clásica soviética para las generaciones posteriores de compositores soviéticos. ^{[ 22 ]} Aunque Shostakovich había caído en desgracia con el Partido tras su denuncia por Zhdanov a finales de la década de 1940, su estatus como principal compositor soviético se restableció gradualmente durante el deshielo de Jruschov hasta su muerte en 1975. La USC, bajo el mandato de Jrennikov, favoreció el dominio de Shostakovich de las formas clásicas convencionales, defendiendo sus 15 sinfonías monumentales junto con las obras de maestros presoviéticos como Gustav Mahler como ejemplos a seguir para los jóvenes compositores soviéticos. ^{[ 15 ]} La idealización que el Partido hacía de maestros clásicos como Shostakovich contrastaba deliberadamente con su desdén por los compositores experimentales que rechazaban las normas clásicas tradicionales. Varios compositores soviéticos prominentes han sido descritos como discípulos de Shostakovich, incluido Georgy Svirdov. Su influencia tocó la obra de casi todos los compositores de la era post-Stalin, quienes se adhirieron o reaccionaron contra el lenguaje musical que él creó. ^{[ 22 ]}

Tras el fin de las persecuciones de la era estalinista, surgió un nuevo grupo de compositores de vanguardia soviéticos que se desarrolló paralelamente al sistema musical estatal dominante. Los orígenes de la tradición experimental soviética suelen atribuirse al compositor Andrey Volkonsky . En 1954, Volkonsky fue expulsado del Conservatorio de Moscú por su estilo de composición poco ortodoxo y su actitud despreocupada hacia sus estudios. ^{[ 23 ]} A pesar de su abandono por parte del sistema musical soviético, Volkonsky continuó componiendo música. En 1956, compuso Musica Stricta , una obra para piano solo generalmente reconocida como el primer uso del serialismo dodecafónico en la música clásica soviética. ^{[ 24 ]}

La experimentación de Volkonsky a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 inspiró a más músicos a rebelarse contra las restricciones que hasta entonces habían regido la composición clásica soviética. Esta nueva generación de vanguardistas incluyó a compositores como Edison Denisov , Sofia Gubaidulina , Alfred Schnittke y Arvo Pärt . Cada compositor aportó sus propias innovaciones. Denisov continuó la exploración de Volkonsky de las técnicas serialistas, ^{[ 18 ]} mientras que Gubaidulina incorporó temas religiosos previamente inaceptables en su música. ^{[ 25 ]} Pärt expresó su espiritualidad con su estilo musical austero y minimalista. ^{[ 26 ]} Schnittke se hizo conocido por sus composiciones poliestilísticas, que a menudo incorporaban simultáneamente varios estilos y temas conflictivos, difuminando las distinciones estáticas entre géneros. ^{[ 27 ]}

En 1979, Khrennikov denunció públicamente a Denisov y a otros compositores experimentales en un discurso ante el sindicato de compositores, y ataques similares surgieron en medios patrocinados por el Estado como Pravda . ^{[ 17 ]} A pesar de enfrentar una clara oposición dentro del Partido Comunista, el prestigio de la vanguardia soviética no hizo más que crecer tanto a nivel nacional como internacional. En abril de 1982, el Conservatorio de Moscú ofreció un concierto con obras de Denisov, Gubaidulina y Schnittke. Antes de este evento histórico, las obras de la vanguardia habían sido vetadas en las principales salas de conciertos de Moscú y Leningrado. ^{[ 14 ]} A partir de ese momento, hasta el colapso de la Unión Soviética en 1991, el lugar de los compositores experimentales fue reconocido a regañadientes por la élite musical soviética.

• Aelita
• sintetizador ANS
• Sonido gráfico
• Fábrica de instrumentos musicales de Riga
• Piano optofónico
• Polivoks
• Ritmicon
• Terpsitone
• Theremin
• Variófono

La música popular durante los primeros años del período soviético era esencialmente música rusa. Una de las canciones más conocidas, "Katyusha" de Matvei Blanter, se asemeja a las estructuras melódicas, rítmicas y armónicas de las canciones románticas rusas del siglo XIX. ^{[ 36 ]} Fue una adaptación de motivos folclóricos al tema de los soldados en tiempos de guerra. ^{[ 37 ]}

Muchas de las canciones más interpretadas en la Rusia soviética provenían del movimiento revolucionario internacional de finales del siglo XIX y principios del XX. Un ejemplo notable es la canción " Varshavianka ", originaria de Polonia y popularizada por la Revolución Rusa. Esta canción se caracteriza por un ritmo intenso y un llamado a la batalla sangrienta, santa y justa. También existía la canción "La Bandera Roja" (Красное Знамя), originaria de Francia. Una de las canciones más conocidas es "Audazmente, camaradas, al paso" (Смело, товарищи, в ногу) y la marcha fúnebre "Fuiste víctima" (Вы жертвою пали). ^{[ 38 ]}

En la década de 1930, las canciones de bandas sonoras de películas, incluidas marchas, se hicieron muy populares. Incluyen If Tomorrow Brings War (Если завтра война) y Three Tankmen (Три Танкиста) de los hermanos Pokrass y Tachanka de Listov , que tienen temas patrióticos. ^{[ 39 ]}

En la musicología oficial soviética, «la música soviética es una etapa cualitativamente nueva del desarrollo de las artes musicales». Se basaba en los principios del realismo socialista y se formó bajo el control y patrocinio directos del Estado soviético y del Partido Comunista de la Unión Soviética . ^{[ 40 ]}

Valentin Parnakh introdujo el jazz al público soviético en la década de 1920. El pianista Alexander Tsfasman , el cantante Leonid Utyosov y el compositor de bandas sonoras Isaak Dunayevsky contribuyeron a su popularidad, especialmente con la popular comedia « Los alegres muchachos », que incluía una banda sonora de jazz. Eddie Rosner , Oleg Lundstrem , Coretti Arle-Titz y otros músicos también contribuyeron al jazz soviético.

A finales de la década de 1940, durante las campañas contra el cosmopolitismo, el jazz sufrió una opresión ideológica, al ser etiquetado como música " burguesa ". Muchas bandas se disolvieron, y las que sobrevivieron evitaron ser catalogadas como bandas de jazz.

En la década de 1950, las revistas y discos clandestinos de jazz samizdat se hicieron más comunes para difundir literatura y música musical. ^{[ 42 ]}

Sin embargo, a principios de la década de 1960, durante el "deshielo de Jrushchov", el jazz soviético experimentó un leve resurgimiento. Más información:

• Mikael Tariverdiev
• Vladimir Dashkevich
• Georgy Garanian

Jazz-rock

En la década de 1970, la escena del jazz-rock comenzó a evolucionar. Arsenal , fundado por Aleksei Kozlov , es considerado el grupo de fusión jazz-rock más destacado de la URSS. ^{[ 43 ] [ 44 ] [ 45 ]}

En la época soviética , el término « artistas de estrada » se refería generalmente a intérpretes de música popular tradicional (aunque el término «estrada» es mucho más amplio) acompañados por orquestas sinfónicas (con coros ocasionales). Cantaban canciones escritas por compositores y letristas profesionales. Estas canciones estaban diseñadas para demostrar la destreza vocal, con melodías claras y pegadizas, y el acompañamiento desempeñaba un papel secundario. Por lo tanto, la estrada soviética estaba dominada por cantantes solistas con buenas dotes vocales, que no tocaban el instrumento ni componían su propio repertorio.Las canciones interpretadas por estos cantantes constituyen el género de la canción escénica en la Unión Soviética.

Entre los artistas de la primera época se encontraban Leonid Utesov (también uno de los pioneros del jazz soviético), Mark Bernes , Lyubov Orlova , Coretti Arle-Titz , Klavdiya Shulzhenko y Rashid Behbudov . Entre los muchos artistas del deshielo de Khrushchev y la era del estancamiento se encontraban Yuri Gulyaev , Larisa Mondrus , Aida Vedishcheva , Tamara Miansarova , Lidia Klement , Eduard Khil , Maria Pakhomenko , Edita Piekha , Vladimir Troshin , Maya Kristalinskaya , Vadim Mulerman , Heli Lääts , Uno Loop , Anna German , Valery Obodzinsky , Joseph Kobzon , Muslim Magomayev , Valentina Tolkunova , Lyudmila Zykina , Lev Leshchenko , Lyudmila Senchina , Leonid Smetannikov , Sofia Rotaru , Alla Pugacheva , Valery Leontiev y Sergei Zakharov , todos ellos graduados de cursos de música en universidades y conservatorios. Las canciones de estos artistas suelen incluirse en las bandas sonoras de películas y series de televisión, telefilmes y miniseries, y viceversa, ya que las canciones de bandas sonoras de películas y series de televisión se incluían y se incluyen a menudo en el repertorio de los artistas de Estrada.

Dado que la música popular tradicional era la principal corriente oficial de la música soviética, estaba sujeta a una censura particularmente rigurosa. Por lo general, las canciones eran compuestas por miembros de la Unión de Compositores (entre los más famosos se encontraban Aleksandra Pakhmutova , Vasily Solovyov-Sedoi , Tikhon Khrennikov , David Tukhmanov , Raimonds Pauls , Yevgeny Krylatov , etc.) y las letras eran escritas por poetas y compositores profesionales y de confianza que también eran miembros de la Unión de Compositores ( Mikhail Matusovsky , Vasily Lebedev-Kumach , Nikolai Dobronravov , Robert Rozhdestvensky , Mikhail Tanich , Leonid Derbenyov , Yuri Entin , Ilya Reznik , Grigore Vieru ). Todo esto se define como las altas exigencias en cuanto al material y los estrechos límites de la creatividad, especialmente en lo lírico. Las canciones de Estrada en aquella época trataban principalmente sobre el amor, la naturaleza o sobre el patriotismo, la ideología, la historia y el orgullo nacional.

En la década de 1960 surgió el movimiento VIA (Vocalno-instrumentalny ansambl, conjunto vocal e instrumental). Los VIA eran grupos estatales formados por músicos profesionales con formación en conservatorio, que a menudo interpretaban canciones escritas para ellos por compositores y escritores profesionales de la Unión de Compositores, como Aleksandra Pakhmutova , Yan Frenkel y Raimonds Pauls . Entre los grupos y vocalistas VIA más destacados se encontraban Pesniary , un grupo folclórico de Bielorrusia; Zemlyane , Poyushchiye Gitary , Yuri Antonov con Arax y Stas Namin con Tsvety .

Para llegar al gran público a través de los medios estatales soviéticos, cualquier banda debía ser reconocida oficialmente como VIA. Cada VIA tenía un director artístico (художественный руководитель) que ejercía como mánager, productor y supervisor estatal. En algunas bandas, como Pesniary, el director artístico era también el miembro principal y compositor.

Las VIA soviéticas desarrollaron un estilo particular de música pop. Interpretaron música orientada a los jóvenes, pero oficialmente aprobada para la radio. Combinando las tendencias occidentales y soviéticas de la época, las VIA fusionaban canciones tradicionales con elementos de rock , disco y new wave . A menudo utilizaban instrumentos folclóricos, así como teclados . Muchas VIA contaban con hasta diez miembros, incluyendo varios vocalistas y multiinstrumentistas, que se rotaban constantemente.

Debido a la censura estatal, las letras de las VIA solían ser aptas para toda la familia . Los temas típicos de las letras eran emociones como el amor, la alegría y la tristeza. Muchas bandas también elogiaban la cultura nacional y el patriotismo, especialmente el de las minorías nacionales de las pequeñas repúblicas soviéticas.

El movimiento de cantautores de la Unión Soviética tiene profundas raíces en las canciones folclóricas amateur interpretadas por estudiantes, turistas y geólogos viajeros. Alcanzó gran popularidad en la década de 1960 y, en ocasiones, se consideró una alternativa a las VIA oficiales. Las características musicales del género consisten en partes sencillas y fácilmente repetibles, generalmente interpretadas por un solo guitarrista acústico que cantaba simultáneamente. Entre los cantautores, denominados "bardos", los más populares fueron Bulat Okudzhava , Vladimir Vysotsky , Yuri Vizbor , Sergey Nikitin y Tatyana Nikitina . Las letras desempeñaban un papel fundamental en la música de los bardos, quienes se asemejaban más a poetas que a músicos.

El rock llegó a la Unión Soviética a finales de la década de 1960 con la Beatlemanía , y muchas bandas de rock surgieron a finales de la década de 1970, como Mashina Vremeni , Aquarium y Autograph . El rock ruso se basó en gran medida en el rock europeo occidental y estadounidense con una fuerte influencia de la música de bardo . A diferencia de las VIA, a estas bandas no se les permitía publicar su música y permanecieron en la clandestinidad. Magnitizdat era la única forma de distribución. Se considera que la "época dorada" del rock ruso tuvo lugar durante la década de 1980 , ^{[ 46 ]} cuando la censura se suavizó, se abrieron clubes de rock en Leningrado y Moscú , y los festivales de rock se legalizaron. Durante la Perestroika , el rock ruso se convirtió en música popular. ^{[ 47 ]} Entre las bandas populares de este período se encontraban Kino , Alisa , Aria , DDT , Nautilus Pompilius , Grazhdanskaya Oborona y Gorky Park . El new wave y el post-punk también fueron tendencias en el rock ruso de los años 80.

Desde el fin de la guerra fría y la inclusión de Rusia en la cultura pop, la música rusa también se ha incluido en muchos juegos, siendo el más notable el tema de Tetris . La introducción de canciones rusas en los medios también trajo música de fondo, incluyendo "Gloria a Arstotzka" ^{[ 48 ]} del videojuego de 2014, Papers, Please .

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