Pacífico Sur (musical)

A principios de la década de 1940, el compositor Richard Rodgers y el letrista Oscar Hammerstein II , ambos veteranos de Broadway, unieron fuerzas y comenzaron su colaboración escribiendo dos musicales que se convirtieron en grandes éxitos: Oklahoma! (1943) y Carousel (1945). ^{[ 10 ]} Oklahoma!, una innovación para su época al integrar canto, diálogo y baile, se convertiría en "el modelo para los espectáculos de Broadway durante décadas". ^{[ 11 ]} En 1999, la revista Time nombró a Carousel el mejor musical del siglo, escribiendo que Rodgers y Hammerstein "establecieron los estándares para el musical del siglo XX". ^{[ 12 ]} Su siguiente trabajo, Allegro (1947), fue una decepción relativa, manteniéndose en cartelera menos de un año, aunque generó una pequeña ganancia. ^{[ 13 ]} Después de esto, ambos estaban decididos a lograr otro éxito. ^{[ 14 ]}

Según el director Joshua Logan , amigo de ambos hombres de teatro, él y Leland Hayward mencionaron el libro superventas de Michener a Rodgers como una posible base para la siguiente obra del dúo, ^{[ 15 ]} pero el compositor no hizo nada. Logan recordó que luego se lo señaló a Hammerstein, quien leyó el libro de Michener y habló con Rodgers; los dos acordaron hacer el proyecto siempre y cuando tuvieran el control mayoritario, a lo que Hayward accedió a regañadientes. ^{[ 16 ]} Sin embargo, Michener, en sus memorias de 1992, escribió que las historias fueron presentadas por primera vez como un concepto cinematográfico a MGM por Kenneth MacKenna , jefe del departamento literario del estudio. El hermanastro de MacKenna era Jo Mielziner , quien había diseñado los decorados de Carousel y Allegro . Michener afirma que Mielziner se enteró del trabajo a través de MacKenna y se lo presentó a Hammerstein y Rodgers, comprometiéndose a crear los decorados si aceptaban el proyecto. ^{[ 17 ]}

Hayward intentó comprarle los derechos a Michener directamente, ofreciéndole 500 dólares; Michener se negó. Aunque el dramaturgo Lynn Riggs había recibido el 1,5% de la recaudación en taquilla por el derecho a adaptar Green Grow the Lilacs a Oklahoma!, Michener nunca se arrepintió de haber aceptado el uno por ciento de la recaudación de South Pacific . Cuando Rodgers y Hammerstein comenzaron a trabajar en la adaptación, Michener trabajó principalmente con el letrista, pero a Rodgers le preocupaban las implicaciones del escenario, temiendo tener que incluir ukeleles y guitarras, instrumentos que no le gustaban. Michener le aseguró que el único instrumento que había oído tocar a los nativos era un barril vacío de gasolina, golpeado con garrotes. ^{[ 18 ]}

Desde el inicio de la concepción del espectáculo, se consultó a miembros del ejército estadounidense. Hammerstein solicitó la ayuda del Director de la División de Entrenamiento e Información de la Marina de los EE. UU. para que contribuyera a la producción; y el veterano de la Marina y financiero de Broadway, Harold M. Esty, Jr., fue uno de los patrocinadores financieros de la producción original. ^{[ 19 ]}

Poco después de adquirir los derechos, Rodgers y Hammerstein decidieron no incluir un ballet, como en sus obras anteriores, pues consideraban que el realismo de la ambientación no lo permitía. Preocupados de que una adaptación demasiado centrada en "Fo' Dolla'  ", la historia del encuentro entre Cable y Liat, resultara demasiado similar a Madama Butterfly , Hammerstein dedicó meses a estudiar las demás historias y centró su atención en "Our Heroine", el relato del romance entre Nellie y Emile. El equipo decidió incluir ambos romances en el musical. En aquella época, era habitual que si una historia de amor en un musical era seria, la otra sería más cómica, pero en este caso ambas eran serias y abordaban el prejuicio racial. Decidieron aumentar el protagonismo de Luther Billis en las historias, fusionando en él experiencias y elementos de varios otros personajes. Las intrigas y los negocios de Billis aportarían el toque cómico. ^{[ 20 ]} También acortaron el título a South Pacific ; Rodgers comentó que los productores estaban cansados ​​de los juegos de palabras subidos de tono con la palabra "tales". ^{[ 21 ]}

En los primeros borradores del musical, Hammerstein otorgó papeles importantes a dos personajes que, con el tiempo, solo tuvieron papeles secundarios: Bill Harbison y Dinah Culbert. Harbison es uno de los personajes principales de Cuentos del Pacífico Sur ; un oficial ejemplar al principio, que poco a poco se degrada hasta el punto de que, ante la inminencia de la batalla, le pide a su influyente suegro que le consiga un traslado a un puesto en Estados Unidos. Hammerstein lo concibió como un rival de Emile por el afecto de Nellie y le dedicó una canción, "El brillante joven ejecutivo de hoy". A medida que las revisiones centraron la obra en las dos parejas, Harbison se volvió menos esencial y fue relegado a un pequeño papel como oficial ejecutivo del comandante de la isla, el capitán Brackett. Dinah, enfermera y amiga de Nellie, también es un personaje importante en la obra de Michener, y se la consideró un posible interés amoroso para Billis, aunque cualquier romance real se vio limitado por las regulaciones de la Marina que prohibían la confraternización entre oficiales (todas las enfermeras estadounidenses en la Segunda Guerra Mundial eran oficiales) y soldados rasos. " I'm Gonna Wash That Man Right Outa My Hair " se originó como un dúo para Dinah y Nellie, con Dinah comenzando la canción y desarrollando su tema. ^{[ 22 ]} Según Lovensheimer, la amistad entre Nellie y Dinah "se volvió cada vez más incidental para la trama a medida que avanzaba la escritura. Hammerstein finalmente se dio cuenta de que la decisión de lavar a Emile de su cabello tenía que ser de Nellie. Solo entonces la escena tuvo el potencial dramático para la transición emocional de Nellie" al darse cuenta de su amor por Emile. En la versión final, Dinah conserva una línea solista en la canción. ^{[ 23 ]}

Joshua Logan, en sus memorias, afirmó que después de meses de esfuerzo en la primera mitad de 1948, Hammerstein solo había escrito la primera escena, un esquema y algunas letras. Hammerstein tenía dificultades debido a su falta de conocimiento del ámbito militar, un asunto en el que Logan, veterano de las fuerzas armadas, pudo ayudarlo. El diálogo se escribió en consulta entre ambos, y finalmente Logan pidió que se le reconociera su trabajo. Rodgers y Hammerstein decidieron que, si bien Logan recibiría crédito como coautor del libro, no recibiría regalías como autor. Logan declaró que se envió un contrato que ponía en vigor estos cambios a su abogado con instrucciones de que, a menos que lo firmara en un plazo de dos horas, Logan no tenía que presentarse a los ensayos como director. ^{[ 24 ]} Logan firmó, aunque su abogado no le informó entonces del ultimátum. ^{[ 25 ]} Durante las décadas siguientes, Logan sacó el tema a colación de vez en cuando, exigiendo una compensación, pero cuando incluyó su versión de los hechos en sus memorias de 1976, Rodgers la refutó (Hammerstein había fallecido en 1960). ^{[ 25 ]} La biógrafa de Rodgers, Meryle Secrest, sugiere que Logan fue compensado cuando se filmó South Pacific en 1958 , ya que Logan recibió una parte sustancial de las ganancias como director. ^{[ n 3 ] [ 26 ]} Según el biógrafo de Michener, Stephen J. May, "es difícil evaluar cuánto del libro final fue responsable Josh Logan. Algunas estimaciones dicen entre el 30 y el 40 por ciento. Pero ese porcentaje no es tan crítico tal vez como su conocimiento de la historia militar y la dirección teatral, sin los cuales la creación de South Pacific se habría derrumbado durante ese verano de 1948". ^{[ 27 ]}

Rodgers composed the music once he received the lyrics from Hammerstein. A number of stories are told of the speed with which he wrote the music for South Pacific 's numbers. "Happy Talk" was said to have been composed in about twenty minutes; when Hammerstein, who had sent the lyrics by messenger, called to check whether Rodgers had received them, his partner informed him that he had both lyrics and music. Legend has it he composed "Bali Ha'i" in ten minutes over coffee in Logan's apartment; what he did create in that time frame was the three-note motif which begins both song and musical. Hammerstein's lyrics for "Bali Ha'i" were inspired by the stage backdrop which designer Jo Mielziner had painted. Feeling that the island of Bali Ha'i did not appear mysterious enough, Mielziner painted some mist near the summit of its volcano. When Hammerstein saw this he immediately thought of the lyric, "my head sticking up from a low-flying cloud" and the rest of the song followed easily from that.^[28]

In May 1948, Rodgers received a telephone call from Edwin Lester of the Los Angeles Civic Light Opera. Lester had signed former Metropolitan Opera star Ezio Pinza for $25,000 to star in a new show, Mr. Ambassador. The show had not been written, and it never would be.^[29] Lester hoped that Rodgers would take over Pinza's contract. Pinza had become bored as the Met's leading lyric bass, and having played the great opera houses, sought other worlds to conquer. Rodgers immediately saw Pinza as perfect for the role of Emile.^[30] Lester carefully broached the subject to Pinza and his wife/business manager and provided them with a copy of Tales of the South Pacific. When Pinza read the book, he told Lester, "Sell me right away!"^[31] Pinza's contract for South Pacific included a clause limiting his singing to 15 minutes per performance.^[31] With Pinza's signing, Rodgers and Hammerstein decided to make his the lead male role, subordinating the story of the pair of young lovers. It was unusual on Broadway for the romantic lead to be an older male.^[32]

Para el papel de Nellie, Rodgers buscó a Mary Martin , quien casi había sido elegida para originar el papel de Laurey en Oklahoma! ^{[ 32 ]} Martin estaba interpretando el papel principal en la compañía itinerante de Annie Get Your Gun . Después de que Hammerstein y Rodgers la vieran tocar en Los Ángeles a mediados de 1948, le pidieron que considerara el papel. Martin se mostró reacia a cantar frente a la poderosa voz de Pinza; Rodgers le aseguró que se aseguraría de que nunca cantaran al mismo tiempo, ^{[ 33 ]} una promesa que en su mayor parte cumplió. ^{[ 34 ]} Rodgers y Martin vivían cerca el uno del otro en Connecticut, y después de su gira Rodgers invitó a Martin y a su esposo, Richard Halliday, a su casa para escuchar las tres canciones para el musical que había completado, ninguna de ellas para Nellie. ^{[ 35 ]} " Some Enchanted Evening " impactó especialmente a Martin, y aunque decepcionada de que la canción no fuera para ella, aceptó hacer el papel. ^{[ 34 ]} Aunque Nellie y Emile ya eran personajes completamente desarrollados en las historias de Michener, durante la creación de South Pacific , Rodgers, Hammerstein y Logan comenzaron a adaptar los papeles específicamente a los talentos de Martin y Pinza y a adaptar la música a sus voces. ^{[ 36 ]}

Martin influyó en varias de sus canciones. Un día, mientras se duchaba durante los ensayos, se le ocurrió la idea de una escena en la que se lavaría el pelo con champú en el escenario. Esto dio origen a "I'm Gonna Wash That Man Right Outa My Hair". ^{[ 37 ]} Basada en una ducha primitiva que Logan recordaba de su época en el ejército, la canción se convirtió en una de las más comentadas de South Pacific . ^{[ 38 ]} Para presentarle otro de los números de Martin, Rodgers la llamó a su apartamento, donde él y Hammerstein tocaron " I'm in Love with a Wonderful Guy " para ella. Cuando Martin la interpretó, cantó las últimas 26 palabras, como estaba previsto, con una sola respiración, y se cayó del banco del piano. Rodgers la miró fijamente y le dijo: "Eso es exactamente lo que quiero. Nunca lo hagas de otra manera. Debemos sentir que no podrías sacar ni un sonido más". ^{[ 39 ]}

Los productores realizaron extensas audiciones para cubrir los demás papeles. ^{[ 40 ]} Myron McCormick fue elegido como Billis; según Logan, nadie más fue considerado seriamente. Los dos papeles que dieron más problemas fueron los de Cable y Bloody Mary. ^{[ 41 ]} Intentaron conseguir a Harold Keel para el papel de Cable (había interpretado a Curly en la producción de Oklahoma! del West End ) solo para descubrir que había firmado un contrato con MGM bajo el nombre de Howard Keel . ^{[ 42 ]} William Tabbert fue finalmente elegido como Cable, aunque Logan le indicó que perdiera 20 libras (9,1 kg) . La cantante afroamericana Juanita Hall fue elegida como Bloody Mary; Logan recordó que en su audición, ella tomó una pose en cuclillas que proclamaba: "¡Soy Bloody Mary y no se atrevan a elegir a nadie más!". ^{[ 41 ]} Betta St. John , quien bajo el nombre de Betty Striegler había reemplazado a Bambi Linn como Louise en Carousel , tomó el papel de Liat. ^{[ 42 ]} Logan dirigió (él y Hayward coprodujeron con Rodgers y Hammerstein), Mielziner hizo el diseño escénico, Trude Rittmann y Robert Russell Bennett prepararon la orquestación, y Elizabeth Montgomery de Motley Theatre Design Group diseñó el vestuario. ^{[ 40 ]} Salvatore Dell'Isola fue el director musical. ^{[ 43 ]} 

Los ensayos comenzaron en el Teatro Belasco de Broadway el 2 de febrero de 1949. No había coro formal; a cada una de las enfermeras y Seabees se le dio un nombre y, en el caso de los hombres, 50 dólares para que se equiparan con la ropa que creían que sus personajes usarían en las tiendas de excedentes militares que bordeaban la calle West 42nd. Don Fellows , el primer teniente Buzz Adams, recurrió a su experiencia en tiempos de guerra como marine para comprar una gorra de béisbol no reglamentaria y botines negros. ^{[ 44 ]} Martin y Pinza no se conocían, pero pronto formaron una fuerte amistad. ^{[ 45 ]} Sobre el ambiente tras bambalinas, "todos coincidieron: durante los ensayos Logan fue fogoso, exigente y brillantemente inventivo". ^{[ 46 ]} Implementó cambios de regazo (pioneros de Rodgers y Hammerstein en Allegro ), por lo que los actores que salían a continuación ya estarían en una parte oscura del escenario cuando terminaba una escena. Esto permitió que el musical continuara sin interrupciones por cambios de escena, haciendo que la acción fuera casi perfecta. Pronto hizo que los Seabees caminaran de un lado a otro como animales enjaulados durante "There Is Nothing Like a Dame", una puesta en escena tan efectiva que nunca se cambió durante la temporada del espectáculo. ^{[ 46 ]} Una innovación de Logan que Rodgers y Hammerstein aceptaron a regañadientes fue que Cable se quitara la camisa durante el apagón después de que él y Liat se abrazaran apasionadamente en su primer encuentro, su desnudez parcial simbolizando su acto de amor. ^{[ 47 ]} Como se planeó originalmente, Martin debía concluir "I'm in Love with a Wonderful Guy" con una exuberante voltereta a través del escenario. Esto se eliminó después de que saltara al foso de la orquesta, dejando inconsciente a Rittman. ^{[ 48 ]}

No hubo mayores dificultades durante las cuatro semanas de ensayos en Nueva York; Martin recordó más tarde que el ensayo general improvisado para amigos y colegas en un escenario vacío fue recibido con algunos de los aplausos más entusiastas que recordaba. Uno de los pocos que tuvo problemas fue Pinza, a quien le costó adaptarse a las constantes modificaciones del espectáculo; estaba acostumbrado al mundo de la ópera, donde un papel rara vez cambiaba una vez aprendido. Las pronunciaciones incorrectas de Pinza en inglés exasperaron a Logan, y mientras conducía hacia New Haven, Connecticut, para la primera semana de preestrenos, Pinza habló con su esposa sobre la posibilidad de regresar al Met, donde sabía que el público lo recibiría con los brazos abiertos. Ella le dijo que dejara que South Pacific...Los asistentes deciden por sí mismos. Cuando comenzaron las audiciones en New Haven el 7 de marzo, la obra fue un éxito inmediato; el New Haven Register escribió: " South Pacific debería hacer historia". ^{[ 49 ]}

Sin embargo, se hicieron varios cambios en New Haven y en las dos semanas siguientes de preestrenos en Boston. La obra se extendía demasiado; Logan convenció a su amigo, el dramaturgo Emlyn Williams , de que revisara el guion y eliminara los diálogos superfluos. ^{[ 50 ]} Había grandes expectativas de que fuera un éxito; el productor Mike Todd fue tras bambalinas y aconsejó que la obra no se llevara a Nueva York "porque es demasiado buena para ellos". ^{[ 51 ]} La obra se trasladó a Boston, donde tuvo tanto éxito que el dramaturgo George S. Kaufman bromeó diciendo que la gente que hacía fila en el Teatro Shubert "en realidad no quiere nada  ... Solo quieren meter dinero por debajo de las puertas". ^{[ 52 ]}

South Pacific se estrenó en Broadway el 7 de abril de 1949 en el Majestic Theatre . ^{[ 53 ]} La venta anticipada fue de 400 000 dólares, y poco después del estreno se recaudaron 700 000 dólares adicionales. El público de la noche del estreno estaba repleto de importantes figuras de Broadway, los negocios y las artes. El público interrumpió la función repetidamente con prolongados aplausos, que se mantuvieron durante un buen rato hasta el final. Rodgers y Hammerstein habían preferido, en el pasado, no patrocinar una fiesta posterior a la función, pero alquilaron la azotea del Hotel St. Regis y encargaron 200 ejemplares de The New York Times anticipando un éxito. El crítico del Times , Brooks Atkinson, le dio al espectáculo una reseña entusiasta. ^{[ 54 ]}

Tres días después del estreno, Pinza firmó un contrato con MGM para protagonizar películas una vez que expirara su obligación de aparecer en el espectáculo. Dejó el espectáculo el 1 de junio de 1950, siendo reemplazado por Ray Middleton , aunque Pinza se perdió varias funciones por enfermedad antes de eso. Martin recordó que, poco acostumbrado a actuar ocho funciones por semana, la antigua estrella de la ópera cantaba a pleno pulmón al principio de la semana, quedándose con poca voz hacia el final, y dejaba que su suplente saliera al escenario. ^{[ 55 ] [ 56 ]} Sin embargo, durante el año que estuvo en el espectáculo, y aunque tenía 58 años, fue aclamado como un símbolo sexual; George Jean Nathan escribió que "Pinza ha ocupado el lugar de Hot Springs, Saratoga y las inyecciones de hormonas para todos los demás viejos". ^{[ 56 ]}

Una gira nacional comenzó en Cleveland , Ohio, en abril de 1950; duró cinco años y estuvo protagonizada por Richard Eastham como Emile, Janet Blair como Nellie y Ray Walston como Billis, un papel que Walston retomaría en Londres y en la película de 1958. Para las 48.000 entradas disponibles en Cleveland, se presentaron 250.000 solicitudes, lo que provocó el cierre de la taquilla durante tres semanas para procesarlas. ^{[ 57 ]} Jeanne Bal e Iva Withers fueron posteriormente Nellies en esta gira. ^{[ 58 ]} Una versión reducida recorrió bases militares en Corea en 1951; a petición de Hammerstein y Rodgers, oficiales y soldados rasos se sentaron juntos para verla. ^{[ 56 ]}

Martin dejó la producción de Broadway en 1951 para aparecer en la producción original del West End de Londres; Martha Wright la reemplazó. A pesar de la partida de ambas estrellas originales, el espectáculo siguió siendo una gran atracción en Nueva York. ^{[ 59 ]} Cloris Leachman también interpretó a Nellie durante la temporada en Nueva York; George Britton fue uno de los Emiles posteriores. ^{[ 60 ]} La producción de Londres se presentó desde el 1 de noviembre de 1951, durante 802 funciones en el Theatre Royal, Drury Lane . Logan dirigió; Martin y Wilbur Evans protagonizaron, con Walston como Billis, Muriel Smith como Bloody Mary e Ivor Emmanuel en el pequeño papel del sargento Johnson. ^{[ 61 ] [ 62 ]} Sean Connery y el hijo de Martin , Larry Hagman , ambos al comienzo de sus carreras, interpretaron a Seabees en la producción de Londres; ^{[ 63 ]} Julie Wilson finalmente reemplazó a Martin. ^{[ 64 ]} El 30 de enero de 1952, el rey Jorge VI asistió a la producción con su hija, la princesa Isabel, y otros miembros de la Familia Real. ^{[ 65 ]} Murió menos de una semana después. ^{[ 66 ]}

La producción de Broadway se trasladó al Broadway Theatre en junio de 1953 para dar cabida al nuevo espectáculo de Rodgers y Hammerstein, Me and Juliet , aunque South Pacific tuvo que trasladarse a Boston durante cinco semanas debido a conflictos de programación. ^{[ 67 ]} Cuando cerró el 16 de enero de 1954, después de 1925 funciones, era el segundo musical de mayor duración en la historia de Broadway, después de Oklahoma!. En la última función, Myron McCormick, el único miembro del reparto que quedaba del estreno, dirigió a los intérpretes y al público en " Auld Lang Syne "; el telón no cayó, sino que permaneció levantado mientras el público abandonaba el teatro. ^{[ 68 ]}

En una isla del Pacífico Sur durante la Segunda Guerra Mundial, dos niños medio polinesios , ^{[ n 4 ]} Ngana y Jerome, cantan alegremente mientras juegan juntos ("Dites-Moi"). La alférez Nellie Forbush, una ingenua enfermera de la Marina estadounidense de Little Rock, Arkansas , se ha enamorado de Emile de Becque, un francés de mediana edad propietario de una plantación, aunque solo lo conoce brevemente. Aunque todos los demás están preocupados por el resultado de la guerra, Nellie le dice a Emile que está segura de que todo saldrá bien ("A Cockeyed Optimist"). Emile también ama a Nellie, y ambos se preguntan si el otro corresponde a esos sentimientos ("Twin Soliloquies"). Emile expresa su amor por Nellie, recordando cómo se conocieron en el baile del club de oficiales y se sintieron atraídos el uno por el otro al instante (" Some Enchanted Evening "). Nellie, prometiendo pensar en su relación, regresa al hospital. Emile llama a Ngana y a Jerome, revelando al público que son sus hijos, algo que Nellie desconoce.

Mientras tanto, los inquietos Seabees estadounidenses , liderados por el astuto Luther Billis, lamentan la ausencia de mujeres disponibles  : las enfermeras de la Marina son oficiales y están fuera del alcance de los hombres alistados. Hay una civil en la isla, apodada "Bloody Mary", una descarada vendedora tonkinesa de mediana edad que vende faldas de hierba y que entabla conversaciones sarcásticas y coquetas con los marineros mientras intenta venderles sus productos ("Bloody Mary"). Billis anhela visitar la cercana isla de Bali Ha'i, a la que solo tienen acceso los oficiales, supuestamente para presenciar una Ceremonia del Diente de Jabalí (en la que podrá conseguir un artefacto nativo inusual); los demás marineros se burlan de él, diciendo que su verdadera motivación es ver a las jóvenes francesas de allí. Billis y los marineros lamentan además su falta de compañía femenina (" No hay nada como una dama ").

El teniente de la Infantería de Marina estadounidense Cable llega a la isla procedente de Guadalcanal , enviado para participar en una peligrosa misión de espionaje cuyo éxito podría cambiar el rumbo de la guerra contra Japón. Bloody Mary intenta persuadir a Cable para que visite " Bali Ha'i ", diciéndole misteriosamente que es su isla especial. Billis, viendo una oportunidad, insta a Cable a ir. Cable se reúne con sus oficiales superiores, el capitán George Brackett y el comandante William Harbison, quienes planean pedirle a Emile que ayude con la misión, ya que solía vivir en la isla donde se llevará a cabo. Le piden a Nellie que les ayude a averiguar más sobre los antecedentes de Emile, por ejemplo, sus ideas políticas y por qué dejó Francia. Han oído, por ejemplo, que Emile cometió un asesinato, lo que podría hacerlo poco adecuado para una misión de este tipo.

Tras reflexionar un poco más sobre Emile y darse cuenta de que se había sentido atraída por él sin apenas conocerlo, Nellie les dice a las demás enfermeras que tiene intención de terminar su relación con él (" Voy a sacarme a ese hombre de la cabeza "). Pero cuando él llega inesperadamente y la invita a una fiesta donde le presentará a sus amigos, ella acepta. Emile le declara su amor y le pide matrimonio. Cuando ella menciona la política, él habla de la libertad universal y describe cómo huyó de Francia tras enfrentarse a un matón, que murió accidentalmente durante la pelea. Tras escuchar esto, Nellie acepta casarse con Emile. Después de que él se marcha, Nellie expresa con alegría sus sentimientos (" Estoy enamorada de un hombre maravilloso ").

La misión de Cable es desembarcar en una isla controlada por los japoneses e informar sobre los movimientos de los barcos japoneses. Los oficiales de la Marina le piden a Emile que sea el guía de Cable, pero él se niega debido a sus esperanzas de una nueva vida con Nellie. El comandante Harbison, el oficial ejecutivo, le dice a Cable que se tome un permiso hasta que la misión pueda llevarse a cabo, y Billis consigue un bote y lleva a Cable a Bali Ha'i. Allí, Billis participa en la ceremonia nativa, mientras que Bloody Mary le presenta a Cable a su hermosa hija, Liat, con quien debe comunicarse con dificultad en francés. Creyendo que la única oportunidad de Liat para una vida mejor es casarse con un oficial estadounidense, Mary deja a Liat a solas con Cable. Los dos se sienten atraídos al instante y hacen el amor (" Younger Than Springtime "). Billis y el resto de la tripulación están listos para abandonar la isla, pero deben esperar a Cable, quien, sin que ellos lo sepan, está con Liat ("Bali Ha'i" (reprise)). Bloody Mary le dice orgullosamente a Billis que Cable será su yerno.

Mientras tanto, después de la fiesta de Emile, él y Nellie reflexionan sobre lo felices que son de estar enamorados (Repeticiones de "Estoy enamorada de un chico maravilloso", "Soliloquios gemelos", "Optimista excéntrico" y "Voy a sacarme a ese hombre de la cabeza"). Emile le presenta a Nellie a Jerome y Ngana. Aunque los encuentra encantadores, se sorprende cuando Emile revela que son sus hijos de su primera esposa, una mujer polinesia de piel oscura, ya fallecida. Nellie no puede superar sus arraigados prejuicios raciales y, entre lágrimas, se despide de Emile, quien reflexiona con tristeza sobre lo que pudo haber sido ("Una noche encantada" (repetición)).

Es el Día de Acción de Gracias . Los soldados y las enfermeras bailan en una revista festiva titulada "Locuras de Acción de Gracias". La semana pasada, una epidemia de malaria azotó la isla de Bali Ha'i. Cable, quien solía visitar Bali Ha'i con frecuencia para estar con Liat, también está enfermo, pero escapa del hospital para estar con ella. A medida que Liat y Cable pasan más tiempo juntos, Bloody Mary se alegra. Los anima a continuar con su vida despreocupada en la isla (" Happy Talk ") y los insta a casarse. Cable, consciente de los prejuicios de su familia, dice que no puede casarse con una chica tonkinesa. Bloody Mary, furiosa, se lleva a su hija, diciéndole a Cable que Liat ahora debe casarse con un terrateniente francés mucho mayor. Cable lamenta su pérdida ("Younger Than Springtime" (reprise)).

Para el número final de las Follies de Acción de Gracias, Nellie interpreta un burlesque cómico vestida de marinera, cantando alabanzas a "su" amada ("Honey Bun"). Billis interpreta a Honey Bun, vestida con una peluca rubia, una falda de hierba y un sostén de cáscara de coco. Después del espectáculo, Emile le pide a Nellie que reconsidere su postura. Ella insiste en que no puede sentir lo mismo por él, ya que sabe que sus hijos son polinesios. Frustrado y sin comprender, Emile le pregunta a Cable por qué él y Nellie tienen tales prejuicios. Cable, lleno de autodesprecio, responde que "no es algo con lo que se nace", pero que es parte de su educación (" You've Got to Be Carefully Taught "). También jura que si sale vivo de la guerra, no regresará a Estados Unidos; todo lo que desea está en estas islas. Emile imagina lo que podría haber sido ("This Nearly Was Mine"). Desanimado y sintiendo que no tiene nada que perder, acepta unirse a Cable en su peligrosa misión.

La misión comienza con abundante apoyo aéreo. Fuera de escena, Billis se cuela en el avión, cae al agua cuando este es alcanzado por fuego antiaéreo y termina en el océano esperando ser rescatado. La operación de rescate masiva se convierte, sin querer, en una distracción que permite a Emile y Cable aterrizar al otro lado de la isla sin ser detectados. Los dos envían informes sobre los movimientos de los barcos japoneses en el estrecho, un paso estratégico. Aviones estadounidenses interceptan y destruyen los barcos japoneses. Cuando los Zero japoneses ametrallaron la posición de los estadounidenses, Emile escapa por poco, pero Cable muere.

Nellie se entera de la muerte de Cable y de la desaparición de Emile. Se da cuenta de que fue una tontería rechazarlo. Bloody Mary y Liat acuden a Nellie preguntando por Cable; Mary explica que Liat se niega a casarse con nadie más que con él. Nellie consuela a Liat. El trabajo de espionaje de Cable y Emile ha hecho posible el inicio de una gran ofensiva, la Operación Alligator . Los soldados que antes estaban inactivos, incluido Billis, parten a la batalla.

Nellie pasa tiempo con Jerome y Ngana y pronto les toma cariño. Mientras los niños le enseñan a cantar "Dites-Moi", de repente la voz de Emile se une a ellos. Emile ha regresado y descubre que Nellie ha superado sus prejuicios y se ha enamorado de sus hijos. Emile, Nellie y los niños se regocijan ("Dites-Moi" (reprise)).

Varias canciones fueron modificadas o eliminadas en gran medida durante las semanas previas al estreno en Broadway. Se enumeran en el orden en que aparecieron por primera vez en el espectáculo:

• "Bright Canary Yellow", una breve canción para Nellie y Emile, se colocó justo antes de "A Cockeyed Optimist", cuyo verso inicial, "When the sky is a bright canary yellow" (Cuando el cielo es de un amarillo canario brillante), pretendía hacer referencia a la canción anterior. ^{[ 70 ]}
• «Now Is the Time» (Emile) se incluyó en la escena de la playa (Acto I, Escena 7) justo después de que Emile le contara a Nellie por qué había matado al hombre en Francia. Se iba a repetir después de « You've Got to Be Carefully Taught », pero se consideró que era contradictorio que Emile permaneciera en escena mientras cantaba sobre la acción inmediata. Fue reemplazada en el Acto I por una repetición de «Some Enchanted Evening»; en el Acto II fue reemplazada inicialmente por «Will You Marry Me?» (posteriormente reutilizada para Pipe Dream ) el 24 de marzo de 1949, y luego por «This Nearly Was Mine» el 29 de marzo, poco más de una semana antes del estreno en Broadway el 7 de abril. ^{[ 71 ]}
• La canción "Soledad de la tarde" (Emile) fue eliminada antes del estreno en Broadway. Iba a aparecer en la primera escena entre bastidores (Acto II, Escena 2), antes de "Charla alegre", y se cantaba con la misma melodía que "Amarillo canario brillante". Su melodía se puede escuchar en la película de 1958 cuando Emile lee en voz alta la tarjeta con las flores que ha llevado entre bastidores para Nellie para la función de Acción de Gracias; la segunda estrofa fue reutilizada y cantada por el Príncipe en la producción televisiva de Cenicienta de 1965. ^{[ 72 ]}
• Una repetición de "Younger Than Springtime" que sigue al rechazo de Cable a Liat, se añadió después de enero de 1949. ^{[ 73 ]} Esto siguió a dos intentos separados de canciones para Cable. Una canción, designada como "My Friend", era un dúo para Cable y Liat, incluía letras como "My friend, my friend, is coming around the bend" y fue rechazada por Logan como una de las peores que jamás había escuchado. El segundo intento de Rodgers y Hammerstein de colocar una canción allí, "Suddenly Lucky", fue considerado por Logan demasiado ligero y más tarde se reutilizó para El rey y yo como " Getting to Know You ". ^{[ 74 ]} La melodía de "Younger than Springtime" era de una canción, "My Wife", destinada a Allegro pero no utilizada. ^{[ 75 ]}
• "Honey Bun" no se incluyó en el libreto de enero de 1949 (una nota indica que la letra se proporcionará más adelante). ^{[ 73 ]}
• "My Girl Back Home" (Cable) precedía a "You've Got to be Carefully Taught" en la partitura original, pero fue eliminada antes de la primera producción de Broadway. Aparece en la versión cinematográfica como un dúo para Nellie y Cable. Fue reincorporada para la reposición londinense de 2002, para Cable. ^{[ 76 ]}
• "You've Got to be Carefully Taught" originalmente tenía varias líneas cantadas para Emile después de la conclusión de la letra para Cable. ^{[ 76 ]}

La primera producción australiana se estrenó en septiembre de 1952 en el His Majesty's Theatre de Melbourne, donde se representó durante 10 meses y 333 funciones. Posteriormente, se presentó en Sídney, Brisbane y Adelaida hasta finales de 1954, antes de regresar a Melbourne para una temporada más. ^{[ 77 ]}

Una temporada limitada de South Pacific de la New York City Center Light Opera Company se estrenó en el New York City Center el 4 de mayo de 1955 y finalizó el 15 de mayo de 1955. Fue dirigida por Charles Atkin, con vestuario de Motley y escenografía de Mielziner. El reparto incluía a Richard Collett como Emile, Sandra Deel como Nellie, Carol Lawrence como Liat, Sylvia Syms como Bloody Mary y Gene Saks como el Profesor. ^{[ 78 ]} Una segunda temporada limitada de la misma producción con un reparto diferente se estrenó en el City Center el 24 de abril de 1957 y finalizó el 12 de mayo de 1957. Fue dirigida por Jean Dalrymple , y el reparto incluía a Robert Wright como Emile, Mindy Carson como Nellie y Hall retomando el papel de Bloody Mary. ^{[ 79 ]} Esa producción se presentó de nuevo en 1961, esta vez con Ann McLerie y William Chapman en los papeles principales. ^{[ 80 ]}

Ha habido muchas reposiciones de South Pacific, tanto de temporada como de verano . Una de ellas, en 1957 en el Westbury Music Fair de Long Island , tuvo lugar al mismo tiempo que el gobernador de Arkansas, Orval Faubus, se oponía a la integración de la Central High School por parte de los Nueve de Little Rock . La declaración de Nellie de que era de Little Rock fue recibida inicialmente con abucheos. Logan se negó a permitir que se cambiara la ciudad natal de Nellie, por lo que se pronunciaba un discurso antes de cada función pidiendo la comprensión del público, la cual fue recibida. ^{[ 81 ]}

Hubo dos reposiciones en el Lincoln Center . Richard Rodgers produjo la reposición de 1967, protagonizada por Florence Henderson y Giorgio Tozzi , quien había sido la voz cantante de Rossano Brazzi en la película de 1958. ^{[ 82 ]} Joe Layton fue el director; la elección de Eleanor Calbes como Liat llevó a la adición de una repetición de "Bali Ha'i" para ella. ^{[ 80 ] [ 83 ]} El álbum del elenco se publicó en LP y luego en CD. ^{[ 82 ] [ 84 ]} El musical realizó una gira por Norteamérica de 1986 a 1988, encabezado por Robert Goulet y Barbara Eden , con David Carroll como Cable, Armelia McQueen como Bloody Mary y Lia Chang como Liat, dirigido primero por Geraldine Fitzgerald y luego por Ron Field . ^{[ 85 ]} Una producción de la Ópera de la Ciudad de Nueva York en 1987 presentó a los intérpretes alternados Justino Díaz y Stanley Wexler como Emile, y Susan Bigelow y Marcia Mitzman como Nellie. ^{[ 86 ]}

En 1988, una reposición en el West End estuvo protagonizada por Gemma Craven y Emile Belcourt , con el apoyo de Bertice Reading , entre otros, y fue dirigida por Roger Redfern. Se representó en el Prince of Wales Theatre desde el 20 de enero de 1988 hasta el 14 de enero de 1989. ^{[ 87 ]}

Una nueva producción con ligeras revisiones del libreto y la partitura fue producida por el Royal National Theatre en el Olivier Theatre de Londres para una temporada limitada desde diciembre de 2001 hasta abril de 2002, coincidiendo con la celebración del centenario del nacimiento de Richard Rodgers. Trevor Nunn dirigió, con puesta en escena musical de Matthew Bourne y diseño de John Napier . Lauren Kennedy interpretó a Nellie, y el actor australiano Philip Quast a Emile. ^{[ 88 ]} Tomando prestado de la película de 1958, esta producción situó la primera escena de Emile y Nellie después de la presentación de Cable, Billis y Bloody Mary. ^{[ 89 ]}

Una producción británica itinerante de South Pacific se estrenó en el Blackpool Grand Theatre el 28 de agosto de 2007. La gira finalizó en el Cardiff New Theatre el 19 de julio de 2008. ^{[ 90 ]} Helena Blackman interpretó a Nellie y Dave Willetts a Emile. ^{[ 91 ]} Julian Woolford dirigió la obra, con coreografía de Chris Hocking. Esta producción destacó sobre todo por su puesta en escena de la obertura, que narraba el viaje de Nellie desde Little Rock, Arkansas , hasta el Pacífico Sur. Al entrar en el teatro, el público vio primero un mapa de los Estados Unidos, no el teatro de operaciones. ^{[ 92 ]}

Una reposición de South Pacific en Broadway se estrenó el 3 de abril de 2008 en el Teatro Vivian Beaumont del Lincoln Center . Bartlett Sher dirigió, con puesta en escena musical de Christopher Gattelli y coreografía asociada de Joe Langworth . El elenco de estreno estuvo encabezado por Kelli O'Hara como Nellie, Paulo Szot como Emile y Matthew Morrison como el teniente Cable, con Danny Burstein como Billis y Loretta Ables Sayre como Bloody Mary. ^{[ 93 ]} Laura Osnes reemplazó a O'Hara durante su licencia de maternidad de siete meses, a partir de marzo de 2009, ^{[ 94 ]} y también entre enero y agosto de 2010. ^{[ 95 ] [ 96 ]} Szot alternó con David Pittsinger como Emile. ^{[ 97 ]} La producción cerró el 22 de agosto de 2010, después de 37 preestrenos y 996 funciones regulares. ^{[ 98 ]} La producción, con la mayoría de los actores principales originales, fue grabada y transmitida en vivo en HD el 18 de agosto de 2010 en el programa de televisión de PBS Live from Lincoln Center . ^{[ 99 ]} Con algunas excepciones, la producción recibió críticas entusiastas. ^{[ 100 ]} Ben Brantley escribió en The New York Times :

Sé que no debemos esperar la perfección en este mundo imperfecto, pero me sorprende encontrar un solo defecto grave en esta producción. (Sí, el segundo acto sigue siendo más flojo que el primero, pero el Sr. Sher casi logra que uno lo olvide). Todas las interpretaciones de reparto, incluidas las del elenco, se sienten individualizadas con precisión, hasta en la forma en que visten los trajes de época cuidadosamente investigados por Catherine Zuber. ^{[ 101 ]}

Una gira nacional estadounidense basada en el reestreno de 2008 comenzó en San Francisco en el Golden Gate Theatre el 18 de septiembre de 2009. Sher dirigió, y el elenco estuvo protagonizado por Rod Gilfry (Emile) y Carmen Cusack (Nellie). ^{[ 102 ]} Una producción de Sher se estrenó en el Barbican Theatre de Londres el 15 de agosto de 2011 y cerró el 1 de octubre de 2011, ^{[ 103 ] [ 104 ]} con el mismo equipo creativo del reestreno de Broadway. Szot y el cantante de la Ópera Nacional de Gales, Jason Howard, se alternaron en el papel de Emile, con Samantha Womack como Nellie, Ables Sayre como Bloody Mary y Alex Ferns como Billis. La producción recibió críticas mayoritariamente positivas. ^{[ 105 ]} Posteriormente se realizó una gira por el Reino Unido, con Womack, Ables Sayre y Ferns. ^{[ 106 ]} La producción de Sher también fue producida por Opera Australia en la Ópera de Sídney de agosto a septiembre de 2012 y luego en el Princess Theatre de Melbourne hasta octubre de 2012. Estuvo protagonizada por Teddy Tahu Rhodes como Emile, Lisa McCune como Nellie, Kate Ceberano como Bloody Mary y Eddie Perfect como Billis. ^{[ 107 ]} Luego se presentó en Brisbane durante la temporada navideña de 2012, con Christine Anu como Bloody Mary, ^{[ 108 ]} y reanudó su gira por Australia en septiembre de 2013. ^{[ 109 ] [ 110 ]}

Una reposición del Chichester Festival Theatre de julio a septiembre de 2021 fue dirigida por Daniel Evans y protagonizada por Gina Beck y Alex Young compartiendo el papel de Nellie, Julian Ovenden como Emile y Joanna Ampil como Bloody Mary. Beck dejó el elenco en agosto de 2021 por licencia de maternidad. ^{[ 111 ]} La producción comenzó una gira por el Reino Unido e Irlanda en la Manchester Opera House en julio de 2022 ^{[ 112 ]} y el Sadler's Wells Theatre en julio y agosto de 2022 con el mismo elenco (menos Young) y recibió críticas positivas. ^{[ 113 ] [ 114 ]} La gira continuó hasta noviembre de 2022. ^{[ 115 ]} Una gira nacional por los EE. UU. comenzó el 7 de febrero de 2022, en el teatro RP Funding Center en Lakeland , Florida, protagonizada por Jared Bybee como Emile y Maris McCulley como Nellie. Terminó el 22 de mayo de 2022 en New Bedford , Massachusetts. ^{[ 116 ]}

Los críticos dieron a la producción original críticas uniformemente entusiastas; un crítico la llamó "South Terrific". ^{[ 117 ]} Steven Suskin escribió que el espectáculo fue uno de los únicos ocho musicales que se estrenaron en Broadway entre 1943 y 1964 con "elogios unánimes de los principales críticos de periódicos de la noche del estreno". ^{[ 118 ]} El New York Herald Tribune escribió:

El nuevo y muy aclamado musical, South Pacific , es un espectáculo de singular encanto. Es novedoso en su textura y tratamiento, rico en sustancia dramática y elocuente en sus canciones; una obra musical para atesorar. Bajo la magnífica dirección de Logan, la acción se desarrolla con fluidez constante.  ... [Él] ha mantenido el libro cautivador y tremendamente satisfactorio. Los bailes ocasionales parecen improvisaciones mágicas. Es un entretenimiento largo y abundante, pero se siente demasiado corto. La música de Rodgers no es la mejor, pero se adapta tan afortunadamente al ambiente y al ritmo de South Pacific que no se echa de menos una serie de canciones pegadizas. Del mismo modo, las letras son parte integral de una cautivadora unidad musical. ^{[ 119 ]}

El crítico del New York Daily Mirror escribió: «Programada como una obra musical, South Pacific es precisamente eso. No tiene ballets ni bailes frenéticos. No tiene coro en el sentido convencional. Todos los que la interpretan tienen un papel. Es probable que establezca una nueva tendencia en los musicales». La reseña continuaba: «Cada número es tan excepcional que es difícil decidir cuál será el más popular». ^{[ 119 ]} La reseña del New York World-Telegram consideró que el espectáculo era «la mejor fusión moderna de música y teatro popular hasta la fecha, con el equilibrio perfecto entre historia y canción, y entre hilaridad y desamor». ^{[ 119 ]} Brooks Atkinson, del New York Times, elogió especialmente la actuación de Pinza: «La voz de bajo del Sr. Pinza es la más hermosa que se ha escuchado en un escenario de Broadway en muchísimo tiempo. Canta  ... con una delicadeza de sentimiento infinita y una belleza de tono». Declaró que «Some Enchanted Evening», cantada por Pinza, «debería volverse prácticamente inmortal». ^{[ 119 ]} Richard Watts, Jr. del New York Post se centró en la actuación de Mary Martin, escribiendo: «Nada de lo que la había visto hacer me preparó para la belleza, el humor, el don para la caracterización alegre y la absoluta ternura de su interpretación de Nellie Forbush  ... quien se sorprende tanto al descubrir que sus antiguos prejuicios raciales resurgen. La suya es una actuación completamente irresistible». ^{[ 119 ]}

Cuando South Pacific se estrenó en Londres en noviembre de 1951, las críticas fueron dispares. El Daily Express de Londres elogió la música pero criticó otros elementos del espectáculo, escribiendo: "Obtuvimos una Madame Butterfly de la Calle 42 , la más débil de todos los musicales de Hammerstein-Rodgers. ^{[ 63 ] [ 120 ]} El Daily Mail sugirió: "La obra se movía tan lentamente entre sus canciones que parecía más bien South Soporific ". ^{[ 63 ]} The Times aplaudió las canciones pero indicó que "antes del final, el canto y el baile se han reducido a casi nada, mientras que la pequeña historia, bastante triste, se resuelve lenta y convencionalmente". ^{[ 121 ]} Sin embargo, The Manchester Guardian señaló la anticipación antes del estreno y concluyó que "no hubo decepción ... el espectáculo hace vibrar al público y bien merece los aplausos". ^{[ 122 ]} El crítico de teatro Kenneth Tynan de The Spectator escribió que South Pacific era "el primer romance musical que se involucraba seriamente en un tema adulto ... No tengo nada que hacer más que agradecer a Logan, Rodgers y Hammerstein y levantarme de rodillas, un un poco incómodo por el esfuerzo de escribir en una posición tan inusual." ^{[ 63 ]}  

Una reseña de 2006 afirmaba: «Muchos son los entendidos y exigentes para quienes South Pacific de Rodgers y Hammerstein , brillantemente coescrita y puesta en escena por Joshua Logan, fue el mejor musical de todos los tiempos». ^{[ 123 ]} En 1987, John Rockwell de The New York Times reseñó la producción de la City Opera, comentando que, si bien South Pacific había sido innovadora para 1949, « Sondheim había trascendido hacía tiempo sus innovaciones formales, y las constantes repeticiones de las grandes melodías suenan mecánicas. En 1949, South Pacific personificaba las preocupaciones de la época  : las responsabilidades de Estados Unidos en el mundo y los peligros del racismo.  ... En su reposición en el State Theater en 1967, la obra pareció anticuada a muchos. Todavía lo parece, con M*A*S*H habiendo modernizado este mismo escenario». ^{[ 124 ]} Una reseña del Huffington Post de 2008 criticó la obra por tener una trama orientalista y occidentalizada en la que los nativos estereotipados asumen "papeles exóticos secundarios" en relación con los estadounidenses, y caracterizó la relación entre Cable y Liat como prostitución de menores, alegando que ella "no dice ni una palabra en todo el musical, solo sonríe y se lleva al yanqui a la cama". ^{[ 125 ]} South Pacific es el único musical estadounidense importante ambientado en la Segunda Guerra Mundial, ^{[ 126 ]} pero el ex marine Robert Leckie escribió sus memorias de ese conflicto, Helmet for My Pillow , después de abandonar una función: "Tengo que contar la historia de cómo fue realmente. Tengo que hacerle saber a la gente que la guerra no fue un musical". ^{[ 127 ]}

South Pacific se estrenó en Broadway con 400.000 dólares en ventas anticipadas. El público estaba tan ansioso por conseguir entradas que la prensa escribió sobre los extremos a los que habían llegado algunas personas para obtenerlas. Debido a que los revendedores vendían entradas a 200 dólares o más, la fiscalía amenazó con clausurar el espectáculo. Nunca se identificó a quienes proporcionaban las entradas a los revendedores, y el espectáculo continuó sin interrupciones. La producción tuvo una recaudación semanal de 50.600 dólares y se representó durante 1.925 funciones. La gira nacional comenzó en 1950 y recaudó 3.000.000 de dólares en el primer año, obteniendo 1.500.000 dólares de beneficio. El álbum del reparto original , con un precio de 4,85 dólares, vendió más de un millón de copias. ^{[ 128 ]}

La producción original de South Pacific ganó diez premios Tony, incluyendo Mejor Musical, Mejor Intérprete Masculino (Pinza), Mejor Intérprete Femenina (Martin), Mejor Intérprete Masculino de Reparto (McCormick), Mejor Intérprete Femenina de Reparto (Hall), Mejor Director (Logan), Mejor Libreto y Mejor Música. ^{[ 129 ]} Hasta 2016, es el único espectáculo en ganar premios Tony en las cuatro categorías de actuación. ^{[ 130 ]} En 1950, el musical ganó el Premio Pulitzer de Drama , el segundo musical en lograrlo después de Of Thee I Sing , que lo ganó en 1932. ^{[ 131 ]} Rodgers se convirtió en el primer compositor de teatro musical en ganar el Pulitzer, ya que el compositor George Gershwin no había sido reconocido por Of Thee I Sing . ^{[ 132 ]} El Premio Pulitzer se otorgó inicialmente solo a Rodgers y Hammerstein; Logan fue reconocido posteriormente en un anuncio modificado, para su gran disgusto. ^{[ 52 ]}

El reestreno londinense de 2001 obtuvo un premio Laurence Olivier para Philip Quast (Emile). ^{[ 133 ]} El reestreno de 2008 ganó siete premios Tony, incluido el de Mejor Reestreno (Sher y Szot también ganaron, y el espectáculo ganó en las cuatro categorías de diseño), y cinco premios Drama Desk , incluido el de Mejor Reestreno Musical. El fallecido Robert Russell Bennett también fue homenajeado esa temporada por "su histórica contribución al teatro musical estadounidense en el campo de las orquestaciones, como lo representa en Broadway esta temporada South Pacific de Rodgers y Hammerstein ". ^{[ 134 ] [ 135 ]} Hasta 2016, este era el reestreno musical con más premios Tony. ^{[ 136 ]} La producción londinense de 2011 recibió tres nominaciones a los premios Olivier , incluido el de Mejor Reestreno Musical, pero no ganó ninguno. ^{[ 137 ] [ 138 ]}

Parte de la razón por la que South Pacific es considerada un clásico es su confrontación con el racismo. Según el profesor Philip Beidler , "el intento de Rodgers y Hammerstein de utilizar el teatro de Broadway para hacer una declaración valiente contra la intolerancia racial en general y el racismo institucional en los Estados Unidos de la posguerra en particular" forma parte de South Pacific.leyenda de. ^{[ 139 ]} Aunque Cuentos del Pacífico Sur trata la cuestión del racismo, no le otorga el lugar central que ocupa en el musical. Andrea Most, al escribir sobre la "política de la raza" en Pacífico Sur , sugiere que a finales de la década de 1940, los liberales estadounidenses, como Rodgers y Hammerstein, recurrieron a la lucha por la igualdad racial como un medio práctico para promover sus ideas progresistas sin arriesgarse a ser considerados comunistas. ^{[ 140 ]} Trevor Nunn , director de la producción del West End de 2001, señala la importancia del hecho de que Nellie, una sureña, termina la obra a punto de ser la madre en una familia interracial: "Se está representando en Estados Unidos en 1949. Esa es la resonancia". ^{[ 141 ]}

Desde los primeros borradores, Hammerstein y Logan hicieron del tema del prejuicio racial un elemento central de la historia. Hammerstein reescribió repetidamente la escena tras bambalinas del Acto II donde Emile, Nellie y Cable se enfrentan a la cuestión del racismo de los estadounidenses. ^{[ 142 ]} Como señaló el crítico Robert Butler en su guía educativa para la producción londinense de 2001, "si un joven tiene un prejuicio, podría ser un defecto de carácter; si dos jóvenes comparten un prejuicio, nos dice algo sobre la sociedad en la que crecieron". ^{[ 126 ]} En un borrador, Emile aconseja que los estadounidenses no son mejores que las Potencias del Eje en su prejuicio, y sugiere que regresen a casa a cantar canciones sobre cómo todos son creados libres e iguales. Lovensheimer afirma que el público estadounidense de la posguerra habría encontrado tales sentimientos en escena ofensivos. En la versión escenificada, las expresiones de Emile se limitan a dos líneas que argumentan que el prejuicio no es innato. ^{[ 142 ]}

En el centro de esta escena está la canción de Cable " You've Got to Be Carefully Taught ", en la que Cable se da cuenta de las fuentes de su propio racismo. Sus letras francas la convirtieron quizás en el elemento más controvertido del espectáculo. ^{[ 143 ]} Michener recordó en sus memorias que una delegación de gente de Nueva Inglaterra se le acercó después de una prueba en New Haven y le instó a recomendar la eliminación de la canción a Rodgers y Hammerstein. Cuando Michener se lo dijo a Hammerstein, este se rió y respondió: "¡De eso se trata el espectáculo!". ^{[ 144 ]} El crítico de teatro de Boston, Elliot Norton, después de ver el espectáculo en las pruebas, recomendó encarecidamente su eliminación, o al menos que Cable la cantara con menos "enérgicamente", ya que había mucha intolerancia en Boston; Logan respondió que esta era una razón más para dejarla sin modificar. ^{[ 145 ]} Varios críticos de Nueva York expresaron incomodidad con la canción; Wolcott Gibbs escribió sobre "algo llamado 'You've Got to Be Taught', un poema en alabanza de la tolerancia que de alguna manera me pareció un poco embarazoso", mientras que John Mason Brown opinó que estaba "algo angustiado por el didactismo arrastrado de tal súplica por la tolerancia como 'You've Got to Be Taught'". ^{[ 146 ]} Después del estreno en Broadway, Hammerstein recibió una gran cantidad de cartas sobre "You've Got to Be Carefully Taught". A juzgar por las cartas que permanecen entre sus documentos en la Biblioteca del Congreso , la reacción fue mixta. Un corresponsal escribió "¿Qué puedo decirle a un hombre que escribe 'Hay que enseñar a odiar y temer'?  ... Ahora que lo conozco, siento que mis informantes no lo elogiaron lo suficiente". ^{[ 147 ]} Sin embargo, otro escribió: "Siento que la inclusión de la canción particularmente en el álbum y hasta cierto punto en el propio espectáculo no ayuda a la causa de la fraternidad, a pesar de su intención contraria". ^{[ 147 ]}

Cuando la gira del espectáculo llegó a un teatro racialmente segregado en Wilmington, Delaware , Rodgers y Hammerstein amenazaron con cancelar las funciones allí a menos que los asientos se integraran, lo cual se hizo. ^{[ 148 ]} En 1953, con la gira en Atlanta, hubo controversia por "You've Got to Be Carefully Taught". Dos legisladores estatales de Georgia, el senador John D. Shepard y el representante David C. Jones, objetaron la canción, declarando que si bien South Pacific era una buena pieza de entretenimiento, esa canción "contenía una filosofía subyacente inspirada en Moscú", y explicaron, "El matrimonio mixto produce mestizos. Y los mestizos no son propicios para el tipo de sociedad superior.  ... En el Sur, tenemos líneas de sangre pura y pretendemos que siga siendo así". Declararon que planeaban presentar legislación para prohibir tales obras de inspiración comunista. La prensa del Norte se dio un festín; Cuando se le pidió un comentario, Hammerstein respondió que no creía que los legisladores estuvieran representando bien a sus electores y que le sorprendía la sugerencia de que todo lo amable y decente necesariamente tuviera que originarse en Moscú. ^{[ 148 ] [ 149 ]} En parte debido a la canción, las compañías de gira de South Pacific tuvieron dificultades para conseguir contrataciones en el sur profundo . ^{[ 150 ]}

En la escena final del Acto I, Nellie rechaza a Emile debido a sus hijos de ascendencia polinesia. Al hacerlo, Nellie no cumple con el ideal estadounidense de que "todos los hombres son creados iguales", que Emile había afirmado anteriormente. ^{[ 141 ]} Hammerstein también suavizó esta escena; en los primeros borradores, Nellie, inicialmente incapaz de pronunciar una palabra para describir a la primera esposa de Emile, después de que él le proporciona la palabra "polinesia", responde con "de color". Esta afirmación, que hace que Nellie sea menos simpática como personaje, se restauró para la producción del Lincoln Center de 2008. Como comentó Frank Rich de The New York Times , "es perturbador porque Nellie no es un estereotipo racista  ; es adorable  ... Pero ¿cómo podemos amar a una racista?". ^{[ 151 ] [ 152 ]} La mayoría argumenta que incluso Emile está contaminado por el racismo, ya que su estilo de vida depende del mantenimiento de un sistema en el que se beneficia de mano de obra nativa mal pagada  : Bloody Mary puede atraer trabajadores para hacer faldas de hierba para vender a los soldados estadounidenses porque, como ella dice, "¡los plantadores franceses son unos bastardos tacaños!" ^{[ 153 ]}

Nellie Forbush, en su viaje desde Little Rock, Arkansas, hasta su servicio como enfermera de la Marina y su posterior vida doméstica en la escena final de South Pacific , refleja la experiencia de muchas mujeres estadounidenses de la época. Se incorporaron al mercado laboral durante la guerra, solo para descubrir después que la sociedad esperaba que cedieran sus empleos a los hombres, siendo el matrimonio y el rol de ama de casa la mejor vía para alcanzar la seguridad financiera. Una forma de lograr la aceptación del público ante las decisiones de Nellie fue suavizar su pasado sexual en comparación con su contraparte en la obra de Michener  : ese personaje tenía un novio homosexual en Arkansas y una relación con Bill Harbison en la isla. ^{[ 154 ] [ 155 ]}

Los personajes masculinos de South Pacific están concebidos para parecer convencionalmente masculinos. Tras la Segunda Guerra Mundial, la masculinidad del soldado estadounidense era incuestionable. La virilidad de Cable con Liat se hace evidente para el público. Aunque Billis dirige una lavandería —Nellie elogia especialmente sus pliegues— y aparece con una falda de hierba en las "Thanksgiving Follies", estos actos son coherentes con su afán de dinero y claramente pretenden ser cómicos. Su interés por las jóvenes de Bali H'ai establece su masculinidad. Lovensheimer escribe que Billis se define más por su clase social que por su sexualidad, como lo demuestra la suposición del Seabee, al enterarse de que Cable había estudiado en una universidad de Nueva Jersey, de que era Rutgers (la universidad pública más prestigiosa del estado), en lugar de la prestigiosa Princeton, y su alegría al saber que la operación de rescate había costado 600.000 dólares cuando su tío le había dicho que nunca valdría un centavo. ^{[ 156 ] [ 157 ]}

Meryle Secrest, en su biografía de Rodgers, teoriza que South Pacific marca una transición para la pareja "entre héroes y heroínas que son más o menos iguales en edad e historias sobre hombres mayores poderosos y las mujeres jóvenes que se sienten atraídas por ellos". ^{[ 158 ]} Lovensheimer señala que este patrón solo se cumple para dos de sus cinco musicales posteriores, El rey y yo y Sonrisas y lágrimas , y en el primero, el amor entre Anna y el rey no se expresa con palabras. Él cree que tuvo lugar una transición diferente: que sus tramas, comenzando con South Pacific , involucran a una mujer que necesita entrar y aceptar el mundo de su interés amoroso para tener éxito y ser aceptada ella misma. Señala que tanto Oklahoma! como Carousel involucran a un hombre entrando en el mundo de su esposa, Curly en Oklahoma! está a punto de convertirse en granjero con expectativas de éxito, mientras que Billy Bigelow en Carousel no logra encontrar trabajo después de dejar su puesto como pregonero. Lovensheimer considera que Allegro es una transición, donde los intentos de la protagonista femenina por alterar el mundo de su esposo Joe para adaptarlo a su ambición conducen a la ruptura de su matrimonio. Sostiene que la enfermera Emily, que acompaña a Joe en su regreso al pequeño pueblo donde era feliz, es una precursora de Nellie, que abandona su vida en Chicago por Joe. ^{[ 159 ]}

Secrest señala que en South Pacific se pasa por alto mucho en la prisa por que el amor lo conquiste todo : «Nellie Forbush planteó cuestiones sobre la supervivencia a largo plazo de un matrimonio entre un hombre sofisticado que leía a Proust antes de dormir y una chica a la que le gustaba Dinah Shore y que no leía nada, solo para ser ignoradas. En cuanto a las complejidades interraciales de criar a dos hijos polinesios, todos esos problemas quedaron subsumidos en la euforia general del amor verdadero». ^{[ 160 ]} Lovensheimer también se pregunta cómo le irá a Nellie como la segunda Madame de Becque: «la pequeña Nellie Forbush de Arkansas termina en un paraíso tropical, lejos de su mundo anterior, con un marido, un sirviente y dos hijos que hablan un idioma que ella no entiende». ^{[ 161 ]}

El éxito arrollador de South Pacific generó una enorme atención mediática y pública. South Pacific fue uno de los primeros espectáculos para los que se ofrecieron diversos recuerdos: los fans podían comprar corbatas de South Pacific , o para las mujeres, pintalabios y bufandas. Se podían adquirir talones de entrada falsos como símbolos de estatus. ^{[ 132 ]} Existían cajas de música, muñecas, accesorios de moda e incluso cepillos para el cabello de South Pacific , para usar después de lavar el cabello de los hombres. ^{[ 162 ]} La ducha de Martin en el escenario provocó una inmediata moda de cabello corto que se podía mantener lavándolo una vez al día en casa, en lugar de en una peluquería, y de productos que permitieran dicho cuidado. ^{[ 163 ]} Las canciones de South Pacific se podían escuchar en la radio y eran populares entre las orquestas de baile y en los piano salones. ^{[ 132 ]} Mordden comenta que South Pacific solo contenía canciones de éxito; las otras obras exitosas de Rodgers y Hammerstein siempre incluían al menos una canción que no se hizo popular. ^{[ 164 ]}

El álbum del elenco, grabado diez días después del estreno del espectáculo, fue un éxito inmediato. Publicado por Columbia Records , permaneció 69 semanas en el número 1 de Billboard y un total de 400 semanas en las listas, convirtiéndose en el disco más vendido de la década de 1940. [ 132 ] Fue uno de los primeros discos LP, con una velocidad de 33 1/3 ^{rpm , y} ayudó a popularizar esa tecnología  ;  anteriormente, los álbumes de musicales y óperas se habían publicado en conjuntos de  discos de 78 rpm, con precios elevados y mucha menos música en un solo disco. En los años venideros, el LP se convertiría en el formato preferido para el nicho musical de los "pelo largo" de espectáculos, óperas y música clásica. ^{[ 165 ]}

Un efecto indirecto del éxito del programa fue la carrera de James Michener. Su uno por ciento del programa como autor del material original, más los ingresos de una participación que el dúo le permitió comprar a crédito, le brindaron independencia financiera y le permitieron dejar su trabajo como editor en Macmillan y convertirse en escritor a tiempo completo. ^{[ 166 ] [ 167 ]} Durante las siguientes cinco décadas, sus extensas y detalladas novelas ambientadas en diferentes lugares dominarían las listas de los libros más vendidos. ^{[ 168 ]}

El papel de Nellie Forbush fue la primera vez con Hammerstein que Rodgers hizo que el papel femenino principal fuera interpretado por una cantante de voz potente , en lugar de una soprano lírica como Laurey en Oklahoma! y Julie en Carousel . ^{[ n 5 ]} Según Mordden, "Nellie fue algo nuevo en R&H, llevando una buena parte de la partitura con una voz de 'Broadway'". ^{[ 169 ]}

Nellie no canta junto a Emile, porque Rodgers le prometió a Martin que no tendría que competir vocalmente con Pinza, ^{[ n 6 ]} pero el compositor buscaba unirlos en la música subyacente. Un tetracordio , que se escucha antes de que veamos a cualquiera de los dos solistas, se toca durante la introducción instrumental de "Dites-Moi", la primera canción del espectáculo. Considerado como clases de altura, es decir, como alturas sin caracterización por octava o registro, el motivo es CBAG. Se escuchará repetidamente en la música de Nellie, o en la música (como "Twin Soliloquies") que comparte con Emile, e incluso en el puente de "Some Enchanted Evening". Lovensheimer argumenta que esto simboliza lo que Nellie intenta decir con su frase del Acto II: "Somos fundamentalmente el mismo tipo de personas  : tú y yo". ^{[ 170 ]}

Originalmente, "Twin Soliloquies" terminaba poco después de que finalizara la parte vocal. A Logan esto le pareció insatisfactorio y trabajó con Trude Rittmann para encontrar un mejor final para la canción. Esta pieza musical, denominada "Unspoken Thoughts", continúa la música mientras Nellie y Emile beben brandy juntos, y Lovensheimer la describe como "el único momento verdaderamente operístico de la partitura". ^{[ 171 ]} "This Nearly Was Mine" es un gran solo de bajo para Emile en compás de vals, considerado por el biógrafo de Rodgers, William G. Hyland, como "uno de sus mejores trabajos". ^{[ 172 ]} Solo se utilizan cinco notas en los primeros cuatro compases, una frase que luego se repite con una ligera variación en los siguientes cuatro compases. La canción termina una octava más alta de donde comenzó, lo que la hace perfecta para la voz de Pinza. ^{[ 172 ]}

Dos canciones, "I'm Gonna Wash That Man Right Outa My Hair" y "Honey Bun", pretenden imitar canciones populares estadounidenses de la década de 1940. En la primera, la triple recitación del título a intervalos sugiere un arreglo de big band de la época de la guerra, mientras que en el puente, los últimos ocho compases (que repiten la letra de los primeros ocho compases del puente) sugieren swing . Las secciones que comienzan con "If the man don't understand you" y "If you laugh at different comics" tienen un estilo blues . Lovensheimer considera la canción "la expresión espontánea e improvisada de los sentimientos de Nellie a través del vocabulario de la canción popular". ^{[ 173 ]} Mordden sugiere que "I'm in Love with a Wonderful Guy", con su ritmo "sin piedad", bien podría ser el centro de la partitura, con la típica chica estadounidense defendiendo su amor soltando clichés, muchos de los cuales, como "cursi como Kansas en agosto", fueron inventados por Hammerstein, y "de hecho, con los años se han convertido en clichés". ^{[ 174 ]}

Columbia Records grabó la obertura y la mayoría de las canciones de la producción original en 1949, utilizando miembros del elenco incluyendo a Ezio Pinza y Mary Martin . Utilizando los másteres originales en discos de laca , Columbia lanzó el álbum tanto en discos de 78 rpm como en el nuevo formato de disco LP en 1949. Según el crítico John Kenrick , la grabación del elenco original "es la rara materia de la que están hechas las leyendas perdurables", un clásico esencial. ^{[ 175 ]} El álbum fue número uno desde mediados de 1949 y durante la mayor parte de 1950 por un récord de 63 semanas, vendiendo más de un millón de copias. ^{[ 176 ] [ 177 ]} Sony lanzó un CD en 1988 a partir de la grabación en cinta magnética previamente inédita de las mismas sesiones de 1949 en la ciudad de Nueva York. El CD incluye las pistas adicionales "Loneliness of Evening" (grabada en 1949 por Mary Martin), "My Girl Back Home" (Martin), "Bali Ha'i" (Pinza) y Symphonic Scenario for Concert Orchestra (orquestaciones originales de Robert Russell Bennett). El álbum del reparto original se añadió al Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso el 21 de marzo de 2013 para su preservación a largo plazo. ^{[ 178 ]} La banda sonora de la película se publicó en el sello RCA Victor en marzo de 1958. ^{[ 179 ]} Kenrick califica la grabación de "mezclada" y no la recomienda. ^{[ 175 ]}

Masterworks Broadway lanzó una grabación de la producción de 1967 del Lincoln Center protagonizada por Florence Henderson como Nellie, Giorgio Tozzi como Emile, Justin McDonough como Cable e Irene Byatt como Bloody Mary. La grabación incluye una versión de "Bali Ha'i", cantada en francés por Eleanor Calbes , la Liat. Según Kenrick, "Cada tema de esta grabación del elenco de 1967 del Lincoln Center es tan excelente que uno no puede evitar preguntarse por qué tardó tanto en llegar a CD". ^{[ 180 ]} Kenrick señala que el álbum es una alternativa más completa al álbum del elenco original. ^{[ 82 ] [ 175 ]}

En 1986, José Carreras y Kiri Te Kanawa grabaron en estudio South Pacific , cuyas sesiones fueron filmadas como un documental, similar en estilo al exitoso documental de Leonard Bernstein sobre West Side Story, estrenado un año antes y protagonizado por los mismos actores. La música de Emile fue adaptada a la voz de tenor de Carreras. La grabación también contó con Sarah Vaughan como Bloody Mary y Mandy Patinkin como Cable. Stephen Holden reseñó el álbum en The New York Times : «La estrella de este South Pacific no es ningún individuo, sino la propia partitura». ^{[ 181 ]} Kenrick califica la grabación de «basura pretenciosa» con un reparto muy desacertado. ^{[ 175 ]} Kenrick elogia de forma mixta el álbum del reparto de la reposición londinense de 1988. ^{[ 175 ]}

El álbum del elenco de la reposición del Royal National Theatre de 2001 fue grabado en 2002 por First Night Records con Philip Quast como Emile, Lauren Kennedy como Nellie, Edward Baker-Duly como Cable, Sheila Francisco como Bloody Mary y Nick Holder como Billis. El álbum incluye la canción eliminada, "Now Is the Time". Si bien Kenrick reconoce que a la mayoría de los críticos les gusta la grabación, la considera un desperdicio de dinero. ^{[ 175 ]} La versión del concierto de 2005 en el Carnegie Hall fue lanzada el 18 de abril de 2006 por Decca Broadway con Reba McEntire como Nellie, Brian Stokes Mitchell como Emile, Lillias White como Bloody Mary, Jason Danieley como Cable y Alec Baldwin como Billis. Kenrick describe esta grabación como "una de las más deslumbrantes que este glorioso clásico de Rodgers & Hammerstein haya recibido jamás" ^{[ 180 ]} y "un sueño hecho realidad para los amantes de las canciones de musicales". ^{[ 175 ]} El álbum del elenco del reestreno de Broadway de 2008 fue lanzado el 27 de mayo de 2008 por Masterworks Broadway. ^{[ 182 ]} Kenrick lo encuentra "muy satisfactorio". ^{[ 175 ]}