arte japonés

Los primeros pobladores de Japón fueron los Jōmon ( c. 10.500 – c. 300 a. C. ), ^{[ 3 ]} llamados así por las marcas de cuerda que decoraban las superficies de sus vasijas de arcilla. Eran cazadores-recolectores nómadas que posteriormente practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades con poblaciones de cientos, si no miles, de habitantes. Construían casas sencillas de madera y paja en fosas poco profundas de tierra para aprovechar el calor del suelo. Elaboraban vasijas de cerámica ricamente decoradas , figurillas de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal. 

período Jōmon medio

El período Jōmon Medio (2500–1500 a. C.) ^{[ 3 ]} se diferenció del período Jōmon Temprano en muchos aspectos. Estas personas eran menos nómadas y comenzaron a asentarse en aldeas. Crearon herramientas útiles para procesar los alimentos que recolectaban y cazaban, lo que facilitó su vida. A través de la gran cantidad de cerámicas estéticamente atractivas encontradas durante este período, es evidente que tenían una economía estable y más tiempo libre. Además, las personas del período Jōmon Medio se diferenciaron de sus ancestros en el desarrollo de vasijas para funciones específicas, por ejemplo, ollas para almacenar. ^{[ 3 ]} Las decoraciones en estas vasijas eran más realistas que las de la cerámica Jōmon temprana. ^{[ 3 ]}

Período Jōmon tardío y final

Durante el período Jōmon tardío y final (1500–300 a. C.), ^{[ 3 ]} el clima se volvió más frío, lo que impulsó a los pobladores a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimento era el pescado, lo que los llevó a desarrollar herramientas y técnicas de pesca. Además, el aumento en el número de vasijas sugiere que cada hogar tenía su propio suministro. Algunas vasijas encontradas durante el período Jōmon tardío y final estaban dañadas, lo que podría indicar que se usaban para rituales. Además, se encontraron figurillas con cuerpos carnosos distintivos y ojos con forma de gafas. ^{[ 3 ]}

Figuritas Dogū

Los dogū ("figuras de tierra") son pequeñas figurillas humanoides y animales que datan de finales del período Jōmon . ^{[ 4 ]} Se producían en todo Japón, excepto en Okinawa . ^{[ 4 ]} Según algunos estudiosos, los dogū eran efigies de personas y podrían haber sido utilizados en magia simpática . ^{[ 5 ]} Los dogū son pequeñas figuras de arcilla , típicamente de 10 a 30 centímetros (4 a 12 pulgadas) de altura. ^{[ 6 ]} La mayoría son femeninas, con ojos grandes, cinturas pequeñas y caderas anchas. ^{[ 4 ]} Muchas tienen grandes vientres, lo que sugiere que eran diosas madre . ^{[ 6 ]}

La siguiente oleada de inmigrantes fue la del pueblo Yayoi , llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron por primera vez los restos de sus asentamientos. Estas personas, que llegaron a Japón alrededor del año 300 a. C., ^{[ 7 ]} trajeron consigo su conocimiento del cultivo de arroz en humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce ( dōtaku ), y cerámica torneada y cocida en horno .

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  Una campana dōtaku del período Yayoi , siglo III d. C.
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  Espejo de bronce Shinju-kyo excavado en Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kioto
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  Jarra de cerámica del período Yayoi.
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  Diversas piezas de cerámica ritual Yayoi del yacimiento de Yoshinogari.
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  Jarra de almacenamiento Yayoi, del 500 a. C. al 200 d. C.

La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300-710  d. C.), ^{[ 3 ]} representa una modificación de la cultura Yayoi , atribuible a un desarrollo interno o a una fuerza externa. Este período se caracteriza principalmente por su cultura funeraria y otros artefactos, como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa , que se erigían fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron desde tumbas más pequeñas erigidas en cimas de colinas y crestas hasta tumbas mucho más grandes construidas en terrenos llanos. ^{[ 8 ]} La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku , alberga 46 túmulos funerarios y tiene forma de ojo de cerradura, ^{[ 9 ]} una característica distintiva que se encuentra en las tumbas Kofun posteriores. ^{[ 8 ]}

Durante los períodos Asuka y Nara , llamados así porque la sede del gobierno japonés estuvo ubicada en el valle de Asuka desde 542 hasta 645 ^{[ 3 ]} y en la ciudad de Nara hasta 784, tuvo lugar en Japón la primera afluencia significativa de cultura asiática continental.

La transmisión del budismo fue el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron aspectos de la cultura china que podían incorporarse provechosamente a la suya: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritura; la historiografía ; teorías complejas de gobierno, como una burocracia eficaz ; y, lo más importante para las artes, nuevas tecnologías, nuevas técnicas de construcción, métodos más avanzados de fundición en bronce y nuevas técnicas y soportes para la pintura.

Sin embargo, a lo largo de los siglos VII y VIII, el principal foco de los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los estudiosos coinciden en las fechas significativas ni en la denominación adecuada para los distintos periodos comprendidos entre 552, fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa se trasladó desde Nara. Las denominaciones más comunes son el periodo Suiko (552-645), el periodo Hakuhō (645-710) y el periodo Tenpyō (710-784).

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  Pagoda y Kondō en Hōryū-ji , siglo VIII
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  Hokkedō en Tōdai-ji , siglo VIII

Las primeras esculturas japonesas de Buda datan de los siglos VI y VII. ^{[ 10 ]} En última instancia, derivan del arte grecobudista de Gandhara de los siglos I al III d. C. , caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y representación realista, ^{[ 11 ]} sobre el cual se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista chino de la dinastía Wei del Norte se infiltrara en la península coreana, los íconos budistas fueron traídos a Japón por varios grupos de inmigrantes. ^{[ 12 ]} En particular, la forma semisentada de Maitreya se adaptó a un estilo artístico griego antiguo altamente desarrollado que se transmitió a Japón como lo demuestran las estatuas de Miroku Bosatsu de Kōryū-ji y Siddhartha de Chūgū-ji . ^{[ 13 ]} Muchos historiadores presentan a Corea como un mero transmisor del budismo. ^{[ 14 ]} Los Tres Reinos, y en particular Baekje, fueron fundamentales como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. ^{[ 15 ]} Ilustran el punto final de la transmisión del arte a través de la Ruta de la Seda durante los primeros siglos de nuestra era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía del dios japonés del viento Fūjin , ^{[ 16 ]} los guardianes Niō , ^{[ 17 ]} y los motivos florales casi clásicos en las decoraciones de los templos. ^{[ 18 ]}

Las estructuras budistas más antiguas que aún se conservan en Japón, y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente, se encuentran en el templo Hōryū-ji, al suroeste de Nara. Construido a principios del siglo VII como templo privado del príncipe heredero Shōtoku , consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, la sala principal de culto, o Kondō (Salón Dorado), y la Gojū-no-tō ( Pagoda de cinco pisos ), se alzan en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō , al estilo de las salas de culto chinas , es una estructura de dos pisos con entramado de postes y vigas, coronada por un irimoya , o tejado a cuatro aguas de tejas cerámicas.

Dentro del Kondō , sobre una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas , escultura fundida en bronce por el escultor Tori Busshi (activo a principios del siglo VII) en homenaje al recién fallecido príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones , tallados en madera alrededor del año 650. También se encuentra en Hōryū-ji el Santuario Tamamushi , una réplica de madera de un Kondō , que se asienta sobre una alta base de madera decorada con pinturas figurativas realizadas con pigmentos minerales mezclados con laca.

La construcción de templos en el siglo VIII se centró en torno al Tōdai-ji en Nara. Construido como sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdai-ji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Como corresponde, el Buda de 16,2 m (53 pies) (terminado en 752) consagrado en la sala principal del Buda, o Daibutsuden , es un Buda Rushana , la figura que representa la esencia de la budeidad, al igual que el Tōdai-ji representaba el centro del budismo patrocinado por el Imperio y su difusión por todo Japón. Solo sobreviven algunos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo .

Alrededor del Daibutsuden, en una ladera de suave pendiente, se agrupan varias salas secundarias: el Hokke-dō (Salón del Sutra del Loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (不空羂索観音立像, el bodhisattva más popular), elaborada con laca seca (tela sumergida en laca y moldeada sobre una estructura de madera); el Kaidanin (戒壇院, Salón de la Ordenación), con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes ; y el almacén, llamado Shōsōin . Esta última estructura es de gran importancia como depósito histórico-artístico, ya que en ella se guardan los utensilios que se utilizaron en la ceremonia de dedicación del templo en 752, el ritual de apertura de ojos para la imagen de Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos objetos seculares propiedad de la familia imperial.

Se cree que el choukin (o chōkin ), el arte del grabado o la escultura en metal, se originó en el período Nara. ^{[ 19 ] [ 20 ]}

En 794, la capital de Japón se trasladó oficialmente a Heian-kyō (actual Kioto ), donde permaneció hasta 1868. El término período Heian se refiere a los años comprendidos entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato Kamakura al final de la Guerra Genpei . Este período se divide a su vez en el Heian temprano y el Heian tardío, o era Fujiwara , siendo la fecha clave 894, año en que se interrumpieron oficialmente las embajadas imperiales a China .

Arte del período Heian temprano: En reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (más conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774–835) viajó a China para estudiar Shingon , una forma de budismo Vajrayana , que introdujo en Japón en 806. En el centro del culto Shingon se encuentran los mandalas , diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño de los templos. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa , una forma arquitectónica originalmente india , en sus pagodas de estilo chino.

Los templos erigidos para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la corte y de los laicos en la capital. La topografía irregular de estos emplazamientos obligó a los arquitectos japoneses a replantearse los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a optar por elementos de diseño más autóctonos. Los techos de corteza de ciprés sustituyeron a los de teja cerámica, se utilizaron tablones de madera en lugar de suelos de tierra y se añadió un área de culto separada para los laicos frente al santuario principal.

El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos Shingon del período Heian es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en medio de un bosque de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también de principios del siglo IX) de Shakyamuni , el Buda "histórico", que se encuentra en un edificio secundario del Murō-ji , es típica de la escultura temprana del período Heian, con su cuerpo pesado, cubierto por gruesos pliegues tallados al estilo honpa-shiki (ola ondulante), y su expresión facial austera y retraída.

Arte Fujiwara: Durante el período Fujiwara , el budismo de la Tierra Pura , que prometía una salvación fácil mediante la creencia en Amida (el Buda del Paraíso Occidental), se popularizó. Este período recibe su nombre de la familia Fujiwara , entonces la más poderosa del país, que gobernaba como regente del emperador, convirtiéndose, de hecho, en dictadores civiles. Simultáneamente, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a la búsqueda de la elegancia estética. Su mundo era tan seguro y bello que no podían concebir el Paraíso como algo muy diferente. Crearon un nuevo tipo de sala de Buda, la sala Amida, que fusiona lo secular con lo religioso y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que recuerda a las mansiones de la nobleza.

El Hō-ō-dō (Salón del Fénix, terminado en 1053) del Byōdō-in , un templo en Uji , al sureste de Kioto, es el ejemplo paradigmático de los salones Fujiwara Amida. Consta de una estructura rectangular principal flanqueada por dos corredores laterales en forma de L y un corredor trasero, situados al borde de un gran estanque artificial. En su interior, una única imagen dorada de Amida ( c. 1053 ) se encuentra instalada sobre una plataforma elevada. La escultura de Amida fue realizada por Jōchō , quien empleó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica ( yosegi ), en la que se tallan múltiples piezas de madera como conchas y se unen desde el interior. En las paredes del salón se aplican pequeños relieves de seres celestiales, la hueste que se cree acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para recoger las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano de Yamato-e , pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje que rodea Kioto.

E-maki : En el último siglo del período Heian, el rollo narrativo ilustrado horizontal, conocido como e-maki (絵巻, lit. "rollo ilustrado"), cobró gran protagonismo. El Genji Monogatari Emaki , que data de alrededor de 1130, es una famosa obra ilustrada de la Historia de Genji y representa el rollo yamato-e más antiguo que se conserva, además de ser uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita alrededor del año 1000 por Murasaki Shikibu , dama de compañía de la emperatriz Shōshi , la novela narra la vida y los amores de Genji y el mundo de la corte Heian tras su muerte. Los artistas del siglo XII que crearon la versión e-maki idearon un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo, se popularizó un estilo diferente y más dinámico de ilustración narrativa continua. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un rollo que trata sobre una intriga en la corte, destaca las figuras en movimiento activo representadas con pinceladas rápidas y colores finos pero vibrantes.

Los e-maki también constituyen algunos de los primeros y mejores ejemplos de los estilos pictóricos otoko-e ("pinturas para hombres") y onna-e ("pinturas para mujeres"). Existen muchas diferencias sutiles entre ambos estilos, que responden a las preferencias estéticas de cada género. Pero quizás lo más fácilmente perceptible sean las diferencias temáticas. El onna-e , cuyo máximo exponente es el rollo de mano "La historia de Genji", suele tratar temas de la vida cortesana, en particular de las damas de la corte, y de temas románticos. El otoko-e, en cambio, solía registrar acontecimientos históricos, especialmente batallas. El asedio del palacio de Sanjō (1160), representado en la sección "Ataque nocturno al palacio de Sanjō" del rollo de mano "Heiji Monogatari " , es un ejemplo famoso de este estilo.

En 1180, estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto . Cinco años después, los Minamoto resultaron victoriosos y establecieron una sede de gobierno de facto en la aldea costera de Kamakura , donde permaneció hasta 1333. Con el traspaso del poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a un nuevo público: hombres dedicados a las artes marciales, sacerdotes comprometidos con hacer accesible el budismo a los plebeyos analfabetos y conservadores, la nobleza y algunos miembros del clero que lamentaban el declive del poder de la corte. Así, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura . Durante este período, Kioto y Nara siguieron siendo los centros de la producción artística y la alta cultura.

Escultura: La escuela de escultores Kei, en particular Unkei , creó un nuevo estilo escultórico más realista. Las dos imágenes de guardianes Niō (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el dinámico estilo suprarrealista de Unkei. Las imágenes, de unos 8 m (unos 26  pies) de altura, fueron talladas en múltiples bloques en un período de aproximadamente tres meses, una hazaña que indica un sistema de taller desarrollado de artesanos que trabajaban bajo la dirección de un maestro escultor. Las esculturas de madera policromada de Unkei (1208, Kōfuku-ji , Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin , los legendarios fundadores de la secta Hossō , se encuentran entre las obras realistas más logradas del período; tal como las realizó Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es una tríada de Amitabha (terminada en 1195), en Jōdo-ji en Ono , creada por Kaikei , sucesor de Unkei.

Caligrafía y pintura: El Kegon Engi Emaki , la historia ilustrada de la fundación de la secta Kegon , es un excelente ejemplo de la tendencia popularizadora en la pintura Kamakura. La secta Kegon, una de las más importantes del período Nara, atravesó momentos difíciles durante el auge de las sectas de la Tierra Pura . Después de la Guerra Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji buscó revivir la secta y también brindar refugio a las mujeres viudas de la guerra. A las esposas de los samuráis se les había disuadido de aprender más que un sistema silábico para transcribir sonidos e ideas (véase kana ), y la mayoría eran incapaces de leer textos que empleaban ideogramas chinos ( kanji ).

Así, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas fácilmente legibles, e ilustraciones que presentan los diálogos entre los personajes junto a quienes hablan, una técnica comparable a la de las tiras cómicas contemporáneas. La trama del e-maki , que narra la vida de los dos sacerdotes coreanos fundadores de la secta Kegon, tiene un ritmo ágil y está repleta de hazañas fantásticas, como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia sobre una madre.

Una obra de corte más conservador es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu . Si bien se siguieron publicando ediciones en papel e-maki de su novela, la nobleza, atenta al nuevo interés por el realismo pero nostálgica de los tiempos de riqueza y poder, revivió e ilustró el diario para recrear el esplendor de la época de la autora. Uno de los pasajes más bellos ilustra el episodio en el que Murasaki Shikibu es retenida juguetonamente en su habitación por dos jóvenes cortesanos, mientras que, justo afuera, la luz de la luna brilla sobre las orillas musgosas de un riachuelo en el jardín imperial.

Durante el período Muromachi (1338-1573), también conocido como el período Ashikaga, se produjo un profundo cambio en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su sede de nuevo a Kioto, al distrito de Muromachi . Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin, y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo zen , la secta Ch'an , que tradicionalmente se cree que fue fundada en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y echó raíces.

Pintura: Gracias a las empresas seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, numerosas pinturas y objetos de arte chinos se importaron a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron la temática de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes del Yamato-e dieron paso a los monocromos de la pintura al estilo chino, donde las pinturas generalmente solo presentan blanco y negro o diferentes tonalidades de un mismo color.

Típico de la pintura Muromachi temprana es la representación del monje-pintor Kao (activo a principios del siglo XV) del legendario monje Kensu ( Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalles. La obra " Capturando un bagre con una calabaza" (principios del siglo XV, Taizō-in , Myōshin-ji , Kioto), del monje-pintor Josetsu (activo hacia 1400 ), marca un punto de inflexión en la pintura Muromachi. Realizada originalmente para un biombo bajo, ha sido reensamblada como un pergamino colgante con inscripciones de figuras contemporáneas en la parte superior, una de las cuales se refiere a la pintura como perteneciente al "nuevo estilo". En primer plano, se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el plano medio, y las montañas del fondo parecen estar muy lejos. Generalmente se asume que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutada alrededor de 1413, se refiere a una concepción más china del espacio profundo dentro del plano pictórico.

Los artistas más destacados del período Muromachi son los monjes pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, monje del templo Shōkoku-ji de Kioto , creó en su pintura «Lectura en un bosque de bambú » (1446) un paisaje realista con una profunda sensación de profundidad. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en su lugar de origen. «Paisaje de las cuatro estaciones» ( Sansui Chokan ; c. 1486 ) es una de las obras más logradas de Sesshū, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.

Durante el periodo Azuchi-Momoyama (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu , intentaron traer paz y estabilidad política a Japón tras casi cien años de guerra. Oda, un caudillo menor, adquirió el poder suficiente para controlar de facto el gobierno en 1568 y, cinco años después, derrocar al último shōgun Ashikaga. Hideyoshi tomó el mando tras la muerte de Oda, pero sus planes para establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien fundó el shogunato Tokugawa en 1603.

Pintura: La escuela de pintura más importante del período Momoyama fue la de Kanō , y la mayor innovación de la época fue la fórmula, desarrollada por Kanō Eitoku , para la creación de paisajes monumentales en las puertas corredizas que cerraban una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in , un subtemplo del Daitoku-ji (un templo zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo conservado de la obra de Eitoku. Un enorme árbol de ume y dos pinos gemelos están representados en pares de paneles corredizos en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden a izquierda y derecha, unificando los paneles contiguos. El panel de Eitoku, Leones chinos , también en Kioto, revela el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.

Hasegawa Tōhaku , contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para sus biombos de gran formato. En su biombo de arce (楓図), que se conserva en el templo de Chishaku-in (智積院), en Kioto, situó el tronco del árbol en el centro y extendió las ramas casi hasta el borde de la composición, creando una obra más plana y menos arquitectónica que la de Eitoku, pero de una belleza visual deslumbrante. Su biombo de seis paneles, Bosque de pinos (松林図), es una magistral representación en tinta monocromática de una arboleda envuelta en niebla.

El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de traer paz y estabilidad económica y política al país; en gran medida, lo logró. El shogunato se mantuvo en el poder hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular debido a su incapacidad para responder a la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas predominantes del período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas por escapar de estas restricciones. La principal de ellas fue el cierre del país a los extranjeros y a los elementos propios de sus culturas, así como la imposición de estrictos códigos de conducta que afectaban todos los aspectos de la vida: la vestimenta, la persona con la que uno se casaba y las actividades que se podían o no se debían realizar.

Sin embargo, en los primeros años del período Edo , aún no se habían sentido todas las consecuencias de las políticas de Tokugawa, y se produjeron algunas de las mejores expresiones de la arquitectura y la pintura japonesas: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu , pionero de la escuela Rinpa .

Impresión con bloques de madera: Las impresiones con bloques de madera se utilizaron originalmente para traducir escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. Consisten en el grabado de imágenes o dibujos en un trozo de madera, que luego se presiona contra un papel. En el siglo VIII, la impresión con bloques de madera se consideraba un método práctico para la reproducción de textos impresos, hasta que innovaciones posteriores permitieron la reproducción a color en papel, lo que se conoció como impresión Nishik-e. La impresión con bloques de madera fue el método de impresión común desde el siglo XI hasta el XIX. Las impresiones Nishik-e producían artículos como calendarios que se vendían comúnmente a miembros adinerados de la sociedad durante el período Edo. En este período, estas impresiones representaban eventos y escenas de personajes prominentes. El Ukiyo se asoció entonces a la impresión con bloques de madera a principios del período Edo. Estas pinturas Ukiyo representaban la vida cotidiana de miembros prominentes de la sociedad. El Ukiyo comenzó como rollos esculpidos a mano que representaban la vida de un plebeyo común.

Arquitectura: El Palacio Independiente de Katsura , construido a imitación del palacio de Genji , alberga un conjunto de edificios shoin que combinan elementos de la arquitectura clásica japonesa con reinterpretaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un hermoso jardín con senderos para pasear. Muchos de los poderosos daimyōs (señores feudales) construyeron jardines japoneses de estilo circuito en sus territorios y compitieron por la belleza de los más bellos.

Pintura: Sōtatsu desarrolló un magnífico estilo decorativo recreando temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos del mundo natural de colores brillantes sobre fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de biombos « Olas en Matsushima» , que se encuentra en la Galería Freer de Washington, D.C. Un siglo después, Kōrin reelaboró ​​el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente espléndidas y únicas. Quizás sus mejores obras sean los biombos « Flores de ciruelo rojas y blancas» .

Escultura: El monje budista Enkū talló 120.000 imágenes budistas con un estilo tosco e individual.

Ukiyo-e y nanga (bunjinga)

La escuela artística más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera del demimonde, el mundo del teatro kabuki y los barrios de placer . Los grabados ukiyo-e comenzaron a producirse a finales del siglo XVII; en 1765, Harunobu realizó el primer grabado policromado . Los diseñadores de grabados de la siguiente generación, entre ellos Torii Kiyonaga y Utamaro , crearon representaciones elegantes y, en ocasiones, perspicaces de cortesanas.

En el siglo XIX, las figuras dominantes fueron Hokusai y Hiroshige , este último creador de grabados paisajísticos románticos y algo sentimentales. Los ángulos y formas inusuales a través de los cuales Hiroshige solía contemplar el paisaje, y la obra de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en planos planos y fuertes contornos lineales, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh . A través de obras de arte conservadas en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían posteriormente una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound , Richard Aldington y HD ^{[ 21 ].}

Una escuela de pintura contemporánea al ukiyo-e fue el nanga o bunjinga, un estilo basado en pinturas realizadas por pintores eruditos chinos. Así como los artistas del ukiyo-e optaron por representar figuras de la vida fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas del bunjinga recurrieron a la cultura china. Los máximos exponentes de este estilo son Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu (山本梅逸).

Cerámica

Los estilos tradicionales, principalmente de gres , continuaron en muchas partes de Japón, pero la cerámica japonesa se transformó alrededor del inicio del período Edo, debido a una gran afluencia de alfareros coreanos, capturados o persuadidos a emigrar durante las invasiones japonesas de Corea en la década de 1590. Muchos de ellos se establecieron en la isla sureña de Kyushu y trajeron consigo la experiencia de versiones del horno de cámara ascendente de estilo chino , llamado noborigama en Japón, que permitía altas temperaturas con un control más preciso. Hacia 1620 descubrieron depósitos de caolinita y comenzaron a fabricar porcelana por primera vez en Japón. Las primeras piezas (llamadas "Imari Temprano") eran relativamente pequeñas e imitaban la porcelana china azul y blanca bajo vidriado , que Japón llevaba tiempo importando. ^{[ 22 ]}

La industria de la porcelana se expandió enormemente a finales de la década de 1650, ya que el colapso de la industria china a causa de la guerra civil generó grandes pedidos por parte de los comerciantes chinos y la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales , a quienes, por entonces, solo se les permitía comerciar en Japón. El primer gran período de exportación de porcelana japonesa duró hasta aproximadamente la década de 1740, y la mayor parte de la porcelana japonesa se fabricaba para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y al sur de Japón. ^{[ 23 ]} La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo. ^{[ 24 ] [ 25 ]}

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  Jarra de sake tipo Iroe de cinco colores de Ko-Kutani (Kutani antiguo) con diseño de pájaros y flores en esmalte sobre vidriado, período Edo, siglo XVII.
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  Plato de Ko-Imari , 1700–1740

Objetos lacados:

Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados mejoró. Hon'ami Kōetsu y Ogata Kōrin incorporaron los diseños de la escuela de pintura Rinpa a la laca. Desde mediados del período Edo, los inrō , recipientes portátiles para medicinas, comenzaron a decorarse con gran profusión con maki-e y raden , y se popularizaron entre la clase samurái y los comerciantes adinerados de la clase chōnin . A finales del período Edo, pasaron de ser accesorios prácticos a objetos de colección. ^{[ 26 ] [ 27 ]} La exportación de laca continuó tras el período Azuchi-Momoyama. María Antonieta y María Teresa son conocidas por ser coleccionistas de laca japonesa en este período. ^{[ 2 ]}

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  Caja de escritura lacada con lirios en Yatsuhashi , de Ogata Kōrin . Tesoro Nacional

Cuando el emperador de Japón recuperó el poder en 1868, Japón se vio nuevamente invadido por nuevas y ajenas formas culturales. Durante el período de entreguerras , la introducción de los valores culturales occidentales generó una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar diversas ideas nuevas y contradictorias. Esta división se mantuvo evidente a finales del siglo XX, aunque para entonces ya se había producido una importante síntesis, creando un ambiente cultural internacional e impulsando las artes japonesas contemporáneas hacia formas cada vez más innovadoras.

El gobierno mostró un gran interés en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de exposiciones mundiales , comenzando con la Exposición Universal de Viena de 1873. [ ^{28 ] [ 29 ] Además} de financiar generosamente las ferias, el gobierno desempeñó un papel activo en la organización de la presentación de la cultura japonesa al mundo. Creó una empresa semipública — la Kiritsu Kosho Kaisha (Primera Compañía de Manufactura Industrial) — para promover y comercializar las exportaciones de arte ^{[ 30 ]} y estableció la Hakurankai Jimukyoku (Oficina de Exposiciones) para mantener los estándares de calidad. ^{[ 29 ]} Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876 en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar espacio para los 30 000 artículos que se exhibirían. ^{[ 31 ]} La Casa Imperial también mostró un gran interés en las artes y artesanías, encargando obras ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. ^{[ 32 ]} En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin ( Artista de la Casa Imperial ) para reconocer a artistas distinguidos; setenta fueron nombrados entre 1890 y 1944. ^{[ 33 ]} Entre ellos se encontraban el pintor y artista de laca Shibata Zeshin , el ceramista Makuzu Kōzan , el pintor Hashimoto Gahō y el artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki . ^{[ 33 ]}

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  Byōbu Dragón y tigre (竜虎図) lado izquierdo, 1895, por Hashimoto Gahō
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  Byōbu, Dragón y tigre a la derecha, 1895, de Hashimoto Gahō

A medida que las importaciones occidentales se popularizaron, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. ^{[ 34 ]} En Europa y América, la nueva disponibilidad de arte japonés generó una fascinación por la cultura japonesa; una moda conocida en Europa como japonismo . ^{[ 35 ]} El mecenazgo imperial, el patrocinio gubernamental, la promoción a nuevos públicos y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica. ^{[ 30 ]}

Hoy, Masayuki Murata posee más de 10.000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. Desde entonces, la mayoría de las excelentes obras de arte Meiji fueron compradas por coleccionistas extranjeros y solo unas pocas permanecieron en Japón, pero gracias a que él recuperó muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka , ^{[ 36 ]} el estudio y la reevaluación del arte Meiji avanzaron rápidamente en Japón a partir del siglo XXI. ^{[ 37 ]} Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas más dedicados del mundo al arte Meiji, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La Familia Imperial Japonesa también posee excelentes obras de arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al Estado y ahora se conservan en el Museo de las Colecciones Imperiales .

Arquitectura y jardín

A principios del siglo XX, las formas artísticas europeas se habían introducido ampliamente y su fusión dio como resultado edificios notables como la Estación de Tren de Tokio y el Edificio de la Dieta Nacional , que aún se conservan. La Estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū , se caracteriza por su uso de ladrillos y un estilo pseudoeuropeo. Este estilo arquitectónico se construyó en zonas urbanas.

Jihei Ogawa construyó muchos jardines japoneses de nueva creación con un marcado carácter artístico .

Cuadro

La primera respuesta de los japoneses a las formas artísticas occidentales fue una aceptación entusiasta, y en 1876 se inauguró la Escuela Tecnológica de Arte ( ja:工部美術学校), que empleaba instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un giro radical en la dirección opuesta, impulsado por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa , quienes animaron a los artistas japoneses a conservar los temas y técnicas tradicionales al tiempo que creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta estrategia, a la larga, sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial . ^{[ 38 ]} De estos dos polos de la teoría artística —derivados de Europa y Asia Oriental, respectivamente— surgieron el yōga («pintura de estilo occidental») y el nihonga («pintura japonesa»), categorías que se han mantenido vigentes.

Esmaltes

Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó su máximo esplendor técnico, produciendo piezas más avanzadas que cualquiera que hubiera existido hasta entonces. ^{[ 39 ]} El período de 1890 a 1910 se conoce como la "Edad de Oro" de los esmaltes japoneses. ^{[ 40 ]} Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menor necesidad de cloisons (tiras metálicas que los encierran). ^{[ 39 ]} Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares a, o copiados de, pinturas tradicionales. ^{[ 41 ]} Los esmaltes con un diseño único de Japón, en el que se utilizaban flores, pájaros e insectos como temas, se hicieron populares. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki y Namikawa Sōsuke se exhibieron en exposiciones universales y ganaron numerosos premios. ^{[ 42 ] [ 43 ] [ 44 ] [ 45 ]} Junto con los dos Namikawa, la compañía Ando Cloisonné ha producido muchos esmaltes cloisonné de alta calidad. Los esmaltes japoneses eran considerados inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y coloración. ^{[ 46 ]}

Artículos lacados

La era Meiji vio un renovado interés en la laca , ya que los artistas desarrollaron nuevos diseños y experimentaron con nuevas texturas y acabados. ^{[ 47 ]} El maki-e (decoración de la laca con polvo de oro o plata) fue la técnica más común para la laca de calidad en este período. ^{[ 48 ]} Shibata Zeshin fue un lacador que ganó gran reputación por sus obras desde el período Bakumatsu hasta el período Meiji. La laca llamada Shibayama y Somada , creada en el período Edo, se hizo popular por su estilo vistoso, incrustado con oro, plata, conchas, marfil y metales y vidrios coloridos, y alcanzó su apogeo durante este período. ^{[ 49 ]} La laca de los talleres japoneses era reconocida como técnicamente superior a la que se podía producir en cualquier otro lugar del mundo. ^{[ 50 ]}

Metalistería

Al comienzo de la era Meiji, la metalistería japonesa era prácticamente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana, que se exportaban anteriormente. ^{[ 51 ]} La metalistería estaba vinculada a la práctica budista, por ejemplo, en el uso del bronce para campanas de templos e incensarios, por lo que hubo menos oportunidades para los metalúrgicos una vez que el budismo fue desplazado como religión de Estado. ^{[ 51 ]} Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a un nuevo público extranjero, atrayendo grandes elogios. ^{[ 51 ]} La historia del armamento samurái capacitó a los metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Al combinar y acabar cobre, plata y oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas, como shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podía dar la impresión de una decoración a todo color. ^{[ 52 ]}

Tallado en marfil

Durante el período Meiji, la vestimenta japonesa comenzó a occidentalizarse y el número de personas que usaban kimono disminuyó, por lo que los artesanos que elaboraban netsuke y kiseru con marfil y madera perdieron demanda. Por lo tanto, intentaron crear un nuevo campo: las esculturas de marfil para la decoración de interiores. Muchas obras elaboradas se exportaron a países extranjeros o fueron adquiridas por la Familia Imperial . En particular, las obras de Ishikawa Komei y Asahi Gyokuzan fueron muy elogiadas en Japón. ^{[ 53 ]}

Porcelana y loza

Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. ^{[ 54 ]} La cerámica de Satsuma era el nombre que originalmente se le daba a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estas piezas fueron muy elogiadas en Occidente. Considerado en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y a las influencias occidentales, y había sido creado pensando en la exportación. ^{[ 55 ]} Los talleres de muchas ciudades compitieron por producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. Así, el término "cerámica de Satsuma" pasó a asociarse no con un lugar de origen, sino con piezas de menor calidad creadas exclusivamente para la exportación. ^{[ 56 ]} A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos al tiempo que exportaban con éxito. ^{[ 57 ]} De 1876 a 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluyendo la Exposición Universal y la Exposición Industrial Nacional. ^{[ 58 ]}

Textiles

La edición de 1902 de la Encyclopædia Britannica escribió: «En ninguna rama de las artes aplicadas el genio decorativo de Japón muestra resultados más atractivos que en el de los tejidos, y en ninguna se ha observado un progreso más notable en los últimos años». ^{[ 59 ]} En Kioto se producían obras pictóricas de gran tamaño y colorido. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando diversas técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea . ^{[ 59 ]}

Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayeron bajo la influencia del Partido Comunista Japonés , o incluso se unieron a él , que acababa de ser legalizado por la ocupación militar liderada por Estados Unidos tras muchos años de represión por parte de la policía japonesa antes y durante la guerra. ^{[ 60 ]} Esto tuvo que ver con el éxito que tuvo el Partido Comunista al difundir la idea, en los primeros años de la posguerra, de que el partido había sido el único grupo en Japón que se había resistido al militarismo bélico. ^{[ 61 ]} Además, la palabra japonesa para "vanguardia" (前衛, zen'ei ), como en "vanguardia de la revolución comunista", resulta ser la misma palabra que se usa para "vanguardia" como en la vanguardia artística. ^{[ 62 ]} El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades y exposiciones de arte en Japón, y así la forma predominante de arte en el período inmediatamente posterior a la guerra fue el realismo socialista que representaba el sufrimiento de los pobres y la nobleza de la clase trabajadora, en consonancia con la doctrina del Partido Comunista de que todo arte debía servir al propósito de promover la causa de la revolución. ^{[ 61 ]} En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte de Vanguardia (前衛美術会, Zen'ei Bijutsukai ) que se adentraran en las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de los "escuadrones guerrilleros de montaña" que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón. ^{[ 63 ]}

El arte japonés moderno suele estar fuertemente influenciado por la singular relación del país con la tecnología , fusionando frecuentemente formas y conceptos tradicionales con nuevas estéticas y las inquietudes propias del presente tecnológico. Asimismo, se ve profundamente afectado por la variada historia económica del país tras la Segunda Guerra Mundial. El arte japonés moderno aborda temas como el aislamiento y la despersonalización , así como el creciente poder e influencia de las tecnologías digitales y el grado en que la cultura japonesa se ve afectada por un mundo cada vez más globalizado e interconectado, y a su vez, ejerce influencia sobre él .

Dado que Japón fue una de las primeras naciones en conectarse a Internet a gran escala y uno de los primeros países en adoptar el uso generalizado de teléfonos móviles, el arte japonés fue una de las primeras formas de arte en evaluar críticamente los drásticos efectos sociales que la conectividad ubicua ha tenido en la sociedad. A su vez, la gran cantidad de arte japonés distribuido en Internet significó que el arte y la estética japoneses, incluyendo el arte de la cultura de masas como el manga y el anime , influyeron enormemente en la cultura de Internet durante las décadas de 1990 y 2000. Esta influencia no solo se sigue sintiendo hoy en día, sino que también animó a los artistas japoneses a continuar explorando críticamente la naturaleza de la vida en línea.

El arte japonés también se ha visto influenciado por el creciente papel del arte de masas del país en la cultura pop global. El manga, el anime, los videojuegos, las películas de gran consumo y los productos culturales asociados han seguido ganando terreno e influencia en el mundo del arte japonés desde la década de 1970, y los temas expresados ​​en estas obras a menudo han reflejado las inquietudes actuales del país. El lenguaje estético y las convenciones de estos medios han llegado a representar cada vez más la totalidad del arte y la cultura japoneses también en el extranjero; la estética kawaii , por ejemplo, se derivó originalmente de conceptos tradicionales del arte japonés que se remontan al siglo XV, ^{[ 75 ]} pero se exploró en las populares series de manga y anime del Japón de la posguerra, y hoy en día se considera fundamental para la cultura japonesa contemporánea. ^{[ 76 ]}

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  Un estilo de dibujo común en el manga. En las últimas décadas, el manga no solo se ha popularizado a nivel mundial, sino que ahora también define una estética japonesa clave. Con el tiempo, los estilos artísticos que se encuentran comúnmente en el manga han cambiado en respuesta a las evoluciones artísticas.
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  La moda kawaii se encuentra en Tokio. Popular entre las subculturas juveniles a principios de la década de 2000, la moda kawaii se diferenció rápidamente en varias subculturas estéticas, incluida la moda lolita .
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  Exposición "Osaka Kawaii" en la Japan Expo 2014. Japón ha intentado utilizar la popularidad del arte japonés para reforzar el poder blando de la nación a través de iniciativas como Cool Japan .
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  Un teléfono plegable japonés típico de la década de 2000 con colgantes decorativos. Estos teléfonos y colgantes eran un símbolo de la cultura juvenil a principios de la era Heisei y siguieron siendo populares en Japón mucho después de que la llegada de los teléfonos inteligentes dejara obsoletos los teléfonos plegables en otros lugares.
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  Kizuna Ai , la primera VTuber a gran escala , es un personaje virtual inspirado en el anime, interpretado en tiempo real por un actor mediante software de seguimiento de movimiento. Las VTubers se popularizaron en Japón a mediados de la década de 2010, antes de alcanzar rápidamente popularidad en todo el mundo.

La estética tradicional japonesa engloba formas de belleza en la cultura japonesa que se remontan a los primeros siglos, al menos a más de doscientos años atrás. Algunas de estas estéticas primigenias conforman la estética japonesa en su conjunto: el arte budista sincrético, el wabi-sabi, el miyabi, el shibui y el jo-ha-kyu.

Wabi-Sabi

Esta estética en la cultura japonesa se caracteriza por muchas cosas, como la belleza en todas las cosas, incluso en las imperfectas. La modestia y lo poco convencional se consideran parte de la estética wabi-sabi. Wabi y sabi, en conjunto, conforman la estética de la belleza en la imperfección. Por separado, ambos términos se interpretan de forma diferente. Wabi representa la frescura y la sencillez, denotando toda complejidad y con un aire rústico. Se basa en la naturaleza y en la creación humana en armonía. Si se crea accidentalmente, aporta una singularidad especial a la obra. Sabi, por su parte, representa la belleza y su origen en el paso del tiempo. El ciclo de la vida juega un papel fundamental en sabi, añadiendo a la estética esa sensación de belleza en las obras que, con el tiempo, se van deteriorando. Al unir wabi y sabi, se crea la estética de que cada pieza sencilla no requiere un diseño complejo. Tampoco requiere una perfección absoluta para encontrar belleza en ella, y con la edad surge una belleza más delicada.

El wabi-sabi siempre ha estado vinculado a las ceremonias del té en la cultura japonesa. Se dice que estas ceremonias son eventos profundamente wabi-sabi. El wabi-sabi también se relaciona con actividades como la arquitectura, la moda y la filosofía. Todas estas facetas del wabi-sabi comparten la creencia en el mismo tema: que toda imperfección, como el trabajo incompleto, posee una belleza innegable. Sin embargo, no todos, por supuesto, comparten la idea que hay detrás del wabi-sabi. Si bien esto es cierto, hay muchos que desean mantener viva esta creencia a pesar de las opiniones ajenas. En general, el wabi-sabi parece ser un enfoque muy consciente de la vida cotidiana. Una forma serena de ver las cosas y una manera de vivir sin juzgar. Al comprender el wabi-sabi, existen términos que también están estrechamente relacionados con la estética.

Fukinsei: asimetría, irregularidad.

Kanso: simplicidad.

Koko: básico, desgastado.

Shizen: sin pretensiones, natural.

Yugen: gracia sutilmente profunda, no obvia.

Datsuzoku: sin ataduras a las convenciones, libre.

Seijaku: tranquilidad, silencio.

Cada uno de estos términos se utiliza para desglosar la comprensión completa del wabi-sabi. Se relaciona principalmente con el aspecto filosófico de la estética en su conjunto y con la forma de percibir el entorno. Estos términos pueden aludir a diversas cosas, como las ideas humanas, los temas subyacentes a ciertos aspectos de la vida o la naturaleza misma. Todos ellos remiten a la idea de que el wabi-sabi es una estética que se centra en apreciar las pequeñas cosas, incluso aquellas imperfectas o incompletas.

En Japón existen varias universidades especializadas en artes, lideradas por las universidades nacionales. La más importante es la Universidad de Artes de Tokio , una de las más difíciles de ingresar. Otro centro fundamental es la Universidad de Arte de Tama , que formó a muchos de los jóvenes artistas innovadores de finales del siglo XX. La formación artística tradicional, derivada de los métodos tradicionales chinos, se mantiene; los expertos imparten clases desde sus hogares o dirigen escuelas, trabajando bajo una relación maestro-discípulo. Un alumno no experimenta con un estilo personal hasta alcanzar el nivel más alto de formación, graduarse de una escuela de arte o convertirse en director de una. Muchos jóvenes artistas han criticado este sistema por sofocar la creatividad y la individualidad. Una nueva generación de la vanguardia ha roto con esta tradición, a menudo recibiendo su formación en Occidente. Sin embargo, en las artes tradicionales, el sistema maestro-discípulo conserva los secretos y las habilidades del pasado. Algunos linajes de maestros y discípulos se remontan al período Kamakura, del cual continúan utilizando el estilo o la temática de un gran maestro. Los artistas japoneses consideran el virtuosismo técnico como la condición indispensable de su profesión, un hecho reconocido por el resto del mundo como uno de los sellos distintivos del arte japonés.

El gobierno nacional ha apoyado activamente las artes a través de la Agencia de Asuntos Culturales , creada en 1968 como organismo especial del Ministerio de Educación . El presupuesto de la agencia para el año fiscal 1989 ascendió a 37.800 millones de yenes tras cinco años de recortes presupuestarios, pero aún representaba mucho menos del 1% del presupuesto general. La División de Asuntos Culturales de la agencia difundía información sobre las artes tanto en Japón como a nivel internacional, y la División de Protección de Bienes Culturales (文化財保護部, ahora 文化財部) protegía el patrimonio cultural nacional. La División de Asuntos Culturales se ocupa de áreas como la promoción del arte y la cultura, los derechos de autor artísticos y la mejora del idioma nacional . También apoya festivales artísticos y culturales tanto nacionales como locales, y financia eventos culturales itinerantes de música, teatro, danza, exposiciones de arte y cine. Se ofrecen premios especiales para incentivar a jóvenes artistas y profesionales consagrados, y se otorgan becas anualmente para que puedan formarse en el extranjero. La agencia financia los museos nacionales de arte moderno de Kioto y Tokio, así como el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio, que exhiben tanto arte japonés como internacional. La agencia también apoya la Academia de Arte de Japón , que honra a personalidades eminentes de las artes y las letras, nombrándolas miembros y ofreciendo 3,5 millones de yenes en premios. Los premios se entregan en presencia del Emperador , quien otorga personalmente la máxima distinción, la Orden de la Cultura . La Universidad de las Artes de Tokio también ha participado activamente en diversos eventos artísticos en años anteriores. Sus otros campus también ofrecen cursos variados.

El mecenazgo y la promoción de las artes por parte del gobierno se amplían para incluir una nueva iniciativa de cooperación con el sector empresarial japonés, con el fin de proporcionar financiación que supere el ajustado presupuesto de la Agencia de Asuntos Culturales. Numerosas instituciones públicas y privadas participan, especialmente en el floreciente ámbito de la concesión de premios artísticos. Un número creciente de grandes corporaciones se suman a los principales periódicos para patrocinar exposiciones y espectáculos, así como para otorgar premios anuales. Entre los muchos premios literarios que se conceden, destacan el prestigioso Premio Naoki y el Premio Akutagawa , este último equivalente al Premio Pulitzer en Estados Unidos.

En 1989, un esfuerzo por promover el intercambio intercultural llevó a la creación del Premio Imperiale , un " Premio Nobel " japonés para las artes , por parte de la Asociación de Arte de Japón . Este premio, dotado con 100.000 dólares estadounidenses, fue financiado en gran parte por el conglomerado de medios de comunicación Fujisankei Communications Group y se otorgó mediante un proceso de selección a nivel mundial.

En la década de 1980 surgieron varias fundaciones que promovían las artes, entre ellas la Fundación de Bienes Culturales, creada para preservar sitios históricos en el extranjero, especialmente a lo largo de la Ruta de la Seda en Asia Central y en Dunhuang , China . En 1988 se estableció otro acuerdo internacional con la Institución Smithsoniana de Estados Unidos para el intercambio cooperativo de estudios de alta tecnología sobre artefactos asiáticos. El gobierno desempeña un papel fundamental al financiar la Fundación Japón , que otorga subvenciones institucionales e individuales, facilita intercambios académicos, concede premios anuales, apoya publicaciones y exposiciones, y envía grupos de artes tradicionales japonesas a actuar en el extranjero. El Festival de las Artes, que se celebra durante dos meses cada otoño y abarca todas las artes escénicas, está patrocinado por la Agencia de Asuntos Culturales. Las principales ciudades también brindan un apoyo sustancial a las artes; en la década de 1980, un número creciente de ciudades construyó grandes centros para las artes escénicas y, estimuladas por la financiación gubernamental, ofrecían premios como el Premio Lafcadio Hearn, creado por la ciudad de Matsue . En la década de 1980, varios museos municipales nuevos ofrecían aproximadamente un tercio más de instalaciones que las disponibles anteriormente. A finales de la década de 1980, Tokio inauguró más de veinte nuevos centros culturales, entre los que destacan el gran Bunkamura, construido por el Grupo Tokyu , y la reconstrucción del Teatro Globe de Shakespeare . Todos estos esfuerzos reflejan un creciente entusiasmo popular por las artes. Los compradores de arte japoneses arrasaron en los mercados de arte occidentales a finales de la década de 1980, pagando precios récord por pinturas impresionistas y 51,7 millones de dólares estadounidenses solo por un Picasso del período azul .