James Waring

James Waring (1 de noviembre de 1922 - 2 de diciembre de 1975) fue un bailarín , coreógrafo , diseñador de vestuario , director de teatro , dramaturgo , poeta y artista visual , radicado en la ciudad de Nueva York desde 1949 hasta su muerte en 1975. Fue un prolífico coreógrafo y profesor. ^{[2] Se le ha llamado "una de las figuras más influyentes de la} vanguardia neoyorquina de finales de los cincuenta y principios de los sesenta", ^[3] "uno de los grandes excéntricos de la danza", ^[1] "un punto focal para la experimentación de la danza antes de la existencia del Judson Dance Theater ", ^[4] y "el coreógrafo por excelencia de Greenwich Village a finales de los años cincuenta y sesenta". ^{[5] El estilo de collage de Waring para construir obras de danza influyó en el desarrollo de los} Happenings de vanguardia que se realizaron a fines de la década de 1950. ^[3]

Según Leslie Satin, aunque Waring ejerció una influencia fundamental en la danza moderna y posmoderna de la ciudad de Nueva York, su posición tanto en la corriente dominante como en la vanguardia fue algo provisional, principalmente debido a la fluidez de su estilo y a la variedad de sus intereses, que a veces iban en contra de la corriente de ambos mundos. ^[6] Su uso de material "de bajo nivel" procedente de las artes populares también perjudicó su reputación en ambos contextos. ^[7]

El entrenamiento de Waring comenzó en 1939 en San Francisco y Oakland a la edad de 17 años. Estuvo expuesto a numerosos tipos de baile, incluido el ballet en la Escuela de Ballet de San Francisco con Harold Christensen y su hermano, la técnica Graham con Gertrude Schurr y la danza interpretativa de Raoul Pausé. ^{[8] [9] [10]} Más tarde, después de servir en el Ejército en la Segunda Guerra Mundial , ^[10] estudió en la ciudad de Nueva York en la Escuela de Ballet Americano , y con Anna Halprin , Louis Horst , Antony Tudor y Anatole Vilzak, y también tomó algunas clases con Merce Cunningham . ^{[11] [9]} Waring se sentía muy atraído por el ballet y le intrigaba su compleja historia y sensibilidad, y el historiador de la danza David Vaughan sugiere que el amplio conocimiento de Waring de la historia de la danza jugó un papel importante en su trabajo; las danzas de Waring se volvieron más baléticas con el tiempo. ^[12]

En 1946, Waring presentó la primera de las más de 135 obras originales que crearía a lo largo de su carrera, ^[1] "Luther Burbank en Santa Rosa", en el Halprin-Lathrop Studio Theater. ^[8] Otras obras que mostró durante este período se basaron o estuvieron influenciadas por el drama japonés Noh , la obra de Edgar Allan Poe y el arte primitivo, así como los ballets de George Balanchine y la danza de Alexandra Danilova , tomando de estas fuentes lo que le interesaba y mezclándolos. ^[8] El estilo de sus bailes variaba según la época y sus intereses, y podía ser formal y abstracto o teatral y romántico, influenciado no solo por la coreografía del momento, sino también por la teatralidad del pasado: el vodevil y el music hall , la commedia dell'arte y el circo , y tanto las películas musicales como las mudas jugaron un papel en la obra de Waring. ^{[13] [notas 1]} Surge entonces la pregunta de si los collages coreográficos de Waring eran simplemente un pastiche de sus fuentes originales, o si de hecho había creado algo nuevo y diferente a partir de la materia prima que proporcionaban; ¿era su obra " camp ", poética o posmoderna? ^[14] Incluso las personas a las que les gustaba la obra de Waring –incluidos los bailarines a los que había enseñado e influenciado– no estaban de acuerdo entre sí sobre si sus piezas eran una "mezcolanza" o no. ^[15]

Waring formó parte de un grupo de coreógrafos y bailarines de Nueva York que, en 1951, crearon Dance Associates, una cooperativa que incluía a Aileen Passloff, Tanaquil Le Clercq del New York City Ballet , Marian Sarach, Paul Taylor , David Vaughn, el escritor de danza Edward Denby , el actor Alix Rubin y otros. Aunque Dance Associates obtuvo una cantidad significativa de trabajo, sus conciertos anuales en la Ópera Amato no tuvieron éxito de crítica y no atrajeron una audiencia significativa, a pesar de que eran gratuitos. ^[16] En 1954, Waring comenzó a presentar obras con su propia compañía en conciertos anuales, y continuó haciéndolo hasta 1969. También coreografió para otras compañías e intérpretes, incluido el Manhattan Festival Ballet, en cuya fundación fue fundamental, el Netherlands Dance Theater, el Pennsylvania Ballet , así como el New England Dinosaur de Toby Armour, las compañías de Raymond Johnson, Ze'eva Cohen y Violette Verdy , y la 5 x 2 Company de Bruce Becker y Jane Kosminsky. ^{[1] [10]} Disolvió su compañía en 1975, poco antes de su muerte, pero, en 1974, sus bailarines masculinos formaron Les Ballets Trockadero de Monte Carlo , un conjunto de danza travesti en el que los hombres actúan como bailarinas . ^[5]

Entre las obras de Waring destacan Phrases (1955), Dances before the Wall (1958), Dromenon (1961), Variations on a Landscape , Sinfonia semplice y Amoretti . ^{[1] [10] [17] [18]} El crítico Don McDonagh calificó At the Café Fleurette (1968) de Waring, que se representó al estilo de principios del siglo XX, como una "pequeña obra maestra", y señaló que a Waring le gustaban los títulos absurdos como Pumpernickle and Circumstance y Tomato Exposé . ^[10] Otros títulos incluyeron Burlesca (1953), Little Kootch Piece (1955) y The Cobra Ballet (1970). ^[19] La Imperceptible Elongation No. 1 de Waring , a la que se refirió como un " Happening ", tenía una duración de cinco segundos, ^{[10] [20]} pero su At the Hallelujah Gardens (1963) fue un espectáculo que incluía "un árbol de globos blancos, gansos vivos y patatas, y secuencias y eventos de baile intermitentes: una pieza que 'sobrepasó sus límites en todas las direcciones'". Estaba ambientada con cualquier música que fuera "grande, clásica y perversamente abrumadora". ^[21]

Numerosos bailarines que luego alcanzaron prominencia bailaron en la compañía de Waring, entre ellos Toby Armour, Joan Baker, Richard Colton, Arlene Rothlein y Ruth Sobotka . Más tarde, bailarines que fundarían el Judson Dance Theater y crearían danza posmoderna estudiaron con Waring o bailaron en su compañía, entre ellos Lucinda Childs , David Gordon , Sally Gross , Deborah Hay , Fred Herko , Gretchen MacLane, Michael Mao , Meredith Monk , Yvonne Rainer y Valda Setterfield . ^[6] Aparte de los bailarines que pasaron por sus piezas y clases en la ciudad de Nueva York, otros fueron influenciados por Waring durante los 10 años que pasó enseñando en Indian Hill, que era un campamento de arte de verano en Stockbridge, Massachusetts . ^[22]

En 1959 y 1960, Waring organizó actuaciones en el Living Theatre (en cuyo edificio impartía su clase de composición) en las que sus alumnos presentaban sus obras; estas actuaciones fueron precursoras de las actuaciones de la Judson Church , ^[23] aunque Waring, que era 10 años mayor que los bailarines de Judson, nunca fue "miembro". ^[24] Aun así, varias de sus piezas se presentaron en los conciertos de Judson. ^[25] Waring apoyó el movimiento de danza de la Judson Church, aunque criticó la iglesia como lugar de celebración (la veía más como un lugar de experimentación que como un espacio de actuación formal) y también criticó algunas de las obras presentadas allí que, según Yvonne Rainer, encontraba "áridas y aburridas". ^[25] La propia estética de Waring tendía más a ser romántica que formalmente objetiva, como lo era gran parte del trabajo de los bailarines de Judson. ^[26]

Los compositores experimentales con los que trabajó Waring incluyeron a John Herbert McDowell, quien coreografió una pieza en honor a Waring en uno de los conciertos del Judson Dance Theater, Philip Corner , Malcolm Goldstein , Hy Gubernick, Terry Jennings , Richard Maxfield y Marga Richter . ^{[3] [27]} También colaboró ​​con artistas visuales que crearon decorados o vestuario para sus piezas, aunque a menudo él mismo hizo el vestuario. De hecho, también diseñó y confeccionó muchos vestuarios para sus colegas, incluidos Twyla Tharp , Remy Charlip y Aileen Passloff. Waring trabajó en varias ocasiones con Julian Beck , George Brecht , Red Grooms , Al Hansen , Robert Indiana , Jasper Johns , Larry Poons , Robert Watts , Robert Whitman y John Wulp . ^{[3] [5] [28]} Algunos de estos artistas participaron en la creación de " Happenings ", que eran eventos multimedia interdisciplinarios de forma libre, cada uno único, y Waring alentó esta nueva forma; ayudó a Allen Kaprow a organizar uno de sus primeros. ^[28] Waring también organizó eventos como el beneficio de Pocket Follies en 1963 en el Pocket Theater, que contó con la participación de muchos bailarines asociados con Waring, así como de George Brecht, Jill Johnston y Robert Rauschenberg , ^[29] y dos meses de "Eventos y entretenimientos" semanales en el mismo lugar en 1964. ^[30]

Waring también fue escritor. Escribió poesía, obras de teatro, ensayos y críticas de danza, y fue uno de los fundadores en 1961 del New York Poets Theatre , también conocido como American Theater for Poets; sus obras también se presentaron allí y en el Judson Poets Theater. ^[31] Waring también dirigió obras de otros escritores en el Living Theatre y en el Judson. Como director de teatro, Al Carmines pensó que era

...[E]xquisito... [S]e encontró espacio para el pequeño gesto que tanto amaba. ^{[notas 2]} La poesía de [las] ​​palabras encontró su contraparte perfecta en la dirección y la clarificación de Jimmy. Los personajes posaban en un mar de palabras y eran serenos o compasivos, según lo exigiera el texto. ^[32]

Waring trabajó con Frank O'Hara , Maria Irene Fornes , Diane Di Prima , Robert Duncan , Paul Goodman , Alan Marlowe y Kenneth Koch , entre otros poetas y escritores. ^{[5] [31]} Durante este período, él y otros bailarines trabajaron en el boletín literario The Floating Bear , ^[33] editado por di Prima y LeRoi Jones , ^[34] y el "poema de la risa para Ray Johnson" de Waring (1960) fue publicado en An Anthology de LaMonte Young . ^[35]

Waring hace una breve aparición en la película Haircut No. 1 de Andy Warhol de 1963 , filmada en un enorme almacén con un solo foco, para el cual se expusieron 600 pies (180 m) de película, seis rollos de 100 pies (30 m), cada uno mostrando el corte de pelo desde un ángulo diferente. ^[36]

Waring murió de un tumor maligno en el Hospital Mount Sinai de Manhattan el 2 de diciembre de 1975, a la edad de 53 años. En ese momento era miembro del cuerpo docente de la Universidad de Maryland, Baltimore . Su funeral se celebró en la Judson Memorial Church . ^[10]

Waring no quería que sus bailarines actuaran o expresaran emociones, como se entendía convencionalmente. Aunque favorecía los "gestos floridos y dramáticos" en sus piezas, el valor emocional o dramático debía provenir de una interpretación clara y precisa de la coreografía, que incluía gestos, vocalizaciones y expresiones faciales. El intérprete no debía expandir estos aspectos de la danza a partir de sus propias interpretaciones y análisis internos. Por otro lado, según David Vaughan , Valda Setterfield y otros, Waring confiaba en que sus intérpretes transmitieran el movimiento lo más claramente posible y con convicción, haciendo así que el material fuera real para el público. ^[37]

En Terpsícore en zapatillas , Sally Banes describe el trabajo de Waring:

Las danzas de Waring a veces se parecían a las de Cunningham (con su uso descentralizado del espacio, formatos de collage, estructuras desconectadas pero porte de ballet), pero su método se basaba en la intuición más que en el azar. Waring abandonó la estructura narrativa y dramática a mediados de los años 50, creando atmósferas (a menudo nostálgicas) que hacían referencia amorosa y maliciosa a la danza de variedades y al ballet, y mezclando estilos musicales y de baile (incluyendo gestos ordinarios e idiosincrásicos). Waring era un humorista amable, que a veces parodiaba otros géneros de danza, a menudo cerca del camp . ^[23]

El coreógrafo David Gordon, quien bailó profesionalmente por primera vez en la compañía de Waring, describe el proceso de Waring:

Jimmy [Waring] fue una enseñanza para mí, como lo fue para la mayoría de las personas que entraron en contacto con él. ... [Él] me enseñó sobre arte y desarrolló mi gusto... El enfoque de Jimmy era... caprichoso. Su forma de trabajar te llevaba –o me llevaba a mí, en todo caso– a aceptar cualquier idea como válida simplemente porque yo la había pensado. La pensaba y la conservaba, y lo que venía después era lo que yo pensaba después. No creo que Jimmy quisiera absolverme de toda responsabilidad por mi trabajo, pero tuve la impresión de que todo lo que tenía que hacer para hacer arte era adivinar intuitivamente. Nunca deseché nada. Recuerdo claramente que Jimmy decía: "Si no te gusta ahora, puedes llegar a gustarte. Si no puedes llegar a gustarte, ¿quién dice que te tiene que gustar?". El objetivo era desmitificar el arte y liberar al artista de las limitaciones de su propio gusto. Hubo una gran sensación de liberación que surgió de la defensa de esta filosofía por parte de John Cage , y Jimmy, entre otros, estaba estableciendo alternativas al tipo de enseñanza que había dominado la composición de danza moderna hasta entonces. ^[38]

En su obra 1961-73 , Yvonne Rainer escribió sobre Waring:

Jimmy tenía un don asombroso que –como me desagradaba la mezcla de cursilería y balletismo en su trabajo– no aprecié hasta mucho después. Su compañía siempre estaba llena de inadaptados: eran demasiado bajos o demasiado gordos o demasiado descoordinados o demasiado educados o demasiado inexpertos según cualquier otro estándar. Tenía ese don de elegir gente que “no podía hacer demasiado” en términos convencionales pero que –bajo sus sutiles manipulaciones como director– revelaban personalidades espectaculares en escena. Podía sacarle la bolsa de seda de la oreja a la cerda. En el peor de los casos, bailar con Jimmy podía parecer como una cerda imitando a un cisne, pero yo saqué mucho provecho de ello. Él usaba lo que yo tenía y exigía más de lo que yo creía que tenía, y sus instintos generalmente estaban en lo cierto. En algunos sentidos, él comprendía mi potencial con más precisión de lo que yo podía en ese momento. Aunque a menudo he discrepado con él en cuestiones de gusto y estilo, no puedo negar que es algo así como un genio. ^[39]

Leslie Satin escribe:

Al crear danza, enseñar técnica y composición, escribir y conversar, James Waring se planteó muchas preguntas. Algunas de ellas las compartían los bailarines del Judson Dance Theater en sus exploraciones coreográficas; otras eran parte integral de su singular sensibilidad. Algunas preguntas las había formulado durante muchos años antes de la llegada del Judson; otras se las formuló en los años siguientes, mientras continuaba haciendo danzas y observando el arte de sus colegas. Su resolución siempre exigía un intercambio de ideas y una creencia en la reciprocidad entre el que hace arte y el que activamente devuelve el favor. En sus palabras: "¿Hacemos que la danza sea espectacular nosotros mismos, en la forma en que la observamos? ¿Nuestro placer depende de nuestra generosidad? ¿El placer es un encuentro de generosidades? ¿Quién cuenta los momentos?". ^[40]

Notas informativas

Citas

Bibliografía

• Chin, Daryl (2010) "Identidades equivocadas: Parte II" en MAP: Medios, Archivo, Performance
• McDonagh, Don (1971) El ascenso y la caída de la danza moderna . Nueva York: New American Library. pp. 215–230. ISBN 0451611179 
• Satin, Leslie (2003) "James Waring y el Judson Dance Theater: Influencias, intersecciones y divergencias" en Banes, Sally (ed.) Reinventing Dance in the 1960s: Everything Was Possible (Reinventar la danza en los años 60: todo era posible), University of Wisconsin Press, págs. 51–80, ISBN 0-299-18014-X