Peter Halley

Peter Halley (nacido en 1953 ^[3] ) es un artista estadounidense y una figura central del movimiento neoconceptualista de la década de 1980. Conocido por sus pinturas geométricas Day-Glo, Halley también es escritor, ex editor de la revista Index y profesor; se desempeñó como director de estudios de posgrado en pintura y grabado en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale de 2002 a 2011. Halley vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Halley saltó a la fama como artista a mediados de la década de 1980, como parte de la generación de artistas neoconceptualistas que expusieron por primera vez en el East Village de Nueva York, entre ellos Jeff Koons , Haim Steinbach , Sarah Charlesworth , Annette Lemieux , Steven Parrino , Phillip Taaffe y Gretchen Bender .

Las pinturas de Halley exploran tanto las estructuras físicas como psicológicas del espacio social; conecta el lenguaje hermético de la abstracción geométrica (tal como la practican artistas como Barnett Newman y Ellsworth Kelly ) con las realidades del espacio urbano y el paisaje digital. En la década de 1990, amplió su práctica para incluir instalaciones públicas basadas en la tecnología de impresiones digitales a gran escala.

Halley también es conocido por sus escritos críticos, que, a partir de la década de 1980, vincularon las ideas de los teóricos postestructuralistas franceses, incluidos Michel Foucault y Jean Baudrillard , con la revolución digital y las artes visuales. De 1996 a 2005, Halley publicó la revista Index , que presentaba entrevistas en profundidad con figuras emergentes y establecidas de la moda, la música, el cine y otros campos creativos. Habiendo enseñado también arte en varios programas de posgrado, Halley se convirtió en el director de estudios de posgrado en pintura y grabado en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale , cargo que ocupó de 2002 a 2011.

Halley nació y creció en la ciudad de Nueva York. Es hijo de Janice Halley, una enfermera titulada de ascendencia polaca, y Rudolph Halley , un abogado y político de ascendencia judía alemana-austriaca. En 1951, Rudolph "se convirtió en una celebridad instantánea", como ha dicho Halley, mientras se desempeñaba como fiscal jefe del Comité Especial del Senado de los Estados Unidos para Investigar el Crimen en el Comercio Interestatal , también conocido como el Comité Kefauver (en honor al senador Estes Kefauver). "Esta serie de audiencias con varios mafiosos pintorescos se transmitió por televisión en todo el país", señala Halley. ^[4] Rudolph también fue abogado asistente del Comité Truman en tiempos de guerra , que investigaba el fraude y el despilfarro en los contratos de defensa. Se desempeñó como presidente del Consejo de la Ciudad de Nueva York de 1951 a 1953, y se postuló sin éxito para alcalde de la ciudad de Nueva York en 1953. Murió poco después a la edad de cuarenta y tres años, cuando Halley tenía tres años. ^{[5] [6]}

Otros miembros notables de la familia incluyen al primo hermano de Rudolph, Carl Solomon (1928-1993), a quien Allen Ginsberg dedicó su poema épico " Howl (for Carl Solomon)" en 1955. Halley también está relacionado con Samuel Shipman (1884-1937), un conocido y colorido escritor de comedias de Broadway en la década de 1920. La tía abuela y el tío abuelo de Halley, Rose y AA Wyn , publicaron Ace Comics de 1940 a 1956 y Ace Books de 1952 a 1973. Ace Books fue una editorial estadounidense de ciencia ficción que publicó la primera novela de William Burroughs , Junkie , en 1953, así como las primeras novelas de varios escritores de ciencia ficción destacados, incluidos Philip K. Dick , Samuel R. Delany y Ursula K. Le Guin . ^[4]

Peter fue un niño precoz que comenzó el primer grado en la escuela primaria Hunter College de Manhattan a la edad de 5 años. Más tarde asistió a la Phillips Academy en Andover, Massachusetts, una escuela preparatoria conocida por su museo de arte y, en ese momento, por su innovador programa de arte. Mientras estaba en Andover, Halley se interesó en varias formas de medios y se convirtió en el director de programación de la estación de radio de bajo voltaje de la escuela. También fue durante esta época cuando comenzó a pintar, realizando sus primeras obras en el estudio de arte de su tío abuelo Aaron. ^[6]

Halley fue aceptado en la universidad con becas completas de Brown, Harvard y Yale, pero eligió estudiar en Yale debido a su reconocido programa de arte. ^[5] Pero, después de su segundo año, a Halley se le negó la entrada a la carrera de arte y decidió mudarse a Nueva Orleans, donde vivió durante un año. Regresó a Yale el año siguiente para estudiar historia del arte y escribió su tesis de último año sobre Henri Matisse antes de graduarse en 1975. Después de graduarse, Halley regresó a Nueva Orleans y, en 1976, se inscribió en el programa de MFA de la Universidad de Nueva Orleans. Recibió su MFA en 1978 y vivió en Nueva Orleans hasta 1980 (también viajó a México, América Central, Europa y el norte de África durante este tiempo). ^{[7] [8]}

En 1980, Halley regresó a la ciudad de Nueva York y se mudó a un loft en East 7th Street en East Village, Manhattan; allí, el líder de Talking Heads, David Byrne, era su vecino del piso de arriba. La ciudad de Nueva York tuvo una influencia duradera en el estilo pictórico distintivo de Halley. Se enamoró de la intensidad, la escala y la cuadrícula urbana tridimensional de la ciudad: la "geometricización del espacio que invadió el siglo XX". Igualmente interesado en la pintura abstracta, Halley "se propuso conectar el lenguaje de la abstracción geométrica con el espacio real que veía a su alrededor, transformando el cuadrado (tomado prestado de Malevich , Albers y otros) en íconos arquitectónicos que llamó 'prisiones' y 'celdas', y conectándolos mediante líneas rectas llamadas 'conductos'". ^[9]

Estos iconos geométricos particulares, que desarrolló a principios de los años 1980 en medio de un boom tecnológico global, se convirtieron en la base de la pintura de Halley durante las décadas siguientes. Halley extrajo su lenguaje no sólo de la cuadrícula urbana, sino de las redes cuadriculadas que permean todas las facetas del "mundo postindustrial controlado por los medios" contemporáneo. Con este trasfondo, las "células" podrían verse como "imágenes de confinamiento y como unidades celulares en el sentido científico", según Calvin Tomkins . ^[10] Los "conductos" -las líneas que conectan varias "células" y otros patrones geométricos en una obra determinada- representan los soportes de los "componentes informativos y estructurales subyacentes de la sociedad contemporánea", escribe Amy Brandt. ^[11] "Halley deseaba incitar la conciencia pública sobre las estructuras restrictivas subyacentes de la sociedad industrializada y el capitalismo mercantil". ^[11]

Además de las estructuras urbanas, como los edificios modernistas y el metro, Halley se inspiró en los temas pop y las cuestiones sociales asociadas con la música new wave . ^{[6] [12]} Tomó la cuadrícula modernista de la pintura abstracta anterior (es decir, según Brandt, la obra de Frank Stella ) y amplificó sus colores e impacto de acuerdo con los tiempos posmodernos. Durante este período temprano, Halley empleó nuevos colores y materiales con connotaciones específicas. Comenzó a utilizar pintura fluorescente Day-Glo, que tiene un brillo extraño que recuerda las luces artificiales de la sociedad posmoderna y los brillantes carteles emitidos por el gobierno que marcan las calles y la ropa de los trabajadores. Halley también utiliza colores Day-Glo en respuesta a los desarrollos en la pintura modernista (una "hiperrealización" de motivos históricos del arte, en términos de Halley (siguiendo a Jean Baudrillard)) y como un medio para delinear el espacio en sus lienzos. ^[13]

Halley también comenzó a utilizar Roll-a-Tex, un aditivo textural que otorga a sus "celdas" y "prisiones" una calidad arquitectónica y táctil, ya que Roll-a-Tex se utiliza con mayor frecuencia como revestimiento en edificios como casas suburbanas y moteles. ^[14] El color y la textura posmodernos, similares a los de los productos básicos, por no mencionar el grosor, de los lienzos de Halley los introdujeron en la conversación histórico-artística en torno a la pintura y la objetualidad. La mezcla de colores y texturas ásperas a la vez "seduce y repele a los espectadores con ataques a sus sentidos de la vista y el tacto". ^{[15] [16]}

En la década de 1980, la práctica y la carrera de Halley se desarrollaron en medio del discurso artístico e intelectual que surgió en las galerías dirigidas por artistas del East Village como International with Monument, Cash/Newhouse y Nature Morte. Estos espacios eran una comunidad para artistas como Halley, Jeff Koons, Haim Steinbach, Sherrie Levine, Ashley Bickerton y Richard Prince , quienes "compartían un enfoque en el papel de la tecnología en la sociedad posmoderna y rechazaban la naturaleza como piedra de toque del significado". (Bob Nickas, Dan Cameron y el equipo curatorial Tricia Collins y Richard Milazzo fueron curadores y críticos asociados con esta escena). ^{[8] [17]} Estos artistas utilizaron la ironía y el pastiche para subvertir y comentar cuestiones estructurales de la época; se inspiraron en el arte conceptual para crear "pinturas y esculturas que funcionaban como un conjunto de signos pictóricos que hacían referencia a artistas y momentos en la historia del arte de posguerra", expandiendo sus límites como artistas para abarcar también el discurso teórico en torno a los propios objetos de arte. ^[18]

Halley realizó proyectos en solitario en la galería PS122 en 1980 y en el bar Beulah Land del East Village en 1984. En 1983 organizó una muestra en la galería John Weber, Science Fiction , en la que participaron, entre otros, Jeff Koons, así como Ross Bleckner, Richard Prince, Taro Suzuki, Robert Smithson y Donald Judd , este último una influencia para Halley. Alison Pearlman describió la relevancia e influencia de la muestra, escribiendo:

La presentación de la galería dramatizó una sensibilidad futurista pop. Para empezar, el espacio se pintó completamente de negro. Debido a que muchas de las obras incorporaban formas geométricas, plexiglás y luces, algunas de ellas intermitentes o giratorias, el efecto total era cristalino, como una idea de Star Trek de Peter Halley, Jeff Koons y el Art at Marketing... Esta sensibilidad de alta tecnología ha sido común en la ciencia ficción popular, así como en la moda, la música y otros productos de consumo diseñados para parecer geométricos, aerodinámicos, sintéticos o ultraurbanos. La estética coincide con las modas reales de principios de los años 1980. ^[19]

La primera exposición individual más grande de Halley se realizó en 1985 en International with Monument, una galería en el corazón de la escena del East Village dirigida por Meyer Vaisman, Kent Klamen y Elizabeth Koury, quienes se habían conocido en la Parsons School of Design . ^[20] En esa época, Halley presentó a Jeff Koons a Vaisman, y Koons posteriormente expuso también en International with Monument.

En octubre de 1986, Vaisman organizó una exposición colectiva en la galería Sonnabend de Nueva York, más consolidada , en la que se presentaron obras de Halley, Ashley Bickerton , Jeff Koons y el propio Vaisman. La muestra, que encarnaba el estilo intelectual que había establecido International con Monument, marcó un alejamiento del estilo pictórico del neoexpresionismo , el estilo dominante en la escena artística de Nueva York de principios de los años 1980. ^{[14] [21]} La exposición en Sonnabend recibió atención popular y crítica, y los cuatro artistas pasaron a identificarse a mayor escala con las etiquetas de "neo-geo" y " neo-conceptualismo ". ^[22] En la revista neoyorquina Kay Larson llamó a los artistas "Maestros del Hype", mientras que en la misma revista un mes antes, Paul Taylor los había apodado "Los cuatro más populares" y había llamado a Halley el "intelectual del grupo". ^{[21] [22]} Roberta Smith escribió en el New York Times que "las abstracciones geométricas de Halley sugieren diagramas de celdas de batería con conductos o celdas de prisión con ventanas enrejadas (es decir, sistemas eléctricos o sociales), mientras que sus poderosos colores fluorescentes provienen de algún lugar más allá del arte". ^[23]

Cuando comenzó su carrera artística, Halley se interesó en los escritores postestructuralistas franceses, incluidos Michel Foucault , Roland Barthes , Paul Virilio y Jean Baudrillard , muchas de cuyas obras fueron traducidas al inglés a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980 y se discutían entre los intelectuales de Nueva York. ^{[24] [25]} Las ideas de los escritores franceses informaron el uso de colores y materiales sintéticos de Halley en su pintura, y también la escritura que comenzó a producir en la misma época. ^[26] "El modernismo con el que crecí era espiritual", dijo Halley, "se trataba de una especie de pureza y trascendentalismo emersoniano ... Sintiéndome cada vez menos cómodo con eso, decidí que para mí el modernismo era realmente sobre escepticismo, duda y cuestionamiento. Las cosas que decimos ahora son parte de una sensibilidad posmoderna ". ^[27]

Halley expuso tales ideas sobre el modernismo, el posmodernismo, la cultura y la revolución digital —derivadas en parte de Foucault, Baudrillard y otros, y con una inclinación neomarxista— en sus numerosos escritos. ^[28] Publicó su primer ensayo "Beat, Minimalism, New Wave, and Robert Smithson" en 1981 en Arts Magazine , una publicación con sede en Nueva York que publicó siete de sus ensayos a lo largo de esa década. ^[29] En sus ensayos, publicados desde la década de 1980 hasta principios de la década de 2000, Halley hace referencia a la relación cambiante entre el individuo y las estructuras sociales más amplias, y cómo los artistas de su generación respondieron a las condiciones sociales, económicas y culturales emergentes de las décadas de 1980 y 1990. Halley destacó los diversos roles de la música new wave, la política cultural de la Guerra Fría y la creciente digitalización de la experiencia provocada por las computadoras y los videojuegos. Además, proporcionó una visión crítica del arte contemporáneo durante este período a través del examen de una variedad de fuentes, incluidas las teorías sociales de José Ortega y Gasset , Norbert Elias y Richard Sennett . ^{[30] [31]}

• Peter Halley, "Ensayos seleccionados 1981-2001", Edgewise Press , Nueva York, 2013. ISBN  9781893207264 ^[32]
• Peter Halley, "Ensayos recopilados, 1981-87", Bruno Bischofberger, 1988. ISBN 0-932499-68-6 ^[33] 
• Peter Halley, "Ensayos recientes 1990-1996", Edgewise Press , Nueva York, 1997. ISBN 0-9646466-1-7 ^[34] 

Tras la exposición de 1986 en la galería Sonnabend, Halley realizó muchas más exposiciones en Europa y Estados Unidos, incluida su primera retrospectiva en un museo, Peter Halley: Recent Paintings, en el Museum Haus Esters en Krefeld, Alemania, en 1989. En 1991-1992, el CAPC Musee d'Art Contemporain, Burdeos, organizó una extensa retrospectiva de la obra de Halley que viajó al FAE Musee d'art Contemporain, Lausana, Suiza; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid; y el Stedelijk Museum, Ámsterdam. ^{[8] [35] [36]}

En la década de 1990, en respuesta a los cambios en las comunicaciones y los medios provocados por la revolución digital, Halley adaptó su lenguaje visual a los efectos de la revolución digital de la década de 1990. ^[37] Los "conductos" que marcaban su pintura comenzaron a multiplicarse y aumentar en complejidad, y comenzó a agregar pinturas nacaradas y metálicas a su paleta de colores Day-Glo de la década de 1980. "Mis pinturas anteriores eran racionales, diagramáticas y lógicas", dijo en una entrevista de 1995 con Flash Art , explicando la diferencia entre sus producciones de los años 80 y las posteriores. "Luego hice una ruptura alrededor de 1990, y desde entonces se han vuelto realmente exageradas, casi paródicas; y no son analíticas en absoluto. En cualquier caso, no veo una gran ruptura formal en los años 90, aunque sí hay una ruptura psicológica". ^[38] Alrededor de 1990, Halley comenzó a producir bajorrelieves, muchos de ellos huecos y construidos con fibra de vidrio. ^[39] Poco después, comenzó a experimentar con la impresión digital y el arte basado en la web. ^[40]

En 1993, Halley creó Superdream Mutation , una impresión digital disponible para ver y descargar en la plataforma web de estilo tablón de anuncios The Thing. La pieza, una imagen monocromática, se distribuyó como GIF y se considera la primera obra de arte disponible exclusivamente para ver y vender en línea (por veinte dólares). ^[41] Con respecto a esta obra, Halley destacó su proceso de pensamiento y la forma en que la obra digital se relacionaba con su pintura: "Configuré la matriz y la persona tiene ciertas opciones dentro de ella. También se basa en una edición impresa de Jasper Johns de mediados de los sesenta, en la que había un dibujo lineal de un objetivo y una pequeña caja de acuarelas. Era un kit. Otro factor para el proyecto web fue mi escepticismo sobre la noción de 'interactividad' en la computadora. La mayoría de las decisiones son elecciones entre dos caminos; las decisiones binarias son las únicas posibles con las computadoras. Entonces quería hacer algo en el que las elecciones fueran muy mecanicistas ". ^[42] Halley realizó otro proyecto en línea llamado Exploding Cell con el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con motivo de su exposición de 1997 New Concepts in Printmaking 1: Peter Halley , una muestra individual que destacó las prácticas de impresión e instalación de Halley. Exploding Cell se publicó en línea en ese momento y todavía está disponible para el público. ^[43] Glenn Lowry, director del museo, ha declarado que esta fue la primera adquisición digital del MoMA. ^[44]

A lo largo del siglo XXI, Halley ha seguido utilizando sus emblemáticas "celdas", "prisiones" y "conductos" en sus pinturas, ya que su tema principal sigue siendo la organización del espacio social. Pero, como explicó Halley en 2011, "la naturaleza del espacio social en el que vivimos ha cambiado enormemente en los últimos treinta años desde que comenzó mi proyecto. Cuando comencé mi trabajo en los años 80, los límites de la tecnología de las comunicaciones eran el teléfono, el fax y la televisión por cable. En muy poco tiempo, hemos pasado de la era de las comunicaciones limitadas y lineales a la época de la web, Google y Facebook". ^[45]

A mediados de los años 1990, Halley comenzó a producir instalaciones específicas para museos, galerías y espacios públicos que interactuaran con la arquitectura circundante. Halley comenzó a utilizar Adobe Illustrator como medio para desarrollar sus composiciones. También comenzó a explorar la técnica del grabado, utilizando una variedad de técnicas que incluyen serigrafía, impresión digital e impresión por inyección de tinta. En sus grabados, Halley a menudo incluye imágenes de cómics, así como un nuevo motivo de explosiones y células en explosión, a menudo realizadas mediante la impresión de imágenes desde la computadora. ^{[38] [46]}

Sus instalaciones combinan imágenes y medios como pintura, esculturas en relieve de fibra de vidrio, diagramas de flujo del tamaño de una pared y papel tapiz generado digitalmente. Halley creó su primera instalación específica para un sitio en el Museo de Arte de Dallas ; esta instalación incluía pinturas, serigrafías, papel tapiz y murales de diagramas de flujo y otras imágenes.

Otras instalaciones notables incluyen en el Museo Folkwang , Essen, en 1999, y Disjecta , Portland, en 2012, así como "Judgment Day", una instalación de impresiones digitales para la exposición, Personal Structures, en la 54a Bienal de Venecia en 2011. ^{[35] [47]} En 2016, exhibió The Schirn Ring , una gran instalación de varias partes en la Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Alemania. ^[48]

Halley ha creado varias obras permanentes en espacios públicos. En 2002, los arquitectos Abalos y Herreros le encargaron el proyecto de la biblioteca pública que acababan de terminar en un barrio obrero poblado por estudiantes universitarios del distrito de Usera, en Madrid. Los arquitectos querían cubrir las paredes interiores con imágenes de texto e invitaron a Halley a encargarse del proyecto. Halley diseñó murales de pared utilizando el texto del cuento de Jorge Luis Borges, La biblioteca de Babel. Mutó digitalmente el texto hasta conseguir un aspecto que describe como "tipografía árabe futurista". A Halley le fascinó cómo el texto de Jorge, aunque escrito con letras europeas, adquiría el aspecto de la caligrafía árabe, haciendo referencia al dominio morisco en España que terminó hace cuatrocientos cincuenta años. En 2005, le encargaron una pintura de 5,2 x 12 metros formada por una cuadrícula de ocho paneles individuales, para el Aeropuerto Internacional de Dallas/Fort Worth , en Texas. ^{[49] [50]} Tres años después, en 2008, completó una instalación permanente de impresiones digitales que se extendía por cinco pisos para la Escuela Gallatin de Estudios Individualizados de la Universidad de Nueva York . ^[51] En 2018, Halley realizó una exhibición de pinturas en la Lever House en Park Avenue en la ciudad de Nueva York. La exhibición incluyó pinturas con formas geométricas fluorescentes, en lienzos que no eran cuadrados, sino que tenían contornos rectilíneos. La exhibición también incluyó una instalación de las "células explosivas" de Halley. Halley creó una instalación para la exhibición en las ventanas que daban al exterior de la Lever House, en la que la luz que emanaba de las ventanas estaba teñida de un verde fluorescente. ^[52] La instalación incluyó una pieza de danza de Jessie Gold de Movement Research , en la que los bailarines en las ventanas que daban al exterior actuaron para una audiencia que estaba abajo. ^[53]

El interés de Halley por el diseño desde hace mucho tiempo ha dado lugar a instalaciones colaborativas con diseñadores internacionales, creando un diálogo atractivo entre las bellas artes y el diseño. En 2007 colaboró ​​con la diseñadora francesa Matali Crasset en una instalación en la Galerie Thaddaeus Ropac, París, Francia; y con el arquitecto italiano Alessandro Mendini en la Galleria Massimo Minini, Brescia, Italia, y en la Mary Boone Gallery , Nueva York. ^[54]

En 1996, Halley y Bob Nickas, un curador y escritor, cofundaron index , una revista inspirada en Interview de Andy Warhol que presentaba entrevistas con personas de varios campos creativos. Halley dirigía index desde su estudio de Nueva York. La revista a menudo empleaba a fotógrafos en ascenso como Juergen Teller , Terry Richardson , Wolfgang Tillmans y Ryan McGinley , y publicaba entrevistas con artistas de diversos medios como Björk , Brian Eno , Marc Jacobs , Agnes b. , Diamanda Galas , Harmony Korine y Scarlett Johansson . Halley detuvo la producción de index en 2005. En 2014, Rizzoli publicó Index A to Z: Art, Design, Fashion, Film, and Music in the Indie Era , que documenta la trayectoria de la revista, así como los movimientos culturales de esa época. ^[55]

Halley ha impartido clases y conferencias en universidades de forma continua a lo largo de su carrera, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, entre ellas la Universidad Ludwig Maximilian de Múnich, la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París, la Akademie der Bildenden Kunst de Viena, la Universidad de Harvard y el Hunter College of Art. A finales de la década de 1990, Halley enseñó en los programas de posgrado en arte de la Universidad de Columbia, la UCLA y la Universidad de Yale. De 2002 a 2011, se desempeñó como director de estudios de posgrado de pintura y grabado en la Escuela de Arte de Yale . Tres de los antiguos alumnos de Halley, Njideka Akunyili Crosby, Titus Kaphar y Mary Reid Kelly, han recibido becas MacArthur.

De 2010 a 2011 fue nombrado catedrático dotado, Profesor Leffingwell de Pintura, en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale. ^[56]

Halley se ha casado dos veces, y ambas terminaron en divorcio. ^[57] Tiene dos hijos: Isabel Halley, ceramista, y Thomas Halley, maestro de preescolar. ^[58]

• Baumgärtel, Tilman (2001). net.art 2.0 - Nuevos materiales hacia el Net art . Núremberg: Verlag für Moderne Kunst Nürnberg. págs.  78 a 87. ISBN 3-933096-66-9.

Medios relacionados con Peter Halley en Wikimedia Commons

• Sitio web oficial
• Revista Index publicada por Peter Halley desde 1996 hasta 2005
• Página del artista Peter Halley en el sitio web de la galería de arte contemporáneo Sommer
• En la colección del MoMA
• Galería Greene Naftali, Nueva York
• Arte moderno de Stuart Shave, Londres