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Art Déco

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El Art Déco , abreviatura del francés Arts décoratifs ( literalmente , « Artes Decorativas » ), [ 1 ] es un estilo de artes visuales, arquitectura y diseño de productos que surgió en París en la década de 1910, justo antes de la Primera Guerra Mundial, [ 2 ] y floreció internacionalmente entre las décadas de 1920 y principios de 1930, a través del estilo y el diseño del exterior e interior de todo tipo de objetos, desde grandes estructuras hasta pequeños objetos, incluyendo ropa, moda y joyería. El Art Déco ha influido en edificios, desde rascacielos hasta cines, puentes, transatlánticos, trenes, automóviles, camiones, autobuses, muebles y objetos cotidianos, como radios y aspiradoras. [ 3 ]

El nombre Art Déco se empezó a usar después de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 , celebrada en París. [ 4 ] Tiene su origen en las audaces formas geométricas de la Secesión de Viena y el Cubismo . Desde sus inicios, el Art Déco estuvo influenciado por los colores brillantes del Fauvismo y los Ballets Rusos , y los estilos exóticos del arte de China , Japón , India , Persia , el antiguo Egipto y la civilización maya . En su época, el Art Déco fue etiquetado con otros nombres como estilo moderno , moderno , modernista o estilo contemporáneo , y no fue reconocido como un estilo distinto y homogéneo. [ 5 ]

Durante su apogeo, el Art Déco representó lujo, glamour, exuberancia y fe en el progreso social y tecnológico. El movimiento se caracterizó por el uso de materiales raros y costosos como el ébano y el marfil, y una artesanía exquisita. También introdujo nuevos materiales como el cromado , el acero inoxidable y el plástico. En Nueva York, el Empire State Building , el Chrysler Building y otros edificios de las décadas de 1920 y 1930 son monumentos a este estilo. La mayor concentración de arquitectura Art Déco del mundo se encuentra en Miami Beach, Florida . [ 6 ]

El Art Déco se volvió más sobrio durante la Gran Depresión . Una forma más elegante del estilo apareció en la década de 1930 llamada Streamline Moderne , que presentaba formas curvas y superficies lisas y pulidas. [ 7 ] El Art Déco fue un estilo internacional, pero, tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial , perdió su predominio frente a los estilos funcionales y sin adornos de la arquitectura moderna , en particular lo que ahora se conoce como el Estilo Internacional . [ 8 ] [ 5 ]

Terminología

El Art Deco tomó su nombre, abreviatura de Arts Décoratifs , de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925. [ 4 ] En Francia, la distinción de arts décoratifs se hizo por primera vez en el Bulletin de la Société française de photographie de 1858. [ 9 ] En 1868 , Le Figaro utilizó el término objets d'art décoratifs para los objetos para la escenografía creados para el Théâtre de l'Opéra . [ 10 ] [ 11 ] [ 12 ] En 1875, los diseñadores de muebles, textiles, joyeros, vidrieros y otros artesanos recibieron oficialmente el estatus de artistas por parte del gobierno francés. En 1920 se estableció la École nationale supérieure des arts décoratifs (ENSAD).

El término Art déco propiamente dicho no apareció impreso hasta 1966, en el título de la primera exposición moderna sobre el tema, organizada por el Museo de Artes Decorativas de París, Les Années 25  : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , que abarcaba diversos estilos importantes de las décadas de 1920 y 1930. [ 13 ] Posteriormente, el término se utilizó en un artículo periodístico de 1966 de Hillary Gelson en The Times , donde describía los diferentes estilos presentes en la exposición. [ 14 ]

El término Art Déco se popularizó como etiqueta estilística de amplia aplicación en 1968, cuando el historiador Bevis Hillier publicó el primer libro académico importante sobre el tema, Art Déco de los años 20 y 30. [ 3 ] Señaló que el término ya era utilizado por los marchantes de arte y cita The Times (2 de noviembre de 1966) y un ensayo titulado Les Arts Déco en la revista Elle (noviembre de 1967) como ejemplos. [ 15 ] En 1971, organizó una exposición en el Instituto de Artes de Minneapolis , que detalla en su libro El mundo del Art Déco . [ 16 ] [ 17 ]

Mike Hope enumera muchas otras etiquetas que se usaron para la arquitectura Art Déco: Estilo Odeón , Estilo Liberty , Estilo Moderno , Jazz Moderno , Zigzag Moderno , Moderno Británico, Moderno Náutico, Estilo de Barco Moderno, Estilo Pacqueboat, Estilo de Transatlántico, Moderno Blanco, Art Déco Futurista, Streamline Beaux Arts, Streamline Moderno , Moderno PWA, Moderno PWA/WPA, Moderno Federal, Moderno de la Depresión, Moderno Clásico, Modernismo Clásico, Clásico Modernista, Escuela de Chicago, Cubismo Arquitectónico Checo, Futurismo Italiano, Escuela de la Pradera , Teatro Atmosférico , Med Deco, Escuela de Ámsterdam , Nieuwe Zakelijkheid como en Nueva Objetividad , Renacimiento Maya , Secesión Japonesa, Estilo Pueblo Español, Pueblo Deco , Romanticismo Nacional Finlandés, Neogótico , Neobizantino , Neoegipcio, Misión Española, Escuela Internacional, Estilo Internacional Europeo, Wiener Werkstätte , Libre Clasicismo, Neoclasicismo despojado, Art Déco, Clasicismo libre, Clasicismo despojado, Modernismo de transición, Regencia de moda. [ 18 ]

Orígenes

Nuevos materiales y tecnologías

Los nuevos materiales y tecnologías, especialmente el hormigón armado , fueron clave para el desarrollo y la aparición del Art Déco. La primera casa de hormigón fue construida en 1853 en las afueras de París por François Coignet. En 1877, Joseph Monier introdujo la idea de reforzar el hormigón con una malla de varillas de hierro en forma de rejilla. En 1893, Auguste Perret construyó el primer garaje de hormigón en París, luego un edificio de apartamentos, una casa y, finalmente, en 1913, el Théâtre des Champs-Élysées . [ 19 ]

El teatro fue denunciado por un crítico como el «Zeppelin de la Avenida Montaigne», una supuesta influencia germánica, copiada de la Secesión vienesa . Posteriormente, la mayoría de los edificios Art Déco se construyeron con hormigón armado, lo que proporcionó mayor libertad de forma y menor necesidad de pilares y columnas de refuerzo. Perret también fue pionero en el revestimiento del hormigón con baldosas cerámicas , tanto para protección como para decoración. El arquitecto Le Corbusier conoció los usos del hormigón armado mientras trabajaba como dibujante en el estudio de Perret. [ 19 ]

Otras nuevas tecnologías importantes para el Art Déco fueron los nuevos métodos de producción de vidrio plano , que era menos costoso y permitía ventanas mucho más grandes y resistentes, y la producción en masa de aluminio , que se utilizó para la construcción y los marcos de las ventanas y, más tarde, por Le Corbusier, Warren McArthur y otros, para muebles ligeros.

Secesión de Viena y Wiener Werkstätte (1897-1912)

Los arquitectos de la Secesión de Viena (fundada en 1897), especialmente Josef Hoffmann , ejercieron una notable influencia en el Art Déco. Su Palacio Stoclet , en Bruselas (1905-1911), fue un prototipo del estilo Art Déco, caracterizado por volúmenes geométricos, simetría, líneas rectas, hormigón revestido con placas de mármol, ornamentación finamente esculpida e interiores suntuosos, incluyendo frisos de mosaico de Gustav Klimt . Hoffmann también fue fundador de la Wiener Werkstätte (1903-1932), una asociación de artesanos y diseñadores de interiores que trabajaban en el nuevo estilo. Esta se convirtió en el modelo para la Compagnie des arts français , creada en 1919, que reunió a André Mare y Louis Süe , los primeros diseñadores y decoradores franceses de Art Déco de renombre. [ 20 ]

Sociedad de Artistas Decorativos (1901–1945)

El surgimiento del Art Déco estuvo estrechamente ligado al ascenso en el estatus de los artistas decorativos, quienes hasta finales del siglo XIX eran considerados simplemente artesanos. El término arts décoratifs se utilizó en Francia a medida que el estatus de las artes decorativas mejoraba, y en 1875, diseñadores de muebles, fabricantes textiles y otros artesanos fueron reconocidos oficialmente como artistas por el gobierno francés. [ 21 ] En 1901, se fundó la Société des artistes décorateurs (Sociedad de Artistas Decorativos), o SAD, y los artistas decorativos obtuvieron los mismos derechos de autoría que los pintores y escultores. Un movimiento similar se desarrolló en Italia. En 1902, se celebró en Turín la primera exposición internacional dedicada íntegramente a las artes decorativas, la Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna . [ 22 ]

En París se fundaron varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, entre ellas Arts et décoration y L'Art décoratif moderne . Se introdujeron secciones de artes decorativas en los salones anuales de la Société des artistes français y, posteriormente, en el Salon d'Automne . El nacionalismo francés también influyó en el resurgimiento de las artes decorativas, ya que los diseñadores franceses se sentían desafiados por el aumento de las exportaciones de muebles alemanes más baratos. En 1911, la SAD propuso una importante exposición internacional de artes decorativas para 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos, solo obras modernas. La exposición se pospuso hasta 1914 y, posteriormente, debido a la guerra, hasta 1925, año en que dio nombre a toda la familia de estilos conocida como «Déco». [ 22 ]

Los grandes almacenes parisinos y los diseñadores de moda también desempeñaron un papel importante en el auge del Art Déco. Empresas prominentes como la firma de platería Christofle , el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron comenzaron a diseñar productos con estilos más modernos. [ 23 ] [ 24 ] A partir de 1900, los grandes almacenes contrataron a artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 se confió a los grandes almacenes Printemps , [ 25 ] [ 26 ] y ese mismo año crearon su propio taller, Primavera . [ 26 ]

En 1920, Primavera empleaba a más de 300 artistas, cuyos estilos abarcaban desde versiones actualizadas de muebles de Luis XIV , Luis XVI y, especialmente, Luis Felipe, realizados por Louis Süe y el taller de Primavera , hasta formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre . Otros diseñadores, como Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot, se negaron a utilizar la producción en masa, insistiendo en que cada pieza se fabricara individualmente. El estilo Art Déco temprano se caracterizaba por materiales lujosos y exóticos como el ébano , el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados , en particular cestas y ramos de flores de todos los colores, lo que le confería un aspecto modernista. [ 27 ]

Salón de Otoño (1903–1914)

En su nacimiento entre 1910 y 1914, el Art Déco fue una explosión de colores, con tonalidades brillantes y a menudo contrastantes, frecuentemente en diseños florales, presentes en tapicería de muebles , alfombras, biombos, papel tapiz y telas. Muchas obras coloridas, incluyendo sillas y una mesa de Maurice Dufrêne y una brillante alfombra Gobelin de Paul Follot , se presentaron en el Salón de los Artistas Decoradores de 1912. En 1912-1913, el diseñador Adrien Karbowsky creó una silla floral con un diseño de loro para el pabellón de caza del coleccionista de arte Jacques Doucet . [ 28 ] Los diseñadores de muebles Louis Süe y André Mare hicieron su primera aparición en la exposición de 1912, bajo el nombre de Atelier français , combinando telas policromáticas con materiales exóticos y costosos, incluyendo ébano y marfil. Después de la Primera Guerra Mundial, se convirtieron en una de las firmas de diseño de interiores más destacadas de Francia, produciendo los muebles para los salones y camarotes de primera clase de los transatlánticos franceses . [ 29 ]

Los vibrantes colores del Art Déco provenían de diversas fuentes, incluyendo los exóticos diseños de escenografía de Léon Bakst para los Ballets Rusos , que causaron sensación en París justo antes de la Primera Guerra Mundial. Algunos colores se inspiraron en el movimiento fauvista anterior liderado por Henri Matisse ; otros en el orfismo de pintores como Sonia Delaunay ; [ 30 ] otros en el movimiento conocido como Les Nabis , y en la obra del pintor simbolista Odilon Redon, quien diseñó pantallas para chimeneas y otros objetos decorativos. Los tonos brillantes fueron una característica del trabajo del diseñador de moda Paul Poiret , cuya obra influyó tanto en la moda como en el diseño de interiores del Art Déco. [ 29 ] [ 31 ] [ 32 ]

Teatro de los Campos Elíseos (1910-1913)

Apollon et sa méditation entourée des 9 muses ( Apolo y su meditación rodeado por las 9 musas ), bajorrelieve en la fachada del Théâtre des Champs-Élysées, obra de Bourdelle (1910-1912). Esta obra representa uno de los primeros ejemplos de lo que se conocería como escultura Art Déco.

El Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), de Auguste Perret , fue el primer edificio emblemático del Art Déco completado en París. Anteriormente, el hormigón armado solo se utilizaba para edificios industriales y residenciales; Perret había construido el primer edificio de apartamentos moderno de hormigón armado en París, en la rue Benjamin Franklin, entre 1903 y 1904. Henri Sauvage , otro importante arquitecto del Art Déco, construyó otro en 1904 en el número 7 de la rue Trétaigne (1904). [ 33 ]

De 1908 a 1910, Le Corbusier, de 21 años, trabajó como dibujante en el estudio de Perret, aprendiendo las técnicas de construcción en hormigón. El edificio de Perret tenía una forma rectangular limpia, decoración geométrica y líneas rectas, las futuras señas de identidad del Art Déco. La decoración del teatro también fue revolucionaria; la fachada estaba adornada con altorrelieves de Antoine Bourdelle , una cúpula de Maurice Denis , pinturas de Édouard Vuillard y un telón Art Déco de Ker-Xavier Roussel . El teatro se convirtió en sede de muchas de las primeras representaciones de los Ballets Rusos . [ 33 ] Perret y Sauvage se convirtieron en los principales arquitectos Art Déco de París en la década de 1920. [ 34 ] [ 35 ]

Cubismo

Danseuse (Femme à l'éventail, Femme à la cruche) de Joseph Csaky (1912), yeso original, expuesta en el Salon d'Automne de 1912 y en el Salon des Indépendants de 1914 , una escultura proto-Art Déco

El movimiento artístico conocido como Cubismo apareció en Francia entre 1907 y 1912, influyendo en el desarrollo del Art Déco. [ 33 ] [ 30 ] [ 31 ] Alistair Duncan escribió:

"El cubismo, en una u otra forma bastardizada, se convirtió en la lengua franca de los artistas decorativos de la época." [ 36 ]

Los cubistas, a su vez, estaban bajo la influencia de Paul Cézanne y se interesaban en la simplificación de las formas a sus elementos geométricos esenciales: el cilindro, la esfera y el cono. [ 37 ] [ 38 ]

En 1912, los artistas de la Section d'Or exhibieron obras considerablemente más accesibles al público general que el cubismo analítico de Picasso y Braque. El vocabulario cubista estaba destinado a atraer a diseñadores de moda, muebles e interiores. [ 30 ] [ 32 ] [ 38 ] [ 39 ]

En la sección de Arte Decorativo del Salón de Otoño de 1912, se exhibió una instalación arquitectónica conocida como La Maison Cubiste . [ 40 ] [ 41 ] La fachada fue diseñada por Raymond Duchamp-Villon . La decoración de la casa fue obra de André Mare . [ 42 ] [ 43 ] La Maison Cubiste era una instalación amueblada con una fachada, una escalera, barandillas de hierro forjado, un dormitorio, una sala de estar —el Salón Burgués— donde se exhibían pinturas de Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye . [ 44 ] [ 45 ] [ 46 ] Miles de espectadores en el salón pasaron a través de la maqueta a escala real. [ 47 ]

La fachada de la casa, diseñada por Duchamp-Villon, no era muy radical para los estándares modernos; los dinteles y frontones tenían formas prismáticas, pero por lo demás la fachada se asemejaba a una casa común de la época. Para las dos habitaciones, Mare diseñó el papel pintado, que presentaba rosas estilizadas y motivos florales, junto con la tapicería, el mobiliario y las alfombras, todo con motivos llamativos y coloridos. Fue una clara ruptura con la decoración tradicional. El crítico Emile Sedeyn describió la obra de Mare en la revista Art et Décoration : «No se avergüenza de la simplicidad, pues multiplica las flores dondequiera que pueda colocarlas. El efecto que busca es obviamente de picardía y alegría. Y lo consigue». [ 48 ] El elemento cubista lo aportaban las pinturas. La instalación fue atacada por algunos críticos por ser extremadamente radical, lo que contribuyó a su éxito. [ 49 ] Esta instalación arquitectónica se exhibió posteriormente en el Armory Show de 1913 , en la ciudad de Nueva York, Chicago y Boston. [ 30 ] [ 38 ] [ 50 ] [ 51 ] [ 52 ] Gracias en gran parte a la exposición, el término "cubista" comenzó a aplicarse a todo lo moderno, desde los cortes de pelo de las mujeres hasta la ropa y las representaciones teatrales. [ 49 ]

La influencia cubista continuó dentro del Art Déco, incluso cuando el Deco se ramificó en muchas otras direcciones. [ 30 ] [ 31 ]

La geometría esbozada del cubismo se convirtió en un concepto fundamental en la década de 1920. El desarrollo que el art déco hizo de la geometría selectiva del cubismo, extendiéndola a una gama más amplia de formas, llevó al cubismo como taxonomía pictórica a un público mucho más amplio y a un mayor atractivo. (Richard Harrison Martin, Museo Metropolitano de Arte) [ 53 ]

Influencias

Estilos europeos anteriores a la Primera Guerra Mundial

El Art Déco no fue un estilo único, sino una colección de estilos diferentes y a veces contradictorios. En arquitectura, el Art Déco fue el sucesor (y la reacción contra) del Art Nouveau, un estilo que floreció en Europa entre 1895 y 1900, y coexistió con las Bellas Artes y el neoclasicismo que predominaban en la arquitectura europea y americana. En 1905, Eugène Grasset escribió y publicó Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, [ 54 ] en el que exploró sistemáticamente los aspectos decorativos (ornamentales) de los elementos geométricos, las formas, los motivos y sus variaciones, en contraste con (y como una ruptura con) el estilo ondulado del Art Nouveau de Hector Guimard , tan popular en París unos años antes. Grasset enfatizó el principio de que varias formas geométricas simples, como triángulos y cuadrados, son la base de todas las composiciones. Los edificios de hormigón armado de Auguste Perret y Henri Sauvage, y en particular el Théâtre des Champs-Élysées , ofrecieron una nueva forma de construcción y decoración que fue copiada en todo el mundo. [ 55 ]

Civilizaciones antiguas y no europeas

En decoración, el Art Déco tomó prestados y utilizó muchos estilos diferentes. Estos incluían arte premoderno de todo el mundo, observable en el Museo del Louvre , el Museo del Hombre y el Museo Nacional de las Artes de África y Oceanía . También existía un interés popular por la arqueología debido a las excavaciones en Pompeya , Troya y la tumba del faraón Tutankamón de la XVIII dinastía . Artistas y diseñadores integraron motivos del antiguo Egipto , África , Mesopotamia , Grecia , Roma , Asia, Mesoamérica y Oceanía con elementos de la Era de la Máquina . [ 59 ] [ 60 ] [ 61 ] [ 62 ] [ 63 ] [ 64 ]

Movimientos de vanguardia de principios del siglo XX

Otros estilos tomados prestados fueron el futurismo , el orfismo , el funcionalismo y el modernismo en general. El cubismo descubre su potencial decorativo dentro de la estética art déco, al ser trasladado del lienzo a un material textil o papel pintado. Sonia Delaunay concibe sus modelos de vestidos en un estilo abstracto y geométrico, "como pinturas vivientes o esculturas de formas vivas". Louis Barrilet crea diseños de estilo cubista en las vidrieras del bar americano del Atrium Casino en Dax (1926), incluyendo también nombres de cócteles de moda. En arquitectura, el marcado contraste entre volúmenes horizontales y verticales, característico tanto del constructivismo ruso como de la línea de Frank Lloyd Wright y Willem Marinus Dudok , se convierte en un recurso común para articular las fachadas art déco, desde viviendas unifamiliares y edificios de apartamentos hasta cines o estaciones de servicio. [ 71 ] [ 38 ] [ 59 ] [ 72 ] [ 73 ] El Art Déco también utilizó los colores y diseños contrastantes del Fauvismo, especialmente en la obra de Henri Matisse y André Derain , que inspiraron los diseños de textiles, papel tapiz y cerámica pintada Art Déco. [ 38 ] Tomó ideas del vocabulario de la alta costura de la época, que presentaba diseños geométricos, chevrones, zigzags y ramos de flores estilizados. Estuvo influenciado por los descubrimientos en Egiptología y el creciente interés en Oriente y en el arte africano. A partir de 1925, a menudo se inspiró en la pasión por las nuevas máquinas, como dirigibles, automóviles y transatlánticos, y en 1930 esta influencia dio como resultado el estilo llamado Streamline Moderne . [ 74 ]

Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (1925)

El evento que marcó el apogeo del estilo y le dio su nombre fue la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, celebrada en París de abril a octubre de 1925. Patrocinada oficialmente por el gobierno francés, ocupó un terreno de 22 hectáreas en París, desde el Grand Palais en la margen derecha hasta Les Invalides en la margen izquierda, y a lo largo de las orillas del Sena. El Grand Palais, el pabellón más grande de la ciudad, albergaba exposiciones de artes decorativas de los países participantes. Participaron 15.000 expositores de veinte países diferentes, entre ellos Austria, Bélgica, Checoslovaquia, Dinamarca, Reino Unido, Italia, Japón, Países Bajos, Polonia, España, Suecia y la recién creada Unión Soviética . Alemania no fue invitada debido a las tensiones posteriores a la guerra; Estados Unidos, al no comprender el propósito de la exposición, declinó participar. El evento recibió dieciséis millones de visitantes durante sus siete meses de duración. Las normas de la exposición exigían que todas las obras fueran modernas; no se permitían estilos históricos. El objetivo principal de la Exposición era promover a los fabricantes franceses de muebles de lujo, porcelana, vidrio, metalistería, textiles y otros productos decorativos. Para impulsar aún más la promoción, los principales grandes almacenes parisinos y los diseñadores más importantes contaban con sus propios pabellones. La Exposición también tenía como objetivo secundario promover productos de las colonias francesas en África y Asia, como el marfil y las maderas exóticas.

El Hôtel du Collectionneur fue una atracción popular en la Exposición; exhibió los nuevos diseños de muebles de Emile-Jacques Ruhlmann, así como telas y alfombras Art Déco, y una pintura de Jean Dupas . El diseño interior seguía los mismos principios de simetría y formas geométricas que lo distinguían del Art Nouveau, y los colores brillantes, la fina artesanía y los materiales raros y costosos que lo diferenciaban de la estricta funcionalidad del estilo modernista. Si bien la mayoría de los pabellones estaban ricamente decorados y repletos de muebles de lujo hechos a mano, dos pabellones, los de la Unión Soviética y el Pabellón del Espíritu Nuevo , construido por la revista del mismo nombre dirigida por Le Corbusier, se construyeron en un estilo austero con paredes blancas lisas y sin decoración; fueron algunos de los primeros ejemplos de arquitectura modernista . [ 75 ]

Art Déco tardío

En 1925, coexistían dos escuelas rivales dentro del Art Déco: los tradicionalistas, fundadores de la Sociedad de Artistas Decorativos, entre los que se encontraban el diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann , Jean Dunand , el escultor Antoine Bourdelle y el diseñador Paul Poiret ; estos combinaban formas modernas con artesanía tradicional y materiales costosos. Por otro lado, estaban los modernistas, que rechazaban cada vez más el pasado y buscaban un estilo basado en los avances de las nuevas tecnologías, la simplicidad, la ausencia de decoración, materiales económicos y la producción en masa. Los modernistas fundaron su propia organización, la Unión Francesa de Artistas Modernos , en 1929. Entre sus miembros figuraban los arquitectos Pierre Chareau , Francis Jourdain , Robert Mallet-Stevens , Le Corbusier y, en la Unión Soviética, Konstantin Melnikov ; la diseñadora irlandesa Eileen Gray ; la diseñadora francesa Sonia Delaunay ; y los joyeros Georges Fouquet y Jean Puiforcat . Atacaron ferozmente el estilo Art Déco tradicional, criticando a los diseñadores que se centraban en la creación de piezas únicas y ediciones limitadas para su selecta clientela adinerada. En opinión de los modernistas, el futuro de las artes decorativas no dependía únicamente de las preferencias estéticas de los ricos, sino que «la nueva era exigía nada menos que un diseño excelente para todos». [ 76 ] Creían que la forma debía seguir a la función; la belleza de un objeto o un edificio residía en su perfecta adecuación a su función. Los métodos industriales modernos permitían la producción en masa de muebles y edificios, en lugar de la elaboración artesanal ; además, consideraban que la producción en masa y la calidad no eran necesariamente incompatibles. [ 77 ] [ 78 ] [ 76 ]

El diseñador francés de artes decorativas Paul Follot defendió el estilo ornamental y tradicionalista del Art Déco de esta manera: «Sabemos que lo “necesario” por sí solo no basta para el hombre y que lo superfluo es indispensable para él... o de lo contrario, ¡suprimamos también la música, las flores, los perfumes... y las sonrisas de las damas!» [ 76 ] Sin embargo, Le Corbusier fue un brillante promotor de la arquitectura modernista; afirmó que una casa era simplemente «una máquina para vivir» y promovió incansablemente la idea de que el Art Déco era el pasado y el modernismo el futuro. Las ideas de Le Corbusier fueron adoptadas gradualmente por las escuelas de arquitectura y la estética del Art Déco fue abandonada. Las mismas características que hicieron popular al Art Déco en sus inicios —su artesanía, sus ricos materiales y su ornamentación— llevaron a su declive. La Gran Depresión que comenzó en Estados Unidos en 1929 y llegó a Europa poco después redujo drásticamente el número de clientes adinerados que podían pagar los muebles y objetos de arte. En el clima económico de la Depresión, pocas empresas estaban dispuestas a construir nuevos rascacielos. [ 38 ] Incluso la firma Ruhlmann recurrió a producir muebles en serie, en lugar de artículos individuales hechos a mano. Los últimos edificios construidos en París en el nuevo estilo fueron el Museo de Obras Públicas de Auguste Perret (ahora el Consejo Económico, Social y Ambiental de Francia ), el Palacio de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu y Léon Azéma , y ​​el Palacio de Tokio de la Exposición Internacional de París de 1937 ; daban al grandioso pabellón de la Alemania nazi, diseñado por Albert Speer , que se enfrentaba al igualmente grandioso pabellón socialista-realista de la Unión Soviética de Stalin.

Tras la Segunda Guerra Mundial, el estilo arquitectónico dominante fue el Estilo Internacional, impulsado por Le Corbusier y Mies van der Rohe . En Miami Beach se construyeron algunos hoteles Art Déco después de la guerra, pero en otros lugares el estilo prácticamente desapareció, salvo en el diseño industrial, donde se siguió utilizando en el diseño de automóviles y productos como las máquinas de discos. En la década de 1960, experimentó un modesto resurgimiento académico, gracias en parte a los escritos de historiadores de la arquitectura como Bevis Hillier . En la década de 1970 se hicieron esfuerzos en Estados Unidos y Europa para preservar los mejores ejemplos de arquitectura Art Déco, y muchos edificios fueron restaurados y reconvertidos. La arquitectura posmoderna , que apareció por primera vez en la década de 1980, al igual que el Art Déco, a menudo incluye elementos puramente decorativos. [ 38 ] [ 59 ] [ 79 ] [ 80 ] El Art Déco sigue inspirando a diseñadores y se utiliza con frecuencia en la moda, la joyería y los artículos de tocador contemporáneos. [ 81 ]

Cuadro

En la Exposición de 1925 no había una sección dedicada a la pintura. La pintura art déco era, por definición, decorativa, diseñada para adornar una habitación o una obra arquitectónica, por lo que pocos pintores trabajaron exclusivamente en este estilo, pero dos pintores están estrechamente asociados con el art déco. Jean Dupas pintó murales art déco para el Pabellón de Burdeos en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925, y también pintó el cuadro sobre la chimenea en la exposición Maison du Collectionneur de la misma exposición, que presentaba muebles de Ruhlmann y otros destacados diseñadores art déco. Sus murales también fueron prominentes en la decoración del transatlántico francés SS Normandie . Su obra era puramente decorativa, diseñada como fondo o complemento de otros elementos de la decoración. [ 82 ]

La otra pintora estrechamente relacionada con este estilo es Tamara de Lempicka . Nacida en Polonia, emigró a París tras la Revolución Rusa . Estudió con Maurice Denis y André Lhote , y adoptó muchos elementos de sus estilos. Pintó retratos en un estilo Art Déco realista, dinámico y colorido. [ 83 ]

En la década de 1930, surgió en Estados Unidos una nueva y espectacular forma de pintura Art Déco. Durante la Gran Depresión, se creó el Proyecto Federal de Arte de la Administración de Obras Públicas para dar trabajo a artistas desempleados. A muchos se les encomendó la tarea de decorar edificios gubernamentales, hospitales y escuelas. No existía un estilo Art Déco específico para los murales; los artistas contratados para pintar murales en edificios gubernamentales provenían de diversas corrientes, desde el regionalismo estadounidense hasta el realismo social ; entre ellos se encontraban Reginald Marsh , Rockwell Kent y el pintor mexicano Diego Rivera . Los murales eran Art Déco porque todos eran decorativos y estaban relacionados con las actividades del edificio o la ciudad donde se pintaban: Reginald Marsh y Rockwell Kent decoraron edificios postales estadounidenses y representaron a empleados postales trabajando, mientras que Diego Rivera retrató a trabajadores de fábricas de automóviles para el Instituto de Artes de Detroit . El mural de Diego Rivera, El hombre en la encrucijada (1933), para el número 30 de Rockefeller Plaza, presentaba un retrato no autorizado de Lenin . [ 84 ] [ 85 ] Cuando Rivera se negó a retirar a Lenin, la pintura fue destruida y el artista español Josep Maria Sert pintó un nuevo mural . [ 86 ] [ 87 ] [ 88 ]

Escultura

Escultura monumental y pública

La escultura fue un elemento muy común e integral de la arquitectura Art Déco. En Francia, los bajorrelieves alegóricos que representaban la danza y la música, obra de Antoine Bourdelle, decoraron el primer monumento Art Déco de París, el Théâtre des Champs-Élysées , en 1912. La Exposición de 1925 contó con importantes obras escultóricas distribuidas por todo el recinto, los pabellones se decoraron con frisos escultóricos y varios pabellones se dedicaron a esculturas de estudio de menor tamaño. En la década de 1930, un gran grupo de escultores prominentes realizó obras para la Exposición Internacional de Artes y Técnicas en la Vida Moderna de 1937 en Chaillot. Alfred Janniot realizó los relieves de la fachada del Palais de Tokyo. El Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la explanada frente al Palais de Chaillot, con vistas a la Torre Eiffel, se llenaron de nuevas estatuas de Charles Malfray , Henry Arnold y muchos otros. [ 89 ]

La escultura pública Art Déco era casi siempre figurativa, generalmente de figuras heroicas o alegóricas relacionadas con la función del edificio o la sala. Los temas solían ser seleccionados por los mecenas, no por el artista. La escultura abstracta con fines decorativos era extremadamente rara. [ 90 ] [ 91 ]

En Estados Unidos, el escultor Art Déco más destacado en el ámbito del arte público fue Paul Manship , quien actualizó temas clásicos y mitológicos al estilo Art Déco. Su obra más famosa fue la estatua de Prometeo en el Rockefeller Center de Nueva York, una adaptación del siglo XX de un tema clásico. Lee Lawrie también realizó otras obras importantes para el Rockefeller Center , como la fachada escultórica y la estatua de Atlas .

Durante la Gran Depresión en Estados Unidos, muchos escultores recibieron encargos para realizar obras destinadas a la decoración de edificios del gobierno federal, con fondos proporcionados por la WPA ( Works Progress Administration) . Entre ellos se encontraba el escultor Sidney Biehler Waugh, quien creó imágenes estilizadas e idealizadas de trabajadores y sus tareas para edificios de oficinas del gobierno federal. [ 92 ] En San Francisco, Ralph Stackpole realizó esculturas para la fachada del nuevo edificio de la Bolsa de Valores de San Francisco . En Washington D. C., Michael Lantz creó obras para el edificio de la Comisión Federal de Comercio .

En Gran Bretaña, Eric Gill realizó estatuas públicas de estilo Art Déco para la sede de la BBC , mientras que Ronald Atkinson decoró el vestíbulo del antiguo edificio del Daily Express en Londres (1932).

Una de las esculturas Art Déco públicas más conocidas y, sin duda, la más grande, es el Cristo Redentor del escultor francés Paul Landowski , terminado entre 1922 y 1931, ubicado en la cima de una montaña con vistas a Río de Janeiro , Brasil.

Escultura de estudio

Muchas de las primeras esculturas Art Déco eran pequeñas, diseñadas para decorar salones. Un tipo de escultura de este estilo era la estatuilla crisoelefantina , llamada así por un estilo de estatuas de templos de la antigua Grecia hechas de oro y marfil. A veces se hacían de bronce, y otras veces con materiales mucho más lujosos, como marfil, ónix , alabastro y pan de oro.

Uno de los escultores de salón Art Déco más conocidos fue el rumano Demétre Chiparus , quien produjo pequeñas y coloridas esculturas de bailarinas. Otros escultores de salón notables fueron Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol y Gustav Schmidtcassel. [ 93 ] Otra importante escultora estadounidense en el formato de estudio fue Harriet Whitney Frishmuth , quien había estudiado con Auguste Rodin en París.

Pierre Le Paguays fue un destacado escultor de estudio del Art Déco, cuya obra se exhibió en la Exposición Universal de 1925. Trabajó con bronce, mármol, marfil, ónix, oro, alabastro y otros materiales preciosos. [ 94 ]

François Pompon fue un pionero de la escultura animalista estilizada moderna . No fue plenamente reconocido por sus logros artísticos hasta los 67 años, en el Salón de Otoño de 1922, con la obra Ours blanc , también conocida como El Oso Blanco , que actualmente se encuentra en el Museo de Orsay en París. [ 95 ]

Paralelamente a estos escultores del Art Déco, escultores modernistas más vanguardistas y abstractos trabajaban en París y Nueva York. Los más destacados fueron Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan y Joël Martel , Chana Orloff y Pablo Gargallo . [ 96 ]

Artes gráficas

El estilo Art Déco apareció tempranamente en las artes gráficas, en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Se manifestó en París en los carteles y diseños de vestuario de Léon Bakst para los Ballets Rusos, y en los catálogos del diseñador de moda Paul Poiret. [ 97 ] Las ilustraciones de Georges Barbier y Georges Lepape , así como las imágenes de la revista de moda La Gazette du bon ton, capturaron a la perfección la elegancia y la sensualidad del estilo. En la década de 1920, la estética cambió; las modas que se destacaban eran más informales, deportivas y atrevidas, y las modelos solían fumar cigarrillos. Revistas de moda estadounidenses como Vogue , Vanity Fair y Harper's Bazaar adoptaron rápidamente el nuevo estilo y lo popularizaron en Estados Unidos. También influyó en la obra de ilustradores de libros estadounidenses como Rockwell Kent. En Alemania, el artista de carteles más famoso de la época fue Ludwig Hohlwein , quien creó carteles coloridos y dramáticos para festivales de música, cervezas y, al final de su carrera, para el Partido Nazi. [ 98 ]

Durante el período Art Nouveau, los carteles solían anunciar productos teatrales o cabarets. En la década de 1920, los carteles de viajes, creados para líneas navieras y aerolíneas, se hicieron extremadamente populares. El estilo cambió notablemente en la década de 1920, para centrar la atención en el producto anunciado. Las imágenes se volvieron más simples, precisas, lineales y dinámicas, y a menudo se colocaban sobre un fondo de un solo color. En Francia, entre los diseñadores Art Déco más populares se encontraban Charles Loupot y Paul Colin , quien se hizo famoso por sus carteles de la cantante y bailarina estadounidense Josephine Baker . Jean Carlu diseñó carteles para las películas, telenovelas y teatros de Charlie Chaplin; a finales de la década de 1930 emigró a Estados Unidos, donde, durante la Primera Guerra Mundial, diseñó carteles para fomentar la producción bélica. El diseñador Charles Gesmar se hizo famoso por crear carteles para la cantante Mistinguett y para Air France . Entre los diseñadores de carteles Art Déco franceses más conocidos se encontraba Cassandre , quien realizó el célebre cartel del transatlántico SS Normandie en 1935. [ 98 ]

En la década de 1930, durante la Gran Depresión, surgió en Estados Unidos un nuevo género de carteles. El Proyecto Federal de Arte contrató a artistas estadounidenses para crear carteles que promovieran el turismo y los eventos culturales. [ 99 ]

Decoración y motivos

La decoración durante el período Art Déco atravesó varias fases distintas. Entre 1910 y 1920, al agotarse el Art Nouveau, los estilos de diseño experimentaron un retorno a la tradición, especialmente en la obra de Paul Iribe. En 1912, André Vera publicó un ensayo en la revista L'Art Décoratif en el que abogaba por la recuperación de la artesanía y los materiales de siglos anteriores, utilizando un nuevo repertorio de formas inspiradas en la naturaleza, en particular cestas y guirnaldas de frutas y flores. Una segunda tendencia del Art Déco, también entre 1910 y 1920, se inspiró en los colores brillantes del movimiento artístico conocido como los fauvistas y en los coloridos trajes y decorados de los Ballets Rusos. Este estilo se expresaba a menudo con materiales exóticos como piel de tiburón, nácar, marfil, cuero teñido, madera lacada y pintada, e incrustaciones decorativas en los muebles que enfatizaban su geometría. Este período del estilo alcanzó su punto culminante en la Exposición Universal de Artes Decorativas de París de 1925. A finales de la década de 1920 y durante la de 1930, el estilo decorativo cambió, inspirado por nuevos materiales y tecnologías. Se volvió más elegante y menos ornamental. Los muebles, al igual que la arquitectura, comenzaron a tener bordes redondeados y a adoptar un aspecto pulido y aerodinámico, tomado del estilo moderno aerodinámico. Nuevos materiales, como el acero niquelado o cromado, el aluminio y la baquelita , una forma primitiva de plástico, comenzaron a aparecer en muebles y decoración. [ 110 ]

A lo largo del período Art Déco, y particularmente en la década de 1930, los motivos decorativos expresaban la función del edificio. Los teatros se decoraban con esculturas que ilustraban música, danza y emoción; las compañías eléctricas mostraban amaneceres; el edificio Chrysler exhibía ornamentos estilizados en el capó; los frisos del Palais de la Porte Dorée en la Exposición Colonial de París de 1931 mostraban los rostros de las diferentes nacionalidades de las colonias francesas. El estilo Streamline hacía parecer que el edificio mismo estaba en movimiento. Los murales de la WPA de la década de 1930 presentaban a gente común: obreros, carteros, familias y agricultores, en lugar de héroes clásicos. [ 111 ]

Art Deco, like the complex times that engendered it, can best be characterized by a series of contradictions: minimalist vs maximalist, angular vs fluid, ziggurat vs streamline, symmetrical vs irregular, to name a few. The iconography chosen by Art Deco artists to express the period is also laden with contradictions. Fair maidens in 18th-century dress seem to coexist with chic sophisticated ladies and recumbent nudes, and flashes of lightning illuminate stylized rosebuds.[113]

Furniture

French furniture from 1910 until the early 1920s was largely an updating of French traditional furniture styles, and the art nouveau designs of Louis Majorelle, Charles Plumet and other manufacturers. French furniture manufacturers felt threatened by the growing popularity of German manufacturers and styles, particularly the Biedermeier style, which was simple and clean-lined. The French designer Frantz Jourdain, the president of the Paris Salon d'Automne, invited designers from Munich to participate in the 1910 Salon. French designers saw the new German style and decided to meet the German challenge. The French designers decided to present new French styles in the Salon of 1912. The rules of the Salon indicated that only modern styles would be permitted. All of the major French furniture designers took part in Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare and Louis Suë took part, presenting new works that updated the traditional French styles of Louis XVI and Louis Philippe with more angular corners inspired by Cubism and brighter colours inspired by Fauvism and the Nabis.[114]

The painter André Mare and furniture designer Louis Süe both participated the 1912 Salon. After the war the two men joined to form their own company, formally called the Compagnie des Arts Française, but usually known simply as Suë and Mare. Unlike the prominent art nouveau designers like Louis Majorelle, who personally designed every piece, they assembled a team of skilled craftsmen and produced complete interior designs, including furniture, glassware, carpets, ceramics, wallpaper and lighting. Their work featured bright colors and furniture and fine woods, such as ebony encrusted with mother of pearl, abalone and silvered metal to create bouquets of flowers. They designed everything from the interiors of ocean liners to perfume bottles for the label of Jean Patou.The firm prospered in the early 1920s, but the two men were better craftsmen than businessmen. The firm was sold in 1928, and both men left.[115]

The most prominent furniture designer at the 1925 Decorative Arts Exposition was Émile-Jacques Ruhlmann, from Alsace. He first exhibited his works at the 1913 Autumn Salon, then had his own pavilion, the "House of the Rich Collector", at the 1925 Exposition. He used only most rare and expensive materials, including ebony, mahogany, rosewood, ambon and other exotic woods, decorated with inlays of ivory, tortoise shell, mother of pearl, Little pompoms of silk decorated the handles of drawers of the cabinets.[116] His furniture was based upon 18th-century models, but simplified and reshaped. In all of his work, the interior structure of the furniture was completely concealed. The framework usually of oak, was completely covered with an overlay of thin strips of wood, then covered by a second layer of strips of rare and expensive woods. This was then covered with a veneer and polished, so that the piece looked as if it had been cut out of a single block of wood. Contrast to the dark wood was provided by inlays of ivory, and ivory key plates and handles. According to Ruhlmann, armchairs had to be designed differently according to the functions of the rooms where they appeared; living room armchairs were designed to be welcoming, office chairs comfortable, and salon chairs voluptuous. Only a small number of pieces of each design of furniture was made, and the average price of one of his beds or cabinets was greater than the price of an average house.[117]

Jules Leleu was a traditional furniture designer who moved smoothly into Art Deco in the 1920s; he designed the furniture for the dining room of the Élysée Palace, and for the first-class cabins of the steamship Normandie. his style was characterized by the use of ebony, Macassar wood, walnut, with decoration of plaques of ivory and mother of pearl. He introduced the style of lacquered Art Deco furniture in the late 1920s, and in the late 1930s introduced furniture made of metal with panels of smoked glass.[118] In Italy, the designer Gio Ponti was famous for his streamlined designs.

The costly and exotic furniture of Ruhlmann and other traditionalists infuriated modernists, including the architect Le Corbusier, causing him to write a famous series of articles denouncing the arts décoratif style. He attacked furniture made only for the rich and called upon designers to create furniture made with inexpensive materials and modern style, which ordinary people could afford. He designed his own chairs, created to be inexpensive and mass-produced.[119]

In the 1930s, furniture designs adapted to the form, with smoother surfaces and curved forms. The masters of the late style included Donald Deskey, who was one of the most influential designers; he created the interior of the Radio City Music Hall. He used a mixture of traditional and very modern materials, including aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic.[120] Other top designers of Art Deco furniture of the 1930s in the United States included Gilbert Rohde, Warren McArthur, and Kem Weber.

The Waterfall style was popular in the 1930s and 1940s, the most prevalent Art Deco form of furniture at the time. Pieces were typically of plywood finished with blond veneer and with rounded edges, resembling a waterfall.[121]

Design

Streamline was a variety of Art Deco which emerged during the mid-1930s. It was influenced by modern aerodynamic principles developed for aviation and ballistics to reduce aerodynamic drag at high velocities. The bullet shapes were applied by designers to cars, trains, ships, and even objects not intended to move, such as refrigerators, gas pumps, and buildings.[61] One of the first production vehicles in this style was the Chrysler Airflow of 1933. It was unsuccessful commercially, but the beauty and functionality of its design set a precedent; meant modernity. It continued to be used in car design well after World War II.[122][123][124][125]

New industrial materials began to influence the design of cars and household objects. These included aluminium, chrome, and bakelite, an early form of plastic. Bakelite could be easily moulded into different forms, and soon was used in telephones, radios and other appliances.

Grand dining room of the ocean liner SS Normandie by Pierre Patout (1935); bas-reliefs by Raymond Delamarre

Ocean liners also adopted a style of Art Deco, known in French as the Style Paquebot, or "Ocean Liner Style". The most famous example was the SS Normandie, which made its first transatlantic trip in 1935. It was designed particularly to bring wealthy Americans to Paris to shop. The cabins and salons featured the latest Art Deco furnishings and decoration. The Grand Salon of the ship, which was the restaurant for first-class passengers, was bigger than the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles. It was illuminated by electric lights within twelve pillars of Lalique crystal; thirty-six matching pillars lined the walls. This was one of the earliest examples of illumination being directly integrated into architecture. The style of ships was soon adapted to buildings. A notable example is found on the San Francisco waterfront, where the Maritime Museum building, built as a public bath in 1937, resembles a ferryboat, with ship railings and rounded corners. The Star Ferry Terminal in Hong Kong also used a variation of the style.[38]

Textiles

Textiles were an important part of the Art Deco style, in the form of colourful wallpaper, upholstery and carpets, In the 1920s, designers were inspired by the stage sets of the Ballets Russes, fabric designs and costumes from Léon Bakst and creations by the Wiener Werkstätte. The early interior designs of André Mare featured brightly coloured and highly stylized garlands of roses and flowers, which decorated the walls, floors, and furniture. Stylized Floral motifs also dominated the work of Raoul Dufy and Paul Poiret, and in the furniture designs of J.E. Ruhlmann. The floral carpet was reinvented in Deco style by Paul Poiret.[126]

The use of the style was greatly enhanced by the introduction of the pochoir stencil-based printing system, which allowed designers to achieve crispness of lines and very vivid colours. Art Deco forms appeared in the clothing of Paul Poiret, Charles Worth and Jean Patou. After World War I, exports of clothing and fabrics became one of the most important currency earners of France.[127]

Late Art Deco wallpaper and textiles sometimes featured stylized industrial scenes, cityscapes, locomotives and other modern themes, as well as stylized female figures, metallic finishes and geometric designs.[127]

Fashion

Fashion changed dramatically during this period, thanks in particular to designers Paul Poiret and later Coco Chanel. Poiret introduced the concept of draping, a departure from the tailoring and patternmaking of the past.[128] He designed clothing cut along straight lines and constructed of rectangular motifs.[128] His styles offered structural simplicity[128] The corseted look and formal styles of the previous period were abandoned, and fashion became more practical, and streamlined. With the use of new materials, brighter colours and printed designs.[128] The designer Coco Chanel continued the transition, popularising the style of sporty, casual chic.[129]

A particular typology of the era was the Flapper, a woman who cut her hair into a short bob, drank cocktails, smoked in public, and danced late into the night at fashionable clubs, cabarets or bohemian dives. Of course, most women didn't live like this, the Flapper being more a character present in popular imagination than a reality. Another female Art Deco style was the androgynous garçonne of the 1920s, with flattened bosom, dispelled waist and revealed legs, reducing the silhouette to a short tube, topped with a head-hugging cloche hat.[130]

Jewelry

In the 1920s and 1930s, designers including René Lalique and Cartier tried to reduce the traditional dominance of diamonds by introducing more colourful gemstones, such as small emeralds, rubies and sapphires. They also placed greater emphasis on very elaborate and elegant settings, featuring less-expensive materials such as enamel, glass, horn and ivory. Diamonds themselves were cut in less traditional forms; the 1925 Exposition saw many diamonds cut in the form of tiny rods or matchsticks. Other popular Art Deco cuts include:

  • emerald cut, with long step-cut facets;
  • asscher cut, more square-shaped than emerald with a high crown and the first diamond cut to ever be patented;
  • marquise cut, to give the illusion of being bigger and bolder;
  • baguette cut: small, rectangular step-cut shapes often used to outline bolder stones;[131]
  • old European cut, round in shape and cut by hand so sparks of color (called fire) flash from within the stone.[132]

The settings for diamonds also changed; More and more often jewellers used platinum instead of gold, since it was strong and flexible, and could set clusters of stones. Jewellers also began to use more dark materials, such as enamels and black onyx, which provided a higher contrast with diamonds.[133]

Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.[133]

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wristwatch before World War I inspired jewelers to create extraordinary, decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.[134]

The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.[134] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.[134] Other notable names in the Art Deco movement include Boucheron, Lacloche, and Danish silversmith Georg Jensen, known for his work with silver and less expensive gemstones. American jewelry houses such as Tiffany & Co., Black, Starr & Frost, and Marcus & Co. also made significant contributions, producing pieces that included clocks and objets d'art, as well as jewelry.[135]

Glass art

Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had experimented with glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, creating statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.[137]

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.[137]

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.[137]

The Great Depression impacted on the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.[137]Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932–34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.[138]

Metal art

Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme "The Hunt", covered with gold leaf and paint on plaster (1935).[139]

In fiction

Art Deco skyscrapers in Falling Hare (1943).

Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All's Fair at the Fair, Merry Mannequins, Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.[140] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the BioShock video game series.

Art Deco visuals were an inspiration for the architecture of Iacon City in the animated science fiction film Transformers One.[141]

Preservation and neo-Art Deco

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic Art Deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest Art Deco buildings have been preserved as part of America's architectural heritage; an Art Deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.[144] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; the Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes Art Deco call backs to the Hoover Dam; 99 Hudson in Jersey City, New Jersey, the state's tallest building and the 46th tallest in the United States, which features Art Deco-inspired limestone and glass lineation; and the Brooklyn Tower in Brooklyn, New York, the borough's tallest building and the 19th tallest in the country, with its black glass and bronze piping.[144][145][146][147][148][149][150]

See also

References

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