Anglo-Japanese style

En el diseño de muebles, los rasgos más comunes y característicos son las líneas refinadas y los motivos naturales como el « Mons », y sobre todo un acabado ebonizado (o incluso ébano) que evoca el conocido acabado « lacado ». Halen (p.  69) propone una silla ebonizada exhibida en la Exposición Internacional de 1862 por AF Bornemann & Co de Bath, y descrita (y posiblemente diseñada) por Christopher Dresser como el peculiar y singular personaje japonés , como la primera pieza de mobiliario documentada en el estilo anglo-japonés. Los tipos de muebles requeridos en Inglaterra, como armarios, aparadores e incluso mesas de comedor y sillones, no tenían un precedente japonés, por lo que los principios y motivos japoneses tuvieron que adaptarse a los tipos existentes para satisfacer las necesidades inglesas.

Dresser señaló que los "Mons" del arte japonés también tienen similitudes con el "arte rudimentario" celta . ^{[ 7 ]}

Muchos diseñadores británicos del período victoriano aprendieron los principios del diseño neogótico de John Ruskin y Owen Jones , principalmente la Gramática del Ornamento (1856), que no incluía a Japón. El término «ornamento» se refería a un aspecto importante del diseño decorativo arquitectónico inglés de la época, derivado de la ornamentación popular que se encontraba en el exterior de las iglesias europeas, y que la situaba junto a la naturaleza. Sin embargo, en 1879, se informó que las formas naturales del gótico ornamental «habían perdido toda su esencia, al estar dispuestas de forma arbitraria y mecánica», y por lo tanto, para reemplazar satisfactoriamente el Ornamento de Owen Jones, el arte japonés «nos había enseñado [a los arquitectos británicos] la lección que buscábamos, al enseñarnos a adaptar las formas naturales sin despojarlas de su esencia. El arte gótico nos mostró algo de esto; pero no lo mostró tan claramente, ni de tantas maneras, como lo ha hecho el arte japonés». ^{[ 8 ]} 'porque incluso sus copias no son servilmente mecánicas sino libres... [como se muestra en] cómo los japoneses pueden introducir en un panel algo de expresión pictórica sin perder la simplicidad decorativa.' ^{[ 9 ]}

Al diseñar cerámica, las primeras influencias en el estilo provinieron de la «japonaiserie», y muestran cómo Dresser, trabajando con Minton, incorporó la superficie exterior de las técnicas y el color de la cerámica japonesa en la porcelana , pero no sus principios de diseño ni sus prácticas estéticas. Dresser se dedicó a diseñar varias piezas con influencia japonesa directa, como su cerámica de olas (que se muestra en la galería), y más tarde se inspiró en la estética japonesa, que adquirió durante su tiempo aprendiendo de los artesanos en su visita al país en la década de 1870. Esto, a su vez, se conoció en el período 1880-1889 como «Art Pottery» (Cerámica Artística), dentro de la rama estética del estilo, y fue practicado por otros alfareros y ceramistas, particularmente en la elaboración de vasijas de gres. Los motivos comunes incluían flores de ciruelo, ramas de pino, cigüeñas y medallones. ^{[ 10 ]}

La metalistería de la década de 1880 también se inspiró en una mezcla de «neogótico, naturalismo y una interpretación occidental de las artes de Japón». ^{[ 11 ]}

Se fabricaron muchos muebles anglo-japoneses, pero los diseñados por Godwin para William Watt son los más representativos de su tipo. Godwin nunca viajó a Japón, pero coleccionó objetos de arte japonés alrededor de 1863 y diseñó sus muebles basándose en la reproducción de formas adaptadas de estos objetos, creando un estilo inglés distintivo de muebles de inspiración japonesa en la década de 1870, al que denominó «estilo anglo-japonés». La ilustración japonesa, los grabados en madera, los escudos familiares japoneses y la serie Manga inspiraron muchos de sus diseños de muebles, como los dinteles curvos y los patrones geométricos de rejilla. ^{[ 12 ]} Los muebles de Godwin eran refinados, con escasos ornamentos y de diseño asimétrico, a menudo en maderas ebonizadas con una decoración sencilla mediante papel japonés o minuciosos detalles tallados en madera. En la Casa Blanca de Chelsea, dispuso los muebles de forma asimétrica y cubrió las paredes con pan de oro, inspirándose en el diseño y los interiores japoneses. ^{[ 13 ]}

El Museo de Arte Ornamental, posteriormente Museo Victoria y Alberto , adquirió laca y porcelana japonesas en 1852, y nuevamente en 1854 con la compra de 37 piezas de la exposición de la Old Water-Colour Society de Londres. El arte japonés se exhibió en Londres en 1851, en Dublín en 1853 , en Edimburgo en 1856 y 1857, en Manchester en 1857 y en Bristol en 1861.

En 1858, Daniel Lee de Manchester creó una «serie de algodones estampados con rodillos» con influencia directa japonesa. ^{[ 14 ]}

Con Rutherford Alcock también organizando el stand no oficial de Japón, la Exposición Internacional de Londres de 1862 exhibió una serie de objetos cotidianos; cuyo impacto ha sido considerado "uno de los eventos más influyentes en la historia del arte japonés en Occidente", introduciendo a personas como Christopher Dresser al arte japonés . ^{[ 15 ]} Dresser notó los primeros ejemplos de influencia e inspiración japonesa en la cerámica en sus reseñas de la Exposición Internacional de Londres de 1862, donde comentó sobre los "jarrones de Minton enriquecidos con ornamentos chinos o japoneses", ^{[ 16 ]} y en su compra y boceto de los artículos en la exposición.

Alcock señaló sobre la exposición de 1862: «Me dediqué a recopilar, para la satisfacción de los cultos y la instrucción de las clases trabajadoras e industriales de Inglaterra, pruebas de lo que el arte había hecho por los japoneses y sus industrias». ^{[ 17 ]}

Cuando la exposición cerró, comenzó a surgir interés por los objetos japoneses y por Japón mismo, y coleccionistas, artistas y comerciantes como Arthur Lasenby Liberty y Farmers y Rogers Oriental Warehouse comenzaron a coleccionar arte y objetos japoneses. ^{[ 18 ]} Con la apertura de los puertos de tratado en Japón, cuatro ciudades japonesas comenzaron a exportar mercancías al Reino Unido. La mayoría de estos artículos eventualmente comenzaron a influir en el arte de los artesanos británicos y a entrar en los hogares de las élites británicas. ^{[ 19 ]} Varios artistas del círculo prerrafaelita como Dante Gabriel Rossetti , ^{[ 20 ]} Ford Madox Brown (amigo de Rossetti ^{[ 21 ]} ), Edward Burne-Jones ^{[ 22 ]} y Simeon Solomon también comenzaron a usar influencias orientales en sus obras; Albert Joseph Moore ^{[ 23 ]} y James McNeill Whistler también comenzaron a frecuentar el almacén que importaba estas mercancías en Londres. El arquitecto Edward William Godwin también diseñó su casa y compró ukiyo-e en 1862 para decorar su casa; ^{[ 24 ]} William Eden Nesfield también diseñó piezas tempranas en ese estilo.

En 1863, John Leighton (artista) dio una conferencia sobre «arte japonés» en la Royal Society , y Alcock dio otra en la Leeds Philosophical Society ese mismo año. ^{[ 25 ]} El auge de la fotografía de Yokohama (Yokohama Shashin), impulsada por fotógrafos pioneros como Felice Beato, también introdujo las artes pictóricas en Gran Bretaña y, junto con la importación de nuevas xilografías, se convirtió en un objeto de moda, objeto de conversación en círculos artísticos y académicos. ^{[ 26 ]}

La cristalería también recibió la influencia del arte japonés, y la "jarra de la rana" expuesta por Thomas Webb en la Exposición Internacional de París de 1867 es, por su temática, sencillez y asimetría, el primer ejemplo de influencia japonesa en el vidrio inglés identificado hasta la fecha.

Ciertamente, en 1867, Edward William Godwin y Christopher Dresser ya conocían los objetos de arte japoneses, en particular los estilos, formas y combinaciones de colores de la xilografía japonesa. ^{[ 27 ]} El gobierno británico mostró mayor interés en la colección de papel Washi para el V&A cuando Harry Parkes reunió una gran cantidad de este tipo de papel para una exposición en Londres entre 1867 y 1868. ^{[ 28 ]}

Influenciado por Whistler y su amor por los estilos pictóricos históricos, Moore fusionó la estética vernácula griega y japonesa utilizando el estilo decorativo y estético japonés del Arte por el Arte, como se aprecia en su pintura de 1868, Azaleas , que «concilió las artes de Japón y Grecia, y lo estético y lo clásico, en una nueva combinación victoriana». ^{[ 29 ]} Si bien Whistler influyó sin duda en la popularidad del arte japonés, a menudo tuvo discrepancias con otros coleccionistas sobre este tema , especialmente con los hermanos Rosetti por la colección de Ukiyo-e y grabados japoneses en madera. ^{[ 20 ] [ 30 ]} Dante consideraba que el refinamiento de la línea en las artes japonesas «no tenía nada que ver con los logros o modelos europeos; es un organismo integral... [siendo en su precisión y delicadeza] más instintivo que el de los artistas de otras razas». ^{[ 31 ]} Mientras que Whistler se basó en el ideal francés de l'art pour l'art , y en que el art d'object japonés simplemente estaba allí sin 'mensaje social, sin compromiso, sin razón de existir excepto para ser bello '. ^{[ 14 ]}

Para 1869, Godwin, que no solo había vivido con interiores japoneses en su casa de Harpenden con Ellen Terry , había comenzado a diseñar en la primera encarnación del diseño anglo-japonés en el castillo de Dromore en Limerick , Irlanda, en estilo gótico y japonés. ^{[ 27 ]}

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  Whistler , La Princesse du pays de la Porcelaine (1863-1865), un ejemplo del estilo Arte por el arte
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  Rossetti , El cenador azul (1865), el retratado sostiene un koto
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  Solomon , El abanico japonés (1865)
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  El estudio londinense de Whistler (1865)
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  Beato y Kerr , Ejemplo de Yokohama Shashin (c. 1866)
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  Biombo japonés de Nesfield (1867)

A principios de la década, la alfarería Watcombe en Devon produjo piezas de terracota sin esmaltar , algunas de las cuales dependen completamente de formas japonesas y del color natural de la arcilla para su efecto ornamental. Las porcelanas de inspiración japonesa de la fábrica de porcelana de Worcester en una fecha similar fueron muy admiradas por los propios japoneses. En 1870, la cerámica japonesa comenzó a influir en la cerámica británica, la alfarera Hannah Barlow hizo varios diseños de animales, omitiendo la ornamentación pesada/follaje decorativo común en la cerámica victoriana, sobre arcilla durante su tiempo en Royal Doulton , inspirada en Ukiyo-e. Dresser tuvo una exitosa línea con Minton de jarrones de closionne azul. ^{[ 32 ]} En 1873, George Ashdown Audsley dio una conferencia sobre obras de arte de cerámica japonesa en Liverpool . ^{[ 33 ]} Thomas Jeckyll diseñó varias de sus chimeneas 'mon', utilizadas por arquitectos como Dresser y Norman Shaw , que se hicieron extremadamente populares en 1873. Jeckyll también diseñó el Pabellón Japonés de la Exposición del Centenario de Filadelfia de 1876 en hierro forjado ; el motivo decorativo del girasol se empleó profusamente en la ornamentación de las estructuras, lo que, aunque Jeckyll ya lo había utilizado como motivo, popularizó la asociación del girasol como motivo floral en el estilo anglo-japonés. ^{[ 11 ]} Otros artistas como Walter Crane , en particular su El Príncipe Rana (1874), comenzaron a mostrar signos de influencia japonesa en la forma en que empleaban los colores brillantes de los grabados japoneses en madera que había utilizado por primera vez en otras series infantiles (entre 1869 y 1875) a los que se había familiarizado durante su época en la escuela de arte en Inglaterra. ^{[ 34 ]}

Japón participó en la Exposición Internacional de 1874. ^{[ 35 ]} En 1874–1876, Warner & Sons produjo varios papeles pintados exitosos, diseñados por Edward William Godwin , que presentaban en gran medida motivos circulares de 'mons' y crisantemos, los mons tomados directamente del diseño japonés, encontrado en un libro; propiedad de la esposa de Godwin; Beatrice Godwin. ^{[ 36 ] [ 37 ]} También en 1874, las importaciones japonesas también habían aumentado y Arthur Lasenby Liberty se hizo conocido como importador de artículos japoneses en su tienda Liberty's (o por ejemplo 'pequeñas cajas plateadas con bisagras esmaltadas en cloisonné al estilo anglo-japonés' ^{[ 38 ]} ), particularmente para abanicos de dama en 1875. En el mismo año, Thomas Edward Collcutt comenzó a diseñar una serie de aparadores, gabinetes y sillas ebonizados de inspiración japonesa para Collinson & Lock . ^{[ 39 ]} Augustus Wollaston Franks organizó una exposición de cerámica, principalmente porcelana, en el Museo de Bethnal Green en 1876; tras haber coleccionado netsuke y tsuba de Japón. Godwin, en el British Architect, informó que Liberty's [tiene] papeles japoneses para las paredes; telas para cortinas de ventanas y puertas; biombos, sillas, taburetes [etc. ... A veces] uno se topa con una alfombra que resulta irritante por su brutalidad de color. Sin embargo, tal tosquedad rara vez se encuentra, incluso en los productos modernos de Japón. ... O el mercado europeo está arruinando el arte japonés, o los japoneses han tomado nuestra medida artística y la han encontrado deficiente; tal vez haya un poco de ambas. Godwin comentaba el aumento de productos japoneses, tanto originales como fabricados para el mercado europeo en ese momento. Se dice que en esa época también se vendían en Londres, en William Whiteley's, Debenhams, Freebody y Swan & Edgar, papeles pintados de morera con estarcido, telas fabricadas e importadas con seda tussore en un telar más ancho por Liberty y Thomas Wardle , junto con otras importaciones japonesas. Las sedas importadas eran increíblemente populares entre pintores como Moore, quien prefería usarlas para drapeados en sus modelos. ^{[ 40 ]}

En 1877, Godwin diseñó la casa blanca para Whistler en Chelsea. También creó sus muebles de estilo anglo-japonés de William Watt y sus papeles pintados inspirados en el mon japonés. Thomas Jeckyll diseñó posteriormente el Salón del Pavo Real para el magnate naviero Frederick Richards Leyland ; y este tipo de ornamentación japonesa también se puede encontrar en el diseño de sus chimeneas. La Grosvenor Gallery abrió sus puertas, exhibiendo el Nocturno Negro de Whistler, lo que dio lugar a la infame disputa con Ruskin sobre el valor de una obra de arte. En 1878, Daniel Cottier terminó una serie de paneles de vidrieras titulados Campanillas Matutinas , que detallan «una cerca de celosía... que se adapta de una variedad de biombos japoneses, plantillas textiles, manga y grabados ukiyo-e». ^{[ 41 ]} De hecho, Cottier (un escocés que trabajó en Londres y Nueva York ) tenía su estudio y tienda llenos de muebles estéticos y anglo-japoneses de madera ebonizada, su estudio produjo a través de su aprendiz Stephen Adam hasta la década de 1880 una serie de piezas de carpintería decorativa japonesa, frecuentemente utilizando maderas oscuras y detalles florales dorados de crisantemos, todos motivos japoneses populares entre los occidentales producidos para los mercados occidentales. ^{[ 42 ] [ 43 ]} Alcock también publicó su Arte e industrias del arte en Japón en 1878.

En 1879, Dresser se asoció con Charles Holme (1848–1923) como Dresser & Holme, importadores mayoristas de productos orientales, con un almacén en 7 Farringdon Road, Londres. ^{[ 44 ]} Coleccionistas como el magnate de Liverpool James Lord Bowes comenzaron a coleccionar productos japoneses. James Lamb (ebanista) y Henry Ogden & Sons también comenzaron a fabricar muebles anglo-japoneses para el mercado occidental, como armarios colgantes, mesas y sillas. ^{[ 45 ]} Algunas piezas de cerámica producidas en Linthorpe Pottery , fundada en 1879, seguían de cerca los ejemplos japoneses en formas simples y, especialmente, en ricos efectos de esmalte cerámico bastante revolucionarios en el mercado inglés. En la vajilla comercial de producción masiva, el estilo estaba representado principalmente por estampados de transferencia que representaban motivos botánicos o animales japoneses, como bambúes y pájaros; escenas de Japón u objetos japoneses como abanicos. A menudo, estos se colocaban de una manera asimétrica novedosa, desafiando la tradición occidental . Otros alfareros que diseñaron en este estilo fueron Martin Brothers desde 1879 hasta 1904, ^{[ 46 ]} con muchas de sus obras principalmente de gres decorativo, fuertemente basadas en el principio de motivos florales y de peces y algunos esmaltes en sus obras posteriores. ^{[ 10 ]} Entre los pintores estéticos se encontraban William Stephen Coleman , Henry Stacy Marks , Edward Burne-Jones y Jean-Charles Cazin . Los artistas estéticos que se inspiraron en este estilo frecuentemente usaban imágenes como pavos reales, y llegaron a ser conocidos por sus colegas artistas como pertenecientes al «Culto de Japón». ^{[ 10 ]}

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  Gabinete Cottier
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  Crane , El príncipe rana (1874)
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  Papel pintado anglo-japonés de Godwin (c. 1874)
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  Godwin , Muebles anglo-japoneses (1875)
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  Cómoda , Staffordshire. Azulejo de cerámica (c. 1875).
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  Bowes , Arte cerámico de Japón, Lámina IV (1875)
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  Bowes, Cerámica Awagi (1875)
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  Chimenea Jeckyll Mon para Barnard, Bishop & Barnards (1875)
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  Jekyll, barandilla de girasoles para el pabellón japonés (1876)
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  Edward William Godwin, Aparador para William Watt (1876)
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  Jarrón con motivo de aves japonesas de Martin Brothers (1876)
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  Godwin, Muebles de arte (1877)
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  Sala del Pavo Real (1877; imagen tomada en 1890)
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  Cómoda, Tetera, (1879)
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  Cómoda, jarrón de cerámica artística Linthorpe (1879–1882)

Para la década de 1880, el estilo se había convertido en una influencia importante en el arte y la decoración de la época, particularmente en el Esteticismo . Cuando los estetas comenzaron a incorporar estilos japoneses a su movimiento, adoptaron motivos comunes como el girasol, la mariposa, el pavo real y el abanico japonés. ^{[ 47 ] [ 11 ]} Particularmente en 1880, Bruce James Talbert produjo una serie de aparadores y sillas anglo-japonesas ebonizadas utilizando el motivo del girasol en toda su extensión. También produjo una serie de papeles pintados estéticos en el estilo para Warner y Ramm, notablemente «característicos [usando] la simplicidad japonesa de línea y color» extraídos de las prácticas estéticas enseñadas en las obras de Dresser y Godwin. ^{[ 48 ]} Otro tejido popular empleado en el Esteticismo fueron las sedas tussore de «Liberty Colours». ^{[ 49 ]} A medida que el esteticismo se popularizaba, los diseñadores descubrieron que el «culto a la personalidad, especialmente cuando involucraba a creadores de arte, entraba en conflicto fundamental con el énfasis que Ruskin y Morris ponían en la importancia de los artesanos tradicionales». Liberty, en particular, quien compartía los ideales de William Morris , rechazó el esteticismo inicial, lo que se reflejó posteriormente en lo que se convertiría en el estilo Liberty . ^{[ 50 ]}

Frederick William Sutton , uno de los primeros fotógrafos de colodión que viajó a Japón en 1868 con la Marina Real , impartió ocho conferencias (entre 1879 y 1883) sobre la nueva forma de arte de la fotografía en Japón. ^{[ 51 ]} Estas conferencias mostraron fotografías tempranas y viajes a Japón y, en su sexta conferencia, identificó los conceptos de «Japón Viejo y Nuevo», un ideal victoriano que dividía el período Meiji en el tiempo anterior al contacto con Occidente y el posterior; el Japón Viejo denotaba una noción rural e idealizada del país de una época anterior a la Restauración Meiji y el Japón Nuevo era el Japón industrial y tolerante con Occidente . ^{[ 52 ]}

Stevens & Williams comenzó entonces en 1884 a fabricar sus cuencos decorativos de vidrio y hadas «Matsu-no-Kee», que adoptaron la naturaleza simplificada tan prominente en el estilo anglo-japonés y de las brillantes combinaciones de colores que se veían en los grabados en madera de la época. ^{[ 53 ]} Arthur Heygate Mackmurdo también comenzó a diseñar muebles inspirados en el Ikebana , como señalaron posteriormente muchas publicaciones periódicas de la época sobre el tema del arreglo floral japonés. ^{[ 54 ]}

En 1887, Charles Holmes, fundador de The Studio Magazine, viajó a Japón con Arthur Liberty. Ese mismo año, Mortimer Menpes también presentó su primera exposición de inspiración japonesa en Londres, lo que provocó la ira de Whistler. ^{[ 55 ]}

Alfred East recibe el encargo de la Fine Art Society de pintar en Japón durante seis meses en 1888, y Frank Morley Fletcher se familiariza con los grabados japoneses en madera, colaborando durante los siguientes 22 años en la enseñanza de esta técnica en Londres y Reading, Yorkshire . En 1889, Oscar Wilde señaló en La decadencia de la mentira que «De hecho, todo Japón es pura invención... El pueblo japonés es... simplemente un estilo, una exquisita fantasía artística». Véanse también las pinturas y diseños de Whistler (principalmente en La habitación del pavo real y su serie de nocturnos ).

Arthur Morrison comenzó su coleccionismo de pinturas japonesas (que culminó en su publicación de 1911) y grabados en madera, comprando piezas en Wapping y Limehouse , y a través de su amigo Harold George Parlett (1869-1945), un diplomático británico-japonés y escritor sobre budismo ; esta colección se convirtió finalmente en la colección Arthur Morrison del Museo Británico. ^{[ 56 ]}

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  Anónimo, Papel pintado estético (1880)
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  Papel pintado estético (c. 1880)
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  Cómoda, 'Bol de olas' (c. 1880)
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  Cottier , Gabinete ebonizado (1880)
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  Talbert , diseño de Nagasaki (1880)
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  Jekyll , motivo de mariposa (c. 1880–1881)
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  Steven & Williams , vidrio artístico estilo 'Matsu-no-Kee' (c. 1884)
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  Roussel , La chica lectora (1886)
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  Museo del Hogar, Interior Estético (1882–1888)
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  Este , Pasos a Maruyama (1888)

Durante la década de 1890, el arte anglo-japonés alcanzó su máximo apogeo, y las clases medias de la Gran Bretaña victoriana comenzaron a coleccionar y comprar importaciones japonesas y diseños y piezas de estilo anglo-japonés. ^{[ 19 ]} En 1890 se inauguró el Museo Bowes de Arte Japonés en Liverpool; ^{[ 57 ]} en The Magazine of Art, bajo la dirección de Marion Harry Spielmann, también se publicaron varios artículos sobre el arte japonés de la década. ^{[ 58 ]}

Two years prior, the painter Mortimer Menpes had travelled to Japan. Whilst there, Menpes developed a fascination with the architectural and decorative arts and upon return to London in 1889, had his home 'decorated in the Japanese style' by the architect Arthur Heygate Mackmurdo at 25 Cadogan Gardens, London by 1890.^[59] Menpes issued an Osaka-based Japanese company to furnish his home with stained curved wood panelling, traditionally seen in Shiro interiors or cornicing with gold detailing; based on Japanese lacquer, installed Kunmiko Ramma (decorative latticed ventilation screens), double-sided Anglo-Japanese window frames and employed typical minimal decoration. Furniture was also imported from Europe and Japan, with European chairs, sofa's and woven tapestries, simplistic 'Japanese character' drawers and cabinets, bronze and paper lanterns and lighting fixtures and porcelain jars which Menpes collaborated with Japanese potters on whilst in Japan.

"Mr. Menpes, by his free application of gold and colours and by his display in European fashion of numerous ornaments, has rather gone beyond Japanese custom in domestic interiors, ... as he has wished to adapt from rather than slavishly imitate the prototype. ... there is a growing feeling in the minds of many, and especially among those to whom the question of expense is not of paramount importance, that a house, to be in the highest sense an artistic house, should contain no decorations but those made by the hands of man, and especially adapted to their surroundings. Let ornament be used as sparingly as may be desired, but whatever there is of it, let it be of the best. Plain structural forms and plain surfaces add to rather than detract from the beauty of a house, provided their proportions are duly considered and that they are so placed that they relieve in effect some object of consummate decorative value." The Studio #17 (1899)^[59]

En 1891, se fundó la Japan Society , que comenzó a difundir los escritos de expatriados británicos que habían trabajado en Japón , y escritos sobre arte japonés , sobre temas como la ebanistería japonesa, la metalistería y los artistas japoneses Toyokuni I , Hiroshige , Kyosai , la escuela Kano . ^{[ 60 ] [ 61 ]} Críticos de arte japoneses contemporáneos también publicaron con la sociedad, como Yone Noguchi y Okakura Kakuzō . ^{[ 62 ]} Arthur Silver en Rottman, Strome, and Co comenzó a utilizar la técnica Ise katagami para hacer papel pintado . ^{[ 63 ]} Andrew White Tuer también publica información sobre el estarcido katagami, promovido en Inglaterra como "papel de cuero" sanitario en su Book of Delightful and Strange Designs, Being One Hundred Facsimile Illustrations of the Art of the Japanese Stencil Cutter (1892). ^{[ 64 ]} También se informó que en esta época los muebles de estilo anglo-japonés habían comenzado a utilizar incrustaciones de nácar, un material tradicionalmente japonés fabricado en Japón e importado para el mercado británico. ^{[ 59 ]} Allen William Seaby , alumno de Fletchley en la Universidad de Reading, comienza a estudiar la impresión japonesa en madera.

Un ejemplo notable de la década del auge del estilo moderno es Aubrey Beardsley , quien entrelazó la influencia de lo que en Inglaterra se denominó el Estilo Moderno con las xilografías japonesas (como el Manga de Hokusai, realizado entre 1814 y 1878) para formar una adaptación inglesa de los "efectos grotescos que permitía la convención japonesa" en la presentación de ilustraciones en Salome (1893) y The Yellow Book (1894-1897), en particular sus ilustraciones de "Bon-Mots of Sydney Smith" (1893). Se sabe que recibió de William Rothenstein una copia de shunga del artista Utamaro , la cual influyó profundamente en la imaginería erótica de Beardsley. Su primer contacto con los grabados japoneses en madera se produjo durante sus horas de almuerzo mientras trabajaba en la librería de Frederick Evans en Holborn, alrededor de 1889. Beardsley se sintió atraído por la sensibilidad japonesa de representar el cuerpo humano desnudo, mostrando una apertura hacia la desnudez y representándola con humor, rechazando las nociones victorianas sobre cómo debía representarse el cuerpo en el arte. ^{[ 65 ]} Además de la «distribución asimétrica de masas, ... ausencia de compacidad, espacio o luz y sombra» entre las «líneas curvas» de la falda del pavo real. ^{[ 18 ]}

Charles Ricketts también mostró la influencia del arte lineal japonés en La casa de las granadas de Wilde de 1891, que utilizó pavos reales y flores de azafrán que "aparecen en filas uniformes como un patrón de papel tapiz repetido" (como en el mérito estético de Voysey) y la "construcción asimétrica de la página [, la cubierta del libro y la ilustración]" diseño; dibujando también de la naturaleza; y en sus proporciones para la publicación de La esfinge de Wilde de 1894 que también precedió a la forma temprana de las influencias anglo-japonesas del Estilo Moderno. ^{[ 66 ]} Las formas de las olas en La casa de las granadas también recuerdan mucho a los grabados en madera de Hokusai.

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  Menpes , Londres, interior de una "casa japonesa" (c. 1890)
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  Diseño de la portada de la Granada de Ricketts (1891)
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  Beardsley , Ilustración de falda de pavo real (1892)
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  Tuer , plantilla de papel tapiz Katagami (1893)
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  Ricketts, diseño de la esfinge (1894)
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  Voysey , Papel pintado Liberty (1893–95)

En 1902, con la firma de la Alianza Anglo-Japonesa , Japón adquirió estatus de gran potencia a los ojos de los responsables de la política exterior británica y, junto con la industrialización "progresista" , la influencia japonesa se hizo más pronunciada, particularmente en lo que respecta a la industria de construcción naval en Glasgow. ^{[ 67 ]} Como tal, la sociedad británica comenzó a intercambiar más con esta nación industrializada hermana, intercambiando ideas sobre arte, estética (particularmente compositiva) e intercambio académico bilateral, de modo que a finales de la década de 1910, con este cambio impulsado por la industria, la educación y el ámbito académico, el intercambio cultural bilateral reemplazó el estilo anglo-japonés unidireccional a través de una mayor comprensión cultural del arte japonés y su historia, ciertamente entre académicos y museos nacionales abiertos al público, y figuras destacadas del arte japonés, eruditos y críticos.

Liberty's y el estilo moderno; 1900–1915

Hacia 1901, el estilo Liberty comenzó a florecer en Italia . Este se derivó de una serie de temas japoneses, griegos, celtas y renacentistas, "con aquellos elementos japoneses que atraían a la sensibilidad inglesa: asimetría, simplicidad, sensibilidad al medio y... materiales modestos", que "alcanzó popularidad internacional y llegó a personificar el Art Nouveau británico " (también conocido como el estilo moderno en Inglaterra). Primero en Inglaterra, con el rechazo de Liberty a los principios artísticos del movimiento esteticista de Arte por el Arte como mal diseño, favoreciendo el buen diseño en formatos de producción en masa. ^{[ 68 ] [ 69 ]} Con la influencia de Mackintosh, y la simplicidad o vacui del diseño del departamento de diseño que se ve en las obras de Archibald Knox , Arthur Silver, CFA Voysey y la popularidad de la mezcla de motivos japoneses y celtas que Mackintosh introdujo en Europa, la estética del arte japonés continuó influyendo e inculcándose en las escuelas de diseño británicas. La influencia japonesa fue aceptada entre las influencias del estilo moderno desde que Liberty comenzó a importar productos japoneses en la década de 1860, ya que «Inglaterra no solo se adelantó a otros países por varias décadas al aceptar el ejemplo ofrecido por Japón, sino que también experimentó su influencia durante un período mucho más largo», culminando para Liberty en lo que finalmente se convirtió en el estilo moderno en Inglaterra, tomando del diseño japonés la elegancia refinada inherente a la sobriedad del diseño japonés. ^{[ 70 ]}

Otto Eckmann señaló en ese período que «solo Inglaterra sabía asimilar y transformar esta riqueza de nuevas ideas y adaptarlas a su carácter nacional innato, obteniendo así un verdadero beneficio del estilo japonés» en el prefacio de una serie sobre el Jugendstil ; estos textiles decorativos de Liberty, influenciados por el estilo japonés, se habían vuelto extremadamente populares en Alemania; en Italia, el estilo se conocía como Stile Liberty por los diseños de telas de Liberty, y se pudo apreciar en la Exposición de Turín de 1902 y en la obra de Carlo Bugatti . Así, en Inglaterra, el Estilo Moderno surgió de esta fusión de motivos culturales, y también se manifestó en las obras de Ricketts para Wilde y de Beardsley en los últimos años de su vida, inspiradas en los estampados de Utamaro. ^{[ 71 ] [ 72 ]}

El diseño de interiores japonés también tiene una gran presencia en la obra de Charles Voysey, y la comparte con Mackintosh por su «abstracción... de enfoques nuevos e individuales para el diseño del espacio interior». Esto se aprecia sobre todo en sus diseños de papel pintado, que reducían los elementos ornamentales y decorativos. Voysey declaró que deseaba comenzar su diseño «eliminando el ornamento inútil y quemando la ostentación de moda que desfigura nuestros muebles y utensilios domésticos... [y] reduciendo la cantidad de estampados y [colores] en una habitación». La influencia en sus interiores se puede apreciar en Horniman House, entre 1906 y 1907. ^{[ 73 ]}

Diseño de jardines; 1901–1910

With this appreciation of Japan came an influx of interest also in the appreciation of Japanese garden design. The first acclaimed Japanese garden is often cited as having popularised the style was Leopold de Rothschild Japanese bamboo garden opened at Gunnersby Estate in West London in 1901. In 1903 Reginald Farrer popularised the rock gardening style affiliated by English gardeners with Zen gardens further in his writings. In 1908 this was furthered by the Scottish design proffered by Taki Handa. The Japanese garden at Tatton Park is an example of Anglo-Japanese gardening style. Common elements include 'stone lanterns, the use of large rocks and pebbles, stone bowls of water, and decorative shrubs and flowers like acers, azaleas and lilies' and 'red painted bridges'. The 1910 Floating Isle Garden particularly reinforced these elements in the style.^[74] Although elements of traditional Japanese garden design was incorporated, many English garden elements flowed into the overall appearance as well.^[75][76][77] By 1910 the Japanese garden had become a popular fixture such as at Hascombe Court by Percy Cane and Christopher Tunnard.^[78]

Bilateral artisanal exchange; 1901–1923

The 1902 Japanese Whitechapel Exhibition was favourably reviewed by Charles Lewis Hind, however Laurence Binyon noted the exhibition was lacking and that 'some day a loan exhibition may be formed which shall at least adumbrate the range and history of that [Japanese] art'.^[79]Charles Ricketts and Charles Haslewood Shannon donate their Japanese collection of Harunobu, Utagawa and Hokusai woodblock prints to the British Museum in this period.^[80][81] The Burlington Magazine was established in 1903 and with Charles Holmes editing the magazine, a number of articles on Japanese art were being published in the periodical, as well as in English Illustrated Magazine in 1904.

En 1905, Kokka comenzó a publicarse en inglés. En 1906, Sidney Sime produjo varias obras ilustradas para Edward Plunkett, 18.º barón de Dunsany, El tiempo y los dioses (1906). Dunsany estaba familiarizado con el teatro japonés e introdujo a Sime a varias de las convenciones, que pueden verse particularmente evidentes en estas ilustraciones, como las posturas encorvadas y la colocación de las figuras, y la aplicación de punteado en primer plano y fondo combinado con formas de onda que se ven comúnmente en los kimonos japoneses del siglo XIX, por ejemplo. ^{[ 22 ]} Eric Slater , alumno de Fletcher e inspirado por Arthur Rigden Read, también comenzó a hacer grabados japoneses en madera.

En particular, la pintura y la ilustración se desarrollaron aún más en esta época. El crítico de arte japonés Seiichi Taki (1873-1945) señaló en la revista Studio Magazine cómo la pintura occidental y oriental consideraban importante el tema de la pintura para expresar una idea al público; pero que diferían en sus resultados y ejecución, ya que el estilo occidental ponía énfasis en lo objetivo, mientras que el japonés se centraba en las ideas subjetivas. Taki observó que, en la pintura occidental, el enfoque principal era un objeto singular, como el cuerpo humano, que se convertía en el único punto focal de atención. En cambio, en las pinturas japonesas, las flores, los pájaros, los paisajes, incluso los árboles marchitos y las rocas sin vida, se les otorgaba este interés focal. De tal manera que, por ejemplo, la ejecución de un biombo Byobu no dirigía la mirada a una sola parte de la pintura, sino a todas sus partes, creando así una obra integral y microcósmicamente completa. ^{[ 82 ]} Roger Fry también señaló cómo los artistas europeos habían comenzado a olvidar el claroscuro en favor del estilo oriental de lo que Binyon denominó sensualidad ; o el «rechazo de la luz y la sombra». Fry señaló en 1910 cómo el arte chino y japonés «rechazaba la luz y la sombra por pertenecer principalmente al arte de la escultura», concluyendo que «ciertos efectos generales de atmósfera iluminada y sombreada, efectos de niebla, de noche y de crepúsculo, han mostrado durante seis siglos el camino que solo el arte europeo bastante moderno ha comenzado a seguir». ^{[ 83 ]}

La Exposición Japonesa-Británica tuvo lugar en 1910, donde Japón prestó al Reino Unido una serie de objetos artísticos e industriales. Sin embargo, durante esta década, el estilo llegó a su fin, ya que académicos y museos públicos comenzaron a apreciar plenamente y a intercambiar más con los artesanos vivos y la comunidad japonesa en el Reino Unido (entre 500 y 1000 personas en ese momento) que habían llegado para la exposición de 1910. Harry Allen (activo entre 1910 y 1925) también diseñó varios jarrones azules de Tiziano decorados con motivos anglo-japoneses, como la grulla de corona roja o el pavo real y las hojas de pino Matsu, para Royal Doulton. ^{[ 84 ]}

En 1913, cuando Binyon se hizo cargo de la sección japonesa del Departamento Oriental del Museo Británico, junto con Rothenstein, Morrison, Ricketts y Sazlewood, había formado un círculo literario y artístico de coleccionistas de grabados japoneses. Binyon contribuyó radicalmente a mejorar la calidad del departamento y, por ende, a ampliar la comprensión general de la profundidad y variedad de los estilos pictóricos japoneses conocidos por el público. Ricketts disfrutaba especialmente del estilo Korin o Rinpa . ^{[ 85 ]} Las obras publicadas de Binyon también ayudaron a mostrar una nueva visión del mundo basada en Oriente, en lugar de defender una eurocéntrica ; ^{[ 86 ]} por ejemplo, Binyon explica cómo «los japoneses miran a China como nosotros miramos a Italia y Grecia  : [que] para ellos es la tierra clásica, la fuente de la que su arte ha extraído no solo métodos, materiales y principios de diseño, sino también una infinita variedad de temas y motivos». ^{[ 87 ]}

Mi principal preocupación ha sido, no discutir cuestiones de autoría o arqueología, sino indagar qué valor estético y significado poseen estas pinturas orientales para nosotros en Occidente – Binyon (1913)

Con el advenimiento de una mayor comprensión académica de la estética japonesa, el estilo anglo-japonés llegó a su fin, transformándose en modernismo con la desaparición de la «fiebre por Japón» y la incorporación de objetos de arte japonés a las colecciones de museos europeos y estadounidenses. Esto se aprecia particularmente en la sobriedad o sencillez de los fondos en la obra de Charles Rennie Mackintosh y en el diseño escénico y de vestuario de Edward Gordon Craig . ^{[ 88 ]} Bernard Leach también contribuyó a inspirar un retorno a la artesanía más tradicional en Japón con el movimiento Mingei y en la cerámica inglesa para William Staite Murray en su elección de materiales. ^{[ 89 ] [ 90 ]}

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  Cómoda ; Diseño de papel pintado lateral (c. 1880–1904)
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  Sime , El canto fúnebre de Shimono Kani (1906)
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  Tatton Park , de Tatton , construido en estilo anglo-japonés (c. 1910–1911).
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  Kramer , Una chica japonesa (1918)
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  Botellas de gres Mashiko de Hamada Shoji con esmalte de hierro (1950-1960)

El enclave japonés

Parte del nuevo intercambio cultural bilateral, que sustituyó al estilo anglo-japonés unidireccional mediante una mayor comprensión cultural del arte japonés y su historia, provino de la propia comunidad japonesa en Londres .

Por ejemplo, en 1900, Sadajirō Yamanaka abrió su sucursal londinense de Yamanaka and Co. En 1902, se inauguró una exposición japonesa en Whitechapel , Londres, en la que Charles Lewis Hind reseñó las acuarelas del artista japonés que trabajaba en Londres, Yoshio Markino . Markino se convertiría en un ilustrador exitoso en la Gran Bretaña eduardiana, publicando obras ilustradas como The Colour of London (1907) y A Japanese Artist in London (1910). ^{[ 91 ]} El escritor Douglas Sladen también colaboró ​​frecuentemente con Markino en sus publicaciones. Entre 1907 y 1910, Wakana Utagawa visitó Londres para formarse en pintura a la acuarela y mostrar sus pinturas tradicionales japonesas con pincel.

En 1911, Frank Brangwyn comenzó a colaborar con diversos artistas japoneses, como Ryuson Chuzo Matsuyama, quien trabajaba en la Inglaterra eduardiana en técnicas de grabado en madera. En 1915, la galería Yamanaka de Londres acogió la Exposición de Préstamo de la Cruz Roja Británica. Estos empresarios, aprovechando la mejora de las relaciones internacionales, establecieron negocios en Europa y América. Comerciantes como Tonying, CT Loo (véase) y Yamanaka comenzaron a vender objetos de Asia Oriental directamente a coleccionistas occidentales. ^{[ 92 ]}

En Glasgow, en noviembre de 1878 tuvo lugar el Intercambio Glasgow-Japón, donde se intercambiaron bilateralmente artículos de arte, incluyendo 1000 piezas diversas de arquitectura, muebles, objetos de madera y laca, instrumentos musicales, cerámica, metalistería, textiles y muestras de vestuario y papel, que se exhibieron públicamente entre 1881 y 1882. ^{[ 93 ]} Bruce James Talbert también se inspiró para crear muebles, papeles pintados y telas para tapicería de inspiración japonesa.

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  Tela para tapicería Yesso (1870)

En diciembre de 1881, se inauguró la Exposición de Préstamo de Arte Oriental en las Galerías de la Corporación, que exhibió 1000 objetos de arte de Japón en Glasgow junto con otros objetos de Liberty & Co. y artefactos del Museo de South Kensington, y fue vista por 30 000 espectadores. Christopher Dresser dio una conferencia sobre arte japonés en una galería de arte de Glasgow en 1882 y Liberty se convirtió en el inversor de la Alianza de Amuebladores de Arte fundada por Dresser. En 1883, Frank Dillon (1823-1909), quien había visitado Japón en 1876, expuso El Festival de los Cerezos en Flor, Osaka, Japón en el Instituto de Glasgow. En marzo de 1883, Dresser también visitó Glasgow para dar una conferencia sobre la «Artesanía del Arte Japonés». ^{[ 94 ]} Japón también comenzó a exhibir sus productos en el Reino Unido, exhibiendo por separado en 1883, 1884, 1885 en Londres y en Edimburgo en 1884. ^{[ 95 ]} Alexander Reid fue un marchante de arte que abrió una galería de arte llamada "La Sociète des Beaux-Arts" en 1889, siendo recordado principalmente por ser conocido de Vincent van Gogh , ambos comenzaron a ser influenciados por los productos japoneses en 1887.

George Henry y EA Hornel, ambos graduados de la Escuela de Arte de Glasgow , realizaron un viaje a Japón financiado por Reid entre 1893 y 1894. A su regreso, ofrecieron una conferencia y una exposición sobre las pinturas realizadas como resultado de su visita a Japón en el Club de Arte. El Club de Arte acababa de ser renovado por Mackintosh en 1893 y se había convertido en un importante espacio social para los artistas de Glasgow. Hornel era un buen amigo de John Keppie, socio de Mackintosh y colegas en la Escuela de Arte de Glasgow, por lo que es posible que Mackintosh asistiera a esta exposición y conferencia. ^{[ 96 ]} Las conferencias de Henry en 1895 impulsaron el interés occidental y la narrativa sobre las artes japonesas como decorativas.

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  Henry , El bebé japonés (1893)
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  Henry, mujer japonesa con un abanico (1893–1894)
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  Hornel , – Escena callejera (1894)
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  Hornel, Dos geishas (1894)
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  Henry, El reloj de arena (c. 1899)

La Exposición Internacional de Glasgow de 1901 incluyó una exposición sobre Japón.

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  Recepción de otoño, Herter Brothers (c. 1865-1905)
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  Papel pintado americano, (c. 1885)
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  Plato de plata con motivo de iris , de Tiffany & Company (1879)
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  Gabinete de Herter Brothers (c. 1880)
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  Plantilla para papel pintado con motivo de carpa japonesa, de Candace Wheeler (c. 1885–1905).
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  Cómoda, de Nimura & Sato , 1905