Cine de los Estados Unidos

El primer caso documentado de captura de movimiento fue la serie de fotografías de Eadweard Muybridge que mostraban un caballo corriendo, tomadas en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila. El logro de Muybridge impulsó a inventores de todo el mundo a intentar crear dispositivos similares. En Estados Unidos, Thomas Edison fue uno de los primeros en producir un dispositivo de este tipo: el kinetoscopio y el kinetógrafo. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

La historia del cine en Estados Unidos tiene sus raíces en la Costa Este , donde, en su momento, Fort Lee, Nueva Jersey , fue la capital cinematográfica del país. La industria cinematográfica estadounidense comenzó a finales del siglo XIX con la construcción del " Black Maria " de Thomas Edison, el primer estudio cinematográfico en West Orange, Nueva Jersey . Las ciudades y pueblos a orillas del río Hudson y los acantilados de Hudson ofrecían terrenos a precios considerablemente inferiores a los de la ciudad de Nueva York, al otro lado del río, y se beneficiaron enormemente del crecimiento fenomenal de la industria cinematográfica a principios del siglo XX. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ] [ 20 ]}

La industria comenzó a atraer tanto capital como mano de obra innovadora. En 1907, cuando la compañía Kalem comenzó a usar Fort Lee como locación para filmar en la zona, otros cineastas no tardaron en seguir su ejemplo. En 1909, un precursor de Universal Studios , la Champion Film Company , construyó el primer estudio. ^{[ 21 ]} Otros no tardaron en seguir su ejemplo y construyeron nuevos estudios o alquilaron instalaciones en Fort Lee. En las décadas de 1910 y 1920 , compañías cinematográficas como Independent Moving Pictures Company, Peerless Pictures Studios , Solax Studios , Eclair , Goldwyn Pictures Corporation , Star Film ( Georges Méliès ), World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Société Pathé Frères , Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. , Victor Film Company y Selznick International Pictures producían películas en Fort Lee. Muchos actores notables, como Mary Pickford , comenzaron su carrera en Biograph Studios. ^{[ 22 ] [ 23 ] [ 24 ]}

En Nueva York, los estudios Kaufman Astoria en Queens , construidos durante la época del cine mudo, fueron utilizados por los Hermanos Marx y WC Fields . Los estudios Edison estaban ubicados en el Bronx . Chelsea, en Manhattan , también se utilizaba con frecuencia.

Otras ciudades del este, sobre todo Chicago y Cleveland , también sirvieron como centros iniciales de producción cinematográfica. ^{[ 25 ] [ 26 ]}

En el Oeste, California ya se estaba consolidando rápidamente como un importante centro de producción cinematográfica. En Colorado , Denver albergaba la compañía Art-O-Graf Film Company, y el primer estudio Laugh-O-Gram de Walt Disney tenía su sede en Kansas City , Missouri.

Desde 1908, la industria cinematográfica de Jacksonville, Florida, vio a más de 30 compañías de cine mudo establecer estudios en la ciudad, incluyendo Kalem Studios , Metro Pictures (más tarde MGM ), Edison Studios , Majestic Films, ^{[ 27 ]} King-Bee Films Corporation , Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Film Company y Lubin Manufacturing Company .

Picture City, Florida, fue un lugar planeado para un centro de producción cinematográfica en la década de 1920, pero debido al huracán Okeechobee de 1928 , la idea fracasó y Picture City, Florida, volvió a su nombre original de Hobe Sound . Un intento de establecer un centro de producción cinematográfica en Detroit también resultó infructuoso. ^{[ 28 ]}

Las guerras de patentes cinematográficas de principios del siglo XX contribuyeron a la expansión de las compañías cinematográficas a otras partes de Estados Unidos, fuera de Nueva York. Muchos cineastas trabajaban con equipos cuyos derechos de uso no poseían. Por lo tanto, filmar en Nueva York podía ser peligroso, ya que estaba cerca de la sede de Edison y de los agentes que la compañía enviaba para confiscar cámaras. ^{[ 29 ]}

Una alternativa era Los Ángeles, que tenía inviernos suaves, una gran variedad de lugares para filmar y, lo más importante, estaba a solo 90 millas de la frontera con México, en caso de que necesitaran huir de los agentes de Edison. Para 1912, la mayoría de las grandes compañías cinematográficas habían establecido instalaciones de producción en el sur de California , cerca de Los Ángeles o en la misma ciudad, debido al clima favorable de la región durante todo el año. ^{[ 30 ]}

La producción de 1908 de Selig Polyscope Company de El Conde de Montecristo , dirigida por Francis Boggs y protagonizada por Hobart Bosworth , fue considerada la primera en filmarse en Los Ángeles, en 1907. En 1957, la ciudad inauguró una placa en la tienda principal de Dearden , en la esquina de Main Street y 7th Street, para conmemorar el rodaje en el lugar, que en ese entonces era una lavandería china. ^{[ 31 ]} La viuda de Bosworth sugirió que la ciudad se había equivocado con la fecha y el lugar, y que la película en realidad se filmó en la cercana Venice , que en ese momento era una ciudad independiente. ^{[ 32 ]} En el poder del sultán, dirigida por Boggs para Selig Polyscope Company, también protagonizada por Bosworth, se considera la primera película filmada completamente en Los Ángeles, con rodaje en 7th y Olive Streets, en 1909. ^{[ 33 ] [ 32 ]}

A principios de 1910, el director DW Griffith fue enviado por la compañía Biograph a la Costa Oeste con su compañía de actores, compuesta por Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore y otros. Comenzaron a filmar en un solar vacío cerca de la calle Georgia, en el centro de Los Ángeles. Durante su estancia, la compañía decidió explorar nuevos territorios y viajó varios kilómetros al norte hasta Hollywood: un pequeño pueblo acogedor que disfrutó de la presencia de la productora. Allí, Griffith filmó la primera película rodada en Hollywood, « En la vieja California» , un melodrama de Biograph sobre California en el siglo XIX, cuando el estado estaba bajo dominio mexicano . Griffith permaneció allí durante meses y rodó varias películas antes de regresar a Nueva York. También en 1910, Selig Polyscope Company de Chicago estableció el primer estudio cinematográfico en el área de Los Ángeles en Edendale , ^{[ 31 ]} y el primer estudio en Hollywood abrió en 1912. ^{[ 34 ] : 447} Después de enterarse del éxito de Griffith en Hollywood, en 1913, muchos cineastas se dirigieron al oeste para evitar las tarifas impuestas por Thomas Edison , quien poseía patentes sobre el proceso de realización cinematográfica. ^{[ 35 ]} Nestor Studios de Bayonne, Nueva Jersey , construyó el primer estudio en el barrio de Hollywood en 1911. Nestor Studios, propiedad de David y William Horsley, se fusionó más tarde con Universal Studios; y la otra compañía de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, es ahora la compañía existente más antigua en Hollywood, actualmente llamada Hollywood Digital Laboratory. El clima más hospitalario y rentable de California llevó al eventual traslado de prácticamente toda la producción cinematográfica a la Costa Oeste para la década de 1930. En aquel entonces, Thomas Edison poseía casi todas las patentes relevantes para la producción cinematográfica, y los productores de cine de la Costa Este que actuaban independientemente de la Motion Picture Patents Company de Edison a menudo eran demandados o sometidos a medidas cautelares por Edison y sus agentes, mientras que los cineastas que trabajaban en la Costa Oeste podían trabajar independientemente del control de Edison. ^{[ 29 ]}

En Los Ángeles, los estudios y Hollywood crecieron. Antes de la Primera Guerra Mundial , se filmaban películas en varias ciudades estadounidenses, pero los cineastas tendían a concentrarse en el sur de California a medida que la industria se desarrollaba. Les atraía el clima cálido y predecible con luz solar constante, lo que permitía filmar al aire libre durante todo el año. ^{[ 36 ]} Los daños de la guerra contribuyeron al declive de la entonces dominante industria cinematográfica europea, en favor de Estados Unidos, donde la infraestructura aún estaba intacta. ^{[ 37 ]} La respuesta temprana y más contundente de salud pública a la epidemia de gripe de 1918 por parte de Los Ángeles ^{[ 38 ]} en comparación con otras ciudades estadounidenses redujo el número de casos y resultó en una recuperación más rápida, lo que contribuyó al creciente dominio de Hollywood sobre la ciudad de Nueva York. ^{[ 37 ]} Durante la pandemia, los funcionarios de salud pública cerraron temporalmente los cines en algunas jurisdicciones, los grandes estudios suspendieron la producción durante semanas y algunos actores contrajeron la gripe. Esto causó grandes pérdidas financieras y graves dificultades para los pequeños estudios, pero la industria en su conjunto se recuperó por completo durante los locos años veinte . ^{[ 39 ]}

A principios del siglo XX, cuando el medio era nuevo, muchos inmigrantes judíos encontraron empleo en la industria cinematográfica estadounidense. Lograron destacar en un negocio completamente nuevo: la exhibición de cortometrajes en cines de barrio llamados nickelodeons , por el precio de la entrada de cinco centavos. En pocos años, hombres como Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer y los hermanos Warner (Harry, Albert, Samuel y Jack) se pasaron a la producción. Pronto se convirtieron en los líderes de un nuevo tipo de empresa: el estudio cinematográfico . En estos primeros años, Estados Unidos contó con al menos dos directoras, productoras y directoras de estudio: Lois Weber y la francesa Alice Guy-Blaché . Ellas también sentaron las bases del internacionalismo de la industria, a menudo acusada de provincialismo amerocéntrico .

Otros productores cinematográficos llegaron de Europa después de la Primera Guerra Mundial: directores como Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang y Jean Renoir ; y actores como Rudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman y Charles Boyer . Se unieron a una cantera de actores locales —atraídos al oeste desde los escenarios de la ciudad de Nueva York tras la llegada del cine sonoro— para formar una de las industrias de mayor crecimiento del siglo XX. En el apogeo de la popularidad del cine a mediados de la década de 1940, los estudios producían un total de aproximadamente 400 películas al año, vistas por una audiencia de 90  millones de estadounidenses por semana. ^{[ 40 ]}

El sonido también se popularizó en Hollywood a finales de la década de 1920. ^{[ 41 ]} Tras el exitoso estreno de El cantante de jazz , la primera película con voces sincronizadas, como película sonora Vitaphone en 1927, las compañías cinematográficas de Hollywood respondieron a Warner Bros. y comenzaron a utilizar el sonido Vitaphone —propiedad de Warner Bros. hasta 1928— en futuras películas. En mayo de 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), una subsidiaria de Western Electric, tenía el monopolio de la distribución de sonido cinematográfico. ^{[ 40 ]}

Un efecto secundario de estas películas sonoras fue que muchos actores que habían desarrollado sus carreras en el cine mudo se encontraron repentinamente sin trabajo, ya que a menudo tenían malas voces o no recordaban sus diálogos. Mientras tanto, en 1922, el político estadounidense Will H. Hays abandonó la política y fundó la organización de productores de estudios cinematográficos conocida como Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). ^{[ 42 ]} La organización se convirtió en la Motion Picture Association of America después de que Hays se retirara en 1945.

En los inicios del cine sonoro, los estudios estadounidenses descubrieron que sus producciones sonoras eran rechazadas en los mercados de habla extranjera e incluso entre hablantes de otros dialectos del inglés. La tecnología de sincronización aún era demasiado rudimentaria para el doblaje . Una de las soluciones fue crear versiones paralelas en otros idiomas de las películas de Hollywood. Alrededor de 1930, las compañías estadounidenses abrieron un estudio en Joinville-le-Pont , Francia, donde los mismos decorados, vestuario e incluso las escenas de masas se utilizaban para diferentes equipos que trabajaban por turnos.

Además, se seleccionaron actores, dramaturgos y ganadores de concursos de fotogenia extranjeros desempleados y se los llevó a Hollywood, donde rodaron versiones paralelas de películas en inglés. Estas versiones paralelas tenían un presupuesto menor, se filmaban de noche y eran dirigidas por directores estadounidenses de segunda fila que no hablaban ningún idioma extranjero. Los equipos de rodaje en español incluían a personas como Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat y Edgar Neville . Las producciones no tuvieron mucho éxito en sus mercados objetivo, debido a las siguientes razones:

• Los presupuestos más bajos eran evidentes.
• Muchos actores de teatro no tenían experiencia previa en el cine.
• Las películas originales solían ser de segunda categoría, ya que los estudios esperaban que las mejores producciones se vendieran por sí solas.
• La mezcla de acentos extranjeros (castellano, mexicano y chileno, por ejemplo, en el caso del español) resultó extraña para el público.
• En algunos mercados, los cines carecían de equipamiento acústico.

El cine clásico de Hollywood , o la Edad de Oro de Hollywood, se define como un estilo técnico y narrativo característico del cine estadounidense desde 1913 hasta 1962, periodo durante el cual se estrenaron miles de películas en los estudios de Hollywood. El estilo clásico comenzó a surgir en 1913, se aceleró en 1917 tras la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y finalmente se consolidó con el estreno de la película El cantante de jazz en 1927, que puso fin a la era del cine mudo e incrementó los beneficios de taquilla para la industria cinematográfica al introducir el sonido en los largometrajes.

La mayoría de las películas de Hollywood seguían una fórmula muy similar: western , comedia física , musical , dibujos animados , biográfica , y los mismos equipos creativos solían trabajar en películas del mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM , Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años, casi todas las películas de Cecil B. De Mille se rodaron en Paramount , y la mayoría de las películas del director Henry King se realizaron para 20th Century Fox.

Al mismo tiempo, solía ser posible adivinar qué estudio había producido cada película, principalmente por los actores que aparecían en ella; MGM , por ejemplo, afirmaba haber contratado a "más estrellas que en el cielo". Cada estudio tenía su propio estilo y toques característicos que permitían saberlo, una característica que rara vez se encuentra hoy en día.

Por ejemplo, Tener y no tener (1944) destaca no solo por ser la primera vez que los actores Humphrey Bogart (1899-1957) y Lauren Bacall (1924-2014) trabajaron juntos, sino también porque fue escrita por dos futuros ganadores del Premio Nobel de Literatura : Ernest Hemingway (1899-1961), autor de la novela en la que se basó nominalmente el guion, y William Faulkner (1897-1962), quien trabajó en la adaptación cinematográfica.

Tras el estreno de El cantante de jazz en 1927, Warner Bros. alcanzó un enorme éxito y logró adquirir su propia cadena de cines tras comprar Stanley Theaters y First National Productions en 1928. Por el contrario, Loews Theaters era propietaria de MGM desde su fundación en 1924, mientras que Fox Film Corporation era propietaria del Fox Theatre . RKO (una fusión de 1928 entre Keith-Orpheum Theaters y Radio Corporation of America ^{[ 43 ]} ) también respondió al monopolio de Western Electric/ERPI sobre el sonido en las películas y desarrolló su propio método, conocido como Photophone , para incorporar sonido a las películas. ^{[ 40 ]}

Paramount, que adquirió Balaban y Katz en 1926, respondería al éxito de Warner Bros. y RKO comprando varios cines a finales de la década de 1920, y mantendría el monopolio de los cines en Detroit, Michigan . ^{[ 44 ]} Para la década de 1930, casi todos los cines metropolitanos de estreno en los Estados Unidos eran propiedad de los cinco grandes estudios: MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. y 20th Century Fox . ^{[ 45 ]}

Auge y declive del sistema de estudios.

Las compañías cinematográficas operaban bajo el sistema de estudios . Los grandes estudios mantenían a miles de personas con un salario fijo: actores, productores, directores, guionistas, especialistas, artesanos y técnicos. Poseían o alquilaban ranchos cinematográficos en zonas rurales del sur de California para el rodaje de películas del oeste y otros filmes de género a gran escala, y los grandes estudios eran dueños de cientos de salas de cine en ciudades y pueblos de todo el país, que proyectaban sus películas y que siempre necesitaban material nuevo.

En 1930, el presidente de la MPPDA, Will Hays, creó el Código Hays (de Producción) , que seguía las directrices de censura y entró en vigor después de que las amenazas de censura del gobierno se extendieran en 1930. ^{[ 46 ]} Sin embargo, el código nunca se aplicó hasta 1934 después de que la organización católica de vigilancia The Legion of Decency —horrorizada por algunas de las películas provocativas y la publicidad escandalosa de la época, posteriormente clasificada como Hollywood Pre-Code— amenazara con un boicot a las películas si no entraba en vigor. ^{[ 47 ]} Las películas que no obtenían un sello de aprobación de la Production Code Administration tenían que pagar una multa de 25 000 dólares ( equivalente a 481 823 dólares en 2025 ) y no podían obtener ganancias en los cines, ya que la MPPDA controlaba todos los cines del país a través de los cinco grandes estudios.

A lo largo de la década de 1930, así como durante la mayor parte de la época dorada, MGM dominó la pantalla de cine y contaba con las principales estrellas de Hollywood, y también se le atribuye la creación del sistema de estrellas de Hollywood . ^{[ 48 ]} Algunas estrellas de MGM fueron Clark Gable , el "Rey de Hollywood" , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland y Gene Kelly . ^{[ 48 ]}

Otro gran logro del cine estadounidense durante esta época fue la compañía de animación de Walt Disney . En 1937, Disney creó la película más exitosa de su época, Blancanieves y los siete enanitos . ^{[ 49 ]} Esta distinción fue rápidamente superada en 1939 cuando Selznick International creó la que aún hoy, ajustada a la inflación, es la película más exitosa de todos los tiempos: Lo que el viento se llevó . ^{[ 50 ]}

Muchos historiadores del cine han destacado las numerosas obras maestras que surgieron durante este periodo de producción cinematográfica altamente controlada. Una de las razones por las que esto fue posible es que, con tantas películas en producción, no todas tenían que ser grandes éxitos. Un estudio podía arriesgarse con un largometraje de presupuesto medio con un buen guion y actores relativamente desconocidos: Ciudadano Kane , dirigida por Orson Welles (1915-1985) y a menudo considerada la mejor película de todos los tiempos , encaja en esta descripción. En otros casos, directores con una fuerte personalidad como Howard Hawks (1896-1977), Alfred Hitchcock (1899-1980) y Frank Capra (1897-1991) lucharon contra los estudios para plasmar sus visiones artísticas.

El apogeo del sistema de estudios pudo haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como El mago de Oz , Lo que el viento se llevó , La diligencia , El señor Smith va a Washington , Cumbres borrascosas , Solo los ángeles tienen alas , Ninotchka y Medianoche . Entre otras películas del período de la Edad de Oro que ahora se consideran clásicos: Casablanca , ¡Qué bello es vivir !, Sucedió una noche , el King Kong original , Rebelión a bordo , Sombrero de copa , Luces de la ciudad , Río rojo , La dama de Shanghái , La ventana indiscreta , La ley del silencio , Rebelde sin causa , Con faldas y a lo loco y El mensajero del miedo .

El sistema de estudios y la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas que se desarrollaron a finales de la década de 1940:

• una acción antimonopolio federal que separó la producción de películas de su exhibición; y
• la llegada de la televisión .

En 1938, Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney se estrenó durante una racha de películas mediocres de los grandes estudios, y rápidamente se convirtió en la película más taquillera estrenada hasta ese momento. Para vergüenza de los estudios, era una película de animación de producción independiente que no contaba con ninguna estrella contratada por el estudio. ^{[ 51 ]} Esto avivó la frustración ya generalizada por la práctica de la reserva en bloque , en la que los estudios solo vendían a los cines todo el calendario de películas de un año a la vez y usaban el bloqueo para encubrir estrenos de calidad mediocre.

El fiscal general adjunto Thurman Arnold —un conocido " rompedor de monopolios " de la administración Roosevelt— aprovechó esta oportunidad para iniciar procedimientos contra los ocho estudios más grandes de Hollywood en julio de 1938 por violaciones de la Ley Antimonopolio Sherman . ^{[ 52 ] [ 53 ]} La demanda federal resultó en que cinco de los ocho estudios (los "Cinco Grandes": Warner Bros. , MGM , Fox , RKO y Paramount ) llegaran a un acuerdo con Arnold en octubre de 1940 y firmaran un decreto de consentimiento en el que aceptaban, en un plazo de tres años:

• Eliminar la reserva en bloque de temas para cortometrajes, en un acuerdo conocido como "toma única" o reserva en bloque "a plena capacidad".
• Eliminar la práctica de programar más de cinco películas a la vez en sus salas de cine.
• Ya no se realizarán compras a ciegas (es decir, la compra de películas por parte de los distritos cinematográficos sin verlas previamente) y, en su lugar, se organizarán ferias comerciales , en las que los 31 distritos cinematográficos de EE. UU. verán las películas cada dos semanas antes de proyectarlas en los cines.
• Establecer una junta administrativa en cada distrito teatral para hacer cumplir estos requisitos. ^{[ 52 ]}

Los "Tres Pequeños" ( Universal Studios , United Artists y Columbia Pictures ), que no poseían ningún cine, se negaron a participar en el decreto de consentimiento. ^{[ 52 ] [ 53 ]} Varios productores de cine independientes también estaban descontentos con el compromiso y formaron un sindicato conocido como la Sociedad de Productores de Cine Independientes y demandaron a Paramount por el monopolio que aún mantenían sobre los cines de Detroit, ya que Paramount también estaba ganando dominio a través de actores como Bob Hope, Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, el cantante Bing Crosby, Alan Ladd y el veterano actor del estudio Gary Cooper, para 1942. Los estudios de los Cinco Grandes no cumplieron con los requisitos del Decreto de Consentimiento durante la Segunda Guerra Mundial, sin mayores consecuencias, pero después de que terminó la guerra se unieron a Paramount como demandados en el caso antimonopolio de Hollywood, al igual que los estudios de los Tres Pequeños. ^{[ 54 ]}

En el caso Estados Unidos contra Paramount Pictures, Inc., la Corte Suprema de los Estados Unidos dictaminó que la propiedad de salas de cine y la distribución de películas por parte de los grandes estudios constituían una violación de la Ley Antimonopolio Sherman . Como consecuencia, los estudios comenzaron a rescindir los contratos de actores y personal técnico. Esto transformó el panorama cinematográfico de los grandes estudios de Hollywood, ya que cada uno podía contar con un elenco y un equipo creativo completamente diferentes.

La decisión provocó la pérdida gradual de las características que hacían inmediatamente reconocibles las películas de Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures y 20th Century Fox. Algunos profesionales del cine, como Cecil B. DeMille , permanecieron bajo contrato hasta el final de sus carreras o utilizaron los mismos equipos creativos en sus películas, de modo que una película de DeMille seguía teniendo el mismo aspecto, independientemente de si se había rodado en 1932 o en 1956.

El cine posclásico representa la evolución de los métodos narrativos en el Nuevo Hollywood. Se ha argumentado que los nuevos enfoques del drama y la caracterización jugaron con las expectativas del público adquiridas durante el período clásico: la cronología puede alterarse, las tramas pueden presentar giros inesperados y la línea entre el antagonista y el protagonista puede difuminarse. Las raíces de la narrativa posclásica se pueden apreciar en el cine negro , en Rebelde sin causa (1955) y en la innovadora película Psicosis de Hitchcock .

El Nuevo Hollywood es el surgimiento de una nueva generación de directores formados en escuelas de cine que habían absorbido las técnicas desarrolladas en Europa en la década de 1960 como resultado de la Nouvelle Vague francesa; la película Bonnie y Clyde de 1967 marcó también el comienzo del resurgimiento del cine estadounidense, ya que una nueva generación de películas obtendría posteriormente éxito en taquilla. ^{[ 55 ]} Cineastas como Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski y William Friedkin llegaron a producir obras que rendían homenaje a la historia del cine y desarrollaban géneros y técnicas existentes. Inaugurado por el lanzamiento en 1969 de Blue Movie de Andy Warhol , el fenómeno de las películas eróticas para adultos discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ), ^{[ 56 ]} y tomadas en serio por críticos (como Roger Ebert ), ^{[ 57 ] [ 58 ]} un desarrollo al que Ralph Blumenthal de The New York Times se refirió como " porno chic ", y más tarde conocido como la Edad de Oro del Porno , comenzó, por primera vez, en la cultura estadounidense moderna. ^{[ 56 ] [ 59 ] [ 60 ]} Según la galardonada autora Toni Bentley , la película de Radley Metzger de 1976 , The Opening of Misty Beethoven , basada en la obra Pigmalión de George Bernard Shaw (y su derivado, My Fair Lady ), y debido a que alcanzó un nivel convencional en la trama y los escenarios, ^{[ 61 ]} es considerada la "joya de la corona" de esta "Edad de Oro". ^{[ 62 ] [ 63 ]}

En la cima de su fama a principios de la década de 1970, Charles Bronson era la atracción número uno en taquilla a nivel mundial, recaudando un  millón de dólares por película. ^{[ 64 ]} En la década de 1970, las películas de los cineastas del Nuevo Hollywood a menudo eran aclamadas por la crítica y exitosas comercialmente. Si bien las primeras películas del Nuevo Hollywood, como Bonnie y Clyde y Easy Rider, habían sido producciones de presupuesto relativamente bajo con héroes amorales y mayor sexualidad y violencia, el enorme éxito de Friedkin con El exorcista , Spielberg con Tiburón , Coppola con El padrino y Apocalypse Now , Scorsese con Taxi Driver , Kubrick con 2001: Una odisea del espacio , Polanski con Chinatown y Lucas con American Graffiti y Star Wars , respectivamente, ayudó a dar origen al " éxito de taquilla " moderno e indujo a los estudios a centrarse cada vez más en intentar producir grandes éxitos. ^{[ 65 ]}

En Estados Unidos, la clasificación PG-13 se introdujo en 1984 para dar cabida a las películas que se situaban en la frontera entre PG y R, debido principalmente a las controversias en torno al contenido violento de las películas PG Indiana Jones y el templo maldito y Gremlins (ambas de 1984). ^{[ 66 ]}

Los cineastas  de la década de 1990 tuvieron acceso a innovaciones tecnológicas, políticas y económicas que no habían estado disponibles en décadas anteriores. El crítico Matt Zoller Seitz argumentó que el cineasta Robert Zemeckis , más que George Lucas en la década de 1970, impulsó a Hollywood de su fase analógica a la era digital, siendo su película de 1989, Regreso al futuro II, un "ejercicio casi puramente formal " que incorporó varias innovaciones como el sistema de cámara VistaGlide de ILM para permitir movimientos de cámara en tomas donde se necesitan varios personajes interpretados por el mismo actor en pantalla. ^{[ 67 ]} Dick Tracy (1990) se convirtió en el primer largometraje de 35 mm con una banda sonora digital . Batman Returns (1992) fue la primera película en utilizar el sonido estéreo de seis canales Dolby Digital , que desde entonces se ha convertido en el estándar de la industria. Las imágenes generadas por computadora se facilitaron enormemente cuando fue posible transferir imágenes de película a una computadora y manipularlas digitalmente. Las posibilidades se hicieron evidentes en Terminator 2: Judgment Day (1991) del director James Cameron , en imágenes del personaje T-1000 que cambia de forma . Los gráficos por computadora o CG avanzaron hasta un punto en que Jurassic Park (1993) pudo usar las técnicas para crear animales de aspecto realista. Jackpot (2001) se convirtió en la primera película que se filmó completamente en digital. ^{[ 68 ]} En la película Titanic , Cameron quiso ampliar los límites de los efectos especiales con su película, y contrató a Digital Domain y Pacific Data Images para continuar los desarrollos en tecnología digital que el director fue pionero mientras trabajaba en The Abyss y Terminator 2: Judgment Day . Muchas películas anteriores sobre el RMS Titanic filmaron el agua en cámara lenta , lo que no parecía del todo convincente. ^{[ 69 ]} Cameron animó a su equipo a filmar su miniatura de 45 pies de largo (14 m) del barco como si "estuviéramos haciendo un comercial para White Star Line". 

Incluso El proyecto de la bruja de Blair (1999), una película de terror independiente de bajo presupuesto de Eduardo Sánchez y Daniel Myrick , fue un enorme éxito financiero. Filmada con un presupuesto de tan solo 35 000 dólares, sin grandes estrellas ni efectos especiales, la película recaudó 248 millones de dólares gracias al uso de técnicas de marketing modernas y promoción en línea. Aunque no alcanzó la magnitud de la precuela de la trilogía de Star Wars de George Lucas , que costó mil millones de dólares , El proyecto de la bruja de Blair se ganó la distinción de ser la película más rentable de todos los tiempos, en términos de porcentaje de recaudación bruta. ^{[ 68 ]}

El éxito de Blair Witch como proyecto independiente sigue siendo una de las pocas excepciones, y el control de los cinco grandes estudios sobre  la producción cinematográfica continuó aumentando durante la década de 1990. Las seis grandes compañías disfrutaron de un período de expansión en esa década. Cada una desarrolló diferentes maneras de adaptarse al aumento de los costos en la industria cinematográfica, especialmente a los crecientes salarios de las estrellas de cine, impulsados ​​por poderosos agentes. Las mayores estrellas como Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson , Kevin Bacon y Julia Roberts recibieron entre 15 y 20 millones de dólares  por película y, en algunos casos, incluso una parte de las ganancias. ^{[ 68 ]}

Por otro lado, a los guionistas generalmente se les pagaba menos que a los actores o directores más importantes, normalmente menos de un  millón de dólares por película. Sin embargo, el factor más importante que impulsaba el aumento de los costos eran los efectos especiales. Para 1999, el costo promedio de una película taquillera era de 60  millones de dólares antes del marketing y la promoción, que costaban otros 80  millones de dólares. ^{[ 68 ]}

Desde principios del siglo XXI, el mercado teatral ha sido dominado lentamente por el género de superhéroes . A partir de 2022Son las producciones mejor pagadas para los actores, porque los sueldos en otros géneros se han reducido incluso para los actores más importantes. ^{[ 71 ]} Sin embargo, en 2023 y 2024, los expertos de Hollywood señalaron la «fatiga de superhéroes» como una tendencia emergente. ^{[ 72 ]} Actores como Paul Dano y directores como Matthew Vaughn han hecho argumentos similares. ^{[ 73 ] [ 74 ]}

En 2021, a pesar de la pandemia de COVID-19 en Estados Unidos , películas taquilleras como Black Widow , F9 , Muerte en el Nilo y West Side Story se estrenaron en cines después de haber sido pospuestas de sus fechas de estreno iniciales de 2020. ^{[ 75 ]}

Varios estudios respondieron a la crisis con decisiones controvertidas de renunciar a la ventana de cine y dar a sus películas estrenos simultáneos . NBCUniversal lanzó Trolls World Tour directamente en alquiler de video bajo demanda el 10 de abril, ^{[ 76 ]} mientras que simultáneamente recibía proyecciones limitadas en cines nacionales a través de autocines; ^{[ 77 ]} el CEO Jeff Shell afirma que la película había alcanzado casi 100  millones de dólares en ingresos en las primeras tres semanas. ^{[ 78 ] [ 79 ]} La decisión fue rechazada por AMC Theatres , que luego anunció que sus proyecciones de películas de Universal Pictures cesarían inmediatamente, aunque las dos compañías finalmente acordarían una ventana de cine de 2 semanas. ^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ] [ 83 ] [ 84 ]} Para diciembre de 2020, Warner Bros. Pictures anunció su decisión de lanzar simultáneamente su lista de películas de 2021 tanto en cines como en su sitio de streaming HBO Max durante un período de un mes para maximizar la audiencia. ^{[ 85 ]} Sin embargo, en 2023, las huelgas de la industria convocadas por el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA) y el Sindicato de Actores de Cine (SAG-AFTRA) pusieron de relieve las crecientes disputas sobre los derechos de autor de las plataformas de streaming, la tecnología de IA en la escritura y la actuación, y la remuneración justa, lo que refleja los desafíos más amplios que enfrenta el modelo económico en evolución de Hollywood. La medida fue vehementemente criticada por varias figuras de la industria, muchas de las cuales, según se informó, no fueron informadas de la decisión antes del anuncio y se sintieron engañadas por el estudio. ^{[ 86 ]}

A partir de 2019 se ha visto el auge de las plataformas de streaming estadounidenses, como Netflix , Disney+ , Paramount+ y Apple TV+ , que llegaron a rivalizar con el cine tradicional. ^{[ 87 ] [ 88 ]} Los comentaristas de la industria han señalado el creciente tratamiento de las películas como " contenido " por parte de las corporaciones, lo que se correlaciona con la creciente popularidad de las plataformas de streaming. ^{[ 89 ]} Esto implica la difuminación de los límites entre el cine, la televisión y otras formas de medios, ya que más personas los consumen juntos de diversas maneras, y las películas individuales se definen más por su identidad de marca y potencial comercial que por su medio, historias y arte. ^{[ 87 ] [ 90 ]} El crítico Matt Zoller Seitz ha descrito el estreno de Avengers: Endgame en 2019 como "la derrota decisiva del 'cine' por el 'contenido ' " debido a su gran éxito como una "pieza de entretenimiento" definida por la marca Marvel que culmina una serie de películas taquilleras con rasgos de la televisión serial. ^{[ 87 ]}

Las películas Space Jam: A New Legacy y Red Notice han sido citadas como ejemplos de este tratamiento, siendo la primera descrita por muchos críticos como "un largo infomercial para HBO Max", con escenas y personajes que recuerdan a varias propiedades de Warner Bros. como Casablanca , The Matrix y Austin Powers , ^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ] [ 94 ]} mientras que la segunda es una  película de atracos de 200 millones de dólares de Netflix que los críticos describieron como "una película que se siente más procesada por una máquina [...] en lugar de algo que se acerque a la intención artística o incluso a un deseo honesto de entretener". ^{[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ]} Algunos han expresado que Space Jam demuestra el tratamiento cada vez más cínico de la industria hacia las películas como mera propiedad intelectual (PI) para ser explotada, un enfoque que el crítico Scott Mendelson llamó "PI por la PI". ^{[ 92 ] [ 98 ] [ 99 ] [ 93 ]}

Martin Scorsese ha advertido que el cine como forma de arte está siendo "sistemáticamente devaluado, marginado, denigrado y reducido" a "contenido" y ha calificado el énfasis excesivo de los éxitos de taquilla en los resultados de taquilla como "repulsivo", describiendo las películas de superhéroes de Marvel como "no cine". ^{[ 100 ] [ 101 ]} Quentin Tarantino ha opinado que la era actual del cine es una de las peores en la historia de Hollywood. ^{[ 102 ] [ 103 ]} Durante una clase magistral en el Festival de Cine de Sarajevo de 2023 , Charlie Kaufman criticó los éxitos de taquilla convencionales, afirmando que "[e]n este punto, lo único que hace dinero es la basura" y animó a los profesionales de la industria a "hacer películas fuera del sistema de estudios tanto como sea posible". ^{[ 104 ] [ 105 ]} James Gray señaló en una entrevista con Deadline : «Cuando haces películas que solo generan mucho dinero y solo son de un tipo, empiezas a hacer que un gran segmento de la población pierda el hábito de ir al cine», lo que provoca una disminución de la audiencia, aunque aclaró que «no tiene ningún problema con una película de cómics». Como solución a la falta de «inversión en la participación generalizada con el producto», sugiere que los estudios «estén dispuestos a perder dinero durante un par de años en divisiones de cine de autor, y al final estarán más contentos». ^{[ 106 ]}

El analista y presentador de noticias Fareed Zakaria describió la industria cinematográfica de Hollywood en Los Ángeles como en un estado de "colapso a cámara lenta" debido a la continua disminución de oportunidades de empleo para los trabajadores del cine en la década de 2020. ^{[ 107 ]} La propuesta de adquisición de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount Skydance representa una posible mayor consolidación de los principales estudios cinematográficos.

Se firmaron cartas de apoyo de actores destacados y se realizaron apariciones en la radio y publicidad impresa. Se recurrió a estrellas de cine para atraer a un público amplio a la postura política del partido. En la década de 1960, John F. Kennedy era un rostro nuevo y joven en Washington, y su estrecha amistad con Frank Sinatra ejemplificaba esta nueva era de glamour. Los últimos magnates de Hollywood habían desaparecido, y ejecutivos y productores más jóvenes y nuevos comenzaron a impulsar ideas más liberales . ^{[ 110 ] [ 111 ]}

Las celebridades y el dinero atrajeron a los políticos al estilo de vida ostentoso y de clase alta de Hollywood. Como escribió Ron Brownstein en su libro El poder y el brillo , la televisión en las décadas de 1970 y 1980 fue un nuevo medio enormemente importante en la política, y Hollywood contribuyó a ello con actores que pronunciaban discursos sobre sus creencias políticas, como Jane Fonda contra la guerra de Vietnam. ^{[ 112 ]} A pesar de que la mayoría de las celebridades y productores eran de tendencia izquierdista y tendían a apoyar al Partido Demócrata , ^{[ 113 ] [ 114 ]} esta época produjo algunos actores y productores republicanos como Clint Eastwood y Jerry Bruckheimer . Se crearon grupos de apoyo como los Amigos de Abe para respaldar causas conservadoras en Hollywood, que se percibe como sesgado contra los conservadores. ^{[ 115 ]} El ex actor Ronald Reagan se convirtió en gobernador de California y posteriormente en el 40.º presidente de los Estados Unidos. Esto continuó con Arnold Schwarzenegger como gobernador de California en 2003. ^{[ 116 ]}

Las donaciones directas de Hollywood ayudan a financiar la política federal. ^{[ 117 ]} Por ejemplo, el 20 de febrero de 2007, el candidato presidencial demócrata Barack Obama tuvo una gala en Hollywood con un costo de 2300 dólares por cubierto, organizada por los fundadores de DreamWorks , David Geffen , Jeffrey Katzenberg y Steven Spielberg, en el Beverly Hilton. ^{[ 117 ]}

La publicidad nativa es información diseñada para persuadir de maneras más sutiles que la propaganda clásica. Un ejemplo moderno común en Estados Unidos es la "copaganda" , en la que los programas de televisión muestran representaciones irrealmente halagadoras de las fuerzas del orden, en parte para obtener equipo prestado y su ayuda para bloquear calles y filmar más fácilmente en exteriores. ^{[ 118 ]} Se han formulado otras acusaciones de lavado de reputación en la industria del entretenimiento, incluyendo el embellecimiento de la imagen de la Mafia. ^{[ 119 ]}

La colocación de productos también ha sido objeto de críticas, ya que la industria tabacalera promueve el tabaquismo en pantalla. ^{[ 120 ]} Los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades citan que el 18 % de los adolescentes fumadores no empezarían a fumar si las películas con escenas de tabaquismo recibieran automáticamente una clasificación "R", lo que salvaría 1 millón de vidas. ^{[ 121 ]}

Los productores de Hollywood a veces buscan cumplir con los requisitos de censura del gobierno chino para acceder al mercado cinematográfico restringido y lucrativo del país, ^{[ 122 ]} que era el segundo más taquillero del mundo en 2016. Esto incluye priorizar representaciones favorables de personajes chinos en las películas, como cambiar a los villanos de Red Dawn de chinos a norcoreanos. ^{[ 122 ]} Debido a que muchos temas están prohibidos en China, como la participación del Dalai Lama y Winnie-the-Pooh en el episodio de South Park " Band in China ", South Park fue prohibido por completo en China después de la emisión del episodio. ^{[ 123 ]} La película de 2018 Christopher Robin , la nueva película de Winnie-the-Pooh, no se estrenó en China. ^{[ 123 ]}

Aunque el Tíbet fue anteriormente una causa célebre en Hollywood, apareciendo en películas como Kundun y Siete años en el Tíbet , en el siglo XXI esto ya no es así. ^{[ 124 ]} En 2016, Marvel Entertainment atrajo críticas por su decisión de elegir a Tilda Swinton como "La Anciana" en la adaptación cinematográfica de Doctor Strange , utilizando a una mujer blanca para interpretar a un personaje tradicionalmente tibetano. ^{[ 125 ]} El actor y destacado defensor del Tíbet, Richard Gere, declaró que ya no era bienvenido en las películas convencionales de Hollywood después de criticar al gobierno chino y pedir un boicot a los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Pekín. ^{[ 124 ] [ 126 ]}

Los distribuidores internacionales a menudo recurren a la autocensura para cumplir con las leyes y regulaciones locales. Por ejemplo, en los Emiratos Árabes Unidos, la película El lobo de Wall Street fue recortada en aproximadamente 45 minutos debido a escenas eróticas explícitas ^{[ 127 ]} .