Museo Solomon R. Guggenheim

El Museo Solomon R. Guggenheim , conocido comúnmente como el Guggenheim , es un museo de arte ubicado en el número 1071 de la Quinta Avenida, entre las calles 88 y 89 , en el Upper East Side de Manhattan , Nueva York. Alberga una colección permanente de arte impresionista , postimpresionista , moderno temprano y contemporáneo , y también presenta exposiciones temporales a lo largo del año. Fue fundado por la Fundación Solomon R. Guggenheim en 1939 como el Museo de Pintura No Objetiva, bajo la dirección de su primera directora, Hilla von Rebay . El museo adoptó su nombre actual en 1952, tres años después del fallecimiento de su fundador, Solomon R. Guggenheim . Sigue siendo propiedad de la Fundación Solomon R. Guggenheim y continúa gestionándolo.

El edificio del museo, una obra emblemática de la arquitectura del siglo XX diseñada por Frank Lloyd Wright , generó controversia por la inusual forma de sus espacios de exhibición y tardó 15 años en diseñarse y construirse; se completó en 1959. Consta de una galería principal de seis pisos con forma de cuenco al sur, un "monitor" de cuatro pisos al norte y un anexo de diez pisos al noreste. Una rampa helicoidal de seis pisos se extiende a lo largo del perímetro de la galería principal, bajo una claraboya central en el techo. La Colección Thannhauser se encuentra en los tres pisos superiores del monitor, y hay galerías adicionales en el anexo y un centro de aprendizaje en el sótano. El diseño del edificio del museo fue controvertido en el momento de su finalización, pero posteriormente recibió numerosos elogios. El edificio fue sometido a extensas renovaciones entre 1990 y 1992, cuando se construyó el anexo, y fue renovado nuevamente entre 2005 y 2008.

La colección del museo ha crecido a lo largo de las décadas y se fundamenta en varias colecciones privadas importantes, incluidas las de Guggenheim, Karl Nierendorf , Katherine Sophie Dreier , Justin Thannhauser , Rebay, Giuseppe Panza , Robert Mapplethorpe y la Fundación Bohen. La colección, que incluye alrededor de 8.000 obras a partir de 2022, se comparte con museos hermanos en Bilbao y Venecia . En 2023, casi 861.000 personas visitaron el museo. ^{[ 1 ]}

Historia

Primeros años y Hilla Rebay

Solomon R. Guggenheim , miembro de una acaudalada familia minera, comenzó a coleccionar obras de los antiguos maestros en la década de 1890. ^{[ 7 ]} En 1926, conoció a la artista Hilla von Rebay , ^{[ 7 ]}^{[ 8 ]} quien lo introdujo al arte de vanguardia europeo , en particular al arte abstracto que ella consideraba que tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no objetivo ). ^{[ 7 ]} Guggenheim cambió por completo su estrategia de coleccionismo, recurriendo a la obra de Wassily Kandinsky , entre otros. Comenzó a exhibir su colección al público en su apartamento en el Hotel Plaza en la ciudad de Nueva York. ^{[ 7 ]}^{[ 9 ]}^{[ 10 ]} Guggenheim y Rebay consideraron inicialmente construir un museo en el Rockefeller Center en Manhattan . ^{[ 8 ]} A medida que la colección crecía, en 1937 Guggenheim estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim para fomentar la apreciación del arte moderno . ^{[ 8 ]}^{[ 9 ]}^{[ 11 ]}

El primer espacio de la fundación, el Museo de Pintura No Objetiva, abrió sus puertas en el número 24 de la calle 54 Este, en el centro de Manhattan, en 1939, bajo la dirección de Rebay. ^{[ 8 ]}^{[ 11 ]}^{[ 12 ]} Bajo su guía, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo de los primeros modernistas. ^{[ 7 ]}^{[ 9 ]}^{[ 13 ]} Quería exhibir la colección en la Feria Mundial de Nueva York de 1939 en Queens , pero Rebay abogó por una ubicación más permanente en Manhattan. ^{[ 8 ]} A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que la necesidad de un museo permanente era evidente, ^{[ 14 ]} y Rebay quería establecerlo antes de que Guggenheim muriera. ^{[ 8 ]}

Proceso de diseño

En 1943, Rebay y Guggenheim escribieron una carta a Frank Lloyd Wright pidiéndole que diseñara una estructura para albergar y exhibir la colección. ^{[ 15 ]}^{[ 16 ]} Rebay pensó que Wright, de 76 años, había muerto, pero la esposa de Guggenheim, Irene Rothschild Guggenheim, lo sabía mejor y sugirió que Rebay se pusiera en contacto con él. ^{[ 17 ]} Wright aceptó la oportunidad de experimentar con su estilo "orgánico" en un entorno urbano, diciendo que nunca había visto un museo que estuviera "correctamente diseñado". ^{[ 18 ]} Fue contratado para diseñar el edificio en junio de 1943. ^{[ 15 ]}^{[ 19 ]}^{[ 20 ]} Recibiría una comisión del 10 por ciento del proyecto, que se esperaba que costara al menos 1 millón de dólares. ^{[ 20 ]} Le tomó 15 años, más de 700 bocetos y seis juegos de planos de trabajo para crear y completar el museo, después de una serie de dificultades y retrasos; ^{[ 21 ]}^{[ 22 ]} El costo finalmente se duplicó con respecto a la estimación inicial. ^{[ 23 ]}

Rebay imaginó un espacio que facilitaría una nueva forma de ver el arte moderno. Le escribió a Wright que "cada una de estas grandes obras maestras debería organizarse en un espacio, y solo usted... probaría las posibilidades de hacerlo. ... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!" ^{[ 24 ]}^{[ 25 ]} El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que el edificio modernista de Wright fue un catalizador del cambio, haciendo que fuera "social y culturalmente aceptable que un arquitecto diseñara un museo altamente expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". ^{[ 26 ]} El Guggenheim es el único museo que diseñó Wright; su ubicación urbana le obligó a diseñarlo en una forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus obras rurales anteriores. ^{[ 27 ]} Como no tenía licencia de arquitecto en Nueva York, recurrió a Arthur Cort Holden, de la firma de arquitectura Holden, McLaughlin & Associates, para tratar con la Junta de Normas y Apelaciones de la Ciudad de Nueva York . ^{[ 28 ]}

Desde 1943 hasta principios de 1944, Wright produjo cuatro diseños diferentes. Uno tenía forma hexagonal y pisos planos para las galerías, aunque todos los demás tenían esquemas circulares y utilizaban una rampa que continuaba alrededor del edificio. ^{[ 29 ]}^{[ 30 ]}^{[ a ]} En sus notas, indicó que quería un "espacio de piso bien proporcionado de abajo a arriba: una silla de ruedas que se mueve alrededor y sube y baja". ^{[ 18 ]}^{[ 20 ]}^{[ 31 ]} Su concepto original se llamó un " zigurat " invertido, porque se parecía a los escalones empinados de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . ^{[ 18 ]}^{[ 27 ]} Varios profesores de arquitectura han especulado que la rampa helicoidal y la cúpula de vidrio de la escalera de Giuseppe Momo de 1932 en los Museos Vaticanos fueron una inspiración para la rampa y el atrio de Wright. ^{[ 32 ]}^{[ 33 ]}^{[ 34 ]}

Selección del emplazamiento y anuncio de los planes

Wright esperaba que el museo estuviera en el bajo Manhattan . ^{[ 35 ]} En cambio, en marzo de 1944, Rebay y Guggenheim adquirieron un terreno en el Upper East Side de Manhattan , en la esquina de la calle 89 y la sección Museum Mile de la Quinta Avenida , con vistas a Central Park . ^{[ 20 ]}^{[ 36 ]}^{[ 37 ]} Consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como la sección Riverdale del Bronx, con vistas al río Hudson . ^{[ 20 ]}^{[ 38 ]} Guggenheim consideró que la proximidad del terreno de la Quinta Avenida a Central Park era importante, ya que el parque ofrecía un respiro del ruido, la congestión y el cemento de la ciudad. ^{[ 27 ]} Los bocetos preliminares de Wright se ajustaban al terreno casi a la perfección, aunque el terreno era unos 7,6 m (25 pies ) más estrecho de lo que Wright había previsto. ^[³⁹^] Guggenheim aprobó los bocetos de Wright a mediados de 1944. ^[²⁰^] Wright llamó al edificio proyectado un "Arqueo... un edificio en el que ver lo más alto". ^[³⁷^]^[⁴⁰^]

Los diseños de Wright se anunciaron en julio de 1945, ^{[ 37 ]} y se esperaba que el museo costara 1 millón de dólares y se completara en un año. ^{[ 41 ]} La característica principal de la estructura era una galería principal con una rampa helicoidal, que rodeaba un patio de luces con una claraboya. ^{[ 41 ]}^{[ 42 ]} Los visitantes abordarían un ascensor para llegar a la cima; una segunda rampa, más empinada, serviría como salida de emergencia. ^{[ 20 ]} Habría una sala de cine en el sótano, una torre de ascensores coronada por un observatorio y un edificio más pequeño con un teatro más pequeño, ^{[ 43 ]} además de espacio de almacenamiento, una biblioteca y una cafetería. ^{[ 41 ]}^{[ 44 ]} Los planes preliminares también incluían apartamentos para Guggenheim y Rebay, pero estos planes fueron descartados. ^{[ 43 ]} Guggenheim adquirió una parcela de terreno adicional en la calle 88 ese julio. ^{[ 45 ]} Wright construyó una maqueta del museo en Taliesin , su casa en Wisconsin, ^{[ 46 ]} y la exhibió en el Hotel Plaza ese septiembre. ^{[ 47 ]}^{[ 48 ]}

Dificultades

La construcción del edificio se retrasó, primero debido a la escasez de materiales causada por la Segunda Guerra Mundial, ^{[ 45 ]}^{[ 49 ]} luego por el aumento de los costos de construcción después de la guerra. ^{[ 43 ]}^{[ 45 ]} A finales de 1946, Guggenheim y Rebay habían rediseñado el teatro del sótano para albergar conciertos. ^{[ 49 ]} Rebay y Wright discreparon sobre varios aspectos del diseño, como la forma en que se montarían las pinturas, ^{[ 45 ]}^{[ 50 ]} aunque ambos querían que el diseño "reflejara la unidad del arte y la arquitectura". ^{[ 51 ]} Wright continuó modificando sus planos durante finales de la década de 1940, principalmente debido a preocupaciones sobre la iluminación del edificio, y creó otro modelo del museo en 1947. ^{[ 52 ]} La colección se amplió considerablemente en 1948 mediante la compra del patrimonio del marchante de arte Karl Nierendorf de unas 730 obras. ^{[ 13 ]}

El progreso se mantuvo estancado hasta finales de la década de 1940, ^{[ 53 ]} y William Muschenheim renovó una casa adosada existente en el sitio, en 1071 Fifth Avenue, para uso del museo. ^{[ 53 ]}^{[ 54 ]} La salud de Guggenheim estaba en declive, pero rechazó la oferta de Wright de reducir el tamaño del edificio planeado para que pudiera completarse durante la vida de Guggenheim. ^{[ 52 ]} Después de la muerte de Guggenheim en 1949, los miembros de la familia Guggenheim en la junta directiva de la fundación tuvieron diferencias personales y filosóficas con Rebay. ^{[ 55 ]} Bajo el liderazgo de Rebay, el museo se había convertido en lo que Aline B. Saarinen describió como un "lugar esotérico y oculto en el que se hablaba un lenguaje místico". ^{[ 56 ]}^{[ 57 ]} Algunos del personal y los fideicomisarios del museo deseaban expulsar a Rebay y cancelar el diseño de Wright. ^{[ 53 ]}^{[ 54 ]} Sin embargo, Wright persuadió a varios miembros de la familia Guggenheim para que adquirieran terrenos adicionales en la Quinta Avenida para que su diseño pudiera desarrollarse por completo. ^{[ 53 ]}^{[ 58 ]}

Para dar cabida a la creciente colección, en agosto de 1951 la Fundación Guggenheim adquirió un edificio de apartamentos en 1 East 88th Street para remodelarlo y convertirlo en museo. ^{[ 59 ]}^{[ 60 ]} Ahora poseía una fachada continua en la Quinta Avenida desde la calle 88 hasta la 89. ^{[ 60 ]}^{[ 61 ]} Esto impulsó a Wright a rediseñar el nuevo edificio una vez más, proponiendo un anexo de varios pisos con apartamentos detrás del museo. ^{[ 53 ]}^{[ 61 ]}^{[ 51 ]} La fundación también anunció que el museo comenzaría a exhibir obras de arte "objetivas", así como obras de arte más antiguas. ^{[ 57 ]}^{[ 62 ]} Rebay, quien no estaba de acuerdo con esta política, renunció como directora del museo en marzo de 1952. ^{[ 63 ]}^{[ 64 ]} Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento. ^{[ 65 ]} Poco después de la renuncia de Rebay, Wright presentó los planos del edificio, cuyo costo proyectado ahora ascendía a 2 millones de dólares. ^{[ 23 ]} En 1952, pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim. ^{[ 55 ]}

la era Sweeney

James Johnson Sweeney fue nombrado director del museo en octubre de 1952. ^{[ 66 ]}^{[ 67 ]} Amplió los criterios de adquisición de la fundación, rechazando el desprecio de Rebay por la pintura y la escultura "objetivas", ^{[ 68 ]}^{[ 69 ]} y comenzó a exhibir algunas de las obras que se habían almacenado bajo la dirección de Rebay. ^{[ 57 ]}^{[ 70 ]} En 1953, el museo acogió una retrospectiva de la obra de Wright, "Sesenta años de arquitectura viva", ^{[ 71 ]}^{[ 72 ]} en un pabellón temporal diseñado por Wright. ^{[ 73 ]}^{[ 53 ]}

Construcción y apertura

Sweeney y Wright tenían una relación tensa, ya que no estaban de acuerdo sobre elementos básicos del plan del museo. ^{[ 53 ]}^{[ 74 ]} Sweeney, quien creía que su arquitectura debía estar subordinada al arte, obligó a Wright a rediseñarlo para acomodar más oficinas e instalaciones de almacenamiento. ^{[ 74 ]} La iluminación del edificio fue un punto importante de disputa entre ellos. ^{[ 75 ]}^{[ 76 ]} El Departamento de Edificios de la Ciudad de Nueva York (DOB) también rechazó la solicitud de Wright para un permiso de construcción en 1953 porque el diseño no cumplía con los códigos de construcción. ^{[ 77 ]} Wright encargó a Holden que se asegurara de que el diseño cumpliera con los códigos ^{[ 78 ]} y publicó planos revisados en 1954 y 1956. ^{[ 79 ]} Sin embargo, el personal del museo se quejó de que el diseño de Wright no proporcionaba suficiente espacio de almacenamiento o laboratorio. ^{[ 77 ]} Para ahorrar dinero, modificó el diseño nuevamente en 1955, aunque estos ahorros fueron anulados por el aumento de los costos de construcción. ^{[ 76 ]}

Cuatro contratistas generales presentaron ofertas a finales de 1954, ^{[ 76 ]} y la fundación finalmente contrató a Euclid Construction Corporation. ^{[ 80 ]}^{[ 73 ]} El museo alquiló la Casa Oliver Gould Jennings en 7 East 72nd Street y se trasladó allí antes de que comenzara la construcción. ^{[ 76 ]} El 6 de mayo de 1956, comenzó la demolición de los edificios existentes del sitio. ^{[ 80 ]}^{[ 81 ]} El DOB emitió un permiso de construcción el 23 de mayo, ^{[ 76 ]} y el trabajo en el museo comenzó el 14 de agosto. ^{[ 73 ]}^{[ 76 ]} Wright abrió una oficina en la ciudad de Nueva York para supervisar la construcción, que sentía que requería su atención personal, y nombró a su yerno William Wesley Peters para supervisar el trabajo diario. ^{[ 53 ]}^{[ 73 ]} En la práctica, ni Wright ni Peters visitaban el sitio con frecuencia, por lo que William Short de Holden terminó administrando el proyecto. ^{[ 76 ]}

Sweeney quería que el nuevo museo permitiera "construir una colección que ofreciera un estándar de juicio". ^{[ 82 ]} Quería cambiar la combinación de colores, nivelar las paredes inclinadas y quitar las ventanas altas, lo que provocó prolongadas disputas con Wright. ^{[ 83 ]}^{[ 84 ]}^{[ 85 ]} A principios de 1958, Harry F. Guggenheim tuvo que encargarse de todas las comunicaciones entre Sweeney y Wright, quienes no se hablaban. ^{[ 84 ]} El edificio alcanzó su altura máxima en mayo de 1958, ^{[ 86 ]}^{[ 87 ]} y los andamios de la fachada se retiraron en agosto de ese mismo año. ^{[ 87 ]}^{[ 88 ]} Mientras tanto, Wright publicó dibujos del diseño en varias revistas de arquitectura, ya que temía que el diseño se viera comprometido después de su muerte. ^{[ 84 ]}^{[ 83 ]} En contra de su petición, Sweeney pintó las paredes de blanco y colgó cuadros de barras de metal en lugar de colocarlos directamente en las paredes. ^{[ 83 ]}^{[ 85 ]} El edificio fue la última obra importante de Wright; murió en abril de 1959, seis meses antes de su inauguración. ^{[ 89 ]}

El edificio abrió sus puertas de forma preliminar a los miembros de la prensa el 20 de octubre de 1959. ^{[ 84 ]} Fue inaugurado formalmente al día siguiente, ^{[ 90 ]}^{[ 91 ]}^{[ 92 ]} atrayendo a 600 visitantes por hora. ^{[ 92 ]}^{[ 93 ]} Su diseño generalmente permitía albergar las retrospectivas y exposiciones temporales que acogió a lo largo de los años. ^{[ 10 ]}

Era Messer

Sweeney renunció como director del museo en julio de 1960, alegando diferencias filosóficas con el consejo de administración, ^{[ 94 ]}^{[ 95 ]} y HH Arnason asumió como director interino. ^{[ 57 ]}^{[ 96 ]} Durante su breve período como director, lanzó "la primera exposición sobre el expresionismo abstracto en un museo de Nueva York". ^{[ 57 ]}^{[ 97 ]} Thomas M. Messer , director del Instituto de Arte Contemporáneo de Boston , sucedió a Sweeney como director en enero de 1961; trabajó bajo la dirección de Sweeney, quien continuó dirigiendo la fundación. ^{[ 98 ]}^{[ 99 ]} Messer permaneció durante 27 años, el mandato más largo de cualquier director de una importante institución artística de Nueva York. ^{[ 100 ]} Bajo su liderazgo, la colección del museo se expandió significativamente. ^{[ 101 ]} La colección se orientó hacia artistas más contemporáneos, incluyendo a algunos de Europa y Latinoamérica, ^{[ 101 ]} y amplió su alcance hasta convertirse en "el segundo museo de arte moderno de Nueva York". ^{[ 102 ]} Messer no era considerado "un director especialmente controvertido", aunque tampoco se adhirió a "la escuela de exposiciones de gran éxito". ^{[ 103 ]}

década de 1960

Cuando Messer se unió al Guggenheim, la capacidad del museo para presentar obras de arte aún era puesta en duda debido a las paredes inclinadas y curvas. ^{[ 104 ]} Casi inmediatamente después de convertirse en director, en 1962, organizó una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas de la colección Hirshhorn . ^{[ 104 ]} En particular, hubo dificultades para instalar esculturas tridimensionales porque la pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podían combinarse para producir molestas ilusiones ópticas. ^{[ 105 ]} Aunque la combinación demostró funcionar generalmente bien en el Guggenheim, Messer recordó que, en ese momento, "estaba asustado. Casi sentí que esta sería mi última exposición". ^{[ 104 ]} Había organizado una exposición de escultura más pequeña el año anterior, donde aprendió a compensar la geometría inusual del espacio construyendo pedestales especiales en un ángulo particular, pero esto fue imposible para una pieza, un móvil de Alexander Calder cuyo cable inevitablemente colgaba en una vertical perfecta . ^[¹⁰⁵^]

Después de que Messer adquiriera una colección privada del marchante de arte Justin Thannhauser en 1963, ^{[ 106 ]}^{[ 107 ]} el Guggenheim contrató a Peters para renovar el segundo piso del monitor. ^{[ 108 ]}^{[ 109 ]} La colección de Thannhauser se exhibió dentro del monitor después de que la renovación se completó en 1965. ^{[ 109 ]}^{[ 110 ]} La fundación subastó obras de arte de los siglos XV y XVI, que eran incompatibles con la colección de arte moderno del museo. ^{[ 111 ]} Rebay, quien murió en 1967, legó más de 600 obras de arte al Guggenheim, aunque el museo no recibió la colección hasta 1971. ^{[ 112 ]} Para recaudar dinero para adquisiciones adicionales, como las obras en las colecciones de Rebay, el Guggenheim también vendió algunas obras de arte moderno, incluidas varias obras de Kandinsky. ^{[ 113 ]}

Para dar cabida a la creciente colección, en 1963, el Guggenheim anunció planes para un anexo de cuatro pisos, ^{[ 114 ]} que la Junta de Normas y Apelaciones de la Ciudad de Nueva York aprobó al año siguiente. ^{[ 115 ]} William Wesley Peters de Taliesin Associated Architects , la firma sucesora del estudio de Wright, diseñó la ampliación. ^{[ 116 ]} El anexo se redujo a dos pisos en 1966 debido a las quejas de los residentes locales, ^{[ 117 ]} y se completó en 1968. ^{[ 108 ]}^{[ 118 ]} Esto liberó espacio en los dos niveles superiores de la galería principal, que se habían utilizado como talleres y espacio de almacenamiento desde la inauguración del edificio. Los funcionarios del museo abrieron los niveles superiores al público en 1968. ^{[ 119 ]}

Décadas de 1970 y 1980

En 1971, con costos crecientes y disminución de los ingresos de la dotación, el Guggenheim registró un gran déficit por primera vez en su historia. ^{[ 120 ]} Además, aunque Wright había incluido espacio para una cafetería en el extremo sur del edificio del museo, el espacio fue utilizado en cambio por los departamentos de conservación y enmarcado. ^{[ 108 ]} La fundación propuso agregar un vestíbulo y un restaurante en el área de la entrada del museo a principios de 1973 ^{[ 121 ]} pero tuvo dificultades para ponerse de acuerdo sobre los planes, ^{[ 122 ]} que fueron revisados ese noviembre. ^{[ 123 ]} Como parte del proyecto, diseñado por Donald E. Freed, el museo cerró su entrada y agregó un área de comedor y una librería allí. ^{[ 123 ]}^{[ 124 ]} Enfrentando un déficit creciente y una escasez de espacio de exhibición, el Guggenheim anunció en 1977 que recaudaría $20 millones durante los siguientes cinco años. ^{[ 125 ]} Los funcionarios del museo también planearon ampliar el anexo en la calle 89. ^{[ 125 ]}

Messer se convirtió en director de la Fundación Guggenheim en 1980 y continuó ejerciendo como director del museo, promoviendo a dos curadores a puestos directivos. ^{[ 126 ]} El Guggenheim renovó el ala Thannhauser a principios de la década de 1980. ^{[ 127 ]} Tras estos cambios, John Russell de The New York Times escribió que la Colección Thannhauser "puede decirse ahora que es el equivalente de la Frick en el ámbito del arte moderno". ^{[ 127 ]} " Works & Process ", una serie de performances en el Guggenheim, comenzó en 1984. ^{[ 128 ]}

En 1982, Gwathmey Siegel & Associates Architects elaboraron diseños para un anexo de 11 pisos en la calle 88, detrás del edificio del museo existente. ^{[ 129 ]} El plan original, anunciado en febrero de 1985, ^{[ 116 ]}^{[ 130 ]} habría sido en voladizo sobre el edificio existente. ^{[ 129 ]}^{[ 131 ]} El diseño se redujo a 10 pisos a principios de 1987 debido a la oposición de los residentes locales. ^{[ 132 ]}^{[ 133 ]} En ese momento, el edificio solo podía exhibir 150 piezas, aproximadamente el 3 por ciento de la colección de 5000 obras del museo. ^{[ 134 ]} Anticipándose a la construcción del anexo y a una renovación más amplia del edificio antiguo, Gwathmey Siegel también renovó el segundo piso del ala Thannhauser y el nivel superior de la rampa de la galería principal en 1987. ^{[ 135 ]} La Junta de Normas y Apelaciones aprobó el anexo de la calle 89 ese octubre, ^{[ 136 ]}^{[ 137 ]} a pesar de la continua oposición. ^{[ 138 ]} Messer se jubiló al mes siguiente, en el 50 aniversario de la fundación de la colección. ^{[ 139 ]} La Junta de Estimación de la Ciudad de Nueva York aprobó los planes para el anexo del Guggenheim en 1988, ^{[ 140 ]} y la Corte Suprema de Nueva York confirmó la decisión de la Junta de Estimación. ^{[ 141 ]}

Era Krens

Thomas Krens , exdirector del Museo de Arte del Williams College , asumió la dirección tanto del museo como de la fundación en enero de 1988. ^{[ 142 ]}^{[ 143 ]} Durante su mandato de casi dos décadas, lideró una rápida expansión de las colecciones del museo, ^{[ 144 ]} y el museo montó algunas de sus exposiciones más populares, ^{[ 145 ]} incluyendo "África: El arte de un continente" en 1996; ^{[ 146 ]} "China: 5000 años" en 1998; ^{[ 147 ]} "Brasil: Cuerpo y alma" en 2001; ^{[ 148 ]} y "El imperio azteca" en 2004. ^{[ 149 ]} Entre las exposiciones inusuales se encontraba " El arte de la motocicleta ", una instalación de diseño industrial de motocicletas. ^{[ 150 ]}^{[ 151 ]}

El Museo Guggenheim SoHo, diseñado por Arata Isozaki , abrió sus puertas en junio de 1992 en la esquina de Broadway y Prince Street en SoHo, Manhattan . ^{[ 152 ]}^{[ 153 ]} Las exposiciones del edificio SoHo incluían Marc Chagall y el Teatro Judío , Paul Klee en el Museo Guggenheim , Robert Rauschenberg: Una Retrospectiva y Andy Warhol: La Última Cena . ^{[ 154 ]} No cumplió con las previsiones de visitantes ^{[ 154 ]} y cerró en 2002. ^{[ 155 ]}

década de 1990

Poco después de convertirse en director, Krens decidió gastar 24 millones de dólares en la renovación del Guggenheim. ^{[ 156 ]} Las obras comenzaron a finales de 1989. El museo inicialmente permaneció abierto, ^{[ 157 ]} pero luego cerró durante 18 meses. ^{[ 158 ]}^{[ 159 ]} Se restauró el ala del monitor, el ala de la calle 88 se convirtió de laboratorio de conservación a restaurante y se creó espacio de exposición adicional en la parte superior de la galería principal. ^{[ 156 ]} El anexo de la calle 89 se construyó como parte de este proyecto, ^{[ 153 ]}^{[ 138 ]} y el sótano se extendió bajo la Quinta Avenida. ^{[ 160 ]} Se reemplazaron las ventanas y las ventanas del claristorio a lo largo de la rampa se destaparon y restauraron a su diseño original. ^{[ 160 ]}^{[ 161 ]} El espacio de exposición del edificio se duplicó aproximadamente, lo que permitió al museo mostrar el 6 por ciento de su colección. ^{[ 162 ]}

La renovación se completó el 27 de junio de 1992. ^{[ 163 ]}^{[ 164 ]} Las oficinas del museo se trasladaron al anexo, al sótano y al antiguo Museo Guggenheim SoHo, y el espacio de almacenamiento y las actividades de conservación se trasladaron a otros edificios. ^{[ 160 ]} El nuevo anexo permitió al museo mostrar más obras de su colección permanente, así como exposiciones temporales. ^{[ 165 ]} La fundación adquirió 200 fotografías de Robert Mapplethorpe en 1992 ^{[ 166 ]}^{[ 167 ]} y renombró la galería del cuarto piso del anexo en su honor en 1993. ^{[ 168 ]}

Para financiar la renovación y las nuevas adquisiciones, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani , recaudando 47 millones de dólares. Esta medida fue controvertida y generó considerables críticas por intercambiar maestros por artistas "de moda" y tardíos. En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "llevaron más allá de las normas aceptadas de desincorporación de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". ^{[ 161 ]}^{[ 169 ]} Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo al expandir su colección internacional y fortalecer su "colección de posguerra con respecto a nuestros fondos de preguerra", ^{[ 170 ]} y señaló que los museos realizan regularmente este tipo de ventas. ^{[ 169 ]} También amplió la presencia internacional de la fundación abriendo museos en el extranjero. ^{[ 171 ]}

Krens también fue criticado por su estilo empresarial y su supuesto populismo y comercialización. ^{[ 150 ]}^{[ 172 ]} Un escritor comentó: «Krens ha sido tanto elogiado como vilipendiado por convertir lo que alguna vez fue una pequeña institución neoyorquina en una marca mundial, creando la primera institución artística verdaderamente multinacional. ... Krens transformó el Guggenheim en una de las marcas más conocidas en el mundo del arte». ^{[ 173 ]} El museo redujo su horario de funcionamiento en 1994, lo que provocó una disminución del 25 por ciento en la asistencia anual, incluso cuando otros museos de arte de la ciudad experimentaron un aumento en la asistencia. ^{[ 174 ]}

Samuel J. LeFrak anunció en diciembre de 1993 que donaría 10 millones de dólares, la mayor donación en efectivo en la historia del museo, y que el edificio de la Quinta Avenida sería renombrado en su honor y el de su esposa. ^{[ 175 ]}^{[ 176 ]} Al mes siguiente, Ronald O. Perelman anunció que también donaría 10 millones de dólares. ^{[ 177 ]}^{[ 178 ]} La Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la Ciudad de Nueva York (LPC), que había designado el edificio como monumento histórico, se negó repetidamente a permitir que los funcionarios colocaran un letrero con el nombre de LeFrak en el exterior del edificio. ^{[ 179 ]} En consecuencia, LeFrak rescindió 8 millones de dólares de su donación. ^{[ 179 ]}^{[ 174 ]} Peter B. Lewis donó 10 millones de dólares en 1995 ^{[ 180 ]} para la restauración del auditorio del museo, que fue renombrado Teatro Peter B. Lewis después de que el proyecto se completó al año siguiente. ^{[ 174 ]}^{[ 181 ]} Lewis donó 50 millones de dólares adicionales en 1998, y varios otros fideicomisarios, incluido Perelman, aumentaron sus donaciones. ^{[ 181 ]}

década de 2000

El museo inauguró un centro de arte en el sótano en 2001; originalmente llamado así en honor a la familia Sackler , ^{[ 182 ]} fue renombrado como Centro Gail May Engelberg para la Educación Artística en 2022. ^{[ 183 ]}^{[ 184 ]} También en 2001, como parte de una retrospectiva de Frank Gehry en el museo, Gehry diseñó una marquesina, que se instaló en el exterior del quinto piso. ^{[ 185 ]}^{[ 186 ]} Permaneció en su lugar durante seis años después de que terminara la retrospectiva. ^{[ 185 ]}^{[ 187 ]}

Para 2004, los funcionarios del museo estaban recaudando $25 millones para otra restauración del edificio y contrataron a Swanke Hayden Connell Architects para que lo inspeccionaran. Para entonces, la estructura había desarrollado numerosas filtraciones. ^{[ 187 ]} Después de que los arquitectos e ingenieros determinaron que el edificio era estructuralmente sólido, las renovaciones comenzaron en septiembre de 2005 para reparar grietas y modernizar sistemas y detalles exteriores. ^{[ 188 ]}^{[ 189 ]}^{[ 190 ]} La restauración consistió principalmente en mejoras exteriores y de infraestructura, preservando tantos detalles históricos como fue posible al tiempo que permitía que las operaciones del museo continuaran. ^{[ 191 ]}^{[ 192 ]} El 22 de septiembre de 2008, el Guggenheim celebró la finalización del proyecto con el estreno del tributo de la artista Jenny Holzer For the Guggenheim . ^{[ 193 ]} La renovación costó 29 millones de dólares y fue financiada por el consejo de administración de la Fundación Solomon R. Guggenheim, el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad , el gobierno del estado de Nueva York y la Corporación MAPEI. ^{[ 194 ]}

Mientras tanto, a principios de la década de 2000, Krens estuvo involucrado en una larga disputa con Lewis, quien también era presidente de la junta directiva de la fundación. ^{[ 195 ]} Cuando la admisión disminuyó en un 60 por ciento después de los ataques del 11 de septiembre de 2001, el museo enfrentó déficits presupuestarios, ya que una cuarta parte de sus ingresos provenía de la venta de entradas. ^{[ 196 ]} Lewis donó 12 millones de dólares al museo en 2002 con la condición de que Krens ajustara el presupuesto. ^{[ 197 ]}^{[ 198 ]} A pesar de haber donado 77 millones de dólares, más que cualquier otro donante en la historia del Guggenheim, ^{[ 195 ]}^{[ 199 ]} Lewis no tuvo tanta influencia en las decisiones de la junta como los principales donantes de los otros museos de arte de la ciudad. ^{[ 195 ]} Lewis renunció a la junta directiva en 2005, expresando su oposición a los planes de Krens para museos adicionales alrededor del mundo. ^{[ 199 ]}^{[ 200 ]}

La veterana curadora Lisa Dennison fue contratada como nueva directora del museo en 2005, trabajando bajo la dirección de Krens, quien continuó dirigiendo la fundación. ^{[ 201 ]}^{[ 202 ]} Para 2006, el museo enfrentaba un déficit de 35 millones de dólares, incluso cuando Dennison rechazaba la idea de financiar exposiciones a través de patrocinios corporativos. ^{[ 203 ]} Dennison renunció en julio de 2007 para trabajar en la casa de subastas Sotheby's . ^{[ 204 ]} Las tensiones entre Krens y la junta directiva continuaron, y Krens renunció como directora de la fundación en febrero de 2008. ^{[ 144 ]}

la era Armstrong

Richard Armstrong , exdirector del Museo de Arte Carnegie , se convirtió en director del museo y de la fundación en noviembre de 2008. ^{[ 193 ]}^{[ 205 ]} El New York Times dijo que la Fundación Guggenheim lo había seleccionado porque su "presencia más tranquila y firme" contrastaba con los "casi 20 años, a menudo tumultuosos, de la visión inconformista del Sr. Krens". ^{[ 206 ]} Además de sus colecciones permanentes, que continuaron creciendo bajo su dirección, ^{[ 7 ]} la fundación ha administrado exposiciones temporales y coorganizado exposiciones con otros museos para fomentar la divulgación pública. ^{[ 207 ]} El museo albergó exposiciones como América (2016), una de las más pequeñas que jamás se hayan presentado allí. ^{[ 208 ]}

Aproximadamente 140 trabajadores de mantenimiento e instaladores de arte se unieron a un sindicato en 2019, la primera vez que los empleados del museo se sindicalizaron. ^{[ 209 ]}^{[ 210 ]} Ese año, Chaédria LaBouvier se convirtió en la primera mujer negra curadora en crear una exposición individual y la primera persona negra en escribir un texto publicado por el museo. ^{[ 211 ]}^{[ 212 ]} Acusó al museo de racismo y alegó que, entre otras cosas, los funcionarios retuvieron recursos y se negaron a permitir que los periodistas la entrevistaran, aunque un artículo en The Atlantic describió a LaBouvier como hostil hacia las personas que comentaban sobre su exposición. ^{[ 212 ]} Un mes después de estas críticas, el museo contrató a su primera curadora negra de tiempo completo, Ashley James . ^{[ 213 ]} Una investigación realizada por un bufete de abogados contratado por el museo no encontró "ninguna evidencia de que la Sra. LaBouvier fuera objeto de trato adverso por motivos de raza". ^{[ 214 ]} La directora artística y curadora principal del museo, Nancy Spector , dejó la institución en 2020 después de 34 años. ^{[ 212 ]}^{[ 214 ]} El Guggenheim aprobó un plan para aumentar la diversidad racial en agosto de 2020, ^{[ 215 ]}^{[ 216 ]} y contrató a un "director de cultura e inclusión" en 2021. ^{[ 217 ]}

Durante la pandemia de COVID-19 , el Guggenheim cerró temporalmente en marzo de 2020. ^{[ 218 ]} Reabrió en octubre de ese año, ^{[ 219 ]}^{[ 220 ]} registrando una pérdida neta mensual de $1.4 millones mientras estuvo cerrado. ^{[ 221 ]} Despidió a numerosos miembros del personal durante la pandemia. ^{[ 222 ]}^{[ 223 ]} En 2022, el Guggenheim comenzó a albergar un programa de poeta en residencia, el primer programa de este tipo en un museo de artes visuales. ^{[ 224 ]} Armstrong anunció a mediados de 2022 que planeaba renunciar en 2023, ^{[ 225 ]}^{[ 226 ]} y dejó el museo a finales de 2023. ^{[ 227 ]}^{[ 228 ]}

Westermann y Chiu

En junio de 2024, Mariët Westermann se convirtió en la primera directora del Guggenheim. ^{[ 229 ]}^{[ 230 ]} Había sido vicerrectora de la Universidad de Nueva York en Abu Dabi desde 2019, fue su rectora cuando se fundó en 2007 y fue responsable, entre otras cosas, de su primer plan de acción climática. ^{[ 229 ]} Obtuvo una maestría y un doctorado en Historia del Arte del Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York . ^{[ 231 ]}^{[ 232 ]} En medio de dificultades financieras en el museo, Westermann despidió a cerca del 7% de su personal a principios de 2025. ^{[ 233 ]}^{[ 234 ]} Posteriormente, Westermann se convirtió en directora y directora ejecutiva de la Fundación Guggenheim, supervisando los demás museos de la fundación. ^{[ 235 ]}

Westermann contrató a Melissa Chiu , directora del Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , como directora del Museo Solomon R. Guggenheim, con efecto a partir de septiembre de 2026. ^{[ 235 ]}^{[ 236 ]}

Arquitectura

El diseño de Wright para el Museo Guggenheim incorporó motivos geométricos, como cuadrados, círculos, rectángulos, triángulos y rombos . El volumen presenta dos estructuras en espiral: la galería principal de seis pisos al sur y el "monitor" más pequeño al norte, conectados por un "puente" en el segundo piso. El anexo rectangular de diez pisos, al noreste, aparece detrás de las estructuras en espiral visto desde Central Park. ^{[ 237 ]}

El edificio encarna los intentos de Wright de "plasmar la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". ^{[ 238 ]} El diseño de Wright incluía detalles inspirados en la naturaleza, ^{[ 38 ]} aunque también expresa su visión de la geometría rígida de la arquitectura modernista. ^{[ 239 ]} Wright describió un significado simbólico para las formas del edificio: "[E]stas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo y sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad". ^{[ 240 ]} Las formas se hacen eco unas de otras en todo el edificio: las columnas ovaladas, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el leitmotiv, desde la galería principal hasta las incrustaciones en los suelos de terrazo del museo . ^{[ 38 ]}

Exterior

Wright originalmente quería construir una fachada de mármol, ^{[ 161 ]}^{[ 241 ]} pero el constructor George N. Cohen construyó la fachada de gunita , un tipo de hormigón proyectado, como una medida de reducción de costos. ^{[ 160 ]} Los nombres de Wright y Cohen aparecen en una baldosa colocada a lo largo del exterior del edificio; esta es probablemente la única vez que Wright y un constructor compartieron el crédito por la construcción de un edificio. ^{[ 160 ]}^{[ 242 ]} Wright también había propuesto un exterior de color rojo, que nunca se realizó. ^{[ 29 ]}^{[ 243 ]}^{[ 242 ]} En cambio, la fachada se cubrió con una capa de plástico de vinilo de color marfil, ^{[ 244 ]}^{[ 245 ]} conocida como "capullo". ^{[ 245 ]}^{[ 246 ]} Los ingenieros involucrados en la construcción original pensaron que el "capullo" no se agrietaría, por lo que la fachada se construyó sin juntas de expansión ; Se equivocaron: la fachada se agrietó en los años siguientes. ^{[ 192 ]} Durante las renovaciones posteriores, los restauradores descubrieron que la fachada estaba pintada originalmente de color amarillo parduzco, que fue cubierto con numerosas capas de pintura blanca o blanquecina a lo largo de los años. ^{[ 242 ]}

La acera frente al museo funciona como una explanada , con círculos metálicos incrustados en su superficie, de diseño similar al del suelo del interior del museo. Junto a la acera hay parapetos curvos que rodean los parterres, algunos de los cuales están bajo el nivel del suelo. ^{[ 247 ]}^{[ 248 ]} Los parterres originalmente contenían arbustos, sicomoros y otra vegetación. ^{[ 249 ]}

Edificio original

Entrada principal en la Quinta Avenida.

Rampa en la esquina suroeste del edificio

Primer plano del monitor/ala de la Colección Thannhauser

La entrada principal del museo se encuentra en el centro de la fachada de la Quinta Avenida. ^{[ 247 ]}^{[ 250 ]} Consiste en una pared de vidrio con marco de aluminio y varias puertas, empotrada dentro de un vestíbulo bajo. Una puerta justo enfrente de la entrada conduce a la librería, mientras que a las galerías del museo se accede por puertas a la derecha. ^{[ 247 ]}^{[ 250 ]}^{[ 251 ]} Sobre la entrada principal hay un "puente" que conecta la galería principal y el edificio del monitor, sostenido por varios pilares en forma de rombo . ^{[ 250 ]} La parte inferior del puente contiene iluminación empotrada que ilumina la entrada principal. ^{[ 247 ]}^{[ 250 ]} La entrada principal era originalmente la entrada a una calzada que se curvaba hacia la calle 89, con entradas separadas al monitor y a la galería principal. ^{[ 35 ]}^{[ 250 ]} La pared de vidrio se instaló después de que se cerrara la entrada para vehículos en la década de 1970, y la librería del museo se ubicó directamente detrás de la pared. ^{[ 124 ]}^{[ 252 ]} Al sur de la entrada principal hay una pared curva, que forma la base de la galería principal. ^{[ 253 ]} Hay una rampa adyacente a esta pared, que conduce al auditorio del sótano. ^{[ 248 ]}^{[ 253 ]}

En la esquina sureste del museo, en la calle 88, hay una estructura rectangular que no tiene aberturas, excepto cinco portales circulares a nivel del suelo. ^{[ 250 ]}^{[ 254 ]} La estructura alberga la cafetería del museo, que formaba parte de los planos originales de Wright, pero no se construyó hasta 1992. El segundo piso de la estructura rectangular alberga la High Gallery. ^{[ 250 ]} Inmediatamente al este, en la calle 88, hay una puerta de servicio de aluminio con diseños circulares. ^{[ 250 ]}^{[ 254 ]}

El puente, que sostiene el segundo piso del Guggenheim, se proyecta en la esquina suroeste del museo. El nombre del museo se extiende a lo largo del borde inferior de la fachada del puente que da a la Quinta Avenida. ^{[ 248 ]} La galería principal se eleva sobre la parte sur del puente; consiste en una masa en forma de "cuenco", con varias "bandas" de hormigón separadas por claraboyas de aluminio empotradas. ^{[ 254 ]} Desde la calle, el edificio parece una cinta blanca curvada en una pila cilíndrica, más ancha en la parte superior que en la inferior, mostrando casi todas las superficies curvas. Su apariencia contrasta marcadamente con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, un hecho que Wright disfrutaba, quien afirmaba que su museo haría que el cercano Museo Metropolitano de Arte "pareciera un granero protestante". ^{[ 89 ]} En la parte superior del "cuenco" hay un parapeto , que rodea tres claraboyas más pequeñas, así como la gran cúpula dodecagonal que corona la galería principal. ^{[ 254 ]}

La parte norte del puente contiene un ala de cuatro pisos, originalmente conocida como el monitor. Aunque el interior del monitor es cilíndrico, su exterior presenta diferentes materiales y formas en cada piso. ^{[ 255 ]} Los dos primeros pisos del monitor contienen una fachada redonda de hormigón, ^{[ 255 ]}^{[ 256 ]} mientras que los dos pisos superiores se proyectan hacia afuera desde el núcleo del monitor. ^{[ 256 ]} El tercer piso contiene ventanas rectangulares de aluminio con paneles semicirculares en la parte superior. ^{[ 254 ]} El cuarto piso contiene una terraza cuadrada y ventanas adicionales. ^{[ 254 ]}^{[ 255 ]} Sobre el cuarto piso hay una fascia con patrones de rombos, así como un techo hexagonal con un marco de aluminio. El techo está interrumpido por un pozo en forma de rombo, que contiene una escalera. ^{[ 254 ]}^{[ 257 ]}

Anexo

Una torre de diez pisos en la esquina noreste del museo, con oficinas, estudios de artistas y apartamentos, incluida en el plan de Wright de 1951 para el museo, era una estructura rectangular, alineada en un eje norte-sur; habría tenido porches en cada piso en las elevaciones norte y sur. ^{[ 248 ]} El plan original de Wright para la torre no se realizó, en gran parte por razones financieras, hasta la renovación y ampliación de 1990-1992. ^{[ 258 ]}^{[ 259 ]}^{[ 260 ]} En cambio, William Wesley Peters diseñó un ala más corta en el sitio en 1968, con dos pisos de doble altura. Esta ala estaba hecha de hormigón, con tallas en relieve de cuadrados y octógonos en su fachada, y albergaba la biblioteca del museo, el espacio de almacenamiento y la Galería Thannhauser. ^{[ 109 ]}^{[ 118 ]} Su estructura de acero podría soportar el peso de seis pisos adicionales si se ampliara. ^{[ 108 ]}^{[ 118 ]}

Gwathmey Siegel & Associates diseñó un anexo de 10 pisos que se construyó durante la renovación de la década de 1990. ^{[ 258 ]}^{[ 259 ]} El anexo, que mide 9,8 m (32 pies) de ancho y 41 m (135 pies) de alto, utiliza la estructura de acero del ala de 1968. ^[²⁵⁹^] Durante la renovación, Gwathmey Siegel retiró la fachada de hormigón de 1968 y la reemplazó con una cuadrícula de piedra caliza. ^[²⁶⁰^]^[²⁵⁹^] Analizaron los bocetos originales de Wright cuando diseñaron la torre. ^[¹⁶²^]^[²⁶⁰^]

Interior

La parte central del interior del Guggenheim consta de la sección de monitores al norte, la galería principal más grande al sur y un salón de conferencias debajo de la galería principal. ^{[ 261 ]}^{[ 262 ]} Al este de la entrada principal se encuentra la librería, en el área que originalmente era parte del camino de acceso al museo. ^{[ 263 ]} Al sur de la entrada principal hay un pequeño vestíbulo circular, que contiene un piso con arcos de metal y un techo bajo de yeso con iluminación empotrada. ^{[ 264 ]} Al sur de la rotonda principal hay una cafetería, agregada durante la renovación de la década de 1990. ^{[ 108 ]}^{[ 248 ]}

El núcleo de servicio triangular, en la esquina noreste de la galería principal, contiene un ascensor y una escalera. ^{[ 237 ]}^{[ 265 ]} La escalera rodea el ascensor, que se encuentra dentro de un hueco semicircular; ^{[ 265 ]}^{[ 266 ]} el núcleo también contiene baños y áreas de máquinas. ^{[ 266 ]} Según el autor Robert McCarter, Wright había utilizado "geometrías completas" para las escaleras y rampas porque quería que los visitantes experimentaran el museo a pie. ^{[ 265 ]} Otras salas, como la cocina del personal, fueron diseñadas con equipos curvos debido al diseño inusual del interior. ^{[ 267 ]} El interior del museo está generalmente pintado de blanco, y partes del interior se repintan casi todos los días. ^{[ 242 ]}

Galería principal

Wright diseñó la galería principal (también descrita como una rotonda) como un atrio al aire libre, rodeado por una rampa helicoidal. ^{[ 89 ]}^{[ 268 ]} El diseño de Wright difería del enfoque convencional de la distribución de museos, en el que los visitantes pasan por una serie de salas interconectadas y desandan sus pasos al salir. ^{[ 238 ]} Según el plan de Wright, los visitantes subían en ascensor hasta la parte superior del edificio y descendían por la rampa, contemplando la galería principal como una obra de arte en sí misma. ^{[ 260 ]}^{[ 265 ]} El diseño de la rampa recordaba la concha de un nautilo , con espacios continuos que fluían uno hacia otro. ^{[ 239 ]}^{[ 269 ]} La rotonda abierta permite a los visitantes observar obras en diferentes niveles simultáneamente e interactuar con visitantes en otros niveles. ^{[ 260 ]} Estructuralmente, la rampa actúa como un enorme arco, impidiendo que las columnas de la galería principal se derrumben hacia adentro. ^{[ 256 ]}

La galería principal tiene un suelo de terrazo beige con círculos metálicos incrustados. ^{[ 241 ]}^{[ 270 ]} En la planta baja hay mostradores de información y admisión de madera, y las ventanas dan al sureste hacia la Quinta Avenida y la calle 88. ^{[ 270 ]} La rampa, hecha de hormigón armado , asciende con una pendiente del 5 por ciento ^{[ 84 ]}^{[ 244 ]} desde la planta baja y sube un piso, donde rodea una jardinera y pasa a través de un arco de doble altura. ^{[ 270 ]} Sube cinco pisos más antes de terminar en el sexto piso, ^{[ 84 ]}^{[ 271 ]} con una longitud total de 1416 pies (432 m) . ^[²⁴²^] Su anchura aumenta a medida que asciende, ^[²⁷²^] desde 25 pies (7,6 m) en el nivel más bajo hasta 32 pies (9,8 m) en la parte superior. ^[²⁴⁴^] La rampa sobresale en la esquina noreste del atrio en cada piso, formando un balcón redondeado. ^[²⁶⁴^] Hay conexiones con otras galerías en el segundo y cuarto piso, y con una galería triangular en el sexto piso. ^[²⁷⁰^] La rampa tiene un parapeto bajo a lo largo del lado del atrio, ^[²⁷³^] que mide 36 pulgadas (910 mm) de altura. ^[²⁴²^]

Las paredes y los techos están hechos de yeso. ^{[ 270 ]}^{[ 273 ]} Para crear las paredes de hormigón, los trabajadores rociaron varias capas de hormigón sobre molduras de madera contrachapada, cada capa reforzada con acero. ^{[ 244 ]}^{[ 246 ]} Wright pretendía que los techos bajos y las paredes inclinadas proporcionaran un "ambiente más íntimo" para exhibir las obras de arte. ^{[ 274 ]} Las paredes están inclinadas en un ángulo de 97 grados, y los techos miden 2,9 m (9,5 pies ) de altura. ^[⁴⁵^]^[²⁴⁴^] Jaroslav Josef Polívka ayudó a Wright con el diseño estructural, y él inicialmente diseñó la rampa de la galería sin columnas perimetrales. ^[²⁷⁵^] Más adelante en el diseño, Wright agregó una docena de costillas de hormigón a lo largo de las paredes de la galería principal, que proporcionan refuerzo estructural y dividen la rampa en secciones. ^[²⁶⁸^]^[²⁷⁶^] La rampa pasa por 70 secciones en total. ^[²⁴⁴^] Aunque Wright quería que las pinturas se exhibieran como si estuvieran en un caballete, ^[⁸⁹^]^[²⁷²^] las pinturas están montadas sobre barras horizontales que sobresalen de la pared inclinada. ^[²⁷⁷^]^[²⁷⁸^] Hay espacio limitado para esculturas dentro de cada bahía, ^[⁸⁹^] y las pinturas más anchas frecuentemente abarcan el centro de la pared curva. ^[²⁷⁹^]

La rampa estaba originalmente iluminada por ventanas altas a lo largo del perímetro de cada nivel, ^{[ 276 ]} que fueron selladas cuando se completó el edificio. ^{[ 265 ]}^{[ 277 ]} Cada nivel de la rampa también contiene iluminación empotrada en su techo. ^{[ 265 ]}^{[ 264 ]} El tragaluz abovedado, llamado Óculo de la Familia Lawson-Johnston, ^{[ 280 ]} tiene alrededor de 95 pies (29 m) de altura ^[²⁷⁸^]^[²⁸¹^] y tiene el mismo ancho que el atrio. ^[²⁵¹^] Barras de metal dividen el tragaluz en numerosos paneles. A lo largo de la cúpula hay seis "radios" en forma de horquilla, que rodean un panel de vidrio circular y se conectan con las "costillas" a lo largo del perímetro de la galería. ^[²⁶⁴^]^[²⁸²^] Estos radios dividen el tragaluz en doce secciones. ^[²⁷⁶^]^[²⁶⁴^] Los planos originales contemplaban que la cúpula estuviera iluminada por 24 reflectores. ^[²⁴⁶^] Las ventanas del claristorio y el tragaluz fueron restaurados en 1992. ^[¹⁶¹^]^[²⁸³^]

Sección de monitorización

El "monitor" del museo alberga la Colección Thannhauser. ^{[ 284 ]} Sus galerías rodean un atrio circular, excepto por un vestíbulo de escaleras en un extremo del espacio. ^{[ 270 ]} Los pisos están sostenidos por columnas con secciones transversales en forma de rombo. ^{[ 270 ]}^{[ 285 ]} Al igual que la galería principal, el monitor contiene un núcleo de servicio triangular, aunque su núcleo está ubicado en el centro de la estructura. ^{[ 285 ]} Originalmente, el monitor iba a incluir apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero esta área se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. ^{[ 286 ]} En 1965, el segundo piso del monitor fue renovado para exhibir parte de la creciente colección permanente del museo. ^{[ 250 ]}^{[ 287 ]} Parte del cuarto piso fue convertido de manera similar en 1980. ^{[ 250 ]} Con la restauración del museo a principios de la década de 1990, los pisos del segundo al cuarto fueron convertidos completamente en espacio de exhibición y renombrados como Edificio Thannhauser. ^{[ 108 ]}^{[ 250 ]}^{[ 287 ]}

Centro Gail May Engelberg para la Educación Artística

El Centro Gail May Engelberg para la Educación Artística, terminado en 2001, abarca 760 m² (8200 pies cuadrados ) en ^el nivel inferior del museo, debajo de la galería principal. ^[¹⁸²^] Fue un regalo de la familia Mortimer D. Sackler y originalmente recibió su nombre en su honor. ^[²⁸⁸^] El centro ofrece clases y conferencias sobre artes visuales y escénicas, así como oportunidades para interactuar con las colecciones y exposiciones especiales del museo a través de sus laboratorios, espacios de exhibición, salas de conferencias y el Teatro Peter B. Lewis con capacidad para 266 personas. ^[²⁸⁹^]^[¹⁸²^] Tras las críticas por la participación de la familia Sackler en la epidemia de opioides en Estados Unidos , ^[²⁹⁰^]^[²⁹¹^] el centro fue renombrado en 2022 en honor a la fideicomisaria del museo, Gail May Engelberg, ^[¹⁸³^] quien, junto con su esposo Alfred Engelberg, había donado 15 millones de dólares al museo. ^[¹⁸⁴^]

El espacio del sótano da a una entrada inclinada en la esquina suroeste del museo. ^{[ 262 ]} El Teatro Peter B. Lewis está directamente debajo de la galería principal y tiene dos niveles de asientos: una platea y un balcón. Hay un guardarropa en el nivel del balcón, separado de los asientos del balcón por una mampara metálica. La esquina sureste de la platea tiene un escenario de madera elevado. Las paredes del teatro tienen pilares empotrados, así como aberturas de ventanas semicirculares. ^{[ 292 ]} El techo de yeso tiene iluminación indirecta empotrada . ^{[ 266 ]}^{[ 292 ]} Cuando se construyó el teatro, se podía acceder a él directamente desde el núcleo de servicio triangular, así como a través de la entrada exterior del museo. ^{[ 266 ]}

Galerías anexas

El anexo de la calle 89 contiene 956 m² (10 290 pies ^cuadrados) de espacio adicional para exposiciones. ^[¹⁶⁴^] Hay cuatro galerías de exposiciones con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". ^[²⁶⁰^]^[²⁵⁸^] Cada uno de los niveles de la galería es un espacio de doble altura. ^[¹⁰⁸^]^[²⁵⁹^] Un muelle de carga se encuentra debajo de las galerías, mientras que dos pisos de oficinas y un piso de máquinas están arriba. ^[²⁹³^] Un vestíbulo de acero y vidrio conecta el anexo con la planta baja del monitor, y rampas y pasillos conectan con los tres pisos superiores del monitor. ^[²⁹³^] El anexo está conectado a la torre de escaleras de la galería principal en los pisos cuarto, quinto y séptimo. ^[¹⁰⁸^]^[²⁵⁹^] También se conecta con las terrazas de la azotea sobre el monitor y la galería principal. ^[¹⁶⁴^]^[²⁹³^]

designaciones de monumentos históricos

La Comisión de Preservación de Monumentos Históricos de la Ciudad de Nueva York (LPC) designó el edificio del museo y su interior como monumentos históricos de la ciudad de Nueva York el 14 de agosto de 1990, ^{[ 294 ]}^{[ 295 ]} dos años después de que los opositores a la construcción del anexo solicitaran a la comisión que considerara dicha designación. ^{[ 296 ]} En ese momento, el Guggenheim era uno de los edificios más jóvenes en tener el estatus de monumento histórico de la ciudad, habiéndose completado 31 años antes. ^{[ 242 ]} Cuando la LPC amplió su Distrito Histórico de Carnegie Hill en 1993, ^{[ 297 ]}^{[ 298 ]} el Museo Guggenheim se incluyó en el distrito ampliado. ^{[ 299 ]}

El museo fue añadido al Registro Nacional de Lugares Históricos (NRHP) el 19 de mayo de 2005, ^{[ 2 ]} y fue designado Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. ^{[ 3 ]} La UNESCO añadió ocho propiedades, incluido el Guggenheim, a la Lista del Patrimonio Mundial en julio de 2019 bajo el título " La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright ". ^{[ 300 ]}^{[ 301 ]}

Recopilación

El Guggenheim cuenta con aproximadamente 8.000 obras en su colección a partir de 2022.. ^{[ 302 ]}^{[ 303 ]} Alrededor de 1700 forman parte de su colección en línea. ^{[ 303 ]} El edificio del museo tiene una capacidad relativamente pequeña; según The Wall Street Journal , tras la renovación de 1992, el Guggenheim podía mostrar "más del 6%" de su colección de entonces 5000 piezas. ^{[ 162 ]} Otras piezas se guardan en el almacén del museo. ^{[ 304 ]} A diferencia de otros museos de artes visuales, el Guggenheim no divide su colección en departamentos. ^{[ 305 ]} La colección permanente se exhibe normalmente en las galerías laterales y anexos, mientras que la galería principal se utiliza para exposiciones especiales. ^{[ 306 ]}

El Guggenheim comparte su colección con la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia, y el Museo Guggenheim Bilbao , España. ^{[ 305 ]} También ha prestado objetos al Guggenheim Abu Dhabi para una exposición previa. ^{[ 307 ]} Tras la muerte de Peggy Guggenheim en 1979, la Fundación Guggenheim comenzó a gestionar el museo de Venecia, y el Guggenheim de Nueva York comenzó a exhibir conjuntamente arte expresionista abstracto , cubista y surrealista procedente de ambos museos. ^{[ 308 ]}

Colecciones personales

El Museo Guggenheim ha adquirido colecciones privadas a lo largo de su historia, incluidas las de Guggenheim, Karl Nierendorf , Katherine Sophie Dreier , Thannhauser, Rebay, Giuseppe Panza , Mapplethorpe y la Fundación Bohen. ^{[ 309 ]}^{[ 310 ]} Sus obras más antiguas incluyen modernistas como Rudolf Bauer , Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian , Marc Chagall , Robert Delaunay , Fernand Léger , Amedeo Modigliani y Pablo Picasso . ^{[ 65 ]} Partes de la colección original se han vendido a lo largo de los años. En 2007, 620 de las obras originales fueron designadas parte de la Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, ^{[ 311 ]} con obras de más de 60 artistas, ^{[ 311 ]} incluyendo más de 150 de Kandinsky. ^{[ 312 ]} La colección fundacional contiene varias piezas de Albert Gleizes , entre ellas Brooklyn Bridge , Composition for "Jazz" y Portrait of an Army Doctor . ^{[ 312 ]} Piezas como Green Violinist de Chagall , ^{[ 313 ]} Yellow Cow de Franz Marc , ^[³¹⁴^] Woman with a Fan de Jean Metzinger , ^[³¹⁵^] y The Accordionist de Picasso ^[¹⁰²^] también forman parte de la colección fundacional. ^[³¹²^]

En 1948, el Museo de Arte No Objetivo adquirió los 730 objetos de Nierendorf, en particular pinturas expresionistas alemanas . ^{[ 316 ]}^{[ 13 ]} El Guggenheim aún tenía 121 obras de la colección Nierendorf en la década de 1990, ^{[ 317 ]} que comprendían un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluyendo pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . ^{[ 13 ]}^{[ 65 ]}^{[ 316 ]} En 1953, el Guggenheim adquirió 28 piezas de la colección de Dreier, ^{[ b ]} incluyendo obras de Alexander Archipenko , Constantin Brâncuși , Alexander Calder , Marcel Duchamp , Juan Gris , El Lissitzky , Mondrian y Kurt Schwitters . ^{[ 65 ]}

La Colección Thannhauser, adquirida en 1963, constaba inicialmente de 73 obras, ^{[ 106 ]}^{[ 107 ]} principalmente de los estilos impresionista , postimpresionista y moderno francés, ^{[ 318 ]} incluyendo piezas de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Picasso. ^{[ 65 ]}^{[ 319 ]} La viuda de Justin Thannhauser, Hilde, donó piezas adicionales a la Colección Thannhauser en 1981 y 1991, ^{[ 110 ]} incluyendo el Retrato de la condesa Albazzi de Manet . ^{[ 320 ]}

Rebay también legó una parte de su colección personal a la fundación, incluyendo obras de Kandinsky, Klee, Calder, Gleizes, Mondrian y Schwitters. ^{[ 65 ]} El Guggenheim recibió las piezas en 1971, cuatro años después de su muerte, ^{[ 305 ]} debido a una prolongada demanda. ^{[ 112 ]} En 1990 el museo adquirió la colección de Giovanna y Giuseppe Panza. ^{[ 321 ]}^{[ 322 ]} Esto incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd ; pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman ; y una variedad de arte posminimalista , conceptual y perceptivo de Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, en particular ejemplos estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970. ^{[ 170 ]}^{[ 322 ]} Cuando se adquirió la Colección Panza, algunas de las piezas no habían sido esculpidas, existiendo solo como bocetos. ^{[ 323 ]}

En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe donó 200 de las mejores fotografías de Mapplethorpe a la fundación, ^{[ 166 ]}^{[ 167 ]} marcando la primera adquisición importante de fotografía del siglo XX del museo. ^{[ 308 ]} Las obras abarcaban toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas; también presentaba construcciones de técnica mixta e incluía su conocido Autorretrato de 1998. La adquisición inició el programa de exposiciones de fotografía de la fundación. ^{[ 65 ]} En 2001, la fundación recibió una donación de la colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Comprende alrededor de 275 obras de 45 artistas, ^{[ 324 ]} incluyendo a Pierre Huyghe y Sophie Calle . ^{[ 7 ]} En 2022, el Guggenheim y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago recibieron conjuntamente 100 obras de la Colección D. Daskalopoulos . ^{[ 325 ]}^{[ 326 ]}

Otras obras destacadas

Durante el mandato de Sweeney, en la década de 1950, el Guggenheim adquirió Adán y Eva de Brâncuși (1921) ^{[ 13 ]}^{[ 327 ]} y obras de otros escultores modernistas como Joseph Csaky , Jean Arp , Calder, Alberto Giacometti y David Smith . ^{[ 13 ]}^{[ 328 ]} Sweeney fue más allá del siglo XX para adquirir Hombre con los brazos cruzados de Paul Cézanne ( c. 1899 ) ^[¹³^] y obras de David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . ^[³²⁹^] El museo también adquirió obras de artistas como Aristide Maillol , Jean Messagier , Fritz Hundertwasser y Eduardo Paolozzi , varios dibujos y esculturas de Giacometti, un dibujo cubista de Picasso y algunos grabados de Adán de Henri-Georges . ^[³²⁸^] En la década de 1960, entre las adquisiciones de Messer se encontraban el tríptico Tres estudios para una crucifixión de Francis Bacon y la escultura Cubi XXVII de David Smith . ^[³³⁰^] y piezas de Brâncuși, Calder, Giacometti, Klee, Léger, Joan Miró , Egon Schiele y František Kupka . ^[³³⁰^]

Originalmente, la colección del Museo Guggenheim no incluía arte figurativo debido al enfoque del museo en la "pintura no objetiva", ^{[ 331 ]} pero luego se amplió para incluir una variedad de piezas figurativas, como un retrato del crítico de arte Felix Feneon de Édouard Vuillard , ^{[ 331 ]}^{[ 332 ]} Tres estudios para una crucifixión y la pintura de Miró El campo arado . ^{[ 304 ]}^{[ 333 ]} Otras incluyen Le Moulin de la Galette de Picasso , ^{[ 334 ]} Mandolina y guitarra , Mujer con cabello amarillo y Mujer planchando ; ^{[ 335 ]} El estudiante de Praga de Julian Schnabel ; ^{[ 336 ]} ¡¡¡Grrrrrrrrrrr!! de Roy Lichtenstein ^[³³⁷^] y Estudio para composición II y Montaña azul de Kandinsky . ^[³³⁵^]

Obras seleccionadas de la colección

Camille Pissarro L' Hermitage à Pontoise , 1867
Pierre-Auguste Renoir, Mujer con un loro , 1871
Édouard Manet , Ante el espejo , 93 x 71,6 cm, 1876
Naturaleza muerta de Paul Cézanne : frasco, vaso y jarra , 1877
Georges Seurat, Campesino con azada , 1882
Paisaje con nieve de Vincent van Gogh , 1888
Vincent van Gogh, Montañas en Saint-Rémy, 72,8 x 92 cm, 1889
Paul Cézanne , c. 1899 , Homme aux bras croisés ( Hombre de brazos cruzados ), óleo sobre lienzo, 92 × 72,7 cm
Paul Gauguin, En el bosque de vainilla, hombre y caballo , 73 x 92 cm, 1891
Edgar Degas, Bailarinas en verde y amarillo , 98,8 x 71,5 cm, 1903
Claude Monet El Palacio Ducal, visto desde San Giorgio Maggiore , 1908
Henri Rousseau, Los futbolistas , 100,3 x 81,1 cm, 1908
Francis Picabia Retrato de Mistinguett , óleo sobre lienzo, 60 x 49,2 cm ca. 1908–11
Georges Braque , 1909, Violín y paleta ( Violon et paleta, Dans l'atelier ), óleo sobre lienzo, 91,7 × 42,8 cm
Wassily Kandinsky , 1910, Paisaje con chimenea de fábrica , óleo sobre lienzo, 66,2 × 82 cm
Pablo Picasso , El poeta, óleo sobre lino, 131,2 × 89,5 cm, 1911
Marcel Duchamp, Desnudo (Estudio), Joven triste en un tren , 1911-12. Óleo sobre lienzo, 100 x 73 cm.
Franz Marc , 1911, La vaca amarilla , óleo sobre lienzo, 140,5 × 189,2 cm
Wassily Kandinsky, Santa Francisca , 1911
Torre Eiffel de Robert Delaunay , 1911
Juan Gris , 1911, Maisons à Paris ( Casas en París ), 1911, óleo sobre lienzo, 52,4 × 34,2 cm
Fernand Léger , 1911–12, Les Fumeurs (Los fumadores) , óleo sobre lienzo, 129,2 × 96,5 cm
Jean Metzinger , 1912, Femme à l'Éventail ( Mujer con abanico ) , óleo sobre lienzo, 90,7 × 64,2 cm
Kazimir Malevich, Mañana en el pueblo después de la tormenta de nieve , 1912
Marc Chagall , 1913, Paris par la fenêtre ( París a través de la ventana ), óleo sobre lienzo, 136 × 141,9 cm
Ernst Ludwig Kirchner, Gerda, retrato de medio cuerpo , 99,1 x 75,3 cm . 1914
Albert Gleizes , Puente de Brooklyn ( Pont de Brooklyn ) , óleo y gouache sobre lienzo, 102 × 102 cm , 1915
Composición de Piet Mondrian , 1916
Egon Schiele, Retrato de un anciano, óleo con cera y carboncillo sobre lienzo, 141 x 110,8 cm, 1916
Amedeo Modigliani , Desnudo (Nu) , óleo sobre lienzo, 73 × 116,7 cm 1917
Amedeo Modigliani El suéter amarillo , 1918
Theo van Doesburg , Composición XI , óleo sobre lienzo, 57 × 101 cm 1918
Paul Klee , Globo rojo ( Roter Ballon ), óleo sobre gasa imprimada con tiza, montado sobre tabla, 31,7 × 31,1 cm, 1922
Joan Miró, El campo arado , 1924
Composición de Piet Mondrian , 1929
Henri Matisse , Mujer italiana , Óleo sobre lienzo, 116,7 x 89,5 cm, 1931
Sociedad de París de Max Beckmann , 1931
Comedor con vistas al jardín de Pierre Bonnard , 1935
Mark Rothko, Sin título (Negro sobre gris) , Acrílico sobre lienzo, 203,3 x 175,5 cm, 1969

Reclamaciones de restitución

En 2007, los herederos del banquero berlinés Paul von Mendelssohn-Bartholdy solicitaron la restitución del cuadro de Picasso « Le Moulin de la Galette » (1900), que alegaron que había vendido bajo coacción por parte de los nazis. ^{[ 338 ]}^{[ 339 ]} El museo y los herederos resolvieron la demanda en 2009. ^{[ 340 ]} El juez presidente, Jed Rakoff, criticó el secretismo del acuerdo. ^{[ 341 ]}^{[ 342 ]} En 2018, el museo devolvió el cuadro de Ernst Ludwig Kirchner «Artilleros» (1915) a los herederos de Alfred Flechtheim , quien había sido propietario del cuadro antes de que cayera en manos de un coleccionista nazi en 1938. ^{[ 343 ]}^{[ 344 ]}

En 2023, los herederos de Karl y Rosie Adler demandaron al Guggenheim para reclamar la restitución de un cuadro de Picasso, Mujer planchando ( La repasseuse ) (1904), que los Adler vendieron a Justin Thannhauser en 1938, supuestamente por una fracción de su valor, para escapar del Holocausto . Alegaron que Thannhauser compró a sabiendas el cuadro, y obras de arte de otros judíos que huían, lucrándose injustamente de su sufrimiento. ^{[ 345 ]}^{[ 346 ]} El museo afirma que se puso en contacto con la familia Adler antes de adquirir el cuadro como parte del legado de la colección de arte de Thannhauser en 1976, y que en ese momento Karl Adler no se opuso. ^{[ 347 ]}^{[ 348 ]}

El Guggenheim cataloga 289 obras de arte en el Portal de Internet de Procedencia de la Era Nazi (NEPIP), pero no publica la procedencia de su colección. ^{[ 349 ]}^{[ 350 ]}

Gobernanza y personal

La Fundación Solomon R. Guggenheim opera y es propietaria del Museo Solomon R. Guggenheim. ^{[ 351 ]} El comité de arte y museo de la fundación es responsable de proponer adquisiciones y desincorporaciones de la colección de la fundación, mientras que el consejo de administración de la fundación determina si se implementan las propuestas del comité de arte y museo. ^{[ 352 ]} J. Tomilson Hill ha sido presidente del consejo desde 2021, ^{[ 353 ]} mientras que Marcy Withington ha sido directora financiera de la fundación desde 2018. ^{[ 354 ]} El museo empleó a 315 miembros de personal a tiempo completo y parcial en 2020.. ^{[ 355 ]}^{[ 356 ]}

Recepción y comentarios

Perspectivas contemporáneas

Incluso antes de que el edificio abriera, el diseño polarizó a los críticos de arquitectura ^{[ 89 ]}^{[ 357 ]} y fue controvertido entre el público. ^{[ 358 ]}^{[ 359 ]} Algunos críticos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. ^{[ 360 ]} Emily Genauer del New York Herald Tribune dijo que el edificio había sido comparado con "un sacacorchos gigante, una lavadora y un malvavisco", ^{[ 361 ]} mientras que la sobrina de Solomon, Peggy Guggenheim, creía que se parecía a "un garaje enorme". ^{[ 362 ]} Los miembros del público sentían que el edificio contrastaba con el carácter de la Quinta Avenida. ^{[ 359 ]} Otros críticos, y muchos artistas, temían que fuera difícil colgar adecuadamente las pinturas en los nichos de exhibición cóncavos, poco profundos y sin ventanas alrededor de la galería principal. ^{[ 363 ]}^{[ 77 ]}^{[ 89 ]} Antes de la inauguración del museo, 21 artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de su obra en un espacio así. ^{[ 87 ]}^{[ 364 ]} Phyllis Mark del New Leader comentó que las paredes y los techos "desorientarían al espectador" y señaló que el museo solo podría exhibir el cinco por ciento de su colección en el nuevo edificio. ^{[ 281 ]}

Los críticos de arte criticaron la estructura con especial dureza. ^{[ 365 ]} John Canaday de The New York Times escribió que el diseño sería digno de mérito si se le "quitaran sus cuadros", ^{[ 366 ]}^{[ 367 ]} mientras que Hilton Kramer de Arts Magazine opinó que la estructura era "lo que probablemente sea el edificio más inútil de [Wright]". ^{[ 368 ]} El crítico de arquitectura Lewis Mumford resumió el oprobio:

Wright asignó a las pinturas y esculturas expuestas solo el espacio necesario para no interferir con su composición abstracta. ... [Él] creó una estructura cuya forma no guarda relación con su función y no ofrecía posibilidad alguna de apartarse de sus rígidas preconcepciones. [La rampa] tiene, para ser un museo, un techo bajo: nueve pies y ocho pulgadas [295 cm], por lo que solo se puede exhibir una pintura que se encuentre dentro de los límites verticales así creados. La pared... se inclinaba hacia afuera, siguiendo la inclinación de la pared exterior, y las pinturas no debían colgarse verticalmente ni mostrarse en su plano real, sino que debían inclinarse hacia atrás contra ella. ... Tampoco [un visitante] puede escapar de la luz que le da en los ojos a través de las estrechas ranuras de la pared. ^{[ 369 ]}

Durante su vida, Wright desestimó las críticas a la estructura, diciendo: «Por primera vez, el arte se verá a través de una ventana abierta y, de todos los lugares, en Nueva York». ^{[ 370 ]} También sentía que su diseño complementaba Central Park, particularmente con los arbustos alrededor del nuevo edificio, que formaban «un pequeño parque con un edificio dentro». ^{[ 87 ]}^{[ 371 ]} Wright creía que el edificio sería muy adecuado para el arte de vanguardia , «que pretendía representar el espacio y la forma de una manera nueva y totalmente integrada». ^{[ 273 ]}

El edificio también recibió elogios de la crítica. En una encuesta de 1958 sobre las "Siete Maravillas de la Arquitectura Americana", quinientos arquitectos clasificaron al Guggenheim como la 18.ª mejor estructura de entre más de 100 edificios seleccionados. ^{[ 372 ]} Cuando el edificio abrió sus puertas, arquitectos modernistas como Philip Johnson y Edward Durell Stone elogiaron el diseño de Wright, ^{[ 373 ]}^{[ 374 ]} y Genauer lo consideró "el edificio más bello de Estados Unidos". ^{[ 361 ]}^{[ 374 ]} Este sentimiento fue compartido incluso por comentaristas que cuestionaron la funcionalidad del edificio, incluido Robert M. Coates de The New Yorker , quien escribió: "Mi pregunta no es '¿Es arte?' (creo que sí), sino '¿Qué tan bien albergará arte?'". ^{[ 374 ]}^{[ 375 ]} Un escritor del New York Daily Mirror dijo que el Guggenheim "debería colocarse en un museo para mostrar lo loco que está el siglo XX". ^{[ 375 ]} Los directores de otros importantes museos de la ciudad de Nueva York también elogiaron el edificio, aunque algunos de ellos se mostraron escépticos sobre si la estructura podría funcionar bien como museo. ^{[ 365 ]}^{[ 373 ]}

Impacto y comentarios retrospectivos

En años posteriores, el edificio fue ampliamente elogiado. ^{[ 376 ]}^{[ 377 ]} Marcus Whiffen y Frederick Koeper escribieron: "El dinámico interior del Guggenheim es, para algunos, demasiado competitivo para la exhibición de arte, pero nadie discute que es uno de los espacios memorables de toda la arquitectura". ^{[ 378 ]}^{[ 379 ]} Paul Goldberger dijo en 2009: "Creo que el legado de este edificio está en el mensaje de que la arquitectura no tiene por qué tumbarse y hacerse la muerta frente al arte". ^{[ 380 ]} Según Herbert Muschamp , el Guggenheim fue "uno de los monumentos más distinguidos de Nueva York", así como el diseño más conocido de Wright. ^{[ 381 ]}^{[ 382 ]} El Instituto Americano de Arquitectos otorgó un Premio de Veinticinco Años al Guggenheim en 1986, describiendo el edificio del museo como "un hito arquitectónico y un monumento a la visión única de Wright". ^{[ 109 ]}^{[ 383 ]}

Sello postal de 2 centavos con una ilustración en blanco y negro que muestra el busto de Wright en primer plano y el museo al fondo. — Sello postal estadounidense de 2 centavos en honor a Wright, con el Museo Guggenheim al fondo (1966).

Varios escritores describieron el Guggenheim como representativo de la tendencia de Wright hacia la arquitectura orgánica. ^{[ 384 ]} Según William JR Curtis, el edificio fue "la apoteosis de la filosofía orgánica de Wright". ^{[ 378 ]}^{[ 385 ]} Peter Blake comentó que el Guggenheim fue la "única obra completa de Wright de plasticidad y continuidad inquebrantables", ^{[ 386 ]}^{[ 387 ]} una afirmación con la que coincidió el biógrafo de Wright, Robert C. Twombly. ^{[ 386 ]}^{[ 388 ]} Los críticos llegaron a considerar el Guggenheim como la mejor obra de la última etapa de la carrera de Wright, ^{[ 389 ]} así como la culminación de las formas helicoidales que Wright había utilizado en sus diseños desde 1925. ^{[ 390 ]}^{[ 391 ]} Spiro Kostof llamó al museo "un regalo de arquitectura pura", ^{[ 386 ]}^{[ 392 ]} y Edgar Kaufmann Jr. dijo que el edificio era "uno de los logros indiscutiblemente grandiosos de la arquitectura moderna". ^{[ 386 ]}^{[ 393 ]}

El edificio del museo inspiró los diseños de otros arquitectos. ^{[ 27 ]}^{[ 109 ]} Varios edificios similares se desarrollaron en la década de 1960, aunque generalmente usaban menos hormigón que el Guggenheim. ^{[ 109 ]} Deborah Solomon de The New York Times Magazine escribió en 2002 que el Guggenheim inspiró el fenómeno del "museo que son solo paredes", en el que los museos competían por los edificios mejor diseñados. ^{[ 155 ]} El edificio también fue representado en un sello postal de dos centavos emitido en honor a Wright en 1966. ^{[ 394 ]}^{[ 395 ]} La encuesta de 2007 del Instituto Americano de Arquitectos, Lista de la Arquitectura Favorita de Estados Unidos, clasificó al Museo Guggenheim en el puesto 74 de una lista de los 150 mejores edificios de Estados Unidos. ^{[ 396 ]}^{[ 397 ]}

Asistencia

Cuando el edificio abrió, era popular entre el público en general. ^{[ 398 ]} Una encuesta de Gallup de 1960 encontró que el 38 por ciento de los visitantes venían por el edificio en sí, mientras que un 43 por ciento adicional quería ver tanto el edificio como el arte. ^{[ 398 ]}^{[ 399 ]} El Guggenheim no mantuvo registros precisos de asistencia hasta 1992. ^{[ 400 ]} Antes de su renovación de la década de 1990, tenía un estimado de 600 000 visitantes anuales. ^{[ 401 ]} Esto aumentó a entre 900 000 y 1 millón a principios de la década de 2000. ^{[ 187 ]} Tenía 960 000 visitantes anuales antes de los ataques del 11 de septiembre, pero la asistencia disminuyó después de los ataques; se recuperó varios años más tarde. ^{[ 203 ]} En 2013, casi 1,2 millones de personas visitaron el museo, y su exposición de James Turrell fue la más popular en la ciudad de Nueva York en asistencia diaria. ^{[ 402 ]} Debido a la pandemia de COVID-19, el Guggenheim tuvo solo 154.000 visitantes en 2020, una disminución del 88 por ciento con respecto al año anterior. ^{[ 403 ]} En 2023El museo recibió 861.000 visitantes, en comparación con 1,2 millones en 2019 (antes de la pandemia de COVID-19). ^{[ 1 ]}^{[ 404 ]}

Según funcionarios del museo, encuestas realizadas a lo largo de los años han indicado que la mayoría de los visitantes acudieron por la arquitectura del edificio más que por sus obras de arte. ^{[ 187 ]} En 2001, The New York Times informó que casi el 70 por ciento eran turistas y que la mitad eran extranjeros. ^{[ 196 ]} En 2010, el Times informó que entre el 55 y el 65 por ciento de los visitantes provenían del área metropolitana de Nueva York . ^{[ 405 ]} Según un estudio de 2018, el 73 por ciento de los visitantes del museo eran blancos y el 8 por ciento eran negros. ^{[ 216 ]}

En 2009, una retrospectiva de Frank Lloyd Wright atrajo a 372.000 visitantes en tres meses, convirtiéndose en la exposición más popular del museo. ^{[ 406 ]} Este récord fue superado al año siguiente por una exposición de Kandinsky. ^{[ 400 ]}^{[ 405 ]} A partir de 2022La exposición más popular en la historia del museo fue una exposición de pinturas de Hilma af Klint en 2019 , ^{[ 407 ]} que atrajo a más de 600.000 visitantes en seis meses. ^{[ 408 ]}

Véase también

Referencias

Notas

↑ Wright había experimentado con un diseño de rampa ya en 1924, cuando dibujó los planos para un centro de visitantes en Sugarloaf Mountain en Maryland, que nunca se construyó.^{[ 31 ]} Posteriormente utilizó el diseño de rampa en la tienda de regalos VC Morris en San Francisco, terminada en 1948, y en la Casa de David y Gladys Wright en Arizona, que completó para su hijo en 1952.^{[ 30 ]}
↑ Dreier fue uno de los colegas de Rebay y fundador de la organización de arte moderno Société Anonyme .^{[ 65 ]}

Citas

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Enlaces externos

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