Keith Haring

Haring nació en el Community General Hospital de Reading, Pensilvania , el 4 de mayo de 1958. ^{[ 2 ] [ 3 ]} Se crio en Kutztown, Pensilvania , con su madre, Joan Haring, y su padre, Allen Haring, ingeniero y dibujante aficionado. Tenía tres hermanas menores: Kay, Karen y Kristen. ^{[ 4 ]} Se interesó por el arte desde muy joven, pasando tiempo con su padre haciendo dibujos creativos. ^{[ 5 ]} Entre sus primeras influencias se encontraban los dibujos animados de Walt Disney , el Dr. Seuss , Charles Schulz y los personajes de Looney Tunes en The Bugs Bunny Show . ^{[ 5 ]}

La familia de Haring asistía a la Iglesia Unida de Cristo . ^{[ 6 ]} En su adolescencia temprana, estuvo involucrado con el movimiento de Jesús . ^{[ 7 ]} Más tarde viajó haciendo autostop por todo el país, vendiendo camisetas que él mismo fabricaba con diseños de Grateful Dead y anti- Nixon . ^{[ 8 ]} Se graduó de la escuela secundaria Kutztown Area en 1976. ^{[ 9 ]} Estudió arte comercial de 1976 a 1978 en la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh , pero finalmente perdió el interés, ^{[ 10 ]} inspirado para centrarse en su propio arte después de leer The Art Spirit (1923) de Robert Henri . ^{[ 5 ]}

Haring trabajaba en mantenimiento en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh y tuvo la oportunidad de explorar la obra de Jean Dubuffet , Jackson Pollock y Mark Tobey . En esa época, recibió una gran influencia de la retrospectiva de la obra de Pierre Alechinsky en 1977 y de una conferencia que el escultor Christo impartió en 1978. La obra de Alechinsky lo inspiró a crear imágenes de gran formato con textos y personajes. De Christo, Haring aprendió a incorporar al público en su arte. Su primera exposición importante tuvo lugar en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh en 1978. ^{[ 11 ] [ 12 ]}

Haring se mudó al Lower East Side de Nueva York en 1978 para estudiar pintura en la Escuela de Artes Visuales . Durante ese tiempo, también trabajó como ayudante de camarero en el club nocturno Danceteria . ^{[ 13 ]} Mientras estudiaba, cursó semiótica con Bill Beckley y experimentó con videoarte y performance. Haring también recibió una gran influencia en su arte por parte del autor William Burroughs . ^{[ 5 ]} En 1978, Haring escribió en su diario: «Me estoy volviendo mucho más consciente del movimiento. La importancia del movimiento se intensifica cuando una pintura se convierte en una performance. La performance (el acto de pintar) se vuelve tan importante como la pintura resultante». ^{[ 14 ]}

Haring atrajo la atención del público por primera vez con sus dibujos en el metro. ^{[ 15 ]} A partir de diciembre de 1980, creó imágenes con tiza blanca sobre paneles publicitarios negros en desuso en las estaciones del metro de la ciudad de Nueva York . ^{[ 16 ]} Consideraba el metro como su "laboratorio", un lugar donde podía experimentar y crear su obra de arte, y veía el papel publicitario negro como un espacio libre y "el lugar perfecto para dibujar". ^{[ 17 ]} El Bebé Radiante, un bebé gateando que emitía rayos de luz, se convirtió en su símbolo más reconocido. Lo usaba como su firma para mostrar su trabajo mientras era artista del metro. ^{[ 7 ]} Desarrolló un "vocabulario" con sus imágenes (como perros ladrando, platillos voladores y figuras bailando) que se volvió común en su iconografía y su obra se hizo cada vez más reconocible. ^{[ 15 ] [ 18 ]}

La técnica del collage en los escritos de William S. Burroughs y Brion Gysin inspiró el trabajo de Haring con letras y palabras. ^{[ 8 ]} En 1980, creó titulares a partir de la yuxtaposición de palabras y colocó cientos en farolas de Manhattan. Estos incluían frases como "Reagan asesinado por un policía héroe" y "El Papa asesinado por liberar a un rehén". ^{[ 19 ]} Ese mismo año, como parte de su participación en The Times Square Show con uno de sus primeros proyectos públicos, Haring alteró un anuncio publicitario sobre una entrada del metro en Times Square que mostraba a una mujer abrazando las piernas de un hombre, tachando la primera letra para que esencialmente se leyera " hardón " en lugar de "Chardón", una marca de ropa francesa. ^{[ 20 ]} En 1980, Haring también comenzó a organizar exposiciones en el Club 57 , que fueron filmadas por su amigo cercano, el fotógrafo Tseng Kwong Chi . ^{[ 21 ]}

En febrero de 1981, Haring tuvo su primera exposición individual en Westbeth Painters Space en West Village . ^{[ 22 ] [ 23 ]} Mientras pintaba un friso en PS 22 durante el verano de 1981, Haring conoció al artista de graffiti Angel "LA II" Ortiz , quien se convertiría en un colaborador clave. ^{[ 24 ]} Ortiz rellenó los dibujos de Haring con garabatos y sus etiquetas de graffiti "LA2" y "LA ROCK". ^{[ 25 ]} Haring sentía que su "'firma' es una versión típicamente neoyorquina de lo que yo siento que es lo más cerca que el mundo occidental ha estado de una forma estilizada de escritura similar a la caligrafía oriental ". ^{[ 26 ]} Su asociación marcó un cambio importante del taging callejero al reconocimiento institucional. ^{[ 27 ]} En noviembre de 1981, la Galería Hal Bromm en Tribeca presentó la primera exposición individual del artista en una galería comercial. ^{[ 28 ]}

En enero de 1982, Haring fue el primero de doce artistas organizados por Public Art Fund para exhibir su obra en la valla publicitaria animada por computadora Spectacolor en Times Square. ^{[ 29 ]} Ese verano, Haring creó su primer gran mural al aire libre en el muro de Houston Bowery en el Lower East Side. ^{[ 30 ]} En sus pinturas, a menudo usaba líneas para mostrar energía y movimiento. ^{[ 31 ]} Una de sus obras, Sin título (1982), representa dos figuras con un radiante motivo de amor en forma de corazón, que los críticos han interpretado como un audaz guiño al amor homosexual y una importante declaración cultural. ^{[ 31 ]}

En 1982, Haring participó en la documenta 7 en Kassel , donde sus obras se exhibieron junto a las de Joseph Beuys , Anselm Kiefer , Gerhard Richter , Cy Twombly , Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol . ^{[ 32 ]} Ese mismo año, participó en varias exposiciones colectivas, incluyendo Fast en la Galería Alexander Milliken de Nueva York. ^{[ 33 ]} En octubre de 1982, realizó una exposición individual en la Galería Tony Shafrazi en SoHo, que recibió críticas positivas. ^{[ 34 ]} Como observó ARTnews , «Las imágenes de Haring son directas, ingeniosas y sin rodeos. Más allá de toda su actividad, la publicidad reciente y los altos precios, Haring posee una comprensión inteligente de la naturaleza de nuestra cultura». ^{[ 35 ]}

En febrero de 1983, Haring tuvo una exposición individual en la Fun Gallery en East Village, Manhattan . ^{[ 36 ]} Ese año, Haring participó en la Bienal de São Paulo en Brasil y en la Bienal Whitney en Nueva York. ^{[ 37 ] [ 38 ]} También diseñó el cartel para el Festival de Jazz de Montreux de 1983 en Suiza. ^{[ 39 ]} En abril de 1983, Haring recibió el encargo de pintar un mural, Construction Fence , en el sitio de construcción del Museo de Arte Haggerty en Milwaukee . ^{[ 40 ]} Más tarde ese año, Haring participó en la exposición Urban Pulses: the Artist and the City en Pittsburgh pintando con aerosol una sala en el Centro de Artes de Pittsburgh y creando un mural al aire libre en PPG Place . ^{[ 41 ]} En octubre de 1983, Elio Fiorucci invitó a Haring a Milán para pintar las paredes de su tienda Fiorucci . ^{[ 42 ]} Mientras Haring estaba en Londres para la inauguración de su exposición en la Galería Robert Fraser en octubre de 1983, conoció al coreógrafo Bill T. Jones y comenzó a colaborar con él . Haring usó el cuerpo de Jones como lienzo para pintar de pies a cabeza. ^{[ 43 ]}

Haring y Angel "LA II" Ortiz crearon un diseño de camiseta para la marca de ropa de sus amigos Willi Smith y Laurie Mallet, WilliWear Productions, en 1984. ^{[ 44 ]} Después de que Haring apareciera en un perfil de la revista Paper , la diseñadora de moda Vivienne Westwood contactó a la editora en jefe Kim Hastreiter para facilitar una reunión con Haring. Haring le presentó a Westwood dos grandes hojas de dibujos y ella los convirtió en textiles para su colección Otoño/Invierno 1983-84 Witches. ^{[ 45 ] [ 46 ]} La amiga de Haring, Madonna, lució una falda de la colección, sobre todo en el video musical de su sencillo de 1984 " Borderline ". ^{[ 47 ]}

A medida que Haring ascendía al estrellato, continuó dibujando en el metro, contrastando con los precios desorbitados de su obra. ^{[ 48 ]} A Haring le gustaba regalar su obra, a menudo repartiendo botones y pósteres de su trabajo. ^{[ 48 ]} En 1984, publicó un libro titulado Art in Transit , que incluía fotografías de sus dibujos del metro realizadas por Tseng Kwong Chi y una introducción de Henry Geldzahler . ^{[ 49 ]} El rápido ascenso de Haring a la fama internacional fue cubierto por los medios. Su arte apareció en la portada del número de febrero de 1984 de Vanity Fair , y fue presentado en el número de octubre de 1984 de Newsweek . ^{[ 50 ] [ 51 ]} En julio de 1984, pintó a la cantante Grace Jones por primera vez para la revista Interview . ^{[ 52 ]}

En 1984, el Departamento de Saneamiento de la Ciudad de Nueva York le pidió a Haring que diseñara un logotipo para su campaña contra la basura. ^{[ 53 ]} Haring participó en la Bienal de Venecia . ^{[ 37 ]} Fue invitado a crear murales temporales en la Galería Nacional de Victoria y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur . ^{[ 54 ]} Durante su visita a Australia, pintó el mural permanente de Keith Haring en el Collingwood Technical College en Melbourne. ^{[ 55 ]} Ese año, Haring también pintó murales en el Walker Art Center en Minneapolis y en Serra Grande, ubicada en Bahía, Brasil. ^{[ 56 ] [ 57 ]} Más tarde ese año, diseñó la escenografía para la producción de Secret Pastures de Bill T. Jones y Arnie Zane en la Academia de Música de Brooklyn . ^{[ 58 ]}

En 1985, Swatch presentó una línea de relojes diseñados por Haring. ^{[ 59 ]} Haring recibió el encargo de las Naciones Unidas de crear un sobre de primer día del sello de las Naciones Unidas y una litografía de edición limitada que lo acompañara para conmemorar 1985 como Año Internacional de la Juventud. ^{[ 60 ]} Diseñó decorados para MTV y pintó murales para varias instituciones artísticas y clubes nocturnos, como el Palladium en Manhattan. ^{[ 7 ]} En marzo de 1985, Haring pintó las paredes de la Grande Halle de la Villette para la Bienal de París . ^{[ 61 ]}

En julio de 1985, Haring realizó una pintura para el concierto Live Aid en el estadio JFK de Filadelfia. ^{[ 62 ]} Además, pintó un automóvil propiedad del marchante de arte Max Protetch para ser subastado, y las ganancias se donaron para el alivio de la hambruna en África. ^{[ 63 ]} Haring también continuó siendo políticamente activo diseñando carteles de Free South Africa en 1985, ^{[ 64 ]} y creando un cartel para la Gran Marcha por la Paz de 1986 por el Desarme Nuclear Global . ^{[ 65 ]}

En diciembre de 1985, Haring pintó Los Diez Mandamientos para conmemorar su primera exposición individual en el museo CAPC de arte contemporáneo de Burdeos . ^{[ 66 ]} Haring tuvo una exposición individual en el Museo Stedelijk de Ámsterdam y pintó un mural en la fachada del edificio de almacenamiento del museo en marzo de 1986. ^{[ 67 ] [ 68 ]}

En abril de 1986, abrió Pop Shop en SoHo , vendiendo camisetas, pósteres y otros artículos que mostraban la obra de Haring. ^{[ 69 ]} Esto hizo que la obra de Haring fuera fácilmente accesible para comprar a precios razonables. ^{[ 70 ]} Habiendo logrado lo que quería, que era "dar a conocer la obra al público en general", Haring dejó de dibujar por completo en el metro. ^{[ 71 ]} También dejó de hacerlo porque la gente se llevaba los dibujos del metro y los vendía. ^{[ 71 ]}

En junio de 1986, Haring creó una pancarta de 27 metros (90 pies) , CityKids Speak on Liberty , en colaboración con The CityKids Foundation para conmemorar el centenario de la llegada de la Estatua de la Libertad a Estados Unidos. ^{[ 72 ]} Más tarde ese mismo mes, creó su mural Crack Is Wack en East Harlem, visible desde la FDR Drive de Nueva York . ^{[ 10 ]} Inicialmente, el Departamento de Policía de Nueva York lo consideró vandalismo y Haring fue arrestado. Pero después de que los medios locales se hicieran eco de la noticia, Haring fue liberado con un cargo menor. Mientras estaba en la cárcel, la obra original de Haring fue vandalizada con la frase "Crack Is It", y luego fue repintada por el Departamento de Parques . ^{[ 73 ]} Este mural es un ejemplo del uso que hace Haring de la concienciación en lugar del consumismo, "Crack is Wack" en lugar de " Coke is it ". ^{[ 74 ]} Pintó una versión actualizada del mural en la misma pared en octubre de 1986. ^{[ 75 ]}

En septiembre de 1986, los murales permanentes de Haring fueron inaugurados en el Hospital Woodhull de Brooklyn. ^{[ 76 ] [ 77 ]} Al mes siguiente, creó un mural en el Muro de Berlín para el Museo Checkpoint Charlie el 23 de octubre de 1986. ^{[ 78 ]} El mural tenía 300 metros (980 pies) de largo y representaba figuras humanas entrelazadas en rojo y negro sobre un fondo amarillo. Los colores eran una representación de la bandera alemana y simbolizaban la esperanza de unidad entre Alemania Oriental y Occidental . ^{[ 79 ]} 

Haring pintó una falda para que Grace Jones la usara en su video musical " I'm Not Perfect (But I'm Perfect for You) " (1986) y fue el asistente de dirección del video. ^{[ 80 ] [ 81 ]} También pintó el cuerpo de Jones para presentaciones en vivo en el Paradise Garage , ^{[ 82 ]} y para su papel de Katrina, la Reina de los Vampiros en la película Vamp de 1986. ^{[ 83 ]} Haring colaboró ​​con David Spada , un diseñador de joyas, para diseñar los adornos escultóricos para Jones. ^{[ 84 ]}

Haring colaboró ​​con Warhol para diseñar el cartel del Festival de Jazz de Montreux de 1986 en Suiza. ^{[ 85 ]} El cartel también se utilizó para el Festival de Jazz de Montreux-Detroit de 1986 en Detroit . ^{[ 85 ]} También diseñó un cartel para Absolut Vodka , que se presentó en el Museo Whitney de Nueva York en octubre de 1986. ^{[ 86 ]} En diciembre de 1986, mientras estaba en Phoenix para reunirse con posibles patrocinadores de un parque infantil público diseñado por Haring, dirigió un taller de dibujo en el Museo de Arte de Phoenix , dio una conferencia y pintó un mural con estudiantes en el centro de la ciudad . ^{[ 87 ] [ 88 ]}

Haring era abiertamente gay y utilizó su obra para abogar por el sexo seguro . ^{[ 89 ]} Le diagnosticaron VIH en 1987 y SIDA en el otoño de 1988. ^{[ 90 ] [ 91 ]} Durante los últimos años de su vida, utilizó sus imágenes para hablar sobre su enfermedad y para generar activismo y concienciación sobre el SIDA. ^{[ 92 ]}

En 1987, Haring realizó exposiciones en Helsinki, París y otros lugares. Durante su estancia en París para la exposición del décimo aniversario de artistas estadounidenses en el Centro Georges Pompidou , Haring y su novio Juan Rivera pintaron el mural de la Torre en una escalera exterior de 27 metros de altura (88 pies) en el Hospital Necker-Enfants Malades . ^{[ 93 ] [ 94 ]} Mientras estaba en Bélgica para su exposición en la Galería 121, Haring pintó un mural en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes . ^{[ 95 ]} 

Ese mismo año, Haring también fue invitado por el artista Roger Nellens a pintar un mural en su Casino Knokke . ^{[ 96 ]} Mientras trabajaba allí, Haring se hospedó en Le Dragon , una casa de huéspedes con forma de monstruo propiedad de Nellens que había sido diseñada por el artista Niki de Saint Phalle . Con el consentimiento tanto del diseñador como del propietario, Haring pintó un mural al fresco a lo largo de un balcón interior y una escalera. ^{[ 97 ] [ 98 ]}

Haring diseñó un carrusel para Luna Luna de André Heller , un parque de atracciones efímero en Hamburgo de junio a agosto de 1987 con atracciones diseñadas por renombrados artistas contemporáneos. ^{[ 99 ] [ 100 ]} En agosto de 1987, Haring pintó un gran mural en la piscina al aire libre del Centro Recreativo de Carmine Street en West Village. ^{[ 101 ] [ 102 ]} En septiembre de 1987, pintó un mural temporal, Detroit Notes , en el Museo de Arte de Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . La obra revela una fase más oscura en el estilo de Haring, que el director del Museo de Arte de Cranbrook, Andrew Blauvelt , especula que presagió la confirmación de su diagnóstico de SIDA. ^{[ 103 ]}

Haring diseñó la portada del álbum benéfico de 1987 A Very Special Christmas y del sencillo de Run-DMC " Christmas In Hollis "; las ganancias se destinaron a las Olimpiadas Especiales . ^{[ 60 ] [ 104 ]} La imagen del álbum recopilatorio A Very Special Christmas consiste en una figura típica de Haring sosteniendo a un bebé. Su "iconografía de Jesús" se considera inusual en los álbumes navideños de rock modernos. ^{[ 105 ]}

También en 1987, Haring pintó un mural en el barrio de Point Breeze , en Filadelfia, titulado «Nosotros, la juventud», para conmemorar el bicentenario de la Constitución de los Estados Unidos . Originalmente concebido como un simple marcador de posición, nunca se construyó una nueva casa adosada y el terreno se convirtió en un parque. El mural fue sometido a una importante restauración en 2013 y es el mural público de Haring que más tiempo ha permanecido en su ubicación original. ^{[ 106 ]}

En 1988, Haring se unió a un selecto grupo de artistas cuyas obras han aparecido en la etiqueta del vino Chateau Mouton Rothschild . ^{[ 107 ]} En enero de 1988, viajó a Japón para abrir Pop Shop Tokyo; cerró en el verano de 1988. ^{[ 108 ]} Haring colaboró ​​con su amigo Stephen Sprouse en el diseño de estampados para su colección de otoño de 1988. ^{[ 109 ]} Haring también pintó la Honda CBR1000F de Sprouse . ^{[ 110 ] [ 46 ]}

En abril de 1988, Haring creó un mural en el Jardín Sur para el tradicional evento anual de búsqueda de huevos de Pascua de la Casa Blanca , que donó al Hospital Nacional Infantil de Washington, D.C. ^{[ 111 ]} A finales del verano, Haring viajó a Düsseldorf para una exposición de sus pinturas y esculturas en la Galería Hans Mayer. ^{[ 112 ]} En diciembre de 1988, se inauguró la exposición de Haring en la Galería Tony Shafrazi, que, según él, fue su exposición más importante hasta la fecha. Sentía que tenía algo que demostrar debido a su estado de salud y a la muerte de sus amigos Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat. ^{[ 113 ]}

En febrero de 1989, Haring pintó el mural Todos Juntos Podemos Parar el SIDA en el barrio Chino de Barcelona para concienciar sobre la epidemia del SIDA. ^{[ 114 ]} En mayo de 1989, por invitación de un profesor llamado Irving Zucker, Haring visitó Chicago para pintar un mural de 480 pies en Grant Park junto con casi 500 estudiantes. ^{[ 115 ]} Otros tres murales de Haring se materializaron en Chicago por esas mismas fechas: dos en el Centro Médico de la Universidad Rush y el otro en la Escuela Secundaria Wells Community Academy . ^{[ 116 ]} Este último se completó días antes de la llegada de Haring a Chicago, a modo de bienvenida. ^{[ 117 ]} Según Zucker, Haring envió a la escuela una plantilla de diseño para el mural, que fue ejecutada por un compañero profesor, Tony Abboreno, un artista abstracto , y estudiantes de arte de la Escuela Secundaria Wells, pero Haring le dio su aprobación final y lo firmó él mismo. ^{[ 117 ]}

Para The Center Show , una exposición que celebraba el 20 aniversario de los disturbios de Stonewall , Haring fue invitado por el Centro de Servicios para la Comunidad Lesbiana y Gay de Nueva York para crear una obra específica para el lugar. ^{[ 118 ]} Eligió el baño de hombres del segundo piso para pintar su mural Érase una vez... en mayo de 1989. ^{[ 119 ]} En junio de 1989, Haring pintó su mural Tuttomondo en la pared trasera del convento de la iglesia de Sant'Antonio Abate en Pisa . ^{[ 120 ]} Haring criticó la evasión de problemas sociales como el SIDA a través de una obra llamada Rebelde con muchas causas (1989) que gira en torno al tema de "no oír el mal, no ver el mal, no hablar del mal". ^{[ 121 ]}

Durante la última semana de noviembre de 1989, Haring pintó un mural en el ArtCenter College of Design en Pasadena para "Un día sin arte". El mural fue conmemorado el 1 de diciembre, el segundo Día Anual de Concientización sobre el SIDA. Conmemoró el mural el 1 de diciembre, Día Mundial del SIDA , y le dijo al Los Angeles Times : "Mi vida es mi arte, están entrelazados. Cuando el SIDA se convirtió en una realidad en términos de mi vida, comenzó a convertirse en un tema en mis pinturas. Cuanto más afectaba mi vida, más afectaba mi trabajo". ^{[ 92 ]} Desde Pasadena, Haring voló a Atlanta para la inauguración de su exposición conjunta con el fotógrafo Herb Ritts en la Fay Gold Gallery el 2 de diciembre. ^{[ 122 ]}

En 1990, Haring pintó una BMW Z1 en la Galería Hans Mayer de Düsseldorf. ^{[ 123 ] [ 124 ]} Viajó a París para la que sería su última exposición, Keith Haring 1983 , en la Galerie 1900–2000/La Galerie de Poche en enero de 1990. ^{[ 125 ] [ 126 ]}

Apenas dos semanas antes de su muerte, Haring completó La vida de Cristo , un tríptico esculpido en arcilla y fundido en nueve ediciones de bronce, cada una con un acabado de pátina de oro blanco. ^{[ 127 ]} En total existen nueve versiones del tríptico: una se encuentra en la iglesia de Saint-Eustache en París y otra en la catedral de San Juan el Divino en Manhattan. ^{[ 128 ]}

El 16 de febrero de 1990, Haring murió por complicaciones relacionadas con el SIDA en su apartamento de LaGuardia Place en Greenwich Village . ^{[ 129 ] [ 70 ]} Fue cremado y sus cenizas fueron esparcidas en un campo cerca de Bowers, Pensilvania , justo al sur de su ciudad natal de Kutztown. ^{[ 130 ]}

El 4 de mayo de 1990, fecha en la que Haring habría cumplido 32 años, se celebró un servicio conmemorativo en la Catedral de San Juan el Divino en Manhattan. ^{[ 131 ]} Entre los oradores se encontraban el alcalde David N. Dinkins , el actor Dennis Hopper , la soprano Jessye Norman , los bailarines de ballet Heather Watts y Jock Soto , y el excomisionado de Parques Henry Stern . ^{[ 131 ]} «Fue un hombre cuya corta vida fue una misión de vida y esperanza», dijo Dinkins, para quien Haring había diseñado materiales de campaña. ^{[ 131 ]} «Rara vez una persona en su posición se ha entregado tanto a otros seres humanos… su vertiginosa filantropía destaca incluso en una ciudad conocida por su filantropía». ^{[ 131 ]}

Keith Haring trabajó extensamente como artista comercial, creando diseños para portadas de álbumes, moda y objetos de producción masiva, además de su práctica en galerías de arte. Ilustró portadas de discos para músicos como David Bowie (" Without You " , 1983), NYC Peech Boys (" Life Is Something Special" , 1983), Malcolm McLaren (" Duck for the Oyster" , 1983) y Sylvester (" Someone Like You ", 1986). ^{[ 104 ]} Su producción comercial también incluyó camisetas serigrafiadas , diseños textiles y la tienda Pop Shop , lo que refleja su interés en hacer que el arte sea accesible a un público amplio.

A pesar de su éxito, las actividades comerciales de Haring suscitaron críticas en los medios. La revista People lo describió como un pintor "de moda", mientras que Time lo acusó de "robar" ideas para su obra "sobrepromocionada y pasajera". ^{[ 132 ]} Haring rechazó estas acusaciones, señalando su consolidada representación en galerías y exposiciones en museos como prueba de la seriedad de su práctica. Sostuvo que su obra operaba en múltiples contextos, afirmando: "Ninguno es más importante que el otro... No se pueden separar los tres". ^{[ 132 ]}

En respuesta a las sugerencias de que su estilo derivaba de AR Penck , Haring citó influencias como Stuart Davis , Henri Matisse , Andy Warhol y Pierre Alechinsky . ^{[ 132 ]} También enfatizó el papel de la cultura popular en la configuración de su obra, señalando: «Crecí en la cultura pop estadounidense , en la cultura de los dibujos animados televisivos y del grafiti». ^{[ 132 ]}

Cuando Haring abrió su Pop Shop en 1986, algunos lo acusaron de mercantilizar su obra. ^{[ 92 ] [ 133 ]} Rechazó esta opinión, argumentando: «Podría ganar más dinero si simplemente pintara algunas cosas y subiera el precio. Mi tienda es una extensión de lo que hacía en las estaciones de metro, derribando las barreras entre el arte culto y el arte popular». ^{[ 70 ]} Su espacio comercial, el Pop Shop, extendió esta filosofía; permaneció abierto después de su muerte hasta 2005, y las ganancias se destinaron a la Fundación Keith Haring. ^{[ 69 ]}

La Pop Shop formaba parte de un esfuerzo más amplio para hacer que su arte fuera ampliamente accesible. ^{[ 133 ]} "Durante los últimos cinco o seis años, las recompensas que he recibido son muy desproporcionadas a lo que merezco... Gano mucho más dinero del que debería, así que siento un poco de culpa, de querer devolverlo", dijo Haring en 1989. ^{[ 92 ]}

A lo largo de su carrera, Haring creó obras en estaciones de metro y vallas publicitarias, y desarrolló un lenguaje visual de figuras simplificadas y anónimas sin edad, raza ni identidad definidas. ^{[ 7 ] [ 70 ]} A mediados de la década de 1980, su obra abordó cada vez más temas sociopolíticos , como la lucha contra el apartheid , la concienciación sobre el SIDA y la epidemia del crack . ^{[ 92 ]}

La obra de Haring estuvo estrechamente ligada a su compromiso con el activismo social y político, que se convirtió en un aspecto fundamental de su trayectoria a lo largo de la década de 1980. Utilizó su visibilidad pública y su estilo gráfico distintivo para abordar temas como la epidemia del crack , los derechos LGBTQ+ y la creciente crisis del VIH/SIDA . Creó obras que promovían la alfabetización y la participación juvenil en colaboración con escuelas públicas y organizaciones comunitarias.

Haring fue un crítico declarado del apartheid , y en particular creó el cartel Free South Africa (1985), que se convirtió en un símbolo de protesta ampliamente reproducido. ^{[ 134 ]}

También produjo obras en apoyo del desarme nuclear . Un ejemplo de ello es una bandera a rayas blancas y negras que, según él, simbolizaba el peligro de un apocalipsis nuclear. ^{[ 7 ]} En algunas de sus obras, estableció conexiones entre el fin del mundo y el virus del SIDA. En una pieza que realizó con William Burroughs , representa el virus como criaturas demoníacas, el número 666 y una nube en forma de hongo. ^{[ 7 ]}

Como artista gay diagnosticado con SIDA en 1988, Haring se convirtió en un importante defensor público de la concienciación y la educación sobre el SIDA. En 1989, fundó la Fundación Keith Haring para proporcionar financiación a organizaciones de lucha contra el SIDA y programas infantiles, así como para conservar y distribuir su obra artística. ^{[ 135 ]}

Durante el último año de su vida, intensificó su activismo, participando en campañas como las iniciativas de ACT UP y creando imágenes utilizadas por grupos de defensa para desestigmatizar la enfermedad. ^{[ 136 ]} Su obra Silence=Death , que imita el cartel de ACT UP y utiliza su lema, es reconocida casi universalmente como una obra de activismo contra el VIH/SIDA . ^{[ 137 ]} En 1989, Haring diseñó camisetas para conmemorar el 20 aniversario de los disturbios de Stonewall . ^{[ 138 ]}

Tres meses después de su muerte, Haring apareció póstumamente en el documental de Rosa von Praunheim, Silence = Death (1990), sobre artistas homosexuales en la ciudad de Nueva York que luchaban por los derechos de las personas con SIDA. ^{[ 139 ]}

Desde 1982 hasta 1989, Haring participó en más de 100 exposiciones individuales y colectivas y produjo más de 50 obras de arte públicas para organizaciones benéficas, hospitales, guarderías y orfanatos. ^{[ 140 ]} Estuvo representado por galerías reconocidas como la Galería Tony Shafrazi y la Galería Leo Castelli . ^{[ 141 ]} Desde su muerte, ha participado en más de 150 exposiciones alrededor del mundo. ^{[ 142 ]} También ha sido objeto de varias retrospectivas internacionales .

Haring tuvo su primera exposición individual en Westbeth Painters Space en febrero de 1981. ^{[ 22 ] [ 23 ]} Ese mes también participó en la exposición New York/New Wave en MoMA PS1 . ^{[ 143 ]} Más tarde ese año, tuvo una exposición individual en la Galería Hal Bromm en Tribeca, ^{[ 144 ]} seguida de su exposición revelación en la Galería Tony Shafrazi en SoHo en 1982. ^{[ 145 ]} En 1982, participó en documenta 7 en Kassel así como en la serie Messages to the Public del Public Art Fund en la que creó una obra para una valla publicitaria Spectacolor en Times Square. ^{[ 7 ]} En 1983, Haring contribuyó con una obra a la Bienal Whitney y a la Bienal de São Paulo . También tuvo exposiciones individuales en la Fun Gallery en East Village, Galerie Watari en Tokio, ^{[ 146 ]} Institute of Contemporary Art, Filadelfia , ^{[ 27 ]} el Wadsworth Atheneum en Hartford, ^{[ 27 ]} y su segunda exposición en la Tony Shafrazi Gallery. ^{[ 147 ]}

En 1984, Haring participó en la exposición colectiva Arte di Frontiera: New York Graffiti en Italia. ^{[ 148 ]} Participó en la Bienal de Venecia en 1984 y 1986. ^{[ 149 ] [ 37 ]} En 1985, Haring participó en la Bienal de París y tuvo su primera exposición individual en el museo CAPC de arte contemporáneo en Burdeos . ^{[ 150 ] [ 151 ]} En 1986, tres de las esculturas de Haring se colocaron en la Plaza Dag Hammarskjöld, frente a la sede de las Naciones Unidas . ^{[ 152 ] [ 101 ]} Dos de las obras se exhibieron en Riverside Park de mayo de 1988 a mayo de 1989. ^{[ 101 ]} En 1991-92, la Figura Equilibrándose sobre un Perro de Haring se exhibió en Dante Park en Manhattan. ^{[ 101 ]}

En 1996, una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Australia fue la primera gran exposición de su obra en Australia. Su arte fue objeto de una retrospectiva en 1997 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York, comisariada por Elisabeth Sussman. ^{[ 153 ]} El Public Art Fund, en colaboración con el legado de Keith Haring, organizó una instalación en varios sitios de sus esculturas al aire libre en la Plaza Doris C. Freedman de Central Park y a lo largo de los paseos de Park Avenue . ^{[ 154 ]} Esta exposición pública tuvo lugar simultáneamente con la retrospectiva en el Whitney. ^{[ 155 ]} Las esculturas viajaron posteriormente a la Costa Oeste en 1998. La Comisión de Artes de San Francisco exhibió 10 esculturas en San Francisco para coincidir con la retrospectiva de Haring en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. ^{[ 156 ]} La ciudad de West Hollywood y el legado de Haring también presentaron sus esculturas en Santa Monica Boulevard . ^{[ 157 ]}

En 2007, la escultura de aluminio pintado de Haring, Autorretrato (1989), se exhibió en el vestíbulo del Arsenal en Central Park, como parte de la exposición retrospectiva The Outdoor Gallery: 40 Years of Public Art in New York City Parks . ^{[ 101 ]}

En 2008, hubo una exposición retrospectiva en el MAC de Lyon, Francia. En febrero de 2010, con motivo del 20 aniversario de la muerte de Haring, la Galería Tony Shafrazi presentó una exposición que contenía decenas de obras de todas las etapas de la carrera de Haring. ^{[ 158 ]} En marzo de 2012, se inauguró una exposición retrospectiva de su obra, Keith Haring: 1978–1982 , en el Museo de Brooklyn en Nueva York. ^{[ 159 ]} En abril de 2013, se inauguró la retrospectiva Keith Haring: The Political Line en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y Le Cent Quatre . En noviembre de 2014, luego en el Museo De Young en San Francisco. ^{[ 160 ]}

De diciembre de 2016 a junio de 2017, el Museo Automotriz Petersen en Los Ángeles exhibió Los lienzos poco convencionales de Keith Haring , que presentaba cinco vehículos pintados por Haring. ^{[ 161 ]} En 2019, la obra de Haring se exhibió en la Galería Gladstone en Bélgica y en la Facultad de Derecho de Nueva York en Manhattan. ^{[ 162 ] [ 163 ]} La primera gran exposición en el Reino Unido de la obra de Haring, que presentaba más de 85 obras de arte, tuvo lugar en la Tate Liverpool de junio a noviembre de 2019. ^{[ 164 ]} De diciembre de 2019 a marzo de 2020, la Galería Nacional de Victoria en Melbourne exhibió Keith Haring y Jean-Michel Basquiat: Cruzando líneas . ^{[ 165 ]}

En 2021, el Museo de Arte Contemporáneo de Denver presentó la exposición Keith Haring: Mural de Grace House , que constaba de 13 paneles de un mural que Haring pintó en un centro juvenil católico en el Upper West Side de Manhattan en marzo de 1983 o 1984. ^{[ 166 ]} El mural, que presentaba las figuras de Haring del bebé radiante, el perro ladrando y el hombre bailando, abarcaba tres pisos y 85 pies. Cuando Grace House fue vendida, su operador, la Iglesia de la Ascensión , desobedeció los deseos de la Fundación Keith Haring de encontrar un comprador que mantuviera la obra. En cambio, la iglesia mandó recortar secciones del mural y las vendió en una subasta en 2019 a un coleccionista privado anónimo por 3,86 millones de dólares.

En 2022, la exposición Keith Haring: Grace House Mural se exhibió en el Museo Schunck en Heerlen . ^{[ 167 ]} En 2023, The Broad presentó la primera exposición de Haring en un museo de Los Ángeles, Keith Haring: Art is for Everyone . ^{[ 168 ]}

Del 11 de marzo al 31 de mayo de 2026, la Fundación Brant exhibió Keith Haring , presentando obras creadas entre 1980 y 1983. ^{[ 169 ]}

Del 6 de junio de 2026 al 25 de enero de 2027, el Museo Crystal Bridges de Arte Americano exhibirá Keith Haring en 3D , la primera exposición que destaca la obra de Keith Haring en tres dimensiones. ^{[ 170 ]}

Un reportaje de CBS Evening News de octubre de 1982 señaló que se vendieron obras de Haring por valor de más de un cuarto de millón de dólares durante los primeros días de su exposición en la Galería Tony Shafrazi. ^{[ 171 ]} Aunque ya era un artista consagrado en 1983, Haring —según el galerista Tony Shafrazi— optó por mantener precios relativamente accesibles, que oscilaban entre aproximadamente 3000 dólares para dibujos y 15 000 dólares para pinturas de gran formato. ^{[ 172 ]} En 1984, sus obras se vendían por hasta 20 000 dólares y ganaba unos ingresos anuales estimados de 250 000 dólares. ^{[ 48 ] [ 173 ]} Haring estuvo representado por Shafrazi durante toda su carrera hasta su muerte en 1990. ^{[ 174 ]} Desde entonces, su patrimonio ha sido administrado por la Fundación Keith Haring, que trabaja en colaboración con la Galería Gladstone . ^{[ 175 ]}

El mercado de Haring ha demostrado una fortaleza sostenida y un crecimiento a largo plazo, con resultados importantes que abarcan varias décadas. En 2007, una obra significativa sin título (1982), que representa a un trío de perros moteados saltando a través del centro hueco de una figura de pie, se vendió por más de 2,8 millones de dólares en Christie's, marcando un hito temprano en su desempeño en el mercado secundario. ^{[ 176 ]} Esta trayectoria ascendente continuó en la década de 2010, incluyendo una venta en Sotheby 's en 2014 de una obra sin título (1988), que muestra figuras coloridas entrelazadas, por 3,1 millones de dólares. ^{[ 176 ]}

En mayo de 2017, la pintura de Haring titulada Sin título (1982), que presenta sus símbolos característicos —el bebé radiante, los perros ladrando, los ángeles y las cruces rojas— se vendió por 6,5 millones de dólares en Sotheby's en Nueva York, estableciendo lo que habría sido un récord para el artista. ^{[ 177 ]} Sin embargo, el comprador, Anatole Shagalov, incumplió el pago, y la obra se revendió en agosto de 2017 por 4,4 millones de dólares. ^{[ 178 ]}

En 2018, la obra Sin título (1984) de Haring se vendió por más de 4,8 millones de dólares en Christie's en Londres. ^{[ 176 ]} La pintura representa una computadora antigua elevada sobre una estructura piramidal, presentada como un objeto moderno, casi deificado, que refleja la transformación tecnológica. ^{[ 176 ]}

En octubre de 2020, la Fundación Keith Haring se asoció con Sotheby's para la subasta en línea Dear Keith , que ofreció más de 140 obras de la colección de Haring. ^{[ 179 ]} La venta alcanzó una tasa de venta del 100 %, recaudando un total de 4,6 millones de dólares y superando significativamente su estimación de 1,4 millones de dólares. ^{[ 179 ]} Los fondos recaudados se donaron al Centro Comunitario para Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero de la ciudad de Nueva York. ^{[ 179 ]}

En diciembre de 2021, la pintura de Haring de 1982, Sin título (Acróbatas), perteneciente a la colección de Peter M. Brant y Stephanie Seymour , se vendió por 5,5 millones de dólares en Sotheby's en Nueva York. ^{[ 180 ]}

La obra de Haring se encuentra en importantes colecciones privadas y públicas, incluyendo el Museo de Arte Moderno , la Biblioteca y Museo Morgan y el Museo Whitney de Arte Americano en la ciudad de Nueva York; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; el Instituto de Arte de Chicago ; el Museo Bass en Miami; el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París ; el Centro de Estudios de Arte de la Fundación Brant en Greenwich, Connecticut; el Museo de Arte Carnegie y el Museo Andy Warhol en Pittsburgh; el Museo Ludwig en Colonia; y el Museo Stedelijk en Ámsterdam. ^{[ 181 ]} También creó una amplia variedad de obras públicas, incluyendo la enfermería en Children's Village en Dobbs Ferry, Nueva York , ^{[ 182 ]} y el baño de hombres del segundo piso en el Centro Comunitario para Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero en Manhattan, que luego se transformó en una oficina y se conoce como la Sala Keith Haring. ^{[ 183 ] [ 184 ]}

La Colección Nakamura Keith Haring , establecida en 2007 en Hokuto, Yamanashi , Japón, es un museo de arte que exhibe exclusivamente las obras de Haring. ^{[ 185 ] [ 186 ]}

No existe un catálogo razonado para Haring, pero hay abundante información sobre él en el sitio web de la sucesión y en otros lugares, lo que permite a los posibles compradores o vendedores investigar el historial de exposiciones. ^{[ 187 ]} Si bien no existe un catálogo razonado formal para las obras de Haring, «Keith Haring 1982–1990: Editions on Paper – the Complete Printed Works» de Klaus Littmann es ampliamente considerada la guía más autorizada sobre el tema de sus ediciones impresas. ^{[ 188 ]}

En 2012, la Fundación Keith Haring disolvió su junta de autenticación para centrarse en sus actividades benéficas. ^{[ 189 ]} Ese mismo año, donó 1 millón de dólares para apoyar exposiciones en el Museo Whitney de Arte Estadounidense . ^{[ 174 ]} En 2014, un grupo de nueve coleccionistas de arte demandó a la fundación, alegando que les había costado al menos 40 millones de dólares por negarse a autenticar 80 supuestas obras de Haring. ^{[ 190 ]} En 2015, un juez falló a favor de la fundación. ^{[ 191 ]}

Haring tuvo muchos amantes masculinos ocasionales, pero dos relaciones románticas significativas. Haring le dijo a su biógrafo John Gruen : «Probablemente uno de mis mayores defectos sea mi obsesión por el amor físico. Siempre fue lo primero y más importante para mí. Siempre sentí que la estimulación intelectual y la compañía podían provenir de otras personas». ^{[ 192 ]}

Haring salió con el DJ Juan Dubose de 1981 a 1986. ^{[ 37 ]} Se conocieron en los baños New St. Marks en East Village . ^{[ 193 ]} Dubose se mudó con Haring y su compañera de piso Samantha McEwen a un apartamento en Broome Street . ^{[ 194 ]} Dubose pinchaba en las inauguraciones de arte y fiestas de Haring, y Haring trabajaba con mixtapes hechos por él. ^{[ 37 ]} Para 1985, Haring comenzó a viajar más y perdió el interés en Dubose. ^{[ 195 ]} "Ciertamente le fui infiel a Juan... El hecho es que me aburría la incapacidad de Juan para hacer algo con su vida. Y no me gustaba la relación de Juan con las drogas, que en parte fue impulsada por mi rechazo hacia él", dijo. ^{[ 195 ]} Después de que Dubose muriera de SIDA en 1989, Haring ayudó a su familia a organizar su funeral. ^{[ 196 ]}

Haring salió con Juan Rivera de 1986 a 1989. ^{[ 197 ]} Después de dejar a Dubose, Haring quería ser soltero hasta que conoció a Rivera en Paradise Garage en la ciudad de Nueva York. ^{[ 195 ]} Rivera trabajaba en la construcción como carpintero y era conductor de limusinas. ^{[ 192 ]} Rivera se mudó al estudio de Haring hasta que finalmente rompió con Dubose y luego se mudaron juntos a un nuevo apartamento. ^{[ 37 ]} Rivera fue el compañero de viaje de Haring y lo ayudó con los murales Crack is Wack (1986) en Nueva York y Tower (1987) en París. ^{[ 198 ] [ 37 ]} Cuando Haring le dijo a Rivera que tenía SIDA, se hizo la prueba y descubrió que tenía complejo relacionado con el SIDA (ARC). ^{[ 37 ]} Haring comenzó a volverse irritable y se distanció de Rivera, pasando más tiempo con su amigo Gil Vazquez. ^{[ 37 ] [ 199 ]} Después de enterarse de que Haring había llevado a Vázquez a Europa en lugar de a él, Rivera los sorprendió en el aeropuerto a su regreso y rompió con Haring. ^{[ 37 ]} Poco antes de que Haring muriera en 1990, llamó a Rivera y pasó tres días con él. ^{[ 37 ] [ 200 ]} Rivera luego desarrolló SIDA y murió de ELA en 2011. ^{[ 37 ] [ 201 ]} El libro Queer Latino Testimonio, Keith Haring and Juanito Xtravaganza: Hard Tails (2007) de Arnaldo Cruz-Malavé detalla su relación. ^{[ 202 ] [ 197 ]}

Poco después de mudarse a Nueva York para estudiar en la Escuela de Artes Visuales, se hizo amigo de sus compañeros de clase Kenny Scharf (quien fuera su compañero de cuarto), ^{[ 203 ]} Samantha McEwen y John Sex . ^{[ 145 ]} Con el tiempo, se hizo amigo de Jean-Michel Basquiat , quien escribía sus grafitis SAMO por todo el campus. ^{[ 204 ]} Cuando Basquiat murió en 1988, Haring escribió su obituario para la revista Vogue y le rindió homenaje con la pintura Una pila de coronas para Jean-Michel Basquiat (1988). ^{[ 205 ] [ 206 ]}

En 1979, Haring conoció al fotógrafo Tseng Kwong Chi en el East Village. ^{[ 207 ]} Los dos se hicieron muy amigos, y Tseng documentó gran parte del trabajo de Haring a lo largo de su carrera. ^{[ 208 ]} Haring reconoció posteriormente la importancia de esa relación, escribiendo en su diario: «La fotografía se ha convertido en una parte tan importante de mi trabajo, ya que gran parte de él es efímero. Al fin y al cabo, son los fenómenos de la fotografía y el vídeo los que han hecho posible el fenómeno internacional de Keith Haring». ^{[ 209 ]}

En 1981, Haring conoció al artista de grafiti de 14 años Angel "LA II" Ortiz, quien se convirtió en su colaborador. ^{[ 30 ]} Haring recordó más tarde: "Conectamos de inmediato. Es como si nos conociéramos de toda la vida. Es como mi hermano pequeño". ^{[ 30 ]} Aunque Ortiz recibió un pago durante la vida de Haring, sus contribuciones a menudo fueron ignoradas por el mundo del arte. ^{[ 30 ] [ 210 ]} Según Ricardo Montez, autor de Keith Haring's Line: Race and the Performance of Desire , tanto la Fundación Keith Haring como el mundo del arte en general han tomado medidas desde entonces para rectificar el olvido de Ortiz. ^{[ 211 ] [ 25 ]}

A principios de la década de 1980, Haring había establecido amistades con otros artistas emergentes como Fab 5 Freddy y Futura 2000 , y con la cantante Madonna . ^{[ 8 ] [ 212 ]} En 1982, Haring se hizo amigo del artista pop Andy Warhol, quien se convirtió en su mentor y la inspiración para su serie Andy Mouse de 1986. ^{[ 213 ]} Warhol también creó un retrato de Haring y su novio Juan Dubose en 1983. ^{[ 214 ]} A través de Warhol, Haring se hizo amigo de Grace Jones , Francesco Clemente y Yoko Ono . ^{[ 8 ]} También entabló amistad con George Condo , Jean-Charles de Castelbajac y Claude Picasso . ^{[ 215 ]}

Haring conoció al diseñador de accesorios Bobby Breslau a principios de la década de 1980. Buscó en Breslau orientación y lo llamaba su "madre judía". ^{[ 216 ]} Breslau le presentó a Haring a su amigo Larry Levan , DJ residente del Paradise Garage. ^{[ 216 ]} Breslau inspiró a Haring a trabajar con pieles y fue el gerente de la Pop Shop hasta su muerte en 1987. ^{[ 217 ]}

El marchante de arte Yves Arman era amigo íntimo de Haring, y Haring era el padrino de su hija. Haring afirmó que Arman fue «probablemente el mejor apoyo que tuve en el mundo del arte». ^{[ 8 ]} En 1989, Arman falleció en un accidente de coche cuando se dirigía a España para ver a Haring. ^{[ 8 ]}

En 1988, Gil Vazquez fue invitado por un amigo a visitar el estudio de Haring en Broadway . ^{[ 218 ]} Haring y Vazquez se hicieron amigos íntimos y pasaron mucho tiempo juntos. Haring describió su relación platónica como una "compañerismo intelectual". ^{[ 219 ]} Realmente disfruto ser su amigo, compartir y cuidar como un hermano mayor más que como un amante", dijo. ^{[ 219 ]} Antes de su muerte, Haring creó una fundación que lleva su nombre. Nombró a su asistente y gerente de estudio, Julia Gruen, como directora ejecutiva; ella comenzó a trabajar para él en 1984. ^{[ 220 ]} Vazquez fue miembro fundador de la junta directiva de la Fundación Keith Haring durante 35 años y director ejecutivo de 2019 a 2025. ^{[ 221 ] [ 222 ]}

Haring estuvo profundamente influenciado por el Movimiento de Jesús durante su juventud, y este siguió desempeñando un papel importante en su arte a lo largo de toda su carrera. El movimiento era un grupo de cristianos sumamente evangélicos , poco organizado y diverso . Se les conocía por su antimaterialismo y sus creencias antisistema, su enfoque en el Juicio Final y su trato compasivo hacia los pobres. Siendo adolescente, Haring se involucró mucho en el movimiento. Alrededor de esa edad, comenzó a incorporar símbolos religiosos en sus dibujos, así como sentimientos propios del Movimiento de Jesús. Esto incluye puntos de vista antisistema eclesiástico que se pueden apreciar en algunas de sus obras posteriores. ^{[ 7 ]} Aunque su etapa como seguidor del Movimiento de Jesús no duró más allá de su adolescencia, las imágenes, los símbolos y las referencias religiosas continuaron apareciendo en su arte. En una entrevista cerca del final de su vida, comentó: «[Todo] eso se me quedó grabado y aún hoy hay muchas imágenes religiosas en mi obra. Algunas personas incluso piensan que mi trabajo es de un fanático o un maníaco religioso». ^{[ 7 ]}

Cuando Haring pintaba grafitis en el metro, usaba una firma para firmar sus obras. Su firma, el Bebé Radiante, representa a un bebé con líneas que irradian desde él, aludiendo al Niño Jesús . Continuó creando imágenes que representaban al Niño Jesús, incluyendo escenas de la Natividad con su estilo característico durante su tiempo como artista del metro. ^{[ 7 ]} Sus últimas obras fueron dos trípticos religiosos; ambos fueron a parar a catedrales episcopales . En ellos ilustra el Juicio Final, aunque no queda claro quién se salva en las obras. ^{[ 7 ]}

En 1989, Haring fundó la Fundación Keith Haring para proporcionar financiación e imágenes a organizaciones de lucha contra el SIDA y programas infantiles. El objetivo declarado de la fundación es cumplir sus deseos y ampliar su legado mediante la concesión de subvenciones y financiación a organizaciones sin ánimo de lucro que educan a jóvenes desfavorecidos e informan al público sobre el VIH y el SIDA. También difunde su obra y contiene información sobre su vida. ^{[ 135 ]} La fundación también apoya a instituciones artísticas y educativas financiando exposiciones, programas educativos y publicaciones. ^{[ 135 ]} En 2010, la fundación se asoció con el Centro de Servicios para el SIDA de Nueva York (AIDS Service Center NYC) para inaugurar el Centro Keith Haring ASC Harlem , que ofrece educación entre pares sobre el VIH y acceso a servicios de atención médica en Harlem. ^{[ 223 ]}

Como homenaje a su vida, Madonna declaró que la última fecha en Estados Unidos de su gira mundial Blond Ambition de 1990 sería un concierto benéfico en memoria de Haring. Se recaudaron más de 300 000 dólares con la venta de entradas, que fueron donados a la Fundación para la Investigación del SIDA . ^{[ 224 ]} El acto quedó documentado en la película de 1991 Madonna: Truth or Dare . ^{[ 225 ]}

La obra de Haring apareció en varias iniciativas de Red Hot Organization para recaudar fondos para la lucha contra el SIDA y la concientización sobre esta enfermedad, específicamente en sus dos primeros álbumes, Red Hot + Blue (1990) y Red Hot + Dance (1992), este último con una obra de Haring en su portada. Su arte permanece expuesto en todo el mundo. ^{[ 70 ]}

En 1991, Haring fue homenajeado en la Colcha Conmemorativa del SIDA con su famoso icono del bebé en un panel de tela. El bebé fue bordado por la tía de Haring, Jeannette Ebling, y la madre de Haring, Joan Haring, realizó gran parte de la costura. ^{[ 226 ]}

Tim Finn escribió la canción "Hit The Ground Running", en su álbum Before & After (1993), en memoria de Haring. ^{[ 227 ]}

En 2006, Haring fue nombrado por Equality Forum como uno de sus 31 íconos del Mes de la Historia LGBT . ^{[ 228 ]}

En 2008, Haring tuvo un globo en su honor en el Desfile del Día de Acción de Gracias de Macy's . ^{[ 229 ]} Según artnet.com, Haring siempre había soñado con crear un globo para el desfile. "Dieciocho años después de su muerte, este deseo se hizo realidad en lo que habría sido su 50 cumpleaños. Posteriormente, se colocó frente a la entrada principal de la Caminata contra el SIDA de Central Park en 2014. El globo también es recordado por estrellarse contra la cabina de NBC en el lugar y sacar temporalmente su transmisión del aire". ^{[ 230 ]} El 4 de mayo de 2012, en lo que habría sido el 54 cumpleaños de Haring, Google lo homenajeó con un Google Doodle . ^{[ 231 ]}

En 2014, Haring fue uno de los homenajeados inaugurales en el Paseo del Honor Arcoíris . El Paseo del Honor Arcoíris es un paseo de la fama en el barrio Castro de San Francisco que reconoce a las personas LGBTQ que han "hecho contribuciones significativas en sus campos". ^{[ 232 ] [ 233 ] [ 234 ]}

En 2018, una plaza pública en el distrito 13 de París fue nombrada Plaza Keith Haring en su memoria. ^{[ 235 ]}

En junio de 2019, Haring fue uno de los cincuenta "pioneros, precursores y héroes" estadounidenses inaugurales incorporados al Muro Nacional de Honor LGBTQ dentro del Monumento Nacional Stonewall en el Stonewall Inn de la ciudad de Nueva York . ^{[ 236 ] [ 237 ]} Stonewall es el primer monumento nacional de EE. UU. dedicado a los derechos e historia LGBTQ , ^{[ 238 ]} y la inauguración del muro se programó para que tuviera lugar durante el 50 aniversario de los disturbios de Stonewall. ^{[ 239 ]}

En 2021, Polaroid homenajeó a Haring con una cámara Polaroid Now y una película instantánea Polaroid i-Type decorada con sus motivos característicos. ^{[ 240 ] [ 241 ]}

En 2024, se inauguró una placa conmemorativa en honor a Haring en su ciudad natal de Kutztown, Pensilvania . ^{[ 242 ]}

El estilo característico de Haring se ve con frecuencia en diversas colecciones de moda. Su patrimonio ha colaborado con marcas como Adidas , Lacoste , UNIQLO , Supreme , Reebok , Tenga y Coach . ^{[ 243 ] [ 244 ]}

Haring es el protagonista de la composición « Haring at the Exhibition» , escrita e interpretada por el compositor italiano Lorenzo Ferrero en colaboración con el DJ Nicola Guiducci. La obra combina fragmentos de éxitos musicales de los años 80 con muestras de composiciones de música clásica de Lorenzo Ferrero y sonidos sintetizados. Se presentó en «The Keith Haring Show», una exposición que tuvo lugar en 2005 en la Triennale di Milano. ^{[ 245 ]}

En 2008, la cineasta Christina Clausen estrenó el documental El universo de Keith Haring . En la película, el legado de Haring es "resucitado a través de coloridas imágenes de archivo y recordado por amigos y admiradores como los artistas Kenny Scharf y Yoko Ono, los galeristas Jeffrey Deitch y Tony Shafrazi, y el coreógrafo Bill T. Jones ". ^{[ 246 ]}

Madonna utilizó el arte de Haring como fondos animados para su gira Sticky and Sweet Tour de 2008/2009 . La animación presentaba sus características figuras cuadradas bailando al ritmo de una remezcla actualizada de " Into the Groove ". ^{[ 247 ]}

Keith Haring: Double Retrospect es un rompecabezas de gran tamaño de Ravensburger que mide 5,2 x 1,8 metros (17 x 6 pies ) y tiene 32 256 piezas, batiendo el récord mundial Guinness del rompecabezas más grande jamás fabricado en 2011. El rompecabezas utiliza 32 piezas de su obra y pesa 19 kg (42 libras ) . ^{[ 248 ]}  

En 2017, su hermana Kay Haring escribió un libro infantil, Keith Haring: El niño que no paraba de dibujar, que se mantuvo entre los diez más vendidos cada semana durante más de un año en la categoría de Historia del Arte Infantil de Amazon. ^{[ 249 ]}

En julio de 2020, BBC Two emitió el documental Keith Haring: Street Art Boy , que se basa en una serie de entrevistas entre Haring y el crítico de arte John Gruen en 1989. ^{[ 250 ] [ 251 ]} El documental, dirigido por Ben Anthony, se emitió en diciembre de 2020 en PBS como parte de la serie American Masters . ^{[ 252 ] [ 253 ]}

En mayo de 2025, Lego lanzó Keith Haring – Dancing Figures, como parte de su línea Lego Art . El set de construcción, diseñado para adultos, cuenta con 1773 piezas que «capturan brillantemente las líneas audaces, los colores vibrantes y la distintiva sensación de movimiento y energía» de las figuras danzantes de Haring. ^{[ 254 ] [ 255 ]}

En agosto de 2025, se informó que el cineasta Andrew Haigh está desarrollando una serie de televisión basada en la biografía de Brad Gooch de 2024 , Radiant: The Life and Line of Keith Haring . ^{[ 256 ]}