industria cinematográfica

El cine chino es uno de los tres hilos históricos distintos del cine en lengua china , junto con el cine de Hong Kong y el de Taiwán . El cine se introdujo en China en 1896 y la primera película china, Dingjun Mountain , se realizó en 1905, con la industria cinematográfica centrada en Shanghái durante las primeras décadas. China alberga uno de los estudios cinematográficos más grandes del mundo, los Hengdian World Studios , y en 2010 contaba con la tercera industria cinematográfica más grande por número de largometrajes producidos anualmente. Durante la década siguiente, las productoras eran principalmente de propiedad extranjera, y la industria cinematográfica nacional se centró en Shanghái, un próspero centro comercial y la ciudad más grande del Lejano Oriente. En 1913, el primer guion independiente chino, The Difficult Couple , fue filmado en Shanghái por Zheng Zhengqiu y Zhang Shichuan . ^{[ 7 ]}

A medida que la Sexta Generación ganaba exposición internacional, muchas películas posteriores fueron proyectos conjuntos con patrocinadores internacionales, pero se mantuvieron bastante discretas y de bajo presupuesto . Plataforma (2000) de Jia fue financiada en parte por la productora de Takeshi Kitano , ^{[ 8 ]} mientras que su Still Life fue filmada en video HD. Still Life fue una adición sorpresa y ganadora del León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 2006. Still Life , que trata sobre trabajadores provinciales alrededor de la región de las Tres Gargantas , contrasta marcadamente con las obras de directores chinos de la Quinta Generación como Zhang Yimou y Chen Kaige , quienes en ese momento estaban produciendo La casa de las dagas voladoras (2004) y La promesa (2005). No contó con ninguna estrella de renombre internacional y fue interpretada en su mayoría por no profesionales. En 2012, el país se convirtió en el segundo mercado más grande del mundo por recaudación de taquilla. En 2014, la recaudación bruta en taquilla en China fue de 29.600 millones de yenes ( 4.820 millones de dólares estadounidenses ), con una participación del 55% para las películas nacionales. ^{[ 9 ]} China también se ha convertido en un importante centro de negocios para los estudios de Hollywood. ^{[ 10 ] [ 11 ]}  

En 2018, la recaudación bruta de taquilla de China fue de US$8.9 mil millones ^{[ 12 ]} En 2013, la recaudación bruta de taquilla de China fue de ¥21.8  mil millones (US$3.6  mil millones), el segundo mercado cinematográfico más grande del mundo por ingresos de taquilla ^{[ 13 ]} Aumentó a $4.8 mil millones en 2014, la recaudación de taquilla más grande de la industria cinematográfica. ^{[ 14 ]} Debido a la pandemia de COVID-19 , en 2020 China superó a América del Norte como la taquilla más grande del mundo, siendo el primer país en lograr este estatus. ^{[ 15 ]} China mantuvo este estatus en 2021. Sin embargo, en 2022, América del Norte volvió a superar a China como el mercado de taquilla más grande del mundo. ^{[ 16 ]}

El cine de los Estados Unidos , a menudo denominado Hollywood, ha tenido un profundo efecto en el cine de todo el mundo desde principios del siglo XX. El cine de los Estados Unidos (Hollywood) es una de las industrias cinematográficas más antiguas del mundo y también la más grande en términos de ingresos. Hollywood es el principal centro de la industria cinematográfica estadounidense, con centros de estudio cinematográfico establecidos como el American Film Institute , la LA Film School y la NYFA. ^{[ 17 ]} Sin embargo, cuatro de los seis principales estudios cinematográficos son propiedad de compañías de la Costa Este . Los principales estudios cinematográficos de Hollywood, incluidos Metro-Goldwyn-Mayer , 20th Century Studios y Paramount Pictures , son la principal fuente de las películas más exitosas comercialmente del mundo , ^{[ 18 ] [ 19 ]} incluyendo películas como The Sound of Music (1965), Star Wars (1977), Titanic (1997) y Avatar (2009).

Los estudios cinematográficos estadounidenses generan colectivamente varios cientos de películas cada año, lo que convierte a Estados Unidos en el productor de películas más prolífico del mundo. ^{[ 20 ]} La mayor parte del rodaje se realiza actualmente en California, Nueva York, Luisiana , Georgia y Carolina del Norte . Nuevo México , especialmente en las áreas de Albuquerque y Santa Fe, se había convertido en un estado cada vez más popular para el rodaje; la serie de televisión Breaking Bad se ambientó allí, y películas como No Country for Old Men y Rust se filmaron allí. Entre 2009 y 2015, Hollywood recaudó consistentemente 10 mil millones de dólares (o más) anualmente. ^{[ 21 ]} La ceremonia de premios de Hollywood, los Premios de la Academia , conocidos oficialmente como los Óscar, es organizada anualmente por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) y, hasta 2019, se habían otorgado más de 3000 premios Óscar. ^{[ 22 ]} 

El 27 de octubre de 1911, Nestor Film Company estableció el primer estudio cinematográfico permanente de Hollywood. El clima de California permitía filmar durante todo el año. En 1912, se formó Universal Studios , mediante la fusión de Nestor y varias otras compañías cinematográficas, incluida Independent Moving Pictures (IMP).

India es el mayor productor de películas del mundo y la segunda industria cinematográfica más antigua del mundo. ^{[ 23 ]} El país alberga algunas de las ciudades más importantes de la industria cinematográfica mundial: Mumbai (anteriormente Bombay), Hyderabad y Chennai (Madras). En 2009, India produjo un total de 2961 películas en celuloide; esta cifra incluye 1288 largometrajes. ^{[ 24 ]} Además de ser el mayor productor de películas del mundo, India también tiene el mayor número de entradas. ^{[ 25 ]} La industria cinematográfica india es multilingüe y la más grande del mundo en términos de venta de entradas, pero la tercera más grande en términos de ingresos, principalmente debido a que tiene algunos de los precios de entrada más bajos del mundo. ^{[ 26 ]} La industria es vista principalmente por un vasto público indio aficionado al cine. La industria cinematográfica india es también la fuente dominante de películas y entretenimiento en sus países vecinos del sur de Asia. Las tres industrias cinematográficas más grandes de India son el cine hindi , el cine telugu y el cine tamil . La industria cinematográfica hindi se concentra principalmente en Bombay (Mumbai) y se la conoce comúnmente como Bollywood , una combinación de Bombay y Hollywood. El cine telugu se concentra principalmente en Hyderabad y se la conoce comúnmente como Tollywood . La industria cinematográfica tamil, es decir, Kollywood, se concentra principalmente en Chennai .

Además del cine comercial convencional, India también ofrece un enfoque diferente del cine: el cine paralelo . El movimiento del cine paralelo se originó en Bengala Occidental alrededor de la década de 1950. Inicialmente, el movimiento fue liderado por el cine bengalí . Posteriormente, ganó prominencia en otras industrias cinematográficas de la India. Cine paralelo es un término general que designa un cierto tipo de películas que se alejan de las convenciones del cine comercial popular. El cine paralelo ha adoptado diversas formas a lo largo de los años. Entre los cineastas asociados con el cine paralelo se encuentran Satyajit Ray , Mrinal Sen y Ritwik Ghatak . Las películas paralelas se caracterizan por su rechazo a las formas populares como las canciones y las secuencias de lucha, su afinidad por los entornos rurales, el uso de actores de método y paletas de colores atenuadas. Los mejores ejemplos de cine paralelo son las películas más famosas de Ray: Pather Panchali (1955), Aparajito (1956) y El mundo de Apu (1959), que conforman la Trilogía de Apu . Algunos otros ejemplos de tales películas son Raincoat , Dhobi Ghat , Mithya . Las películas indias han ganado popularidad no solo en el mercado nacional sino también en los mercados internacionales, con Dangal que obtuvo una recaudación bruta en el extranjero de $260  millones, Secret Superstar y Bajrangi Bhaijaan que obtuvieron una recaudación bruta de $80.4  millones, y Baahubali: The Beginning y Baahubali 2: The Conclusion (una duología taquillera del cine telugu ) recaudando más de $370  millones a nivel mundial. ^{[ 27 ]} En India, tienen más de 400 casas de producción con 32 grupos corporativos; también sustentan el sustento de más de 6  millones de personas. ^{[ 28 ]}

Las otras grandes industrias cinematográficas son el cine malayalam , el cine kannada , el cine bengalí ( cine de Bengala Occidental ) y el cine marathi , ubicados principalmente en Trivandrum , Kochi , Bengaluru , Calcuta y Bombay , respectivamente. La mayor parte restante se distribuye por el norte, este, oeste y sur de la India (con el cine gujarati , punjabi , odia , bhojpuri y asamés ). Sin embargo, existen varios centros más pequeños de la industria cinematográfica india en lenguas regionales, ubicados en los estados donde se hablan dichas lenguas. El cine indio abarca diversas formas de arte, como la música clásica india, la música folclórica de diferentes regiones del país, la danza clásica india, la danza folclórica y mucho más. Bollywood, Kollywood y Tollywood conforman la mayor parte de la industria cinematográfica india y se ven en todo el subcontinente indio , siendo cada vez más populares en Australia, Reino Unido, Estados Unidos, Nueva Zelanda, el sudeste asiático, África, los países del Golfo , los países europeos, Asia Oriental y China. El complejo de estudios cinematográficos más grande del mundo es Ramoji Film City, ubicado en Hyderabad , India, que abrió sus puertas en 1996 y abarca 674 hectáreas (1666 acres). Cuenta con 47 platós de sonido y decorados permanentes que van desde estaciones de tren hasta templos. ^{[ 29 ]}

Para 1986, la producción cinematográfica anual de la India había aumentado de 741 películas producidas anualmente a 833 películas, lo que convirtió a la India en el mayor productor de películas del mundo. ^{[ 30 ]} A partir de 2014Bollywood representa el 45% de los ingresos netos de taquilla de la India, mientras que los cines tamil y telugu juntos representan el 36%, y el resto de las industrias cinematográficas regionales constituyen el 21% del cine indio. ^{[ 31 ]} Para 2021, el cine telugu (Tollywood) había superado tanto al cine hindi (Bollywood) como al cine tamil (Kollywood), convirtiéndose en la mayor industria cinematográfica de la India en términos de taquilla. En 2023, Bollywood volvió a convertirse en la mayor industria cinematográfica de la India. ^{[ 32 ] [ 33 ]}

El cine ruso se refiere a la industria cinematográfica de Rusia, dedicada a la producción de películas en idioma ruso. Se originó en el Imperio ruso , se desarrolló ampliamente en la Unión Soviética y en los años posteriores a su disolución . La industria cinematográfica rusa ha mantenido su reconocimiento internacional. En el siglo XXI, el cine ruso se ha dado a conocer internacionalmente con películas como Hardcore Henry (2015), Leviatán (2014), Night Watch (2004) y Brother (1997). El Festival Internacional de Cine de Moscú se inició en Moscú en 1935. El Premio Nika es el principal premio cinematográfico nacional anual de Rusia.

Las primeras películas vistas en el Imperio ruso fueron traídas por los hermanos Lumière , quienes exhibieron películas en Moscú y San Petersburgo en mayo de 1896. Ese mismo mes, el camarógrafo de Lumière, Camille Cerf, hizo la primera película en Rusia, registrando la coronación de Nicolás II en el Kremlin . ^{[ 34 ]} Aleksandr Drankov produjo la primera película narrativa rusa Stenka Razin (1908), basada en eventos contados en una canción popular y dirigida por Vladimir Romashkov . Entre los notables cineastas rusos de la época estaban Aleksandr Khanzhonkov e Ivan Mozzhukhin , quien hizo La defensa de Sebastopol en 1912. Yakov Protazanov hizo La partida de un gran anciano (1912), una película biográfica sobre Lev Tolstoy .

El pionero de la animación Ladislas Starevich realizó la primera película de animación rusa (y la primera película de marionetas en stop motion con historia) en 1910: Lucanus Cervus . Sus otros cortometrajes en stop motion, La bella Leukanida (1912) y La venganza del camarógrafo (1912), producidos para Aleksandr Khanzhonkov, también se encuentran entre las primeras películas de animación. En los años siguientes, Starevich realizó cortometrajes basados ​​en fábulas como La cigarra y la hormiga (1913), así como películas de propaganda de la Primera Guerra Mundial .

El Reino Unido ha tenido una importante industria cinematográfica durante más de un siglo. Si bien la producción cinematográfica alcanzó su punto máximo en 1936, ^{[ 36 ]} se suele considerar que la "época dorada" del cine británico tuvo lugar en la década de 1940, durante la cual los directores David Lean , ^{[ 37 ]} Michael Powell (con Emeric Pressburger ) ^{[ 38 ]} y Carol Reed ^{[ 39 ]} produjeron sus obras más aclamadas. Muchos actores británicos han alcanzado fama mundial y éxito de crítica, como Maggie Smith , Roger Moore , Michael Caine , ^{[ 40 ]} Sean Connery , ^{[ 41 ]} Daniel Day-Lewis , Gary Oldman y Kate Winslet . ^{[ 42 ]} Algunas de las películas con mayor recaudación en taquilla se han realizado en el Reino Unido, incluidas la tercera y la cuarta saga cinematográfica más taquilleras ( Harry Potter y James Bond ). ^{[ 43 ]}

La primera película fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888, ^{[ 44 ] [ 45 ]} y las primeras películas desarrolladas en celuloide fueron realizadas en Hyde Park , Londres, en 1889 por el inventor británico William Friese Greene , ^{[ 46 ]} quien patentó el proceso en 1890.

Dos de las ocho películas más taquilleras de todos los tiempos a nivel mundial tienen alguna dimensión histórica, cultural o creativa británica: Titanic (1997), Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2 (2011), El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey (2003) y Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto (2006). Si añadimos cuatro películas más de Harry Potter y una más de El Señor de los Anillos , además de la versión de Tim Burton de Alicia en el País de las Maravillas (2010), más de la mitad de las veinte películas más exitosas financieramente tenían una dimensión británica sustancial. ^{[ 47 ]}

La influencia británica también se puede ver en el «Ciclo Inglés» de películas animadas de Disney, que incluye Alicia en el País de las Maravillas (1951), Peter Pan (1953), 101 Dálmatas (1961), La Espada en la Piedra (1963) y El Libro de la Selva (1967). ^{[ 48 ]} Disney se interesó por primera vez en las películas de acción real como un medio para utilizar las reservas financieras que se habían acumulado en Gran Bretaña y que no podían ser repatriadas debido a los controles de cambio, haciendo dos películas de fuentes escocesas e inglesas. Estas fueron La Isla del Tesoro (1950) y La Historia de Robin Hood y sus Alegres Hombres (1952), que fueron éxitos de taquilla. El estudio continuó recurriendo a material de origen británico para sus películas animadas después de la muerte de Walt Disney en 1967, con los largometrajes de dibujos animados Robin Hood (1973), Las Muchas Aventuras de Winnie the Pooh y Los Rescatadores (ambos de 1977), uno de los muchos Disney que se inspiraron en los personajes de AA Milne .

En las décadas de 1970 y 1980, los estudios británicos se labraron una reputación por sus magníficos efectos especiales en películas como Superman (1978), Alien (1979) y Batman (1989). Parte de esta reputación se cimentó en el talentoso equipo reunido para el rodaje de 2001: Una odisea del espacio (1968), que posteriormente colaboró ​​en series y largometrajes de Gerry Anderson . Aardman Animations, con sede en Bristol, es conocida por su animación stop-motion.

A finales de 1998, Channel 4 lanzó su canal de cine gratuito Film4 , un canal diseñado específicamente para emitir películas. Emite a partir de  las 11:00 BST y compite con la cadena de cine de pago Sky Cinema .

La empresa de efectos visuales Framestore , con sede en Londres y con Tim Webber como supervisor de efectos visuales , ha trabajado en las películas El Caballero Oscuro (2008) y Gravity (2013), y las nuevas técnicas empleadas en Gravity tardaron tres años en completarse. ^{[ 49 ]}

Francia es la cuna del cine y fue responsable de muchas de sus contribuciones más significativas a este arte y al proceso de realización cinematográfica. ^{[ 50 ]} Varios movimientos cinematográficos importantes, incluida la Nouvelle Vague , surgieron en el país. Se destaca por tener una industria cinematográfica particularmente fuerte, debido en parte a las protecciones brindadas por el gobierno francés . ^{[ 50 ]}

El cine francés a veces se entrelaza con el cine de otros países. Directores de naciones como Polonia ( Roman Polanski , Krzysztof Kieślowski y Andrzej Żuławski ), Argentina ( Gaspar Noé y Edgardo Cozarinsky ), Rusia ( Alexandre Alexeieff , Anatole Litvak ), Austria ( Michael Haneke ) y Georgia ( Géla Babluani , Otar Iosseliani ) destacan en el panorama cinematográfico francés. Por otro lado, algunos directores franceses han desarrollado sus carreras en otros países, como Luc Besson , Jacques Tourneur o Francis Veber en Estados Unidos .

Otro elemento que respalda este hecho es que París tiene la mayor densidad de cines del mundo, medida por el número de salas de cine por habitante, ^{[ 51 ]} y que en la mayoría de los cines del centro de París se proyectan películas extranjeras que en otros lugares se reservarían para cines de autor, junto con obras comerciales. Philippe Binant realizó, el 2 de febrero de 2000, la primera proyección de cine digital en Europa, con la tecnología DLP CINEMA desarrollada por Texas Instruments , en París. ^{[ 52 ]} París también cuenta con la Cité du cinéma, un importante estudio al norte de la ciudad, y Disney Studios, un parque temático dedicado al cine y el tercer parque temático cerca de la ciudad después de Disneyland y Parc Astérix. ^{[ 53 ]}

En 2015, Francia vio la producción de un récord de 300 largometrajes. ^{[ 54 ]} Las películas estadounidenses y británicas solo representaron el 44,9% del total de entradas en 2014. Esto se debe en gran medida a la fuerza comercial de las producciones nacionales, que representaron el 44,5% de las entradas en 2014 (35,5% en 2015; y 35,3% en 2016). ^{[ 55 ]} A mediados de la década de 2000, la industria cinematográfica francesa fue descrita como "más cercana a ser completamente autosuficiente que cualquier otro país de Europa, recuperando alrededor del 80-90% de su presupuesto en los ingresos generados por el mercado nacional". ^{[ 56 ]} En 2018, las películas francesas tuvieron una taquilla internacional de 237 millones de euros con 40 millones de entradas (un 52% menos que en 2017), siendo Italia el principal mercado extranjero. ^{[ 57 ]}

Japón posee una de las industrias cinematográficas más antiguas y grandes del mundo; en 2010, era la cuarta más grande por número de largometrajes producidos. ^{[ 58 ]} En Japón se producen películas desde 1897, cuando llegaron los primeros camarógrafos extranjeros.

En una lista de Sight & Sound de las mejores películas producidas en Asia , las obras japonesas ocuparon ocho de los doce primeros puestos, con Tokyo Story (1953) en el número uno. Tokyo Story también encabezó la encuesta de directores de Sight & Sound de 2012 de Las 50 mejores películas de todos los tiempos , destronando a Citizen Kane , ^{[ 59 ] [ 60 ]} mientras que Los siete samuráis (1954) de Akira Kurosawa fue votada como la mejor película en lengua extranjera de todos los tiempos en la encuesta de la BBC de 2018 a 209 críticos en 43 países. ^{[ 61 ]} Japón ha ganado el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera cuatro veces ( Rashomon , La puerta del infierno , Samurai I: Musashi Miyamoto y Departures ), más que cualquier otro país asiático .

El cine de Irán ( en persa : سینمای ایران ) o cine de Persia se refiere a las industrias cinematográficas de Irán , que producen anualmente una variedad de películas comerciales. Las películas de arte iraníes han alcanzado fama internacional y ahora gozan de seguidores en todo el mundo. ^{[ 62 ]}

Along with China, Iran has been lauded as one of the best exporters of cinema in the 1990s.^[63] Some critics now rank Iran as the world's most important national cinema, artistically, with a significance that invites comparison to Italian neorealism and similar movements in past decades.^[62] German filmmaker Werner Herzog has praised Iranian cinema as one of the world's most important artistic cinemas.^[64] It is notable, that Iran has won 2 Academy Awards and has been nominated 3 times, which is ranked 11th in the world cinema, second in Asia after Japan, and first in the Middle East.

The Turkish film market stands out in the pan-European landscape as the only market where national films regularly outperform US films.^[65] In 2013, it had 1.2 million number of admissions and 87 feature films were released.^[66] Between 2004 and 2014, the estimated 12.9 million admissions generated on non-national European markets only accounted for 7% of total admissions to Turkish films in Europe (including Turkey). This was the third lowest share among the 30 European markets for which such data are available and clearly illustrates the strong dependence of Turkish films on the domestic market, a feature which is shared by Polish and Russian films.^[67]

In 2014, Kış Uykusu (Winter's Sleep) won the Cannes Film Festival Award for Best Film.^[68] In 2013, Turkey still ranked behind the Netherlands in terms of the box office with just over EUR 200 million as Europe's eight largest box office market ahead of Sweden and Switzerland with a clear gap to the top 6 markets all of which registered GBO between EUR 504 million (Spain) up to over EUR 1 billion in France, the UK, Germany and the Russian Federation.^[69] Cinema going is comparatively cheap in Turkey. In 2013 a cinema ticket cost an average of EUR 4.0 in Turkey, and this was estimated to be the lowest average ticket price – measured in Euro – in Europe, marginally cheaper than in several Central and Eastern Europe markets like Croatia, Romania, Lithuania or Bulgaria (subject to exchange rates).^[70]

Karim Abdel Aziz

Ahmed Ezz

Mona Zaki

Menna Shalabi

En Egipto se realizó un número limitado de películas mudas a partir de 1896; Laila, de 1927 , destacó por ser el primer largometraje. La industria cinematográfica de El Cairo se convirtió en una fuerza regional con la llegada del sonido. Entre 1930 y 1936, varios estudios pequeños produjeron al menos 44 largometrajes. En 1936, Studio Misr , financiado por el industrial Talaat Harb , se consolidó como el principal equivalente egipcio a los grandes estudios de Hollywood, un papel que la compañía mantuvo durante tres décadas. ^{[ 71 ]} De las más de 4000 películas, tanto cortometrajes como largometrajes, realizadas en la región MENA desde 1908, más de tres cuartas partes fueron películas egipcias. Las películas egipcias suelen estar habladas en el dialecto árabe egipcio . ^{[ 72 ] [ 73 ]}

Desde 1976, El Cairo ha sido sede del Festival Internacional de Cine de El Cairo (CIFF), acreditado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos. En 1996, se inauguró la Ciudad de Producción de Medios Egipcios (EMPC) en la ciudad 6 de Octubre , al sur de El Cairo, aunque para 2001, solo uno de los 29 estudios planificados estaba en funcionamiento. ^{[ 74 ]} La censura, que antes era un obstáculo para la libertad de expresión, disminuyó notablemente para 2012, cuando el cine egipcio comenzó a abordar con valentía temas que iban desde cuestiones sexuales ^{[ 75 ]} hasta fuertes críticas al gobierno. ^{[ 76 ]}

Las décadas de 1940, 1950 y 1960 se consideran generalmente la época dorada del cine egipcio. Al igual que en Occidente, las películas respondían a la imaginación popular, aunque la mayoría se encasillaban en géneros predecibles (los finales felices eran la norma), y muchos actores forjaron sus carreras interpretando papeles estereotipados. En palabras de un crítico: «Si una película egipcia destinada al público popular carecía de alguno de estos requisitos, constituía una traición al contrato tácito con el espectador, cuyas consecuencias se reflejarían en la taquilla». ^{[ 77 ]} Desde la década de 1990, el cine egipcio ha tomado rumbos divergentes. Las películas de autor de menor presupuesto atraen cierta atención internacional, pero escasa asistencia en el país. Las películas populares, a menudo comedias desenfadadas como ¡Qué mentira!, y las obras extremadamente rentables del comediante Mohamed Saad , luchan por mantener al público, ya sea atraído por el cine occidental o, cada vez más, receloso de la supuesta inmoralidad del cine. ^{[ 78 ]}

El término cine coreano engloba las industrias cinematográficas de Corea del Norte y Corea del Sur . Al igual que todos los aspectos de la vida coreana durante el siglo pasado, la industria del cine ha estado a menudo a merced de los acontecimientos políticos, desde el final de la dinastía Joseon hasta la Guerra de Corea y la injerencia gubernamental interna. Si bien ambos países cuentan hoy con industrias cinematográficas relativamente sólidas , solo las películas surcoreanas han alcanzado un amplio reconocimiento internacional. Las películas norcoreanas tienden a reflejar sus temas comunistas o revolucionarios.

Las películas surcoreanas disfrutaron de una "época dorada" a finales de los años 50 y durante los años 60. Para 2005, Corea del Sur se había convertido en una de las pocas naciones que veían más películas nacionales que importadas en los cines ^{[ 79 ]} debido en gran parte a las leyes que ponían límites al número de películas extranjeras que podían mostrarse por cine al año. ^{[ 80 ]} En los cines, las películas coreanas deben proyectarse durante 73 días al año desde 2006. En la televisión por cable, la cuota de películas nacionales del 25% se reducirá al 20% después del TLC entre Corea del Sur y Estados Unidos. ^{[ 81 ]} El cine de Corea del Sur tuvo una recaudación total en taquilla en el país en 2015 de ₩ 884 mil millones y tuvo 113.000.000 de entradas, el 52% de las entradas totales. 

La historia del cine polaco es casi tan antigua como la historia de la cinematografía , y cuenta con logros universalmente reconocidos, a pesar de que las películas polacas tienden a tener menor disponibilidad comercial que las de otras naciones europeas.

Tras la Segunda Guerra Mundial , el gobierno comunista impulsó un cine nacional de autor , formó a cientos de nuevos directores y les dio autonomía para realizar películas. Cineastas como Roman Polański , Krzysztof Kieślowski , Agnieszka Holland , Andrzej Wajda , Andrzej Żuławski , Andrzej Munk y Jerzy Skolimowski influyeron en el desarrollo del cine polaco. En los últimos años, la industria ha estado liderada por los productores, siendo la financiación el factor clave para la realización de una película, y con numerosos cineastas independientes de todos los géneros, las producciones polacas tienden a inspirarse más en el cine estadounidense .

La Escuela Polaca de Cine estuvo fuertemente influenciada por el neorrealismo italiano . Aprovechó los cambios liberales en Polonia tras el Octubre Polaco de 1956 para retratar la complejidad de la historia polaca durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación alemana. Entre los temas más importantes se encontraban la generación de exsoldados del Ejército Nacional y su papel en la Polonia de posguerra, así como las tragedias nacionales como los campos de concentración alemanes y el levantamiento de Varsovia . Los cambios políticos permitieron al grupo hablar con mayor franqueza sobre la historia reciente de Polonia. Sin embargo, la censura seguía vigente en lo que respecta a la historia después de 1945, y existían muy pocas películas sobre acontecimientos contemporáneos. Esto marcó la principal diferencia entre los miembros de la Escuela Polaca de Cine y el neorrealismo italiano.

La Escuela Polaca de Cine fue la primera en resaltar el carácter nacional polaco y uno de los primeros movimientos artísticos de Europa Central en oponerse abiertamente a las directrices oficiales del realismo socialista . Los miembros del movimiento tendían a enfatizar el papel del individuo frente al de la colectividad. Dentro del movimiento existían dos tendencias: jóvenes directores como Andrzej Wajda estudiaban la idea del heroísmo, mientras que otro grupo (el más destacado fue Andrzej Munk ) analizaba el carácter polaco a través de la ironía, el humor y la disección de los mitos nacionales.

El mayor estudio cinematográfico del sudeste asiático abrió sus puertas el 5 de noviembre de 2011 en 10 hectáreas de terreno en Nongsa, isla de Batam , Indonesia. Infinite Frameworks (IFW) es una empresa con sede en Singapur (cerca de la isla de Batam) propiedad de un consorcio, cuyo 90 por ciento pertenece al empresario y productor cinematográfico indonesio Mike Wiluan. ^{[ 82 ]} En 2010-2011, debido al considerable aumento del impuesto al valor agregado aplicado a las películas extranjeras, los cines dejaron de tener acceso a muchas películas extranjeras, incluidas las ganadoras del Óscar. Las películas extranjeras incluyen grandes éxitos de taquilla de Occidente y de otros importantes productores cinematográficos del mundo. Esto provocó un enorme efecto dominó en la economía del país. Se presume que esto aumentó la compra de DVD sin licencia. Sin embargo, incluso los DVD que infringían los derechos de autor tardaban más en conseguirse. El costo mínimo para ver una película extranjera que no se proyectaba localmente era de 1 millón de rupias. Esto equivalía a 100 dólares estadounidenses, ya que incluía un billete de avión a Singapur. ^{[ 83 ]}

El cine de Pakistán , o simplemente cine pakistaní ( en urdu : پاکستانی سنیما ), se refiere a la industria cinematográfica de Pakistán . La mayoría de los largometrajes rodados en Pakistán están en urdu , el idioma nacional, pero también pueden incluir películas en inglés, el idioma oficial, y en lenguas regionales como el punjabi , el pastún , el baluchi y el sindhi . Lahore ha sido descrita como el epicentro del cine pakistaní, dando origen al término " Lollywood ", una combinación de Lahore y Hollywood.

Antes de la separación de Bangladesh, Pakistán tenía tres centros principales de producción cinematográfica: Lahore , Karachi y Dhaka . El régimen de Muhammad Zia-ul-Haq , los reproductores de vídeo , la piratería cinematográfica , la introducción de impuestos sobre el entretenimiento y leyes estrictas basadas en una jurisprudencia ultraconservadora, fueron un obstáculo para el crecimiento de la industria. ^{[ 84 ]} El cine en Pakistán, que alguna vez fue próspero, sufrió un colapso repentino en la década de 1980 y, para la década de 2000, "una industria que alguna vez produjo un promedio de 80 películas al año ahora luchaba incluso por producir unas pocas películas". Sin embargo, el auge de la industria televisiva en Karachi, que dio lugar a grandes empresas de medios de comunicación privadas, condujo a un resurgimiento de la industria cinematográfica pakistaní a principios de la década de 2010. Karachi , ahora el mayor centro de producción de la industria cinematográfica en Pakistán, produce películas pakistaníes en urdu, inglés y sindhi. Lahore es ahora el segundo mayor productor de cine (principalmente películas en punjabi), seguido de Peshawar, donde se producen sobre todo películas en pastún. También se producen películas a pequeña escala en Islamabad (películas en urdu e inglés) y Quetta (películas en baluchi). El cine pakistaní está ganando terreno en el circuito local y en mercados internacionales como los países del Golfo, Reino Unido-Europa, Estados Unidos-Norteamérica y Extremo Oriente. Muchas películas pakistaníes han llegado a la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa en los Premios Óscar, como The Day Shall Dawn (1959), The Veil (Ghoonghat) ( 1963), Zinda Bhaag (2013), Dukhtar (2014), Moor (2015), Mah-e-Mir (2016), Saawan (2017), Cake (2018) y Lal Kabootar (2019). Dos documentales pakistaníes ganaron el Óscar al Mejor Documental: Saving Face (2012) y A Girl in the River (2016). Las películas pakistaníes, especialmente las de habla urdu, giran en torno a dramas familiares, romance, historias de amor, comedia, suspense, temas sociales y cuestiones políticas. En la actualidad, algunas películas pakistaníes han alcanzado reconocimiento internacional, entre ellas: Khuda Kay Liye (En el nombre de Dios), Bol , Verna, Zinda Bhaag, Load-Wedding, Wrong No. , Cake, Teefa in Trouble , Lal Kabootar, Mah-e-Meer, Moor y The Legend of Maula Jatt .

El cine punjabí se centra principalmente en el romance, el drama familiar y la acción, mientras que el cine pastún gira en torno a la acción y las disputas tribales.

Entre los principales premios cinematográficos se incluyen los Lux Style Awards , los ARY Film Awards, los Nigar Awards y los National Film Awards.

El cine de Filipinas comenzó con la introducción de las primeras imágenes en movimiento en el país el 31 de agosto de 1897, en el Salón de Pertierra en Manila . Al año siguiente, el español Antonio Ramos filmó por primera vez escenas locales con el cinematógrafo Lumière . ^{[ 85 ]} Si bien la mayoría de los primeros cineastas y productores del país eran extranjeros y expatriados adinerados y emprendedores , el 12 de septiembre de 1919, Dalagang Bukid (Doncella del Campo) , una película basada en una popular obra musical, fue la primera película realizada y exhibida por el cineasta filipino José Nepomuceno . ^{[ 86 ]} Apodado el "Padre del Cine Filipino", su obra marcó el inicio del cine como forma de arte en Filipinas. ^{[ 87 ]}

En Israel se producen películas desde antes de la independencia en 1948. ^{[ 88 ]} La industria es relativamente pequeña económicamente, pero las películas israelíes han recibido más nominaciones a los Premios Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa que las de cualquier otro país de Oriente Medio. El gobierno está intentando atraer a empresas extranjeras para que filmen en Israel ofreciendo subvenciones para los costes de producción. ^{[ 89 ]}

Hong Kong es un centro de producción cinematográfica para el mundo de habla china (incluida la diáspora mundial ) y el este de Asia en general. Durante décadas fue la tercera industria cinematográfica más grande del mundo (después de India y Estados Unidos) y el segundo mayor exportador de películas. ^{[ 90 ]} A pesar de una crisis de la industria que comenzó a mediados de la década de 1990 y el regreso de Hong Kong a la soberanía china en julio de 1997, el cine de Hong Kong ha conservado gran parte de su identidad distintiva y continúa desempeñando un papel destacado en el panorama cinematográfico mundial. A diferencia de muchas industrias cinematográficas, Hong Kong ha recibido poco o ningún apoyo directo del gobierno, ya sea a través de subsidios o cuotas de importación. Siempre ha sido un cine eminentemente comercial, centrado en géneros populares como la comedia y la acción, y con una fuerte dependencia de fórmulas, secuelas y remakes. Como es típico de los cines comerciales, su núcleo es un sistema de estrellas altamente desarrollado , que en este caso también presenta una superposición sustancial con la industria de la música pop.

La Compañía de Cine de Trinidad y Tobago es la agencia nacional creada en 2006 para impulsar el desarrollo de la industria cinematográfica. Trinidad y Tobago organiza diversos festivales de cine a cargo de diferentes comités y organizaciones. Entre ellos se encuentran el Festival de Cortometrajes de Escuelas Secundarias y el Festival de Cine para Teléfonos Inteligentes, organizados por la Compañía de Cine de Trinidad y Tobago. Además, se celebra anualmente el Festival de Cine de Trinidad y Tobago , que tiene lugar durante dos semanas en la segunda quincena de septiembre.

El sector cinematográfico de Trinidad y Tobago comenzó a emerger a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, y para finales de la década de 1970, había un puñado de producciones locales, tanto largometrajes como programas de televisión. ^{[ 91 ]} El primer largometraje producido en Trinidad y Tobago fue The Right and the Wrong (1970) del director, guionista y productor indio Harbance Kumar. El guion fue escrito por el dramaturgo trinitense Freddie Kissoon. ^{[ 92 ]} El resto del siglo XX vio la realización de un par de largometrajes más en el país, con Bim (1974), que fue destacada por Bruce Paddington como "una de las películas más importantes producidas en Trinidad y Tobago  ... y uno de los clásicos del cine caribeño". ^{[ 93 ]} Fue una de las primeras películas en presentar un elenco y equipo casi completamente trinitense. ^{[ 94 ]} Hubo un aumento en la producción cinematográfica trinitense en la década de 2000. Películas como Ivan the Terrible (2004), SistaGod (2006), I'm Santana: The Movie (2012) y God Loves the Fighter (2013) se estrenaron tanto a nivel local como internacional. SistaGod tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2006. ^{[ 95 ]}

El cine nepalí no tiene una larga historia, pero ocupa un lugar importante en el patrimonio cultural del país. A menudo se le conoce como «Nepali Chalchitra» (que se traduce como «películas nepalíes» en español). También se utilizan los términos Kollywood y Kallywood, una combinación de «Kathmandu» y «Hollywood»; sin embargo, «Kollywood» se usa con mayor frecuencia para referirse al cine tamil. Chhakka Panja es considerada la película más taquillera de todos los tiempos en la industria cinematográfica nepalí, y Kohinoor la segunda. Las películas nepalíes The Black Hen (2015) y Kagbeni (2006) recibieron reconocimiento internacional. El largometraje nepalí White Sun (Seto Surya) recibió el premio a la Mejor Película en el 27.º Festival Internacional de Cine de Singapur (SGIFF) en 2016.

La industria cinematográfica de Sri Lanka es una industria relativamente joven que comenzó en 1947 con la película Kadawunu Poronduwa y ha experimentado crecimiento y desarrollo, particularmente con la creación de la Corporación Estatal de Cine en 1971.

Las películas de Sri Lanka suelen rodarse en  cingalés  y  tamil , los idiomas predominantes del país.

Lester James Peries , a menudo considerado el "padre" del cine de Sri Lanka, dirigió películas influyentes como Rekava (1956) y El rey dios (1974).

Sulanga Enu Pinisa, de  Vimukthi Jayasundara,  ganó la Cámara de Oro a la mejor primera película en el  Festival de Cine de Cannes de 2005 .

Las directoras Asoka Handagama y Prasanna Vithanage , han ganado premios internacionales. Las películas de Handagama, Asandhimitta y Alborada , y las películas de Vithanage , Gaadi y Paradise, fueron aclamadas por la crítica y seleccionadas para festivales de cine internacionales.

En los últimos años, películas de gran presupuesto como  Aloko Udapadi ,  Aba  y  Maharaja Gemunu,  basadas en historias épicas históricas cingalesas, han cosechado un enorme éxito. Además, tras el drástico impacto de la  pandemia de COVID-19 en la industria cinematográfica ,  Adaraneeya Prarthana  se ha convertido en una de las películas más taquilleras de 2022, y Gajaman es la película esrilanquesa más taquillera de 2023.

La película Gajaman, de Chanaka Perera, es la primera película de animación tridimensional (3D) de Sri Lanka que utiliza tecnología de captura de movimiento.

La película Tentigo, del director esrilanqués Ilango Ram, es la primera película de Sri Lanka que se adaptará a otros idiomas, como español, italiano, inglés, hindi , telugu y malayalam , y en el futuro también a Francia y Bélgica . Tras recibir críticas positivas en varios festivales de cine, la película ganó el premio especial del jurado en el  Festival de Cine Black Nights de Tallin  en 2023 y se proyectó en el  Festival de Cine de Glasgow  y en Mostra en 2024. Fue seleccionada para el  2.º Festival Internacional de Cine Eikhoigi Imphal  2025 en la sección de Competencia Internacional: Ficción.

Películas internacionales rodadas en Sri Lanka: Sri Lanka ha sido escenario de películas internacionales, entre ellas El puente sobre el río Kwai .

En 1900, Charles Pathé comenzó la producción cinematográfica bajo la marca Pathé-Frères , con Ferdinand Zecca contratado para realizar las películas. Para 1905, Pathé era la compañía cinematográfica más grande del mundo, posición que mantuvo hasta la Primera Guerra Mundial. Léon Gaumont comenzó la producción cinematográfica en 1896, bajo la supervisión de Alice Guy . ^{[ 97 ]}

Desde 1904 hasta la Primera Guerra Mundial , el grupo Pathé fue líder mundial en la industria cinematográfica, muy por delante de las empresas estadounidenses. En su apogeo, la compañía de Charles Pathé controlaba casi el 50% del mercado cinematográfico mundial, incluyendo Estados Unidos. ^{[ 98 ] [ 99 ]}

Además de American Mutoscope, también existían numerosos productores más pequeños en Estados Unidos, y algunos de ellos lograron consolidar su presencia a largo plazo en el nuevo siglo. American Vitagraph , uno de estos productores menores, construyó estudios en Brooklyn y expandió sus operaciones en 1905.

El primer cine permanente que proyectaba exclusivamente películas fue el "Nickelodeon", inaugurado en Pittsburgh en 1905. ^{[ 100 ]} Para entonces, ya existían suficientes películas de varios minutos de duración para llenar una programación de al menos media hora, la cual podía cambiarse semanalmente cuando el público local se aburría. Otros exhibidores en Estados Unidos no tardaron en seguir su ejemplo, y en dos años, había 8000 de estos nickelodeones en funcionamiento en todo el país. La experiencia estadounidense impulsó un auge mundial en la producción y exhibición de películas a partir de 1906.

Las salas de cine se convirtieron en lugares de entretenimiento populares y centros sociales a principios del siglo XX, al igual que los cabarets y otros teatros. ^{[ 101 ]}

En 1907, se inauguraron cines construidos específicamente para la proyección de películas en Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia. Las películas solían proyectarse con acompañamiento musical a cargo de un pianista, aunque a veces participaban más músicos. En algunas de las ciudades más grandes, existían muy pocos cines de gran tamaño. Inicialmente, la mayoría de las películas de la programación eran de Pathé , pero esto cambió rápidamente a medida que las compañías estadounidenses aumentaban su producción. El programa constaba de solo unas pocas películas y la proyección duraba unos 30 minutos. El rollo de película, de una longitud máxima de 300 metros (1000 pies ) , que generalmente contenía una sola película, se convirtió en la unidad estándar de producción y exhibición cinematográfica en este período. La programación se cambiaba dos o más veces por semana, pero llegó a cinco cambios semanales después de un par de años. En general, los cines se ubicaban en los distritos de entretenimiento ya establecidos de las ciudades. En 1907, Pathé comenzó a alquilar sus películas a los cines a través de intercambios cinematográficos en lugar de venderlas directamente. ^{[ 102 ]} 

El litigio sobre patentes entre las principales compañías cinematográficas estadounidenses continuó, y a finales de 1908 decidieron aunar sus patentes y formar un fideicomiso para controlar la industria cinematográfica estadounidense. Las compañías involucradas fueron Pathé, Edison, Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem y Kleine Optical Company, una importante importadora de películas europeas. La compañía George Eastman, el único fabricante de película en Estados Unidos, también formó parte del consorcio, denominado Motion Picture Patents Company (MPPC), y Eastman Kodak acordó suministrar película exclusivamente a los miembros. Se cobraban derechos de licencia a todos los distribuidores y exhibidores por la distribución y proyección de películas. A las productoras que formaban parte del fideicomiso se les asignaron cuotas de producción (dos rollos, es decir, películas, por semana para las más importantes, un rollo por semana para las más pequeñas), que se suponía que serían suficientes para completar la programación de los exhibidores con licencia. Pero el mercado era más grande, pues aunque 6.000 exhibidores firmaron con la MPPC, otros 2.000 no lo hicieron. Una minoría de las bolsas (es decir, los distribuidores) se mantuvieron al margen de la MPPC, y en 1909 estas bolsas independientes comenzaron de inmediato a financiar nuevas compañías productoras de cine. Para 1911, había suficientes películas independientes y extranjeras disponibles para programar todas las funciones de los exhibidores independientes, y en 1912, estos últimos controlaban casi la mitad del mercado. La MPPC había sido derrotada en su plan de controlar todo el mercado estadounidense, y la acción antimonopolio del gobierno, que recién ahora se inició contra la MPPC, no fue necesaria para derrotarla. ^{[ 102 ]}

A principios del siglo XX, antes de Hollywood , la industria cinematográfica de los Estados Unidos se basaba principalmente en Fort Lee, Nueva Jersey, al otro lado del río Hudson, frente a la ciudad de Nueva York. ^{[ 103 ] [ 104 ] [ 105 ]} Necesitados de una sede de invierno, los cineastas se sintieron atraídos por Jacksonville, Florida, debido a su clima cálido, locaciones exóticas, excelente acceso ferroviario y mano de obra más barata, lo que le valió a la ciudad el título de "La capital mundial del cine de invierno". ^{[ 106 ]} Kalem Studios, con sede en Nueva York, fue el primero en abrir un estudio permanente en Jacksonville en 1908. ^{[ 107 ]} Durante la década siguiente, más de 30 compañías de cine mudo establecieron estudios en la ciudad, incluyendo Metro Pictures (más tarde MGM ), Edison Studios , Majestic Films, King-Bee Film Company, Vim Comedy Company , Norman Studios , Gaumont Studios y Lubin Manufacturing Company . La primera película realizada en Technicolor y el primer largometraje en color producido en los Estados Unidos, The Gulf Between , también se filmó en exteriores en Jacksonville en 1917.

Jacksonville fue especialmente importante para la industria cinematográfica afroamericana . Una figura destacada en este sentido es el productor euroamericano Richard Norman , quien creó una serie de películas protagonizadas por actores negros al estilo de Oscar Micheaux y la Lincoln Motion Picture Company . ^{[ 106 ]} En contraste con los papeles degradantes ofrecidos en ciertas películas protagonizadas por blancos, como El nacimiento de una nación , Norman y sus contemporáneos buscaron crear historias positivas que presentaran a afroamericanos en lo que él denominó "asumiendo espléndidamente diferentes roles". ^{[ 108 ] [ 109 ]}

Sin embargo, los residentes de Jacksonville, en su mayoría conservadores, se opusieron a las características distintivas de la incipiente industria cinematográfica, como las persecuciones de coches en las calles, los robos bancarios simulados y las alarmas de incendio en lugares públicos, e incluso algún que otro disturbio. En 1917, el demócrata conservador John W. Martin fue elegido alcalde con la promesa de controlar la industria cinematográfica de la ciudad. ^{[ 106 ]} Para entonces, el sur de California se estaba consolidando como el principal centro de producción cinematográfica, gracias en gran parte a la llegada a la zona de pioneros del cine como William Selig y DW Griffith . Estos factores sellaron rápidamente el declive de Jacksonville como destino cinematográfico importante.

Otro factor para el traslado de la industria al oeste fue que, hasta 1913, la mayor parte de la producción cinematográfica estadounidense todavía se realizaba en los alrededores de Nueva York, pero debido al monopolio de las patentes cinematográficas de Thomas A. Edison, Inc. y sus intentos litigiosos por preservarlo, muchos cineastas se mudaron al sur de California, comenzando con Selig en 1909. ^{[ 110 ] [ 111 ]} El sol y el paisaje fueron importantes para la producción de westerns, que llegaron a formar un importante género cinematográfico estadounidense con las primeras estrellas vaqueras, GM Anderson ("Broncho Billy") y Tom Mix . Selig fue pionero en el uso de animales (relativamente) salvajes de un zoológico para una serie de aventuras exóticas, en las que los actores eran amenazados o salvados por los animales. Kalem Company envió equipos de filmación a lugares de Estados Unidos y del extranjero para filmar historias en los lugares reales en los que se suponía que habían ocurrido. ^{[ 112 ]} Kalem también fue pionera en la heroína de acción femenina a partir de 1912, con Ruth Roland interpretando papeles protagónicos en sus westerns. ^{[ 113 ]}

En Francia, Pathé mantuvo su posición dominante, seguida por Gaumont y luego por otras nuevas compañías que parecían satisfacer el auge del cine. Una compañía cinematográfica con un enfoque diferente fue Film d'Art. Film d'Art se creó a principios de 1908 para producir películas de carácter artístico serio. Su programa declarado era producir películas utilizando solo a los mejores dramaturgos, artistas y actores. ^{[ 114 ]} La primera de ellas fue L'Assassinat du Duc de Guise ( El asesinato del duque de Guise ), un tema histórico ambientado en la corte de Enrique III . Esta película utilizó a los principales actores de la Comédie-Française y tuvo una banda sonora especial compuesta por Camille Saint-Saëns . Las otras grandes compañías francesas siguieron su ejemplo, y esta ola dio origen a la descripción en inglés de las películas con pretensiones artísticas dirigidas a un público sofisticado como "art films" . Hacia 1910, las compañías cinematográficas francesas comenzaron a producir películas de dos o incluso tres rollos, aunque la mayoría seguían siendo de un solo rollo. Esta tendencia fue seguida en Italia, Dinamarca y Suecia. ^{[ 115 ]}

En Gran Bretaña, la Ley de Cinematografía de 1909 fue la primera legislación primaria que reguló específicamente la industria cinematográfica. Las proyecciones de películas a menudo se realizaban en recintos temporales y el uso de nitrato de celulosa, altamente inflamable , para la película, combinado con la iluminación con luz de cal , creaba un riesgo significativo de incendio. La Ley especificaba un estricto código de construcción que exigía, entre otras cosas, que el proyector estuviera encerrado dentro de una carcasa resistente al fuego. ^{[ 116 ]}

El estudio Babelsberg, cerca de Berlín, en Alemania, fue el primer estudio cinematográfico a gran escala del mundo, fundado en 1912, y el precursor de Hollywood con sus numerosos estudios de gran tamaño a principios del siglo XX.

El primer estudio cinematográfico de la zona de Hollywood, Nestor Studios , fue fundado en 1911 por Al Christie para David Horsley . Otros estudios de la Costa Este ya habían trasladado su producción a Los Ángeles. Con el tiempo, Hollywood llegó a estar tan estrechamente vinculado a la industria cinematográfica que la palabra "Hollywood" se usa ahora coloquialmente para referirse a toda la industria del cine estadounidense.

En 1913, Cecil B. DeMille , en asociación con Jesse Lasky , alquiló un granero con instalaciones de estudio en Hollywood donde se filmó The Squaw Man (1914). Actualmente, ese lugar alberga el Museo del Patrimonio de Hollywood .

Los estudios Charlie Chaplin se construyeron en 1917. El lugar también fue utilizado por los estudios Kling para la serie de televisión Superman ; Red Skelton , quien usó los platós para su programa de variedades de la CBS ; y la CBS, que filmó allí la serie Perry Mason . De 1967 a 1999 fue la sede de A&M Records de Herb Alpert y Tijuana Brass Enterprises. En 1969, la Junta de Patrimonio Cultural de Los Ángeles lo declaró monumento histórico-cultural. En el año 2000 se convirtió en la sede de la Jim Henson Company, hogar de los Muppets .

El famoso letrero de Hollywood originalmente decía "Hollywoodland". Fue erigido en 1923 para promocionar una nueva urbanización en las colinas de Hollywood. En 1949, la Cámara de Comercio de Hollywood intervino, eliminó las últimas cuatro letras y reparó las demás. Es una marca registrada y no puede utilizarse sin la autorización de la Cámara de Comercio de Hollywood.

La primera ceremonia de entrega de los Premios de la Academia tuvo lugar el 16 de mayo de 1929.

El periodo comprendido entre 1927 (el fin efectivo de la era del cine mudo) y 1948 se considera la época del "sistema de estudios de Hollywood" o la Edad de Oro de Hollywood . En una histórica decisión judicial de 1948 , la Corte Suprema dictaminó que los estudios cinematográficos no podían ser propietarios de salas de cine y que solo podían proyectar las películas de su propio estudio y de sus estrellas; así terminó una era en la historia de Hollywood.

Bollywood es la industria cinematográfica en idioma hindi con sede en Mumbai (anteriormente conocida como Bombay ), Maharashtra , India. El término se usa a menudo incorrectamente para referirse a todo el cine indio ; sin embargo, es solo una parte de la industria cinematográfica india total , que incluye otros centros de producción que producen películas en varios idiomas. ^{[ 117 ]} Bollywood es el mayor productor de cine de la India y uno de los mayores centros de producción cinematográfica del mundo. ^{[ 118 ] [ 119 ] [ 120 ]}

Bollywood se conoce formalmente como cine hindi. ^{[ 121 ]} Lingüísticamente, las películas de Bollywood tienden a usar el indostaní vernáculo , mutuamente inteligible para los hablantes que se identifican como hablantes tanto de hindi como de urdu , ^{[ 122 ] [ 123 ] [ 124 ]} mientras que las películas modernas de Bollywood también incorporan cada vez más elementos de hinglish . ^{[ 122 ]}

Los luchadores (1899) y El hombre y sus monos (1899), dirigidos y producidos por Harischandra Sakharam Bhatawdekar ( HS Bhatavdekar ), fueron los dos primeros cortometrajes realizados por cineastas indios. También fue el primer cineasta indio en dirigir y producir el primer documental y reportaje de noticias titulado El desembarco de Sir MM Bhownuggree .

Las décadas de 1930 y 1940 fueron tiempos turbulentos: la India se vio sacudida por la Gran Depresión , la Segunda Guerra Mundial, el movimiento independentista indio y la violencia de la Partición . La mayoría de las películas de Bollywood eran descaradamente escapistas , pero varios cineastas abordaron difíciles problemas sociales o utilizaron la lucha por la independencia de la India como telón de fondo para sus tramas. ^{[ 125 ]}

En 1937, Ardeshir Irani , famoso por Alam Ara , realizó la primera película en color en hindi, Kisan Kanya . Al año siguiente, realizó otra película en color, una versión de Mother India .

Tras la independencia de la India , el período comprendido entre finales de la década de 1940 y principios de la de 1960 es considerado por los historiadores del cine como la "Edad de Oro" del cine hindi. ^{[ 126 ] [ 127 ] [ 128 ]} Entre las figuras clave de este período se encuentran Raj Kapoor , Guru Dutt , ^{[ 129 ]} Mehboob Khan , ^{[ 130 ] [ 131 ] [ 132 ]} y Dilip Kumar . ^{[ 133 ] [ 134 ]}

En la década de 1970 se acuñó el nombre "Bollywood" ^{[ 135 ] [ 136 ]} y se establecieron las convenciones esenciales de las películas comerciales de Bollywood. ^{[ 137 ]} Un elemento clave fue el surgimiento del género de películas masala , que combina elementos de múltiples géneros (acción, comedia , romance, drama , melodrama , musical ). El cine masala fue impulsado a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain [ ^{138 ]} junto con el dúo de guionistas Salim-Javed , quienes fueron pioneros del formato de éxito de taquilla ^de Bollywood . ^{[ 137 ]}

Tollywood es la industria cinematográfica en idioma bengalí de la India. Fue fundada en 1898 por la Royal Bioscope Company, con Hiralal Sen, Matilal Sen, Deboki Lal Sen y Bholanath Gupta. Combinando representaciones teatrales en vivo, la industria bengalí se destacó por el uso del sonido como parte fundamental del drama en su formato Bioscope, cuyo lenguaje cinematográfico era muy diferente al del cine mudo occidental. Posteriormente, Jamshedji Framji Madan, de la Elphinstone Bioscope Company, quien también controlaba la Madan Theatre Company, asumió el liderazgo. Tras la muerte de su padre en 1923, JJ Madan se convirtió en director general de Madan Theatres, empresa que alcanzó su máximo esplendor a finales de la década de 1920, cuando poseía 127 salas de cine y controlaba la mitad de la taquilla del país. Madan Theatres produjo varias películas populares e icónicas hasta 1937, paralelamente a las obras de estrellas bengalíes de los años 20 como Dhirendra Nath Ganguly, quien fundó la Indo-British Film Co., la primera productora de propiedad bengalí, en 1918. El auge de la industria se produjo entre las décadas de 1930 y 1940, cuando se realizó una gran diversidad de películas. Muchas copias fueron destruidas por incendios. Las copias y los registros de las películas de 1937 a 1947 se perdieron en su mayoría, pero este período en Bengala marcó la era del cine político en la India, que tuvo una gran influencia en la lucha por la independencia india. Después de 1947, la industria experimentó una nueva era de colaboradores creativos del sistema de estudios que realizaron películas bajo el nombre de Agradoot. Esto propició un renacimiento del cine comercial y los musicales, donde estrellas como Uttam Kumar y Suchitra Sen cautivaron al público con su fascinante presencia en pantalla y sus sutiles interpretaciones. Ritwick Ghatak, Satyajit Ray, Tapan Sinha, Mrinal Sen y Rituparno Ghosh fueron otros directores destacados cuyas obras influyeron en el cine mundial de manera incomparable. El nombre de la industria se inspiró en el lugar llamado Tollygunge, lo que también sirvió como un ingenioso homenaje a Hollywood.

El cine de Egipto se refiere a la floreciente industria cinematográfica con sede en El Cairo , conocida como el Hollywood de la región MENA . ^{[ 139 ]} En 1896, se produjo un número limitado de películas mudas en Egipto; Laila, de 1927 , destacó por ser el primer largometraje. La industria cinematográfica de El Cairo se convirtió en una fuerza regional con la llegada del sonido. Entre 1930 y 1936, varios estudios pequeños produjeron al menos 44 largometrajes. En 1936, Studio Misr , financiado por el industrial Talaat Harb , se consolidó como el principal equivalente egipcio a los grandes estudios de Hollywood, un papel que la compañía mantuvo durante tres décadas. ^{[ 140 ]}

Los historiadores discrepan sobre el inicio del cine en Egipto. Algunos afirman que fue en 1896, cuando se proyectó la primera película en el país, mientras que otros sitúan el comienzo el 20 de junio de 1907 con un cortometraje documental sobre la visita del jedive Abbas Hilmi II al Instituto Mursi Abul-Abbas en Alejandría . En 1917, el director Mohammed Karim fundó una productora en Alejandría. Esta produjo dos películas: Flores muertas y Honrar al beduino , que se exhibieron en la ciudad a principios de 1918.

Desde 1976, la capital ha albergado anualmente el Festival Internacional de Cine de El Cairo , acreditado por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos . ^{[ 141 ]} También existen otros 12 festivales. De los más de 4000 cortometrajes y largometrajes realizados en la región MENA desde 1908, más de tres cuartas partes fueron películas egipcias. ^{[ 72 ] [ 142 ] [ 143 ]}

Las películas egipcias suelen estar habladas en el dialecto árabe egipcio . Desde entonces, se han producido más de 4000 películas en Egipto, tres cuartas partes de la producción árabe total. El historiador Samir Kassir señala (2004) que los estudios Misr , en particular, «a pesar de sus altibajos, lograron convertir a El Cairo en la tercera capital de la industria cinematográfica mundial, después de Hollywood y Bombay, pero por delante de la Cinecittà italiana». ^{[ 144 ]} Egipto es el país más productivo de Oriente Medio en el campo de la producción cinematográfica y el que cuenta con el sistema de medios más desarrollado. ^{[ 145 ]}

Nollywood es un sobrenombre que originalmente se refería a la industria cinematográfica nigeriana . ^{[ 146 ]} El origen del término se remonta a principios de la década de 2000, a un artículo en The New York Times . ^{[ 147 ] [ 148 ]} Debido a la historia de significados y contextos en evolución, no hay una definición clara o consensuada para el término, lo que lo ha convertido en objeto de varias controversias. El origen del término "Nollywood" sigue sin estar claro; Jonathan Haynes rastreó el primer uso de la palabra a un artículo de 2002 de Matt Steinglass en The New York Times , donde se usó para describir el cine nigeriano . ^{[ 147 ] [ 148 ]} Charles Igwe señaló que Norimitsu Onishi también usó el nombre en un artículo de septiembre de 2002 que escribió para The New York Times . ^{[ 149 ] [ 150 ]} El término continúa siendo utilizado en los medios para referirse a la industria cinematográfica nigeriana, y posteriormente se asumió que su definición era una combinación de las palabras "Nigeria" y " Hollywood ", el principal centro cinematográfico estadounidense. ^{[ 151 ] [ 152 ] [ 153 ] [ 154 ]}

La definición de qué películas se consideran Nollywood siempre ha sido objeto de debate. Alex Eyengho definió Nollywood como "la totalidad de las actividades que tienen lugar en la industria cinematográfica nigeriana, ya sea en inglés, yoruba , hausa , igbo , itsekiri , edo , efik , ijaw , urhobo o cualquiera de las más de 300 lenguas nigerianas ". Además, afirmó que "la trayectoria histórica de Nollywood comenzó desde la Nigeria pre y post independencia , con los esfuerzos teatrales (escenario) y cinematográficos ( celuloide ) de figuras como Chief Hubert Ogunde , Chief Amata, Baba Sala , Ade Love , Eddie Ugbomah y algunos otros". ^{[ 152 ]} La influencia de la industria cinematográfica nigeriana, a menudo denominada informalmente Nollywood , ha influido en todos los países africanos.

A finales de 2013, la industria cinematográfica alcanzó, según informes, ingresos récord de 1,72  billones de nairas (4100  millones de dólares estadounidenses). En 2014, la industria tenía un valor de 853 900  millones de nairas (5100 millones de dólares estadounidenses  ), lo que la convirtió en la tercera industria cinematográfica más valiosa del mundo, después de Estados Unidos e India. ^{[ 155 ]} Representaba aproximadamente el 1,4 % del PIB de Nigeria; esto se atribuyó al aumento en la cantidad de películas de calidad producidas y a métodos de distribución más formales. ^{[ 156 ]}

A continuación se presenta una lista de los países con mayor número de largometrajes producidos.

Los siguientes países son los mayores mercados de taquilla en términos de ingresos brutos de taquilla, según el Informe THEME 2022 de la MPA (Motion Picture Association). ^{[ 173 ]}

Los siguientes países son los mayores mercados de taquilla en términos del número de entradas vendidas en 2022. ^{[ 181 ] [ 182 ]}

El precio medio de la entrada (PME) es el coste medio de adquirir una entrada de cine en taquilla durante un año determinado. Según el Instituto de Estadística de la UNESCO , el PME se calcula dividiendo los ingresos totales generados por la venta de entradas entre el número de entradas de largometrajes vendidas durante el año de referencia. ^{[ 189 ]}

Las cifras de taquilla se informan en forma de ingresos brutos o alquileres de distribuidores, siendo estos últimos especialmente ciertos para las películas más antiguas. A menudo confundidos con los ingresos por video doméstico , los alquileres son la parte que le corresponde al distribuidor de los ingresos de taquilla de la película, es decir, los ingresos brutos de taquilla menos la parte del exhibidor. ^{[ 252 ] [ 253 ]} Históricamente, el precio del alquiler promediaba entre el 30 y el 40 % cuando los distribuidores eran dueños de las cadenas de cines, lo que equivalía a poco más de un tercio de los ingresos brutos pagados al distribuidor de la película. ^{[ 254 ]} A partir de 1997Los precios de alquiler variaban mucho, dependiendo de varios factores, y las películas de los grandes estudios representaban en promedio el 43% de los ingresos brutos. ^{[ 252 ]}

La censura económica se produce cuando una empresa, industria o país toma medidas para garantizar su rentabilidad, generalmente autocensurando contenido para complacer al grupo que ejerce su influencia económica. Este grupo puede ser político, como el boicot a individuos o la prohibición o imposición de impuestos gubernamentales a ciertos productos. Esta herramienta tiende a tener un alcance mayor que la censura puramente política, trascendiendo las fronteras gubernamentales. Algunos ejemplos incluyen la autocensura de Hollywood de cualquier representación negativa de los nazis durante la mayor parte de la década de 1930 para mantener el acceso al público alemán y evitar ofender a los antisemitas en su país, o la autocensura de los grandes estudios de cine de cualquier representación negativa de China o su partido gobernante después de 1997 para mantener el acceso al público chino. ^{[ 256 ]}

La publicidad nativa es información diseñada para persuadir de maneras más sutiles que la propaganda clásica. Un ejemplo moderno común en Estados Unidos es la coopanda , en la que los programas de televisión muestran representaciones irrealmente halagadoras de las fuerzas del orden, en parte para obtener equipo prestado y su ayuda para bloquear calles y filmar más fácilmente en locaciones. ^{[ 257 ]} Se han formulado otras acusaciones de lavado de reputación en la industria del entretenimiento, incluyendo el embellecimiento de la imagen de los padrinos de la mafia. ^{[ 258 ]}

La colocación de productos también ha sido objeto de críticas, ya que la industria tabacalera promueve el tabaquismo en pantalla. ^{[ 259 ]} Los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades citan que el 51 % de los adolescentes fumadores no empezarían a fumar si las películas con escenas de tabaquismo recibieran automáticamente una clasificación "R", lo que salvaría un millón de vidas. ^{[ 260 ]}