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Pictorialismo

El pictorialismo es un estilo y movimiento estético internacional que dominó la fotografía a finales del siglo XIX y principios del XX. No existe una definición estándar del tér...

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El pictorialismo es un estilo y movimiento estético internacional que dominó la fotografía a finales del siglo XIX y principios del XX. No existe una definición estándar del término, pero en general se refiere a un estilo en el que el fotógrafo manipula de alguna manera lo que de otro modo sería una fotografía sencilla, con el fin de crear una imagen en lugar de simplemente registrarla. Típicamente, una fotografía pictorialista parece carecer de nitidez (algunas más que otras), se imprime en uno o más colores distintos del blanco y negro (desde el marrón cálido hasta el azul intenso) y puede presentar pinceladas visibles u otras manipulaciones de la superficie. Para el pictorialista, una fotografía, al igual que una pintura, un dibujo o un grabado, era una forma de proyectar una intención emocional en el reino de la imaginación del espectador. [ 1 ]

El pictorialismo, como movimiento artístico, floreció aproximadamente entre 1885 y 1915, aunque algunos lo siguieron promoviendo hasta bien entrada la década de 1940. Surgió como respuesta a la idea de que una fotografía no era más que un simple registro de la realidad, y se transformó en un movimiento para elevar el estatus de la fotografía como una verdadera forma de arte. Durante más de tres décadas, pintores, fotógrafos y críticos de arte debatieron filosofías artísticas opuestas, culminando finalmente con la adquisición de fotografías por parte de varios museos de arte importantes.

El pictorialismo perdió popularidad gradualmente después de 1920, aunque no desapareció por completo hasta el final de la Segunda Guerra Mundial . Durante este período, el nuevo estilo del modernismo fotográfico se puso de moda, y el interés del público se desplazó hacia imágenes más nítidas, como las que se aprecian en la obra de Ansel Adams . Varios fotógrafos importantes del siglo XX comenzaron sus carreras en un estilo pictorialista, pero en la década de 1930 transitaron hacia la fotografía de enfoque nítido.

Descripción general

"La rosa", de Eva Watson-Schütze , 1905

La fotografía, como proceso técnico que implica el revelado de película y copias en un cuarto oscuro, se originó a principios del siglo XIX, y los precursores de las copias fotográficas tradicionales alcanzaron prominencia entre 1838 y 1840. Poco después de que se estableciera el nuevo medio, fotógrafos, pintores y otros comenzaron a debatir sobre la relación entre los aspectos científicos y artísticos del mismo. Ya en 1853, el pintor inglés William John Newton propuso que la cámara podía producir resultados artísticos si el fotógrafo mantenía la imagen ligeramente desenfocada. [ 2 ] Otros creían vehementemente que una fotografía era equivalente al registro visual de un experimento químico. La historiadora de la fotografía Naomi Rosenblum señala que «el carácter dual del medio —su capacidad para producir tanto arte como documento— se demostró poco después de su descubrimiento  ... Sin embargo, gran parte del siglo XIX se dedicó a debatir cuál de estas direcciones era la verdadera función del medio». [ 3 ]

Estos debates alcanzaron su punto álgido a finales del siglo XIX y principios del XX, culminando en la creación de un movimiento que suele caracterizarse como un estilo fotográfico particular: el pictorialismo. Este estilo se define, en primer lugar, por una expresión marcadamente personal que enfatiza la capacidad de la fotografía para crear belleza visual en lugar de simplemente registrar hechos. [ 4 ] Sin embargo, recientemente, los historiadores han reconocido que el pictorialismo es más que un simple estilo visual. Evolucionó en consonancia con las cambiantes actitudes sociales y culturales de la época y, como tal, no debería caracterizarse simplemente como una tendencia visual. Un autor ha señalado que el pictorialismo fue «simultáneamente un movimiento, una filosofía, una estética y un estilo». [ 5 ]

Contrariamente a lo que muestran algunas historias de la fotografía, el pictorialismo no surgió como resultado de una evolución lineal de las sensibilidades artísticas; más bien, se formó a través de "una intrincada, divergente y a menudo apasionadamente conflictiva serie de estrategias". [ 6 ] Mientras fotógrafos y otros debatían si la fotografía podía ser arte, la llegada de la fotografía afectó directamente los roles y el sustento de muchos artistas tradicionales. Antes del desarrollo de la fotografía, el retrato en miniatura pintado era el medio más común para registrar la semejanza de una persona. Miles de pintores se dedicaban a esta forma de arte. Pero la fotografía rápidamente anuló la necesidad y el interés por los retratos en miniatura. Un ejemplo de este efecto se vio en la exposición anual de la Royal Academy de Londres; en 1830 se exhibieron más de 300 pinturas en miniatura, pero en 1870 solo quedaban 33 en exhibición. [ 7 ] La fotografía había reemplazado un tipo de forma de arte, pero la cuestión de si la fotografía en sí misma podía ser artística aún no se había resuelto.

Algunos pintores pronto adoptaron la fotografía como una herramienta para ayudarlos a registrar la pose de un modelo, una escena de paisaje u otros elementos para incluir en su arte. Se sabe que muchos de los grandes pintores del siglo XIX, incluidos Delacroix , [ 8 ] Courbet , Manet , Degas , Cézanne y Gauguin , tomaron fotografías ellos mismos, usaron fotografías de otros e incorporaron imágenes de fotografías en su obra. [ 9 ] Mientras los acalorados debates sobre la relación entre la fotografía y el arte continuaban en la prensa y en las aulas, la distinción entre una imagen fotográfica y una pintura se volvía cada vez más difícil de discernir. A medida que la fotografía continuaba desarrollándose, las interacciones entre la pintura y la fotografía se volvieron cada vez más recíprocas. [ 10 ] Más de unos pocos fotógrafos pictorialistas, incluidos Alvin Langdon Coburn , Edward Steichen , Gertrude Käsebier , Oscar Gustave Rejlander y Sarah Choate Sears , se formaron originalmente como pintores o se dedicaron a la pintura además de sus habilidades fotográficas.

Fue durante este mismo período que las culturas y sociedades de todo el mundo se vieron afectadas por un rápido aumento de los viajes y el comercio intercontinentales. Los libros y revistas publicados en un continente podían exportarse y venderse en otro con creciente facilidad, y el desarrollo de servicios postales fiables facilitó el intercambio individual de ideas, técnicas y, lo que es más importante para la fotografía, copias impresas. Estos avances llevaron a que el pictorialismo se convirtiera en "un movimiento fotográfico más internacional que casi cualquier otro género fotográfico". [ 11 ] Los clubes de fotografía de Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania, Austria, Japón y otros países se prestaban obras regularmente para las exposiciones de los demás, intercambiaban información técnica y publicaban ensayos y comentarios críticos en sus respectivas revistas. Liderados por The Linked Ring en Inglaterra, la Photo-Secession en Estados Unidos y el Photo-club de Paris en Francia, primero cientos y luego miles de fotógrafos persiguieron con pasión intereses comunes en este movimiento multidimensional. En poco más de una década, surgieron fotógrafos pictorialistas destacados en Europa Occidental y Oriental, Norteamérica, Asia y Australia.

Impacto de las cámaras Kodak

Durante los primeros cuarenta años tras la invención de un proceso práctico para capturar y reproducir imágenes, la fotografía siguió siendo dominio de un grupo selecto de personas con amplios conocimientos y habilidades en ciencia, mecánica y arte. Para tomar una fotografía, era necesario dominar la química, la óptica, la luz, la mecánica de las cámaras y cómo estos factores se combinan para plasmar correctamente una escena. No era algo que se aprendiera con facilidad ni que se practicara a la ligera, por lo que se limitaba a un grupo relativamente reducido de académicos, científicos y fotógrafos profesionales.

Anuncio de una cámara Kodak , 1888: "No se requieren conocimientos de fotografía".

Todo eso cambió en cuestión de años. En 1888, George Eastman presentó la primera cámara amateur portátil, la cámara Kodak . Se comercializó con el eslogan "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto". [ 12 ] La cámara venía precargada con un rollo de película que producía aproximadamente 100 exposiciones de imágenes redondas de 2,5 pulgadas, y se podía transportar y sostener fácilmente con la mano durante su funcionamiento. Una vez expuestas todas las fotos en la película, la cámara completa se devolvía a la compañía Kodak en Rochester, Nueva York, donde se revelaba la película, se hacían las copias y se colocaba una nueva película fotográfica. Luego, la cámara y las copias se devolvían al cliente, quien estaba listo para tomar más fotos.

El impacto de este cambio fue enorme. De repente, casi cualquiera podía tomar una fotografía, y en cuestión de años la fotografía se convirtió en una de las mayores modas del mundo. El coleccionista de fotografía Michael G. Wilson observó: «Miles de fotógrafos comerciales y cien veces más aficionados producían millones de fotografías anualmente  ... El declive en la calidad del trabajo profesional y el aluvión de instantáneas (un término tomado de la caza, que significa tomar una foto rápida sin tomarse el tiempo para apuntar) dieron como resultado un mundo inundado de fotografías técnicamente buenas pero estéticamente indiferentes». [ 12 ]

Paralelamente a este cambio, se desarrollaron empresas comerciales nacionales e internacionales para satisfacer la nueva demanda de cámaras, películas e impresiones. En la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, que atrajo a más de 27 millones de personas, la fotografía para aficionados se comercializó a una escala sin precedentes. [ 13 ] Hubo múltiples grandes exhibiciones que mostraban fotografías de todo el mundo, muchos fabricantes de cámaras y equipos de cuarto oscuro que presentaban y vendían sus últimos productos, docenas de estudios de retratos e incluso documentación en directo de la propia Exposición. De repente, la fotografía y los fotógrafos se convirtieron en productos de consumo habitual.

Muchos fotógrafos serios se escandalizaron. Su oficio, y para algunos su arte, estaba siendo cooptado por una ciudadanía recién comprometida, descontrolada y en su mayoría sin talento. El debate sobre arte y fotografía se intensificó en torno al argumento de que si cualquiera podía tomar una fotografía, entonces la fotografía no podía considerarse arte. Algunos de los defensores más apasionados de la fotografía como arte señalaron que la fotografía no debe ni puede verse como un medio excluyente: algunas fotografías son, en efecto, simples registros de la realidad, pero con los elementos adecuados, algunas son, sin duda, obras de arte. William Howe Downs, crítico de arte del Boston Evening Transcript , resumió esta postura en 1900 diciendo: «El arte no es tanto una cuestión de métodos y procesos como de temperamento, de gusto y de sentimiento  ... En manos del artista, la fotografía se convierte en una obra de arte  ... En una palabra, la fotografía es lo que el fotógrafo hace de ella: un arte o un oficio». [ 14 ]

Todos estos elementos —los debates sobre la fotografía y el arte, el impacto de las cámaras Kodak y los cambiantes valores sociales y culturales de la época— se combinaron para sentar las bases de una evolución en la forma en que el arte y la fotografía, tanto de forma independiente como conjunta, se manifestarían a principios de siglo. El rumbo que impulsó el pictorialismo quedó marcado casi desde el establecimiento de los procesos fotográficos, pero no fue hasta la última década del siglo XIX cuando se consolidó un movimiento pictorialista internacional.

Definición del pictorialismo

"Desvaneciéndose", de Henry Peach Robinson , 1858

En 1869, el fotógrafo inglés Henry Peach Robinson publicó un libro titulado Pictorial Effect in Photography: Being Hints on Composition and Chiaroscuro for Photographers. [ 15 ] Este es el primer uso común del término "pictorial" para referirse a la fotografía en el contexto de un elemento estilístico específico: el claroscuro , un término italiano utilizado por pintores e historiadores del arte que alude al uso de la iluminación y el sombreado dramáticos para transmitir un estado de ánimo expresivo. En su libro, Robinson promovió lo que denominó "impresión combinada", un método que había ideado casi 20 años antes, que consistía en combinar elementos individuales de imágenes separadas en una nueva imagen única mediante la manipulación de múltiples negativos o copias. Robinson consideraba, por lo tanto, que había creado "arte" a través de la fotografía, ya que solo mediante su intervención directa se obtenía la imagen final. Robinson continuó ampliando el significado del término a lo largo de su vida.

Otros fotógrafos y críticos de arte, como Oscar Rejlander , Marcus Aurelius Root y John Ruskin , se hicieron eco de estas ideas. Una de las principales fuerzas impulsoras del auge del pictorialismo fue la creencia de que la fotografía directa era puramente representativa, es decir, que mostraba la realidad sin el filtro de la interpretación artística. Era, a todos los efectos, un simple registro de los hechos visuales, carente de intención o mérito artístico. [ 16 ] Robinson y otros creían firmemente que las «limitaciones generalmente aceptadas de la fotografía debían superarse para lograr la igualdad de estatus». [ 10 ]

Robert Demachy resumió posteriormente este concepto en un artículo titulado "¿Qué diferencia hay entre una buena fotografía y una fotografía artística?". Escribió: "Debemos darnos cuenta de que, al emprender la fotografía pictórica, nos hemos comprometido, quizás sin darnos cuenta, a la estricta observancia de reglas cientos de años más antiguas que las fórmulas más antiguas de nuestra química. Nos hemos colado en el Templo del Arte por una puerta trasera y nos hemos encontrado entre la multitud de adeptos". [ 17 ]

Uno de los desafíos para promover la fotografía como arte fue la diversidad de opiniones sobre cómo debía ser el arte. Tras el Tercer Salón de Filadelfia de 1900, que exhibió a decenas de fotógrafos pictorialistas, un crítico se preguntó «si la idea del arte en un sentido verdaderamente verdadero había sido alguna vez escuchada o pensada por la gran mayoría de los expositores». [ 18 ]

Si bien algunos fotógrafos se veían a sí mismos como verdaderos artistas emulando la pintura, al menos una escuela pictórica inspiró directamente a los fotógrafos. Durante la década de 1880, cuando los debates sobre arte y fotografía se volvieron comunes, apareció por primera vez un estilo de pintura conocido como tonalismo . En pocos años, se convirtió en una influencia artística significativa en el desarrollo del pictorialismo. [ 19 ] Pintores como James McNeill Whistler , George Inness , Ralph Albert Blakelock y Arnold Böcklin consideraban la interpretación de la experiencia de la naturaleza, en contraste con el simple registro de una imagen de la naturaleza, como el deber supremo del artista. Para estos artistas era esencial que sus pinturas transmitieran una respuesta emocional al espectador, la cual se lograba mediante el énfasis en los elementos atmosféricos de la imagen y el uso de "formas vagas y tonalidades tenues  ... [para transmitir] una sensación de melancolía elegíaca". [ 20 ]

"Lluvias de primavera, el carruaje", de Alfred Stieglitz , 1899-1900

Aplicando esta misma sensibilidad a la fotografía, Alfred Stieglitz lo expresó más tarde de esta manera: «La atmósfera es el medio a través del cual vemos todas las cosas. Por lo tanto, para verlas en su verdadero valor en una fotografía, como lo hacemos en la naturaleza, debe haber atmósfera. La atmósfera suaviza todas las líneas; gradúa la transición de la luz a la sombra; es esencial para la reproducción de la sensación de distancia. Esa penumbra del contorno que caracteriza a los objetos distantes se debe a la atmósfera. Ahora bien, lo que la atmósfera es para la naturaleza, el tono lo es para una pintura». [ 21 ]

Paul Lewis Anderson , un prolífico promotor contemporáneo del pictorialismo, aconsejaba a sus lectores que la verdadera fotografía artística transmitía «sugerencia y misterio», en la que «el misterio consiste en brindar una oportunidad para el ejercicio de la imaginación, mientras que la sugerencia implica estimular la imaginación por medios directos o indirectos». [ 22 ] Los pictorialistas sostenían que la ciencia podía responder a la demanda de información veraz, pero el arte debía responder a la necesidad humana de estimulación de los sentidos. [ 20 ] Esto solo podía lograrse creando una marca de individualidad para cada imagen e, idealmente, para cada impresión.

Para los pictorialistas, la verdadera individualidad se expresaba a través de la creación de una impresión única, considerada por muchos como el epítome de la fotografía artística. [ 20 ] Al manipular la apariencia de las imágenes a través de lo que algunos llamaban "procesos de ennoblecimiento", [ 23 ] como la impresión con goma o aceite de bromo , los pictorialistas pudieron crear fotografías únicas que a veces se confundían con dibujos o litografías .

Muchas de las voces más influyentes que defendieron el pictorialismo en sus inicios fueron una nueva generación de fotógrafos aficionados. A diferencia de su significado actual, la palabra «aficionado» tenía una connotación distinta en los debates de aquella época. En lugar de sugerir un novato inexperto, la palabra caracterizaba a alguien que aspiraba a la excelencia artística y a liberarse de la rígida influencia académica. [ 24 ] Se consideraba que un aficionado podía romper las reglas porque no estaba sujeto a las normas entonces rígidas establecidas por organizaciones fotográficas de larga tradición como la Royal Photographic Society . Un artículo de la revista británica Amateur Photographer afirmaba: «La fotografía es un arte, quizás el único en el que el aficionado pronto iguala, y con frecuencia supera, al profesional en destreza». [ 24 ] Esta actitud prevalecía en muchos países del mundo. En la Exposición Internacional de Fotografía de Hamburgo de 1893 en Alemania, solo se permitía el trabajo de aficionados. Alfred Lichtwark , entonces director de la Kunsthalle Hamburg, creía que "el único buen retrato en cualquier medio era el que realizaban los fotógrafos aficionados, que tenían la libertad económica y el tiempo para experimentar". [ 24 ]

En 1948, SD Jouhar definió la fotografía pictorialista como «principalmente un registro simbólico estético de una escena, junto con el comentario e interpretación personal del artista, capaz de transmitir una respuesta emocional a la mente de un espectador receptivo. Debe mostrar originalidad, imaginación, unidad de propósito, una cualidad de reposo y poseer una cualidad infinita». [ 25 ]

Transición al modernismo

Jane Reece , Espacios , 1922

La evolución del pictorialismo desde el siglo XIX hasta bien entrada la década de 1940 fue lenta pero decidida. Desde sus raíces en Europa, se extendió a Estados Unidos y al resto del mundo en varias etapas semi-distintas. Antes de 1890, el pictorialismo surgió gracias a promotores que se encontraban principalmente en Inglaterra, Alemania, Austria y Francia. Durante la década de 1890, el centro se trasladó a Nueva York y a los múltiples esfuerzos de Stieglitz. Para 1900, el pictorialismo había llegado a países de todo el mundo, y se celebraron importantes exposiciones de fotografía pictorialista en decenas de ciudades.

A culminating moment for pictorialism and for photography in general occurred in 1910, when the Albright Gallery in Buffalo bought 15 photographs from Stieglitz' 291 Gallery. This was the first time photography was officially recognized as an art form worthy of a museum collection, and it signaled a definite shift in many photographers' thinking. Stieglitz, who had worked so long for this moment, responded by indicating he was already thinking of a new vision beyond pictorialism. He wrote,

It is high time that the stupidity and sham in pictorial photography be struck a solarplexus blow ... Claims of art won't do. Let the photographer make a perfect photograph. And if he happens to be a lover of perfection and a seer, the resulting photograph will be straight and beautiful – a true photograph.[26]

Soon after Stieglitz began to direct his attention more to modern painting and sculpture, and Clarence H. White and others took over the leadership of a new generation of photographers. As the harsh realities of World War I affected people around the world, the public's taste for the art of the past began to change. Developed countries of the world focused more and more on industry and growth, and art reflected this change by featuring hard-edged images of new buildings, airplanes and industrial landscapes.

Adolf Fassbender, a 20th-century photographer who continued to make pictorial photographs well into the 1960s, believed that pictorialism is eternal because it is based upon beauty first. He wrote "There is no solution in trying to eradicate pictorialism for one would then have to destroy idealism, sentiment and all sense of art and beauty. There will always be pictorialism."[27]

Pictorialism by country

Australia

Uno de los principales catalizadores del pictorialismo en Australia fue John Kauffmann (1864–1942), quien estudió química fotográfica e impresión en Londres, Zúrich y Viena entre 1889 y 1897. Cuando regresó a su país natal en 1897, influyó enormemente en sus colegas al exhibir lo que un periódico llamó fotografías que podían "confundirse con obras de arte". [ 28 ] Durante la década siguiente, un núcleo de artistas fotógrafos, incluidos Harold Cazneaux , Frank Hurley , Cecil Bostock , Henri Mallard , Rose Simmonds , [ 29 ] y Olive Cotton , exhibieron obras pictorialistas en salones y exposiciones por todo el país y publicaron sus fotos en el Australian Photographic Journal y el Australasian Photo-Review .

Austria

En 1891, el Club der Amateur Photographen in Wien (Club de Fotógrafos Aficionados de Viena) organizó la primera Exposición Internacional de Fotografía en Viena. El Club, fundado por Carl Sma, Federico Mallmann y Charles Scolik , se creó para fomentar las relaciones con grupos fotográficos de otros países. Tras la llegada de Alfred Buschbeck a la presidencia del club en 1893, este simplificó su nombre a Wiener Camera-Klub (Club de Fotografía de Viena) y comenzó a publicar una lujosa revista llamada Wiener Photographische Blätter , que se publicó hasta 1898. En ella aparecían regularmente artículos de influyentes fotógrafos extranjeros como Alfred Stieglitz y Robert Demachy . [ 30 ]

Como en otros países, los puntos de vista opuestos involucraron a un mayor número de fotógrafos en la definición del significado del pictorialismo. Hans Watzek , Hugo Henneberg y Heinrich Kühn fundaron una organización llamada Das Kleeblatt (El Trilfolium) expresamente para aumentar el intercambio de información con otras organizaciones en otros países, especialmente en Francia, Alemania y Estados Unidos. Inicialmente un pequeño grupo informal, Das Kleeblatt incrementó su influencia en el Wiener Camera-Klub gracias a sus conexiones internacionales, y se crearon varias otras organizaciones que promovían el pictorialismo en otras ciudades de la región. Como en otros países, el interés por el pictorialismo disminuyó después de la Primera Guerra Mundial, y finalmente la mayor parte de la organización austriaca cayó en el olvido durante la década de 1920. [ 30 ]

Cartel de la exposición de 1917

Canadá

El pictorialismo fue el primer movimiento fotográfico distintivo en Canadá. [ 31 ] Sidney Carter (1880–1956) fue uno de sus primeros practicantes, y también fue el primer canadiense en ser elegido para el grupo Photo-Secession de Stieglitz en Nueva York. Esto inspiró a Carter a traer una exposición de fotografía pictorialista a Toronto en 1906, con la ayuda de Harold Mortimer-Lamb (1872–1970) y su compañero secesionista Percy Hodgins. [ 32 ] En 1907, Carter organizó la primera gran exposición de fotografía pictorialista de Canadá en la Asociación de Arte de Montreal. Carter y su colega fotógrafo Arthur Goss intentaron introducir los principios pictorialistas a los miembros del Club de Fotografía de Toronto , aunque sus esfuerzos encontraron cierta resistencia. [ 33 ] Minna Keene (1861–1943) fue una célebre pictorialista que ya había establecido su presencia en el movimiento cuando se mudó del Reino Unido a Canadá en 1913. [ 31 ] A finales de la década de 1910 y principios de la de 1920, Margaret Watkins (1884–1969) produjo fotografías de naturaleza muerta que se han convertido en algunas de las imágenes modernistas más reconocidas internacionalmente. [ 31 ] El pictorialismo en Canadá continuó hasta bien entrado el siglo XX. Por ejemplo, HG Cox (1885–1972), un fotógrafo de la Columbia Británica, no comenzó su práctica pictorialista hasta la década de 1920. [ 31 ] De manera similar, el fotógrafo de Vancouver John Vanderpant (1884–1939) ya había comenzado una práctica de fotografía modernista, pero aun así integró el pictorialismo en sus fotografías. [ 31 ]

Inglaterra

Ya en 1853, el fotógrafo aficionado William J. Newton propuso la idea de que "un 'objeto natural', como un árbol, debería fotografiarse de acuerdo con 'los principios reconocidos de las bellas artes'". [ 34 ] A partir de ahí, otros fotógrafos pioneros, como Henry Peach Robinson y Peter Henry Emerson , continuaron promoviendo el concepto de la fotografía como arte. En 1892, Robinson, junto con George Davison y Alfred Maskell , fundaron la primera organización dedicada específicamente al ideal de la fotografía como arte: The Linked Ring . Invitaron a fotógrafos afines, como Frank Sutcliffe , Frederick H. Evans , Alvin Langdon Coburn , Frederick Hollyer , James Craig Annan , Alfred Horsley Hinton y otros, a unirse a ellos. Pronto, The Linked Ring se situó a la vanguardia del movimiento para que la fotografía fuera considerada una forma de arte.

Tras la invitación de The Linked Ring a un selecto grupo de estadounidenses como miembros, surgieron debates sobre los objetivos y el propósito del club. Cuando en su exposición anual de 1908 se presentó una mayor cantidad de miembros estadounidenses que británicos, se propuso disolver la organización. En 1910, The Linked Ring se disolvió y sus miembros tomaron caminos separados.

Francia

El pictorialismo en Francia está dominado por dos nombres: Constant Puyo y Robert Demachy . Fueron los miembros más famosos del Photo-Club de Paris, una organización independiente de la Société française de photographie . Son particularmente conocidos por su uso de procesos pigmentados, especialmente el bicromato de goma . [ 35 ] En 1906, publicaron un libro sobre el tema, Les Procédés d'art en Photographie . Ambos también escribieron numerosos artículos para el Bulletin du Photo-Club de Paris (1891–1902) y La Revue de Photographie (1903–1908), una revista que rápidamente se convirtió en la publicación francesa más influyente sobre fotografía artística a principios del siglo XX. [ 36 ] Céline Laguarde fue la fotógrafa más destacada del campo y su obra se publicó junto a la de Puyo y Demachy. [ 37 ]

Alemania

Los hermanos Hofmeister , Theodor y Oskar, de Hamburgo, fueron de los primeros en defender la fotografía como arte en su país. En las reuniones de la Sociedad para la Promoción de la Fotografía Amateur (Gesellschaft zur Förderung der Amateur-Photographie), otros fotógrafos, como Heinrich Beck, Georg Einbeck y Otto Scharf , impulsaron el pictorialismo. Los Hofmeister, junto con Heinrich Kühn , fundaron posteriormente El Presidium (Das Praesidium), cuyos miembros fueron fundamentales en importantes exposiciones en la Kunsthalle de Hamburgo. Hoy en día, Karl Maria Udo Remmes representa el estilo pictorialista en el ámbito de la fotografía teatral entre bastidores.

Japón

En 1889, los fotógrafos Ogawa Kazumasa , W.K. Burton , Kajima Seibei y otros formaron la Nihon Shashin-kai ( Sociedad Fotográfica de Japón ) para promover el geijutsu shashin (fotografía artística) en ese país. La aceptación de este nuevo estilo fue lenta al principio, pero en 1893 Burton coordinó una importante exposición por invitación conocida como Gaikoku Shashin-ga Tenrain-kai o Exposición de Arte Fotográfico Extranjero . [ 38 ] Las 296 obras que se mostraron provenían de miembros del London Camera Club, incluyendo importantes fotografías de Peter Henry Emerson y George Davison . La amplitud y profundidad de esta exposición tuvieron un tremendo impacto en los fotógrafos japoneses y "dinamizó el discurso de la fotografía artística en todo el país". [ 38 ] Después de que la exposición terminó, Burton y Kajima fundaron una nueva organización, la Dai Nihon Shashin Hinpyō-kai (Sociedad de Crítica Fotográfica del Gran Japón) para promover sus puntos de vista particulares sobre la fotografía artística.

En 1904 se fundó una nueva revista llamada Shashin Geppo ( Revista Fotográfica Mensual ), que durante muchos años fue el eje central del desarrollo y los debates sobre el pictorialismo. El significado y la dirección de la fotografía artística, defendida por Ogawa y otros, fueron cuestionados en la nueva revista por los fotógrafos Tarō Saitō y Haruki Egashira, quienes, junto con Tetsusuke Akiyama y Seiichi Katō, formaron un nuevo grupo conocido como Yūtsuzu-sha. Este nuevo grupo promovió sus propios conceptos de lo que denominaron "la verdad interior" de la fotografía artística. [ 38 ] Durante la década siguiente, muchos fotógrafos se alinearon con una de estas dos organizaciones. Fuera de Tokio, también surgieron clubes locales de "fotografía artística" ( geijutsu shashin ); por ejemplo, el Aiyu Photography Club, con sede en Nagoya, se fundó en 1912. [ 39 ]

En la década de 1920 se formaron nuevas organizaciones que sirvieron de puente entre el pictorialismo y el modernismo. Hacia 1930, los fotógrafos modernistas japoneses asociados con shinkō shashin ("Nueva Fotografía") enfatizaron la expresión creativa específica de la fotografía y se posicionaron en marcado contraste con el pictorialismo, que había sido la forma dominante de fotografía artística en Japón. [ 40 ] Entre estas, la más destacada fue la Shashin Geijustu-sha (Sociedad de Arte Fotográfico), fundada por Shinzō Fukuhara y su hermano Rosō Fukuhara . Promovieron el concepto de hikari to sono kaichō (luz con su armonía), que rechazaba la manipulación explícita de la imagen en favor de imágenes con enfoque suave mediante la impresión con gelatina de plata. [ 38 ]

Países Bajos

La primera generación de pictorialistas holandeses, entre los que se encontraban Bram Loman , Chris Schuver y Carl Emile Mögle, comenzó a trabajar alrededor de 1890. Inicialmente se centraron en temas naturalistas y favorecieron la impresión en platino. Aunque inicialmente no existió un equivalente holandés de The Linked Ring o Photo-Secession, varias organizaciones más pequeñas colaboraron para producir el Primer Salón Internacional de Fotografía Artística en 1904. Tres años más tarde, Adriann Boer, Ernest Loeb, Johan Huijsen y otros fundaron el Club Holandés de Fotografía Artística (Nederlandsche Club voor Foto-Kunst), que reunió una importante colección de fotografía pictorialista que ahora se encuentra en la Universidad de Leiden . [ 41 ] Una segunda generación de pictorialistas holandeses incluyó a Henri Berssenbrugge, Bernard Eilers y Berend Zweers.

Rusia

El pictorialismo se extendió a Rusia primero a través de revistas europeas y fue impulsado por los pioneros de la fotografía Evgeny Vishnyakov en Rusia y Jan Bulhak en Polonia. Poco después, una nueva generación de pictorialistas se puso en marcha. Entre ellos se encontraban Aleksei Mazuin, Sergei Lobovikov , Piotr Klepikov, Vassily Ulitin, Nikolay Andreyev , Nikolai Svishchov-Paola, Leonid Shokin y Alexander Grinberg . En 1894 se fundó en Moscú la Sociedad Fotográfica Rusa, pero las diferencias de opinión entre sus miembros llevaron a la creación de una segunda organización, la Sociedad de Fotografía Artística de Moscú. Ambas fueron las principales promotoras del pictorialismo en Rusia durante muchos años. [ 42 ]

España

Los principales centros de la fotografía pictorialista en España fueron Madrid y Barcelona. En Madrid, Antonio Cánovas lideró el movimiento , fundando la Real Sociedad Fotográfica de Madrid y dirigiendo la revista La Fotografía . Cánovas se atribuyó el mérito de haber introducido la fotografía artística en España, pero a lo largo de su carrera se mantuvo fiel al estilo alegórico de los primeros pictorialistas ingleses como Robinson. Se negó a utilizar cualquier manipulación de la superficie en sus copias, afirmando que el estilo «no es, no puede ser y nunca será fotografía». [ 43 ] Otros fotógrafos influyentes en el país fueron Carlos Íñigo , Manuel Renón, Joan Vilatobà y una persona conocida únicamente como el Conde de la Ventosa. [ a ] ​​A diferencia del resto de Europa, el pictorialismo se mantuvo popular en España durante las décadas de 1920 y 1930, y Ventosa fue el pictorialista más prolífico de ese período. Desafortunadamente, se conservan muy pocas copias originales de estos fotógrafos; la mayoría de sus imágenes se conocen actualmente solo a través de reproducciones en revistas. [ 45 ]

Estados Unidos

Una de las figuras clave en el establecimiento de la definición y la dirección del pictorialismo fue el estadounidense Alfred Stieglitz , quien comenzó como aficionado pero rápidamente hizo de la promoción del pictorialismo su profesión y obsesión. A través de sus escritos, su labor organizativa y sus esfuerzos personales para impulsar y promover a los fotógrafos pictorialistas, Stieglitz fue una figura dominante en el pictorialismo desde sus inicios hasta su final. Siguiendo los pasos de los fotógrafos alemanes, en 1892 Stieglitz fundó en Nueva York un grupo al que llamó Photo-Secession . Stieglitz seleccionó personalmente a los miembros del grupo y controló estrictamente sus actividades. Al elegir fotógrafos cuya visión coincidía con la suya, como Gertrude Käsebier , Eva Watson-Schütze , Alvin Langdon Coburn , Edward Steichen y Joseph Keiley , Stieglitz construyó un círculo de amigos que ejercieron una enorme influencia individual y colectiva en el movimiento para que la fotografía fuera reconocida como arte. Stieglitz también promovió continuamente el pictorialismo a través de dos publicaciones que editó, Camera Notes y Camera Work , y mediante la creación y dirección de una galería en Nueva York que durante muchos años exhibió exclusivamente a fotógrafos pictorialistas (las Little Galleries of the Photo-Secession ). [ 46 ]

Aunque inicialmente gran parte se centró en Stieglitz, el pictorialismo en Estados Unidos no se limitó a Nueva York. En Boston, F. Holland Day fue uno de los pictorialistas más prolíficos y destacados de su época. Clarence H. White , quien produjo extraordinarias fotografías pictorialistas durante su estancia en Ohio, llegó a formar a toda una nueva generación de fotógrafos. En la costa oeste, el California Camera Club y el Southern California Camera Club contaron con destacados pictorialistas como Annie Brigman , Arnold Genthe , Adelaide Hanscom Leeson , Emily Pitchford y William Edward Dassonville . [ 47 ] Posteriormente, el Seattle Camera Club fue fundado por un grupo de pictorialistas japoneses-estadounidenses, entre ellos el Dr. Kyo Koike , Frank Asakichi Kunishige e Iwao Matsushita (entre los miembros más destacados se encontraban posteriormente Ella E. McBride y Soichi Sunami ). [ 48 ]

Técnicas

Mirón Sherling , Aleksandr Golovin , 1916

Los fotógrafos pictorialistas comenzaban tomando una placa de vidrio o un negativo de película común. Algunos ajustaban el enfoque de la escena o usaban una lente especial para producir una imagen más suave, pero en general el proceso de impresión controlaba la apariencia final de la fotografía. Los pictorialistas usaban una variedad de papeles y procesos químicos para producir efectos particulares, y algunos luego manipulaban los tonos y la superficie de las impresiones con pinceles, tinta o pigmentos. A continuación se presenta una lista de los procesos pictorialistas más utilizados. Los lectores pueden encontrar más detalles en los libros de Crawford [ 49 ] y en Daum, Ribemont y Prodger. [ 50 ] Salvo que se indique lo contrario, las descripciones a continuación son un resumen de estos dos libros.

  • Proceso de bromóleo : Esta es una variante del proceso de impresión al óleo que permite ampliar una fotografía. En este proceso, se realiza una impresión de gelatina de plata convencional, que luego se blanquea en una solución de dicromato de potasio. Esto endurece la superficie de la impresión y permite que la tinta se adhiera a ella. Tanto las áreas claras como las oscuras de una impresión de bromóleo pueden manipularse, lo que proporciona una gama tonal más amplia que la de una impresión al óleo.
  • Impresión al carbón : Se trata de una impresión extremadamente delicada que se realiza recubriendo papel tisú con bicromato de potasio, negro de carbón u otro pigmento y gelatina. Las impresiones al carbón ofrecen un detalle extraordinario y se encuentran entre las más permanentes de todas las impresiones fotográficas. Gracias a la estabilidad del papel antes y después del procesamiento, el papel tisú para impresión al carbón fue uno de los primeros productos fotográficos fabricados comercialmente.
  • Cianotipia : Uno de los primeros procesos fotográficos, la cianotipia experimentó un breve resurgimiento cuando los pictorialistas experimentaron con sus tonos azul intenso. El color se obtenía recubriendo el papel con sales de hierro fotosensibles.
  • Bicromato de goma : Una de las técnicas favoritas de los pictorialistas, estas impresiones se realizaban aplicando goma arábiga , bicromato de potasio y uno o más pigmentos de color sobre papel. Esta solución sensibilizada se endurece lentamente en las zonas donde incide la luz, y estas áreas permanecen flexibles durante varias horas. El fotógrafo tenía un gran control variando la mezcla de la solución, permitiendo tiempos de exposición más cortos o más largos, y cepillando o frotando las zonas pigmentadas después de la exposición.
  • Proceso de impresión al óleo : Consiste en aplicar tintas grasas sobre papel recubierto con una solución de goma bicromatada y gelatina. Al exponerse a través de un negativo, la goma-gelatina se endurece en las zonas iluminadas, mientras que las áreas no expuestas permanecen blandas. Posteriormente, se aplican tintas artísticas con pincel, las cuales se adhieren únicamente a las áreas endurecidas. Mediante este proceso, el fotógrafo puede manipular las zonas más claras de la impresión, mientras que las más oscuras permanecen estables. Una impresión al óleo no se puede ampliar, ya que debe estar en contacto directo con el negativo.
  • Impresión al platino : Las impresiones al platino requieren un proceso de dos pasos. Primero, el papel se sensibiliza con sales de hierro y se expone en contacto con un negativo hasta que se forma una imagen tenue. Luego, el papel se revela químicamente mediante un proceso que reemplaza las sales de hierro con platino. Esto produce una imagen con una amplia gama de tonos, cada uno de ellos intensamente definido.

fotógrafos pictóricos

A continuación, se presentan dos listas de fotógrafos destacados que se dedicaron al pictorialismo durante sus carreras. La primera lista incluye fotógrafos que fueron predominantemente pictorialistas durante toda o casi toda su trayectoria (generalmente aquellos activos entre 1880 y 1920). La segunda lista incluye fotógrafos del siglo XX que emplearon un estilo pictorialista al inicio de sus carreras, pero que son más conocidos por la fotografía pura o directa .

Fotógrafos que eran predominantemente pictorialistas

Fotógrafos del siglo XX que comenzaron como pictorialistas.

Lecturas adicionales

  • Greenough, Sarah et al. Photo-Secession y Alfred Stieglitz . Museo Metropolitano de Arte, 2002. ISBN 9780300095923.
  • Greenough, Sarah. Alfred Stieglitz: El conjunto de llaves . National Gallery of Art / Abrams, 2002. ISBN 9780810935312.
  • Brandow, Todd y William A. Ewing. Edward Steichen: Vidas en la fotografía . Thames & Hudson, 2007. ISBN 9780500543491.
  • Michaels, Barbara L. Gertrude Käsebier: La fotógrafa y sus fotografías . Abrams, 1992. ISBN 9780810937323.
  • Fanning, Patricia J. F. Holland Day: Suffering the Ideal . University of Massachusetts Press, 1999. ISBN 9781558491916.
  • Weaver, Mike. Alvin Langdon Coburn: Fotógrafo simbolista . Aperture, 1986. ISBN 9780893812279.
  • McCauley, Anne et al. Clarence H. White y su mundo: El arte y la técnica de la fotografía, 1895–1925 . Princeton University Art Museum / Yale University Press, 2017. ISBN 9780300229274.
  • Nordström, Alison et al. Verdad y belleza: el pictorialismo y la fotografía como arte, 1845-1945 . George Eastman House / Vancouver Art Gallery, 2008. ISBN 9781553653333.

Véase también

Notas

  1. ↑ Probablemente se trataba de José María Álvarez de Toledo y Samaniego (1881-1950), conde de La Ventosa, fotógrafo y presidente de la Real Sociedad Fotográfica de Madrid. [ 44 ]

Referencias

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Lecturas adicionales

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  • Elogio del pictorialismo: Fotografía pictorialista temprana . Un análisis de la fotografía pictorialista y ejemplos de este estilo.
  • Catálogos de exposiciones de fotografía pictorialista celebradas entre 1888 y 1914.
  • Catálogo en línea del portal Pictorialism de la Kunstbibliothek – Staatliche Museen zu Berlin (biblioteca de arte de los Museos Nacionales de Berlín) con 2300 objetos, incluyendo más de 600 obras pictorialistas de su propia colección, y referencias a 300 publicaciones y exposiciones en las que se presentaron originalmente las fotografías.