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Emily Kame Kngwarreye

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Emily Kame Kngwarreye , [ a ] también escrita Emily Kam Kngwarray , ( c. 1910 – 1996) fue una artista aborigen australiana ( Anmatyerr ) de Alhalker , en la región de Sandover del Territorio del Norte . El estilo único y la poderosa visión creativa de Kngwarreye redefinieron el arte aborigen contemporáneo y captaron la atención mundial.

Kngwarreye, una de las pintoras contemporáneas más importantes del siglo XX, se dedicó al batik y a la pintura sobre lienzo , creando obras que plasmaban su profundo conocimiento de los lugares donde vivió a lo largo de su vida. Superpuso motivos que representaban las plantas, los animales y las características geológicas que conformaban los ecosistemas desérticos que la rodeaban.

Comenzó con el batik en 1977 y pasó a la pintura sobre lienzo en 1988, aunque también trabajó ocasionalmente sobre papel. A principios de la década de 1990, Kngwarreye realizó algunos grabados, incluyendo aguafuertes y linograbados. Con una extensa obra a lo largo de su vida, Kngwarreye fue una figura clave en la revolución artística aborigen en Australia.

Kngwarreye falleció en 1996 y representó póstumamente a Australia en la Bienal de Venecia en 1997. Su obra ha tenido un impacto inmenso en Australia y a nivel mundial, e ha inspirado a muchas nuevas generaciones de artistas.

Vida y familia

Un avión de Qantas , un Boeing 787-9 Dreamliner VH-ZND, se llama Emily Kame Kngwarreye y está pintado con una librea especial basada en su obra Yam Dreaming.

Emily Kame Kngwarreye nació alrededor de 1910 en Alhalker , en Utopia Homelands, una comunidad aborigen ubicada aproximadamente a 250 kilómetros al noreste de Alice Springs (Mparntwe). [ 3 ] [ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]

Su familia era Anmatyerr , y ella era la menor de tres hermanos. No tuvo hijos biológicos propios. [ 7 ] Era cuñada de la artista Minnie Pwerl [ 8 ] y tía de la hija de Pwerl, la artista Barbara Weir . [ 9 ] Kngwarreye fue la tutora legal de Weir durante siete años hasta que Weir fue expulsada a la fuerza de su tierra natal bajo un programa gubernamental para asimilar a niños mestizos (véase Generaciones Robadas ). [ 9 ] La sobrina nieta de Kngwarreye es la pintora Jeannie Pwerl. [ 10 ] Los hijos de su hermano son Gloria Pitjana Mills y Dolly Pitjana Mills. [ 11 ]

Kngwarreye creció trabajando en estancias ganaderas . En junio de 1934 se mudó a la hacienda MacDonald Downs, ubicada aproximadamente a 100 km (62 millas) al este de Alhalkere, para trabajar en la casa y arrear el ganado. [ 12 ]  

Kngwarreye murió en Alice Springs en septiembre de 1996. [ 4 ]

Práctica artística

Como anciana y guardiana ancestral del pueblo Anmatyerr , Kngwarreye pintó durante décadas con fines ceremoniales en la región de Utopia. [ 13 ] Se hizo conocida por su enfoque preciso y detallado [ 14 ] Trabajó con batik durante 11 años [ 15 ] hasta 1988, cuando se introdujo en los acrílicos . [ 4 ] Creó más de 3000 pinturas acrílicas durante los siguientes ocho años, [ 16 ] y se convirtió en una de las artistas más prominentes y exitosas en la historia del arte indígena australiano . [ 17 ] Es particularmente notable también por ser una artista mujer, por haber comenzado a pintar recién a los 70 años y por su prolificidad: durante sus ocho años como artista, produjo más de 3000 pinturas, alrededor de una por día. [ 15 ]

Ella vivió y trabajó en varios lugares de la región de Sandover . [ 7 ]

Batik

En la década de 1970, Kngwarreye realizó un breve curso de educación para adultos que incluía diversas prácticas creativas, como el teñido anudado y el batik . [ 15 ] En 1977, comenzó a aprender batik bajo la guía inicial de un artista pitjantjatjara de Ernabella llamado Yipati y las instructoras Suzanne Bryce, Jenny Green y Julia Murray. [ 18 ] Según Bryce, las mujeres aborígenes de la región querían aprender artesanías porque eran especialmente adecuadas para un estilo de vida tradicional. [ 19 ] Bryce y Green habían importado el batik a los Territorios del Norte desde Indonesia en 1974. [ 20 ] [ 21 ]

Para cuando Kngwarreye conoció la técnica, los artistas aborígenes habían adaptado partes clave del proceso a sus propias preferencias. La técnica indonesia de aplicar cera con un instrumento parecido a una pluma llamado canting , por ejemplo, había sido reemplazada por pinceles, que a menudo producían patrones más amplios y dinámicos en la tela. [ 22 ] La introducción del batik marcó una nueva era para las mujeres aborígenes en los Territorios del Norte. Hasta ese momento, su papel había sido el de ayudar a los pintores varones, y solo unas pocas mujeres habían creado sus propias obras. [ 23 ] [ 24 ]

En 1978, Kngwarreye y otras destacadas artistas aborígenes fundaron el Grupo de Batik Femenino Utopia, [ 25 ] [ 26 ] [ 15 ] compuesto por alrededor de 21 mujeres. [ 27 ] Inicialmente un proyecto comunitario, el programa evolucionó hasta convertirse en un marco donde las artistas podían desarrollar sus propios estilos individuales. [ 3 ] [ 28 ] La obra de batik de Kngwarreye muestra elementos que se repiten en sus pinturas posteriores, incluyendo el awelye ( pintura corporal ), emúes, varanos y otra flora y fauna de su territorio. [ 15 ]

Pintura acrílica

Kngwarreye comenzó a pintar sobre lienzo en el verano de 1988, con un proyecto de pintura iniciado por CAAMA Shop en asociación con Utopia Art Sydney. Titulado A Summer Project , fue adquirido posteriormente por la Colección Holmes à Court en West Perth , que luego patrocinó un programa para permitir que los artistas de Utopia pintaran durante un período de tiempo sin las limitaciones de los imperativos comerciales. [ 3 ] Rodney Gooch , gerente de la Central Australian Aboriginal Media Association (CAAMA), distribuyó 100 lienzos y pinturas a las mujeres de Utopia, donde instruyeron a las artistas en el nuevo medio. [ 20 ] Durante las vacaciones de verano (4 semanas), 80 pintoras completaron 81 obras. Rodney Gooch vio esto como una nueva era para las mujeres. La Colección Holmes à Court compró las 81 pinturas y, a través de su curadora Anne Marie Brody, se exhibieron en abril en la Galería SH Ervin, Sydney. [ 29 ]

Kngwarreye describió en una ocasión su transición a la pintura acrílica como un proceso menos laborioso que se adaptaba mejor a su avanzada edad:

Al principio hice batik, y después de eso aprendí cada vez más y luego me pasé definitivamente a la pintura... Luego pasé al lienzo. Abandoné la tela para evitar tener que hervirla para quitar la cera. Me dio un poco de pereza; lo dejé porque era demasiado trabajo. Finalmente me cansé... No quería seguir con el trabajo duro que requería el batik: hervir la tela una y otra vez, encender fuegos y usar todo el jabón en polvo, una y otra vez. Por eso dejé el batik y me pasé al lienzo: era más fácil. Mi vista empeoró con la edad, y por eso dejé el batik sobre seda; era mejor para mí pintar. [ 30 ]

Su método consistía en colocar grandes secciones de lienzo en el suelo y sentarse sobre ellas con las piernas cruzadas. Aplicaba la pintura con un pincel largo para alcanzar y penetrar en la creación. [ 31 ] [ 32 ] En un relato, un marchante explicó la presencia de huellas de perro en una pintura específica como parte natural de su método a ras de suelo: «El perro caminó sobre ella», dijo, «y a ella no le importó en absoluto». [ 33 ]

En 1995, en el último año de su vida, pintó Anwerlarr anganenty ("Sueño del ñame grande"), en un enorme lienzo que medía más de 8 m (26 pies) por casi 3 m (9,8 pies) . [ 15 ]    

En las dos últimas semanas de su vida, Kngwarreye le pidió a su sobrino Fred Torres materiales para producir una serie conocida hoy como My Country - Final Series, 1996. Un galerista de arte indígena de Sídney describió una vez ese período como un impulso enérgico para crear: "Sin otros materiales, sumergió su pincel de yeso de una pulgada en un bote de pintura. Durante los días siguientes, Emily pintó 24 lienzos como nunca antes lo había hecho". [ 34 ]

Temas y tópicos

Las obras de Kngwarreye nacen de una profunda conexión con su tierra natal tribal, Alhalkere. El Museo de Arte Contemporáneo de Australia describe su temática como la "esencia" de esa región, con referencias a la flora, la fauna y las figuras del Tiempo del Sueño propias de su entorno. Estas incluyen:

  • Arlatyeye ( ñame lápiz )
  • Arkerrthe (lagarto diablo de montaña)
  • Ntange (semilla de hierba)
  • Tingu (un cachorro del Tiempo del Sueño)
  • Ankerre ( emú )
  • Intekwe (un alimento favorito de los emús, una planta pequeña)
  • Judía verde
  • Kame (vaina de semilla de ñame) [ 35 ]

El ñame lápiz , o anwerlarr , una enredadera con hojas en forma de corazón y vainas que se asemejan a frijoles, [ 15 ] era una importante fuente de alimento para los pueblos aborígenes del desierto. [ 36 ] Ella pintó muchas obras sobre este tema; a menudo, sus primeras acciones al comenzar una pintura eran trazar las líneas que representaban el ñame. [ 36 ] Esta planta era especialmente significativa para ella: su segundo nombre, Kame, significa la flor amarilla y las semillas del ñame lápiz. [ 37 ] [ 15 ]

Estilo

Anooralya (1996) o Yam , pintada unos cinco meses antes de su muerte.

Las obras de Kngwarreye tienen su origen en las marcas pintadas en la arena y el cuerpo durante las experiencias Anmatyere dentro del Tiempo del Sueño , [ 38 ] un código moral basado en "héroes ancestrales cuyos viajes pioneros dieron forma, figura y significado a la tierra, los mares y los cielos en una era creativa remota". [ 39 ] Estas marcas ceremoniales son, por lo tanto, más que simples diseños visuales. Son una "recreación ritual del viaje del Tiempo del Sueño de los Ancestros (sic) que, en la mitología aborigen, es sinónimo de la creación del mundo". [ 40 ]

Los elementos visuales relacionados con El Sueño fueron partes importantes del Movimiento de Arte del Desierto en Papunya Tula , donde Kngwarreye comenzó a desarrollar sus habilidades como pintora. Formada por ancianos de la comunidad en 1971 con el apoyo de Geoffey Bardon , [ 41 ] [ 42 ] la escuela alentó a los artistas a desarrollar sus propias ideas al pintar sobre lienzo. Un estilo familiar era superponer masas de pequeños puntos para crear el efecto óptico de un brillo de calor , que aparece en obras de Kngwarreye así como en las de Johnny Warangkula Tjupurrula . [ 43 ] [ 44 ] La influencia del Arte del Desierto también aparece en su uso de la perspectiva aérea. [ 43 ]

Sus primeras obras de finales de la década de 1980 empleaban colores tradicionales como el rojo y el ocre amarillo , el negro y el blanco. Para 1990, había ampliado su paleta para incluir también el gris, el morado y el marrón, lo que amplificó las cualidades atmosféricas de su obra. [ 45 ]

En 1992, Kngwarreye comenzó a unir sus puntos para formar líneas, creando franjas horizontales y verticales paralelas multicolores que sugerían ríos y terrenos desérticos. [ 46 ] También comenzó a usar pinceles más grandes durante este período, lo que produjo puntos más gruesos y menos intrincados en el lienzo.

En 1993, Kngwarreye añadió manchas de color junto con los puntos, creando el efecto de anillos de color. Un ejemplo es Alaqura Profusion , realizada con una brocha de afeitar en lo que ella denominó su estilo "dump dump", utilizando colores muy brillantes. Esta técnica también aparece en My Mothers Country y Emu Country (1994). La Suite Alhalkere (1993) fue una enorme instalación compuesta por 22 lienzos, que representaba su país tras las inundaciones y la regeneración, en un estilo similar al arte expresionista . [ 15 ]

A mediados de la década de 1990, comenzó a trabajar con gruesas franjas de pintura acrílica sobre papel y lienzo, que parecen abstractas pero que en realidad derivan de awelye , los diseños pintados en los cuerpos de las mujeres Anmatyerr para las ceremonias . [ 15 ] Las líneas entrelazadas a menudo hacen referencia a las huellas de los ñames en las comunidades del Desierto Central . [ 47 ]

Durante muchos años, su estilo variado atrajo etiquetas del mundo del arte como modernismo y abstracción , ubicándolo dentro de las tradiciones del arte occidental . Sin embargo, curadores indígenas australianos argumentan que su obra está profundamente arraigada en las tradiciones aborígenes australianas, en particular, en la conexión con la tierra . [ 15 ]

Reconocimientos y premios

En 1992/3, Kngwarreye recibió una beca creativa para artistas australianos otorgada por el primer ministro Paul Keating y el Consejo de Australia . [ 7 ] [ 48 ]

En 1993, Kngwarreye, Yvonne Koolmatrie y Judy Watson fueron elegidas para representar a Australia en la Bienal de Venecia . [ 7 ]

Fue incluida en el Cuadro de Honor de Mujeres de Victoria , 2001. [ 49 ]

La primera exposición pública de los batiks de seda de Kngwarreye tuvo lugar en 1980, junto con obras de Mona Byrne, artista de Hermannsberg . Al año siguiente, se estrenó Floating Forests of Silk en el Adelaide Festival Centre , comisariada por Silver Harris. En 1982, su obra se exhibió en la Sydney Craft Expo y en la exposición de los Juegos de la Commonwealth de Brisbane , seguidas de muestras en el Adelaide Festival Centre y el Alice Springs Craft Council en 1983. [ 18 ]

La primera exposición individual de Kngwarreye, titulada "First Solo Show", se celebró en 1990 en Utopia Art Sydney. [ 50 ]

Su obra fue incluida en una exposición de 1996 en la Galería de la Universidad de Monash titulada Las mujeres sostienen la mitad del cielo: La orientación del arte en el Pacífico de posguerra . [ 51 ]

Kngwarreye representó a Australia en la Bienal de Venecia de 1997 junto con Yvonne Koolmatrie y Judy Watson . [ 52 ] [ 53 ] Su exposición, titulada "Fluent", fue una muestra multigeneracional, elegida "para resaltar el espectro de la experiencia y la práctica artística aborigen en Australia en ese momento". [ 53 ] Una reseña contemporánea describió la muestra como una "afirmación de la influencia continua de las matriarcas aborígenes en una sociedad que a menudo se define como patriarcal... con preocupaciones entrelazadas sobre la naturaleza de la tierra y sus conexiones con ella". [ 54 ]

En 1998, sus batiks se exhibieron en la Galería Nacional de Victoria (NGV), Melbourne , en una exposición titulada Raiki Wara: Tela larga de la Australia aborigen y el estrecho de Torres . [ 55 ]

La Queensland Art Gallery realizó la primera retrospectiva de la obra de Kngwarreye en 1998. Fue comisariada por Margo Neale y presentó una obra encargada a Kngwarreye para la inauguración. [ 56 ] [ 7 ] La exposición fue la primera gran retrospectiva itinerante nacional de un artista indígena en Australia, [ 57 ] viajando a la Art Gallery of New South Wales , la NGV y la National Gallery of Australia (NGA) en Canberra .

De junio a noviembre de 2000, la NGA presentó Arte Aborigen en Mundos Modernos: Mundo de Sueños , que incluía obras de Kngwarreye, Nym Bandak, Rover Thomas , John Mawurndjul , Fiona Foley , Tracey Moffatt y artistas de las comunidades Ramingining y Wik . Antes de su inauguración en Canberra, la exposición también viajó al Museo del Hermitage en San Petersburgo , Rusia. [ 58 ] [ 59 ]

Su segunda retrospectiva, Utopía: El genio de Emily Kame Kngwarreye, se celebró en 2008. También comisariada por Neale, se inauguró en el Museo Nacional de Arte de Osaka , Japón, antes de trasladarse al Centro Nacional de Arte de Tokio y, finalmente, en el Museo Nacional de Australia , Canberra. [ 60 ]

De noviembre de 2010 a marzo de 2011, el Museo Ludwig de Colonia, Alemania , presentó «Recordando hacia adelante: Pintura de aborígenes australianos desde 1960» . La muestra incluyó obras de Kngwarreye y otros ocho artistas aborígenes, entre ellos Paddy Bedford , Queenie McKenzie y Dorothy Napangardi . [ 61 ]

Wild Yam and Emu Food (1990), Kame Yam Awelye (1996) y Alhakere (1996) se exhibieron en Gagosian Beverly Hills en 2019 junto con obras de otros diez artistas indígenas, la mayoría del Territorio del Norte. [ 62 ] [ 63 ]

Utopia Art Sydney organizó una importante retrospectiva de la carrera de Kngwarreye en marzo de 2020. La exposición se tituló STRONG . [ 64 ] También a principios de 2020, D'Lan Contemporary organizó una exposición de su obra en la ciudad de Nueva York en la galería High Line Nine en Chelsea . [ 65 ]

La obra de Kngwarreye fue incluida en la exposición Mujeres en la abstracción de 2021 en el Centro Pompidou . [ 66 ]

En 2022, Gagosian París organizó la primera exposición individual de sus pinturas en Francia, en colaboración con D'Lan Contemporary, Melbourne. El título de la exposición fue Emily: Pintora del desierto de Australia . Se pudo visitar del 21 de enero al 26 de marzo. [ 67 ]

En enero de 2023, una importante retrospectiva en la NGA titulada Emily Kam Kngwarray , comisariada conjuntamente por las comisarias aborígenes Kelli Cole y Hetti Perkins , se centró en la tierra , la comunidad y el conocimiento ancestral en las obras de Kngwarreye. En consulta con la familia de la artista y los ancianos de la comunidad, se seleccionaron 89 obras para mostrar el vínculo entre las pinturas de Kngwarreye y su tierra, Alhalkere . La exposición buscaba subvertir la perspectiva occidental que veía su arte como abstracto y moderno, y situarlo dentro de las antiguas prácticas artísticas aborígenes, que observan una y otra vez el paisaje, la flora y la fauna, y las historias ancestrales de las tierras tradicionales. [ 15 ] [ 68 ]

En 2025, la exposición de la NGA continuó en la Tate Modern en una exposición de su obra titulada Emily Kam Kngwarray . [ 69 ]

Representación y comisiones

Kngwarreye formaba parte de Utopia Women's Batik. En 1987, se le pidió a Rodney Gooch, gerente de la tienda CAAMA en Alice Springs, que los representara, y lo hizo hasta 1991.

Christopher Hodges de Utopia Art Sydney representó a Kngwarreye desde 1988 hasta su muerte en 1996. [ 70 ] de 1988 a 1991 a través de CAAMA Shop y luego directamente a través de Rodney Gooch (Mulga Bore Artists)

En 1989, la Galería Delmore en la finca Delmore Downs, adyacente a Utopia, encargó 1500 obras a Kngwarreye. [ 71 ] [ 72 ] Los propietarios de Delmore Downs, Donald y Janet Holt, vendieron la obra de Kngwarreye a galerías de élite en Australia y donaron obras a instituciones. [ 71 ]

Para 1991, producía una variedad de obras para diversas galerías, entre ellas la Aboriginal Gallery of Dreamings en Melbourne y la DACOU Aboriginal Gallery - Dreaming Art Centre of Utopia, Adelaida . [ 56 ]

Ventas y explotación

Ocho cuadros de Kngwarreye se vendieron en la subasta de invierno de Sotheby's de 2000 por un total de 507.550 dólares australianos , de los cuales Awelye (1989) alcanzó los 156.500 dólares australianos .

El 23 de mayo de 2007, Tim Jennings, de la Galería y Museo Cultural Mbantua, adquirió en subasta la pintura de Kngwarry de 1994 , La Creación de la Tierra I, por 1.056.000 dólares australianos . Esta venta estableció un récord para una artista australiana. [ 73 ] [ 74 ] En 2017, La Creación de la Tierra I se vendió nuevamente por 2.100.000 dólares australianos en una subasta de la Galería de Arte Cooee, rompiendo su propio récord. [ 75 ]

En 2019, la Tate Gallery de Londres adquirió Sin título (Alhalkere) (1989), Sin título (1990) y Edunga (1990). [ 76 ] [ 77 ] [ 78 ]

El aumento de la demanda del mercado en la década de 1990 por obras de artistas indígenas impulsó el crecimiento de marchantes de arte inexpertos y, en algunos casos, fraudulentos. Utopia se volvió particularmente atractiva para personas ajenas a la cultura indígena que buscaban dinero fácil mediante la adquisición de arte indígena sin comprender la cultura que lo produjo. [ 79 ] Posteriormente, se documentó que ella afirmó que quienes buscaban obtener ganancias rápidas con el arte indígena empleaban una «estrategia de producir pinturas de mala calidad para malas personas». [ 80 ]

Durante su vida y después de su muerte, autores y periodistas informaron que muchas de las obras supuestamente pintadas por Kngwarreye eran, de hecho, falsificaciones. [ 81 ] En 1997, el Northern Territory News sugirió que una "escuela" organizada de pintores había creado obras a su estilo. [ 81 ]

En 2018, se acusó al artista británico Damien Hirst de haber copiado el estilo de Kngwarreye para su serie "Velo". El artista afirmó no tener conocimiento previo de su obra, aunque observadores de la comunidad Utopia consideraron que las similitudes eran demasiado evidentes como para ser una coincidencia. Según Hirst, la serie se inspiraba en el puntillismo , el impresionismo y el postimpresionismo . Bronwyn Bancroft , artista indígena y miembro de la junta directiva del Arts Law Centre, declaró: "En realidad, no se puede proteger el estilo con derechos de autor... [pero] en muchos sentidos es lo que se denomina un elemento moral de los derechos de autor". [ 82 ] [ 83 ]

Véase también

Notas

  1. ↑ La ortografía más reconocida que aparece en las fuentes es 'Emily Kame Kngwarreye', como se usa en este artículo. Sin embargo, según la ortografía reciente, está surgiendo el uso de 'Emily Kam Kngwarray'. La exposición individual de la Galería Nacional de Australia de 2023 adoptó la nueva ortografía del nombre de la artista tras una consulta sobre la ortografía actualizada de Anmatyerr, y fue la primera vez que se usó la nueva ortografía; [ 1 ] esto ocurrió 14 años después de que se actualizara la ortografía, [ 2 ] y 27 años después de la muerte de la artista. En 2025, la exposición de la NGA continuó en la Tate Modern de Londres en una exposición de su obra titulada Emily Kam Kngwarray .

Referencias

Citas

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Fuentes

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Lecturas adicionales

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  • Cole, K., eds. (2023), Emily Kam Kngwarray , Galería Nacional de Australia, Parkes
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