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Arnold Schoenberg

Arnold Schoenberg o Schönberg ( 13 de septiembre de 1874 - 13 de julio de 1951 ) fue un compositor, teórico musical y profesor modernista austríaco y estadounidense , asociado a...

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Arnold Schoenberg o Schönberg ( 13 de septiembre de 1874 - 13 de julio de 1951 ) fue un compositor, teórico musical y profesor modernista austríaco y estadounidense , asociado al desarrollo de la variación , la emancipación de la disonancia y la composición dodecafónica. Impartió clases de composición en Viena y en la Academia Prusiana de las Artes (1925-1933), renunciando ante las restricciones impuestas por la Alemania nazi al servicio civil . Reafirmó con valentía su judaísmo antes de emigrar a Estados Unidos, donde enseñó en la Universidad de California, Los Ángeles (1936-1944). 

Obras tempranas como Verklärte Nacht (1899) y Gurre-Lieder (1900–1903, orquestado en 1910–1911) representaron una síntesis de Johannes Brahms y Richard Wagner , mientras que Richard Strauss influyó en Pelleas und Melisande (1902–1903). Schoenberg fue mentor de Anton Webern y Alban Berg , entre otros vinculados a la Segunda Escuela de Viena , [ b ] y comenzaron a escribir música atonal y expresionista . Visitó extremos de emoción en su Cuarteto de cuerdas n.° 2 (1907–1908) y Erwartung (1909), y utilizó la pintura de palabras estructuralmente en Herzgewächse (1911, publicado con sus otras obras en Der Blaue Reiter Almanach en 1912) y Pierrot lunaire (1912). A medida que la oposición y el antisemitismo profundizaban gradualmente su sentimiento de marginación e identidad judía , experimentó un giro espiritual inspirado en parte por Gustav Mahler , comenzó a escribir Die Jakobsleiter (planeada desde 1912) y buscó un principio rector a gran escala como la tonalidad .

Llegó a la técnica dodecafónica en 1923 y estructuró obras como Moisés y Aarón (planeada desde 1923) y las Variaciones para orquesta (1926-1928) extendiendo la lógica del desarrollo de la variación a motivos interválicos derivados de filas (o células ), a veces de maneras tonalmente sugerentes y a menudo organizados a través de hexacordos combinatorios . La Música de acompañamiento para una escena de cine (1929-1930) mostró su interés por el cine , y la Sinfonía de cámara n.° 2 (1939) su continuo interés por la composición tonal. Con la ciudadanía estadounidense (1941) y la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial , satirizó a los líderes fascistas en su Oda a Napoleón dodecafónica (1942, inspirada en Byron ), citando el motivo del destino de Beethoven junto con " La Marsellesa " antes de concluir con una tríada en mi bemol mayor .

La Viena de posguerra le ofrecía la ciudadanía honoraria , pero Schoenberg estaba enfermo, como se refleja en su Trío de cuerdas (1946). Cuando el mundo se enteró del Holocausto , rindió homenaje a sus víctimas en Un superviviente de Varsovia (1947). El Conservatorio y la Academia de Música de Israel lo eligieron presidente honorario en 1951. Su música innovadora fue influyente y ampliamente debatida, marcando al menos a tres generaciones de compositores, entre ellos Milton Babbitt y Pierre Boulez . Sus puntos de vista estéticos e histórico-musicales influyeron en los musicólogos Theodor W. Adorno y Carl Dahlhaus . [ c ] El Centro Arnold Schönberg conserva su legado de archivo.

Biografía

1874–1894: Educación

Arnold Schönberg nació el 13 de septiembre de 1874 en Obere Donaustraße 5 en Leopoldstadt de Viena (históricamente un gueto judío ), en el seno de una familia judía de clase media baja. Su padre, Samuel, un zapatero originario de Szécsény , Hungría, se había mudado a Viena vía Pozsony (Pressburg; ahora Bratislava ). Su madre, Pauline Nachod, provenía de una familia de Praga perteneciente a la Sinagoga Vieja-Nueva . [ 1 ] [ d ]

Comenzó a tocar el violín a los ocho años y pronto empezó a componer música de forma autodidacta, arreglando e imitando lo que tocaba o escuchaba, como el repertorio de bandas militares , para interpretaciones informales. Se conservan composiciones juveniles desde 1882, a veces solo como fragmentos o partes . Entre ellas se incluyen una marcha de cumpleaños y arreglos del Fiakerlied de Gustav Pick y de " Ite su colle " de Vincenzo Bellini . Compuso dúos para violín inspirados en Ignaz Pleyel y Giovanni Battista Viotti , y avanzó hacia los tríos de cuerda (para dos violines y viola) sin modelos claros.

1894–1907: Primeros años y éxito

Schönberg en Payerbach, 1903

Aunque en gran medida autodidacta, Schoenberg comenzó a estudiar contrapunto con Alexander von Zemlinsky [ 2 ] alrededor de 1894. [ 3 ] En 1898, se convirtió al cristianismo luterano , en consonancia con los patrones de asimilación judía . [ 4 ] Esto no desplazó su identidad judía, que siguió siendo fundamental para su autocomprensión en medio del creciente antisemitismo durante la década de 1910. [ 5 ]

En su juventud se ganaba la vida orquestando operetas mientras componía su propia música, como el sexteto de cuerdas Verklärte Nacht (Noche transfigurada, 1899), posteriormente arreglado para orquesta y considerado una de sus obras más populares. Se trata de música programática inspirada en la narrativa del poema homónimo de Richard Dehmel . Schoenberg se casó con Mathilde, hermana de Zemlinsky, en octubre de 1901. [ 3 ] Vivieron en Berlín de 1901 a 1903 [ 6 ] y tuvieron dos hijos: Gertrud (1902-1947, quien en 1921 se casó con Felix Greissle , alumno de Schoenberg ) y Georg (1906-1974). [ 3 ]

Retrato de Schoenberg, obra de Richard Gerstl , 1905.

Las primeras obras se ganaron el favor de Gustav Mahler , y Gurre-Lieder atrajo la atención de Richard Strauss . Schoenberg, inicialmente desdeñoso de Mahler, [ 7 ] se convirtió ante el impacto de la Tercera Sinfonía , considerándola con devoción una obra maestra . [ 8 ] Tras algunos reveses iniciales, Schoenberg obtuvo cierta aceptación pública en 1907 con el poema sinfónico Pelléas und Mélisande en Berlín, aunque gran parte de su música (y la de sus alumnos) encontró hostilidad. La Sinfonía de Cámara n.º 1 se estrenó sin mayor trascendencia en 1907. [ 9 ]

1907-1911: Crisis y avances

La familia Schönberg de Gerstl , 1907

Los hábitos se desgastan

En 1907–1908, Schoenberg compuso su Cuarteto de cuerdas n.°  2 , dedicado a « Meiner Frau » (mi esposa). [ 10 ] Casi al mismo tiempo (c. 1908–1910), también produjo aproximadamente dos tercios de su pequeña producción pictórica de unos sesenta y cinco óleos. [ 11 ] Su esposa lo dejó ese verano por el pintor Richard Gerstl , quien se suicidó tras su regreso en noviembre. [ 12 ] En el cuarteto, Schoenberg citó la canción callejera « O du lieber Augustin » (Oh, querido Agustín) y trazó un ascenso simbolista desde la vida ordinaria a un reino exaltado y de otro mundo. [ 13 ]

Sus dos últimos movimientos extienden la armonía cromática hacia la atonalidad , que emergía en medio de un cambio histórico más amplio. [ 14 ] Como en una sinfonía coral, añaden soprano [ 15 ] y musicalizan los poemas de Stefan George « Litanei » ( Letanía ) y « Entrückung » ( Éxtasis ) de El séptimo anillo . [ 16 ] Es probable que Schoenberg conociera por primera vez la obra de George en 1904 en la Ansorge-Verein ( Sociedad Ansorge ), fundada para unir poesía y música a través de la recitación y la interpretación, pero obtuvo los poemas de su alumno de composición Karl Horwitz . [ 17 ]

El poema final comienza con el reconocimiento del hablante: «Siento el aire de otros planetas». [ 18 ] A medida que se desarrolla, la «brillante y amada sombra » se «extingue en un resplandor más profundo». El hablante se disuelve en la armonía cósmica y ve el suelo «tembloroso» debajo, «blanco y suave como el suero». [ 19 ] La música, inspirada por el esquivo «tono» que Schoenberg describió escuchar en el verso moderno e hiperexpresivo de George, [ 20 ] utiliza armonías que más tarde describió en Harmonielehre como «fluctuantes» y «suspendidas » . [ 21 ] Mahler no pudo comprender esta música y le preocupaba quién continuaría su mecenazgo de Schoenberg. [ 22 ]

Durante la ausencia de su esposa, Schoenberg también compuso « Du lehnest wide eine Silberweide » (Te apoyas en un sauce plateado ), la decimotercera canción del ciclo Das Buch der Hängenden Gärten (El libro de los jardines colgantes, 1907-1909), basado en la colección homónima de George. Esta fue quizás su primera composición sin referencia tradicional a una tonalidad . [ 23 ]

Nuevas formas

En 1909, particularmente con la tercera de las Tres piezas para piano y la quinta de las Cinco piezas para orquesta , Schoenberg compuso con relativo desenfreno, casi a la manera del flujo de conciencia . [ 24 ] Mientras tanto, Strauss se distanció, recurriendo a un lenguaje más conservador después del estreno de Elektra en 1909. [ 25 ] [ 26 ] [ 27 ]

Reflexión

Un autorretrato de Schoenberg, 1910

Durante el verano de 1910, Schoenberg escribió su Harmonielehre (Estudio de armonía). Ese mismo año conoció a Edward Clark , un periodista musical inglés que trabajaba en Alemania y que se convirtió en su único alumno inglés. Posteriormente, Clark, como productor de la BBC, contribuyó a dar a conocer la música de Schoenberg y sus alumnos, así como la del propio Schoenberg, en Gran Bretaña. [ 28 ]

El entierro de Gustav Mahler por Schoenberg , 1911

En mayo de 1911, Schoenberg y sus alumnos asistieron al funeral de Mahler en Grinzing . [ 29 ] La última de las Seis Pequeñas Piezas para Piano , de junio de 1911, evoca el toque de difuntos en veneración de los muertos con un repique fúnebre similar al de una campana . Las armonías se dirigen hacia la resolución (como si) en mi mayor , una tonalidad asociada desde hace mucho tiempo con la espiritualidad, pero la melodía solo roza brevemente esta nota (clave) . [ 30 ]

Baviera

En julio, los insultos y agresiones antisemitas de un vecino provocaron que Schoenberg dejara su trabajo y se fuera con su familia a vivir con Zemlinsky en el lago Starnberg . [ 31 ] (Viena era la «Ciudad de las canciones de artistas asesinados», escribió Schoenberg a Guido Adler ). El hermano de Mathilde dirigía operetas en la cercana Múnich . Schoenberg intercambió cartas con Wassily Kandinsky antes de visitarlo a él y a otros pintores, Gabriele Münter y Franz Marc , en Murnau am Staffelsee . [ 32 ]

1911-1915: Guillermina Berlín

círculos expresionistas

Clark ayudó a Schoenberg, convencido de la hostilidad fundamental de Viena, a mudarse a Berlín a finales de septiembre de 1911. [ 33 ] [ 34 ] Schoenberg se instaló en la Villa Lepke en Berlín-Zehlendorf en octubre. [ 35 ] En ese momento, pertenecía a un círculo de artistas e intelectuales que incluía a Herwarth Walden , fundador de Der Sturm ( La Tormenta ), así como a la poeta y crítica Else Lasker-Schüler , la pintora Lene Schneider-Kainer y el escritor Franz Werfel . A partir de diciembre, sus pinturas también se exhibieron junto a las de Kandinsky y Marc en las exposiciones de Der Blaue Reiter , que recorrió Alemania. Además, escribió rápidamente Herzgewächse para su inclusión en su almanaque. [ 36 ]

Pierrot como él mismo

En 1912, Emil Gutmann , agente de la actriz Albertine Zehme , buscó un compositor adecuadamente transgresor y eligió a Schoenberg. Desde 1910, había recorrido Alemania interpretando selecciones de Pierrot lunaire: rondels bergamasques de Albert Giraud en la traducción expresionista de Otto Erich Hartleben como canciones recitadas . La música que encargó, Lieder románticos convencionales del alumno de Heinrich Schenker, Otto Vrieslander, resultó "obviamente insuficiente", recordó el pianista Eduard Steuermann . [ 37 ]

El ciclo de Girard es una alegoría de su regreso al parnasianismo después de los movimientos decadentista y simbolista (o, quizás, su intento de infundir al parnasianismo elementos del simbolismo). Schoenberg se identificó con Pierrot : «Todos estamos tan embelesados ​​[ Wursteln ]», reflexionó en 1916, invocando a Hanswurst , un análogo vienés. Probablemente vio la narrativa de Girard como una historia aleccionadora contra el exceso o la decadencia modernista : [ 38 ] [ e ]

Lo que el poeta quiere decir es que nos esforzamos por borrar las manchas lunares imaginarias de nuestra ropa al mismo tiempo que veneramos nuestras cruces. Del desprecio por nuestras heridas surge nuestro desprecio por nuestros enemigos y nuestro poder para sacrificar nuestras vidas a un rayo de luna . Uno podría emocionarse fácilmente [...]. Pero para el cuco, ¿hay algo más importante que el precio del grano?

Seleccionó y reordenó veintiún poemas en tres secciones iguales, trazando la inspiración y la embriaguez de Pierrot, su descenso a la oscuridad y su viaje de regreso a casa. [ 40 ] Para la música, ideó el conjunto Pierrot, ahora estándar, de cinco intérpretes (flauta/flautín, clarinete/clarinete bajo, violín/viola, violonchelo y piano). En el prefacio, pidió al recitador, en Sprechstimme (voz hablada), que solo alcanzara la entonación fugazmente. [ 41 ]

En un aparente epílogo que sugiere que sus experiencias o el paso del tiempo han hecho que el hogar sea irrecuperable , Pierrot rememora un «antiguo aroma de tiempos de cuento de hadas ». Para este final melancólico, Schoenberg evoca la clausura en mi mayor, como antes al venerar a Mahler, mientras delinea melódicamente un tricordio vienés . [ 42 ] [ 43 ] Ese año, escribió un ensayo recordando a Mahler, a quien llamó santo , [ 44 ] y comenzó a recibir un estipendio de la Fundación Mahler. [ 45 ]

También en 1912, el director del Conservatorio de Viena, Wilhelm Bopp, ofreció puestos a Schoenberg y Franz Schreker para revitalizar lo que consideraba el ambiente estancado de Robert Fuchs y Hermann Graedener . Schoenberg declinó la oferta en junio de ese año, aunque mantenía vínculos con la ciudad (y había impartido un curso privado de teoría allí el año anterior), alegando su «aversión a Viena» en una carta a Berg. Se sentía satisfecho a pesar de cierta inquietud económica . Podría haber sido perjudicial para ambos, le escribió a Schreker dos meses después. [ 46 ]

Recalibración

La producción de Schoenberg disminuyó después de Pierrot mientras exploraba nuevos métodos. [ 47 ] Planeó su oratorio Die Jakobsleiter desde 1912 como el final de una sinfonía coral mahleriana que nunca llegó a realizarse. Su libreto, escrito por él mismo, une fuentes cristianas y judías, [ 48 ] y su ostinato de hexacordo representó un pensamiento estructural emergente (quizás prefigurando su estilo posterior) mientras buscaba un principio unificador, dejando muchas obras esbozadas o inacabadas. [ 47 ] Más tarde vio la obra como un paso clave en su camino hacia la técnica dodecafónica. [ 48 ]

Watschenkonzert , caricatura en Die Zeit del 6 de abril de 1913.

Gurre-LiederEl estreno tardío de la Sinfonía de Cámara n.° 1 en Viena en febrero de 1913 recibió una ovación de quince minutos y una corona de laurel . [ 9 ] Pero cuando la Sinfonía de Cámara n.° 1 se interpretó junto con la música de Berg, Webern y Zemlinsky en el Skandalkonzert (31 de marzo de 1913), la gente se marchó entre aplausos, y la intervención policial durante las peleas entre el público obligó a Schoenberg a dejar de dirigir los Altenberg Lieder de Berg . [ 9 ]

También comenzó a trabajar en Cuatro canciones orquestales (1913-1916). La primera musicaliza la traducción que George hizo del soneto simbolista "Seraphita" de Ernest Dowson y presenta una orquestación post-mahleriana , incluyendo una línea para seis clarinetes que recuerda a Brahms, Wagner y Mozart por su lirismo. Su tema provenía de la novela homónima de Honoré de Balzac de 1834 , Séraphîta , [ f ] que también había inspirado Die Jakobsleiter . [ 50 ] La tercera canción musicaliza a Rainer Maria Rilke . [ 51 ]

Primera Guerra Mundial

En medio de la experiencia de agosto de 1914 , cuando la Primera Guerra Mundial comenzó con la Batalla de las Fronteras , Schoenberg cayó en lo que más tarde llamaría " psicosis de guerra ", escribiendo a Alma Mahler sobre un inminente " ajuste de cuentas " que subyugaría a los " kitschmongers " franceses Maurice Ravel e Igor Stravinsky . Llevaba un diario meteorológico , creyendo que la forma de las nubes podía predecir el resultado. Thomas Mann ensalzó el estado de ánimo eufórico del público ese noviembre en su ensayo " Gedanken im Kriege " (Pensamientos en tiempos de guerra). [ 52 ]

En Berlín , Schoenberg disfrutó de un respiro de los críticos musicales , según escribió a Zemlinsky en octubre de 1915, pero se sintió desanimado. Las dificultades económicas se agravaron al desaparecer sus alumnos, lo que provocó su regreso a Viena ese mismo mes. [ 53 ]

1915-1918: Frente interno de los Habsburgo y servicio en la Primera Guerra Mundial.

En el frente interno de Austria-Hungría , Schoenberg pronto comprendió el horror de la guerra, en parte gracias a la lectura de Karl Kraus . A finales de 1915 fue reclutado (el asma ya no lo eximía) y seleccionó el 4.º Regimiento de Infantería "Hoch- und Deutschmeister" , ingresando al servicio el 15 de diciembre. A principios de 1916, se formó como oficial en Bruck an der Leitha . Organizaciones y músicos, entre ellos Berg, Webern y posiblemente Béla Bartók , solicitaron su baja militar . Para una fiesta de soldados, compuso Die eiserne Brigade (La Brigada de Hierro, 1916), una marcha paródica tonal para quinteto de piano . [ 54 ] Schoenberg veía "solo una solución" para la guerra, escribió Berg a su esposa ese agosto: "la República de Europa , igual que los Estados Unidos de América". [ 55 ]

Nunca entró en combate, aunque los rumores sugerían que eso podría cambiar, y cumplió con sus deberes con lealtad a la monarquía de los Habsburgo hasta que sus partidarios consiguieron discretamente su baja en octubre de 1916. Más tarde bromeó diciendo que esos fueron sus años más felices, ya que no tenía que ser el "notorio Schoenberg". En uno de sus cuadernos de la década de 1930, recordó que le preguntaron si lo era y respondió: "Nadie quería serlo, alguien tenía que serlo, así que dejé que fuera yo". [ 56 ] Afirmó la necesidad histórica y expresiva de la disonancia emancipada , [ 57 ] y esta anécdota puede mostrar su propio sentido de la necesidad histórica. [ 56 ]

Arnold Schoenberg, por Egon Schiele , 1917

1918–1925: Viena de entreguerras

Sociedad para Actuaciones Musicales Privadas

En marzo de 1918, [ 58 ] se mudó a Mödling , [ 6 ] cerca del Bosque de Viena . [ 59 ] Ese año, fundó la Sociedad para Interpretaciones Musicales Privadas en la Viena Roja para presentar música clásica de principios del siglo XX sin las limitaciones de ensayos limitados, directores poco receptivos, público indiferente y críticos hostiles. La Sociedad ofreció 353 conciertos, a veces semanales, para sus miembros. Schoenberg prohibió interpretar sus propias obras durante el primer año y medio. Los programas de conciertos incluían obras de Alexander Scriabin , Mahler, Max Reger , Berg, Claude Debussy y Webern. La Sociedad desapareció en medio de la hiperinflación austriaca . [ 60 ]

Mattsee

Schoenberg y Alma Mahler , 1920

En el verano de 1920, tras la tercera temporada de la Sociedad, Schoenberg llevó a su familia a Mattsee , cerca de Salzburgo , donde su hermano era yerno del alcalde, para trabajar en Die Jakobsleiter . Los balnearios solían recibir a huéspedes de pago a pesar del antisemitismo rural, pero Mattsee publicó un aviso público exigiendo la salida inmediata de los judíos, un precedente ominoso años antes del ascenso de Hitler y la nazificación de Austria. Schoenberg, un converso protestante orgulloso de su herencia judía, se enfureció. El 30 de junio, el Neue Wiener Presse publicó en «El certificado de bautismo del compositor»: [ 61 ]

A Schoenberg se le solicitó que presentara pruebas de que no era judío. De ser así, tendría que marcharse. Aunque Schoenberg podía demostrar que era protestante, decidió irse. Prefirió evitar las discusiones con el consejo comunitario; pero persiste la duda de si las leyes federales pueden ignorarse en un lugar como Mattsee.

Principio dodecafónico

En julio de 1921, le escribió a Alma Mahler que había estado trabajando en «¡algo completamente nuevo!». Añadió con ironía : «Los arios alemanes que me persiguieron en Mattsee tendrán que agradecerle a esta novedad (especialmente a esta) el hecho de que incluso ellos sigan siendo respetados en el extranjero durante 100 años», ya que «pertenecen al mismo estado que acaba de asegurar... la hegemonía en el campo de la música». (En 1959, su alumno Josef Rufer recordó que dijo: «He hecho un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años», pero la exactitud de esta cita ha sido cuestionada). [ 62 ]

En 1923, Schoenberg anunció la técnica dodecafónica como principio rector que estaba desarrollando en su propio método de composición. [ 63 ] Berg, Webern y su alumno Hanns Eisler la adoptaron, y Roberto Gerhard comenzó a estudiar con él por esa época. Sus obras anteriores aún debían ser asimiladas antes de que pudieran serlo las nuevas, como sus "precursoras naturales", escribió ese año al mecenas Werner Reinhart , añadiendo que su objetivo era más continuar la tradición "correctamente entendida" que ser un " espantajo ". [ 64 ] [ 65 ]

Después de la muerte de Mathilde en octubre de 1923, se casó con Gertrud Kolisch (1898–1967, hermana de su alumno, el violinista Rudolf Kolisch ) en agosto de 1924. [ 3 ] [ 66 ] Tuvieron tres hijos: Nuria Dorothea (nacida en 1932), Ronald Rudolf (nacido en 1937) y Lawrence Adam (nacido en 1941). [ 67 ] [ 68 ] Schoenberg usó las notas Sol y Mi ♭ (en alemán: Es, es decir, "S") como un criptograma musical (G[ertrud] S[choenberg]) en la Suite para septeto, Op. 29 (1925). [ 69 ]

1925–1933: Berlín en la época de Weimar

En 1925, durante la República de Weimar , Schoenberg fue nombrado director de la clase magistral de composición en la Academia Prusiana de las Artes de Berlín tras la muerte de Ferruccio Busoni en 1924. Debido a problemas de salud, Schoenberg no pudo abandonar Viena y comenzar a impartir clases allí hasta 1926. [ 70 ] Entre sus alumnos se encontraban Nikos Skalkottas (1927-1931) [ 71 ] y Natalia Pravosudovich (desde 1929; ella escribió unas memorias sobre sus estudios con él). [ 72 ]

Schoenberg recordó más tarde que, entre 1922 y 1930, sintió una pérdida de influencia sobre los compositores más jóvenes, quienes exploraban las tendencias en rápida evolución de los " Felices Años Veinte" : estilos influenciados por el jazz , música de máquinas, la Nueva Objetividad y la Gebrauchsmusik (música utilitaria), la Spielmusik y el neoclasicismo . La oposición generalizada le resultaba inquietante, incluso si consideraba poco convincentes los argumentos de sus críticos. Esto le hizo sentir algo aislado y le llevó a reflexionar sobre sus objetivos artísticos. [ 73 ]

Criticó la cultura de la época de Weimar por lo que consideraba una cultura popular superficial y orientada a las ventas , aunque, a pesar de ello, la asimiló. En Tres sátiras (1925-1926), ridiculizó el estilo neoclásico de Stravinsky («Modernsky») como un pastiche («¡Igual que el papá Bach!»). En ensayos relacionados, criticó a los compositores folclóricos (probablemente Bartók) por aplicar métodos complejos a la «música naturalmente primitiva», y a los compositores de la «vía intermedia» ( Ernst Krenek y quizás Berg) por escribir tríadas en la música postonal, presentando estas tendencias como una traición doctrinal. [ 70 ]

Krenek, alumno de Schreker y Paul Bekker , quien había compuesto música atonal y deseaba estudiar con Schoenberg, comenzó a enfatizar el potencial social de la música. En 1927, terminó Jonny spielt auf (Jonny empieza a tocar [una melodía]). Esta ópera-artista autobiográfica se convirtió en la ópera-época prototípica de la cultura de Weimar . La obra se centra en Jonny, un músico de jazz afroamericano (originalmente representado con la cara pintada de negro ) que triunfa sobre las tradiciones europeas personificadas por el compositor intelectual Max. Impresionado por lo sublime , Max canta el verso inicial: «¡Du schöner Berg!» (¡Qué hermosa montaña!). Es probable que Krenek estuviera satirizando a Schoenberg. [ 74 ]

Schoenberg escribió, pero no ejecutó, una respuesta a las críticas de Krenek sobre «un individuo que... inventa reglas». [ 75 ] En cambio, él y su segunda esposa probablemente respondieron a Krenek en su ópera cómica dodecafónica de un acto, Von heute auf morgen (De hoy a mañana, 1928-1929), sobre lo que significa ser moderno. Ella escribió el libreto bajo el seudónimo de Max Blonda, quizás por el papel de Max en la ópera de Krenek. La primera línea, «Schön, war es dort!» (¡Qué bonito era allí!), puede referirse a las hermosas, incluso sagradas montañas . [ 76 ] (En la década de 1930, Krenek regresó al grupo, completando la primera ópera dodecafónica de larga duración, Karl V. ) [ 77 ]

1933–1934: Migración

Schoenberg continuó como profesor hasta que los nazis tomaron el poder en 1933. Durante una visita a Francia, le advirtieron que regresar a Alemania sería peligroso. Regresó formalmente al judaísmo en una sinagoga de París, [ 78 ] considerando su herencia como ineludible en oposición al nazismo . [ 79 ] Aunque este regreso pueda parecer repentino, le escribió a Berg en octubre de 1933, fue el resultado de un proceso sumamente largo. [ 80 ]

Él y su familia emigraron entonces a los Estados Unidos, [ 81 ] aunque consideró Inglaterra y la Unión Soviética. [ 82 ] Su primer puesto docente fue en el Conservatorio Malkin ( Universidad de Boston ). Tras su llegada el 31 de octubre de 1933, [ 83 ] adoptó la grafía "Schoenberg" en lugar de "Schönberg", alegando que era "una muestra de respeto a la práctica estadounidense". [ 84 ]

En 1934, solicitó un puesto de profesor de armonía y teoría en el Conservatorio Estatal de Nueva Gales del Sur en Sídney. Vincent Plush encontró la solicitud en la década de 1970. Contenía dos notas con letra diferente: «Judío» y «Ideas modernistas y tendencias peligrosas», esta última marcada con las iniciales EB ( Edgar Bainton ). [ 85 ]

Schoenberg también consideró la idea de emigrar a Nueva Zelanda. Su secretario y alumno , Richard Hoffmann , sobrino de su suegra, Henriette Kolisch, vivió allí entre 1935 y 1947. Desde niño, Schoenberg había estado fascinado por las islas, especialmente por Nueva Zelanda, posiblemente debido a sus pintorescos sellos postales. [ 86 ] Abandonó la idea cuando su salud empeoró en 1944. [ 87 ]

1934–1951: Los Ángeles

Se trasladó a Los Ángeles, donde impartió clases en la Universidad del Sur de California y en la Universidad de California, Los Ángeles , cada una de las cuales posteriormente nombró instalaciones en su honor, incluyendo el Edificio de Música Schoenberg de la UCLA y el Schoenberg Hall de la USC. [ 88 ] [ 89 ] Fue nombrado profesor visitante en la UCLA en 1935 por recomendación de Otto Klemperer , director musical y director de orquesta de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles . [ 90 ]

En 1936, fue ascendido a profesor, con un salario anual de 5100 dólares. En 1937, pagó 18 000 dólares por una casa de estilo colonial español en el número 116 de North Rockingham en Brentwood Park , cerca del campus de la UCLA. [ 91 ] Era un suburbio idílico de baja densidad con un parque cercano y caballos en los alrededores, y a menudo disfrutaba de paseos con su familia, como recordaba de sus paseos por Vienna Woods. [ 92 ] Justo enfrente estaba la casa de Shirley Temple , donde entabló amistad con el también compositor (y compañero de tenis) George Gershwin . [ 93 ]

Los Schoenberg pudieron contratar ayuda doméstica y comenzaron a celebrar reuniones los domingos por la tarde, famosas por su excelente café y sus pasteles vieneses. Entre los invitados frecuentes se encontraban Otto Klemperer (quien estudió composición de forma privada con Schoenberg a partir de abril de 1936), Edgard Varèse , Joseph Achron , Louis Gruenberg , Ernst Toch y, en ocasiones, actores conocidos como Harpo Marx y Peter Lorre . [ 94 ] [ 95 ] [ 96 ] [ 97 ] [ 98 ] [ 99 ] Los compositores Leonard Rosenman [ 100 ] y George Tremblay [ 101 ] y el orquestador de Hollywood Edward B. Powell estudiaron con Schoenberg en esta época. [ 102 ]

Durante este último período, compuso varias obras notables, entre ellas el difícil Concierto para violín , Op.  36 (1934/36), el Kol Nidre , Op.  39, para coro y orquesta (1938), la Oda a Napoleón Bonaparte , Op.  41 (1942) y el conmovedor Concierto para piano , Op.  42 (1942). Junto con la música dodecafónica, Schoenberg también retomó la tonalidad con obras durante su último período, como la Suite para cuerdas en sol mayor (1935), la Sinfonía de cámara n.º 2 en mi bemol menor, Op.  38 (iniciada en 1906 y finalizada en 1939) y las Variaciones sobre un recitativo en re menor, Op.  40 (1941). Entre sus alumnos más destacados durante este período se encontraban John Cage y Lou Harrison . [ 100 ]

En 1941, se convirtió en ciudadano estadounidense. [ 103 ] Fue el primer compositor residente en el conservatorio de verano de la Academia de Música del Oeste en Montecito, California. [ 104 ] Estaba interesado en las películas de Hopalong Cassidy , que Paul Buhle y David Wagner (2002, v–vii) atribuyen a los guionistas de izquierda de las películas, aunque Schoenberg se había autodenominado previamente un burgués convertido en monárquico . [ 105 ]

Levantamiento del gueto de Varsovia . En 1947, Schoenberg escribió Un superviviente de Varsovia en conmemoración de este acontecimiento.

Cuando el mundo conoció el Holocausto, él rindió homenaje a sus víctimas en Un superviviente de Varsovia , Op.  46 (1947). [ 100 ]

Disputa del Doctor Fausto

Schoenberg en Los Ángeles, 1947

Adrian Leverkühn, protagonista de la novela de Mann, Doktor Faustus (1947), es un compositor cuyo uso de la técnica dodecafónica guarda paralelismos con las innovaciones de Arnold Schoenberg. Leverkühn, posiblemente inspirado en Nietzsche , vende su alma al Diablo y es recompensado con un talento sobrehumano. Schoenberg se mostró disgustado por esto e inició un intercambio epistolar con Mann tras la publicación de la novela. [ 106 ] El escritor Sean O'Brien comenta que «escrita a la sombra de Hitler, Doktor Faustus observa el ascenso del nazismo, pero su relación con la historia política es indirecta». [ 107 ] Thomas Mann siempre estuvo interesado principalmente en la música clásica, que también desempeña un papel en muchas de sus obras. Buscó y recibió consejos de Adorno sobre los detalles técnicos de la composición de la nueva música de Schoenberg y revisó los capítulos en consecuencia. [ 108 ]

Muerte

La naturaleza supersticiosa de Schoenberg pudo haber contribuido a su muerte. El compositor tenía triscaidecafobia y, según su amiga Katia Mann, temía morir durante un año que fuera múltiplo de 13. [ 109 ] Esto posiblemente comenzó en 1908 con la composición de la decimotercera canción del ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten Op.  15. [ 110 ] Temía tanto su sexagésimo quinto cumpleaños en 1939 que un amigo le pidió al compositor y astrólogo Dane Rudhyar que preparara el horóscopo de Schoenberg . Rudhyar lo hizo y le dijo a Schoenberg que el año era peligroso, pero no fatal.

Pero en 1950, en su 76 cumpleaños, un astrólogo le escribió una nota a Schoenberg advirtiéndole que el año era crítico: 7 + 6 = 13. [ 111 ] Esto dejó atónito y deprimido al compositor, pues hasta ese momento solo había desconfiado de los múltiplos de 13 y nunca había considerado sumar los dígitos de su edad. Murió el viernes 13 de julio de 1951, poco antes de la medianoche. Schoenberg había permanecido en cama todo el día, enfermo, ansioso y deprimido. Su esposa Gertrud informó en un telegrama a su cuñada Ottilie al día siguiente que Arnold murió a las 11:45  p. m., 15 minutos antes de la medianoche. [ 112 ] En una carta a Ottilie fechada el 4 de agosto de 1951, Gertrud explicó: «Alrededor de las doce menos cuarto miré el reloj y me dije: otro cuarto de hora y lo peor habrá pasado. Entonces me llamó el médico. La garganta de Arnold crujió dos veces, su corazón dio un fuerte latido y ese fue el final». [ 113 ]

Sepelio y herencia

Tras la muerte de su esposo en 1951, su esposa Getrude fundó Belmont Music Publishers, dedicada a la publicación de sus obras. Winfried Zillig preparó la inconclusa Die Jakobsleiter para su representación a petición de ella. [ 67 ] [ 68 ] Tampoco había podido completar su ópera Moses und Aron (1932/33), que fue una de las primeras obras de su género escrita completamente con composición dodecafónica . [ 100 ]

La tumba de Schoenberg en el Cementerio Central de Viena.

Las cenizas de Schoenberg fueron posteriormente enterradas en el Cementerio Central de Viena el 6 de junio de 1974. [ 114 ]

Música

Las composiciones más importantes de Schoenberg en el repertorio de la música clásica moderna abarcan un período de más de 50 años. Tradicionalmente se dividen en tres períodos, aunque esta división es posiblemente arbitraria, ya que la música de cada uno de ellos presenta una gran variedad estilística. La idea de que su período dodecafónico «representa un conjunto de obras estilísticamente unificado» simplemente no se sustenta en la evidencia musical [ 115 ] , y características musicales importantes —especialmente las relacionadas con el desarrollo motívico— trascienden por completo estos límites.

El primero de estos periodos, de 1894 a 1907, se identifica con el legado de los compositores del alto Romanticismo de finales del siglo XIX, así como con los movimientos expresionistas en la poesía y el arte. El segundo, de 1908 a 1922, se caracteriza por la experimentación con la tonalidad extendida y el eventual abandono de los centros tonales , un cambio a menudo descrito (aunque no por Schoenberg) como « atonalidad libre ». El tercero, a partir de 1923, comienza con el uso compositivo de Schoenberg de la técnica dodecafónica.

Los alumnos de Schoenberg, entre ellos Berg, Eisler y Webern, siguieron los pasos de Schoenberg durante estos periodos, experimentando considerablemente y adoptando diversos enfoques.

Hasta 1908: Romanticismo tardío

El estilo compositivo de Schoenberg en su primer periodo importante fue sumamente romántico, pero adoptó las convenciones de la época en direcciones únicas. Comenzando con canciones y cuartetos de cuerda escritos a principios de siglo, los procedimientos de Schoenberg exhibieron características tanto de Brahms como de Wagner . Para la mayoría de los oyentes contemporáneos, Brahms y Wagner eran considerados polos opuestos, representando direcciones mutuamente excluyentes en el legado de la música alemana. Este estilo compositivo lo posicionó de manera singular entre sus contemporáneos. Las Seis Canciones, Op. 3 (1899-1903) de Schoenberg, por ejemplo, muestran una claridad conservadora en la organización tonal típica de Brahms y Mahler, que refleja un interés por las frases equilibradas y una jerarquía inalterada de las relaciones tonales. Sin embargo, las canciones también exploran un cromatismo incidental inusualmente audaz y parecen aspirar a un enfoque "representacional" wagneriano de la identidad motívica. 

La combinación de enfoques brahmsianos y wagnerianos de Schoenberg alcanzó su punto culminante en su Verklärte Nacht , Op.  4 (1899), una obra para sexteto de cuerdas que desarrolla varios temas distintivos a modo de leitmotiv , cada uno eclipsando y subordinando al anterior. Los únicos elementos motívicos que persisten a lo largo de la obra son aquellos que se disuelven, varían y recombinan perpetuamente, en una técnica identificada principalmente en la música de Brahms, que Schoenberg denominó « variación en desarrollo ». Los procedimientos de Schoenberg en la obra se organizan de dos maneras simultáneamente: sugiriendo a la vez una narrativa wagneriana de ideas motívicas, así como un enfoque brahmsiano del desarrollo motívico y la cohesión tonal.

Citando comentarios sobre el Cuarteto de cuerdas n.° 1, op. 7 (1904-1905) de Schoenberg por Berg y Webern, [ 116 ] el teórico musical Joseph N. Straus enfatizó la importancia de la «coherencia motívica» en las obras de los tres en general. [ 117 ] [ g ] Berg afirmó: «[c]ada más mínima frase , incluso la figuración de acompañamiento , es significativa», elogiando entre paréntesis el «exceso inaudito desde Bach » de Schoenberg. Webern se maravilló de cómo «Schoenberg crea una figura de acompañamiento a partir de una partícula motívica», proclamando: «¡Todo es temático! No hay... ni una sola nota... que no tenga una base temática». [ 116 ]

1908–1923: Atonalidad

El uso que Schoenberg hace de construcciones musicales carentes de centros tonales o de las relaciones tradicionales de disonancia-consonancia se remonta a su Sinfonía de Cámara n.º 1 , op.  9 (1906). Esta obra se destaca por su desarrollo tonal de la armonía de tonos enteros y cuartas , y por la introducción de relaciones de conjunto dinámicas e inusuales, que incluyen interrupciones dramáticas y alianzas instrumentales impredecibles. Muchas de estas características definirían la estética de la música de cámara centrada en el timbre del siglo venidero.

La música de Schoenberg a partir de 1908 experimenta frecuentemente con la ausencia de tonalidades o centros tonales tradicionales . Su primera obra que carecía de un centro tonal explícitamente definido fue el segundo cuarteto de cuerdas , Op.  10, con soprano. El último movimiento de esta pieza no tiene armadura, lo que marca la ruptura formal de Schoenberg con las armonías diatónicas . Otras obras importantes de la época incluyen su ciclo de canciones Das Buch der Hängenden Gärten , Op. 15 (1908-1909), sus Cinco piezas orquestales , Op. 16 (1909), el influyente Pierrot lunaire , Op. 21 (1912), así como su dramática Erwartung , Op. 17 (1909). Al analizar las obras Op. 10, 15-16 y 19 de Schoenberg , Webern argumentó: «Crea valores expresivos completamente nuevos ; por lo tanto, también necesita nuevos medios de expresión. Contenido y forma no pueden separarse». [ 119 ]       

Los analistas (entre los que destaca Allen Forte ) enfatizaron tanto las formas motívicas en la música "atonal libre" de Schoenberg, Berg y Webern que Benjamin Boretz y William Benjamin sugirieron denominarla música "motívica". El propio Schoenberg describió su uso de una unidad motívica en sus Cuatro canciones orquestales como "variada y desarrollada de múltiples maneras". Schoenberg añadió que se encontraba "en las etapas preliminares de un procedimiento... que permite que un motivo sea una base constante". Straus consideró que la denominación "música motívica" podría aplicarse "de forma modificada" a la música dodecafónica en general. [ 116 ]

1923–1951: Composición dodecafónica (y revisión tonal)

En las Variaciones para orquesta , Op.  31 de Schoenberg , la segunda mitad de la forma de serie dodecafónica P1 tiene las mismas notas, en un orden diferente, que la primera mitad de I10: «Así, es posible emplear P1 e I10 simultáneamente y en movimiento paralelo sin causar duplicación de notas». [ 120 ]
Con una combinatoria hexacordal entre sus formas primarias, P1 e I6, la pieza para piano de Schoenberg, Op.  33a, contiene tres quintas perfectas , que es la relación entre P1 e I6, y una fuente de contraste entre "acumulaciones de quintas" y "simultaneidad generalmente más compleja". [ 121 ] Por ejemplo, el grupo A consta de B ♭ -FCB ♮ , mientras que el grupo B "más mezclado" consta de AF ♯ -C ♯ -D ♯

Tras la Primera Guerra Mundial , Schoenberg comenzó a utilizar series dodecafónicas ordenadas en sus composiciones. Schoenberg describió esto como un «método de composición con doce tonos que solo se relacionan entre sí». [ 63 ] Los doce tonos de la octava (generalmente no realizados en la composición) se consideran iguales, y a ninguna nota o tonalidad se le da el énfasis que ocupaba en la armonía tonal tradicional. Esta manera de composición se conoce comúnmente como técnica dodecafónica.

Entre las obras dodecafónicas de Schoenberg se encuentran las Variaciones para orquesta , Op.  31 (1928); la Música de acompañamiento para una escena de luz , Op.  34 (1930); las Piezas para piano , Op.  33a y b (1931), y el Concierto para piano , Op.  42 (1942). Contrariamente a su reputación de rigor doctrinario, la técnica de Schoenberg variaba según las exigencias musicales de cada composición. Así, la estructura musical de su ópera inacabada Moisés y Aarón es fundamentalmente diferente de la de su Fantasía para violín y piano, Op.  47 (1949).

Diez características de la práctica dodecafónica madura de Schoenberg son generalmente características, interdependientes e interactivas según Ethan Haimo: [ 122 ]

  1. Combinatoria inversional hexacordal
  2. Áridos
  3. Presentación de conjuntos lineales
  4. Particionamiento
  5. Particionamiento isomórfico
  6. Invariantes
  7. Niveles hexacordales
  8. Armonía , "consistente con las propiedades del conjunto referencial y derivada de ellas"
  9. Métrica , establecida a través de "características de relación de tono".
  10. Presentaciones de conjuntos multidimensionales

También retomó el tema de la tonalidad, como en la Sinfonía de Cámara n.º 2.

Recepción

Schoenberg es considerado una figura central, influyente y enigmática [ 123 ] que transformó la música clásica del siglo XX , aunque los comentarios y las controversias a menudo han eclipsado su música. [ 124 ]

Alemania nazi

La identidad judía de Schoenberg convirtió su música en un blanco obvio para la política cultural del Partido Nazi , que la denunció como arte degenerado . La música con la que se le asociaba también fue criticada por figuras destacadas del nazismo. En el edificio del Reichstag en 1935, el teórico nazi Alfred Rosenberg afirmó que «todo el movimiento atonal... es contradictorio con el ritmo de la sangre y el alma de la nación alemana». [ 125 ] La exposición de Arte Degenerado de  Hans Severus Ziegler de 1938 incluyó obras del círculo de Schoenberg para mostrar su supuesto «espíritu judío». [ 126 ]

Si bien la música de Schoenberg fue efectivamente excluida, algunos defensores de las técnicas modernistas permanecieron en ciertas instituciones. Strauss, quien criticaba en privado a los nazis, fue nombrado presidente (1933-1935) de la Cámara de Música del Reich . Se opuso al uso extensivo que Ziegler hacía de la etiqueta "atonal" [ 126 ] , que corría el riesgo de incluir obras ajenas al círculo de Schoenberg, incluidas las suyas. Strauss fue destituido cuando salió a la luz su correspondencia con el escritor judío Stefan Zweig [ 127 ] . El musicólogo Herbert Gerigk , afiliado al departamento de ideología de Rosenberg , sostenía que "la atonalidad puede producir arte valioso" siempre que su creador cumpliera con criterios políticos y raciales [ 128 ] .

Los alumnos de Schoenberg respondieron de diferentes maneras. Algunos, incluidos Berg y Webern, mantuvieron cierto grado de ambigüedad política para intentar continuar sus vidas en la música. [ 129 ] [ 130 ] El compositor Paul von Klenau defendió la técnica dodecafónica en términos alineados con la retórica del nazismo , presentándola como una forma de orden disciplinado y antiindividualista. [ 128 ] Evitó cualquier mención de Schoenberg. [ 125 ] Winfried Zillig utilizó la técnica en música abiertamente tonal y triádica . [ 128 ]

Compositores e intérpretes

A partir de la década de 1940, los compositores ampliaron el legado de Schoenberg en nuevas direcciones.

Estados Unidos

La música de Schoenberg se ha interpretado en las principales ciudades de Estados Unidos. Entre sus defensores se encontraba el director de orquesta y pianista franco-estadounidense Jacques-Louis Monod .

Los alumnos de Schoenberg fueron profesores influyentes en importantes universidades, entre ellos Richard Hoffmann en el Conservatorio de Música de Oberlin ; Leonard Stein en la Universidad del Sur de California , la Universidad de California en Los Ángeles y el Instituto de las Artes de California ; Patricia Carpenter en la Universidad de Columbia , y Earl Kim y Leon Kirchner en la Universidad de Harvard .

Los músicos asociados a Schoenberg tuvieron una profunda influencia en la práctica de la interpretación musical contemporánea, entre ellos Eugene Lehner , Rudolf Kolisch y Louis Krasner en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra , y Eduard Steuermann y Felix Galimir en la Escuela Juilliard .

Milton Babbitt comenzó a estudiar la música de Schoenberg en la década de 1930.

Europa occidental de posguerra

Hans Keller , René Leibowitz y Luigi Rognoni difundieron el legado musical de Schoenberg más allá de Alemania y Austria. Compositores como Pierre Boulez , Luigi Nono y Karlheinz Stockhausen ampliaron el legado de Schoenberg en direcciones cada vez más radicales.

Max Deutsch , alumno y asistente de Schoenberg , quien más tarde se convirtió en profesor de música, también fue director de orquesta. [ 131 ] Grabó la música de Schoenberg con la Orchestre de la Suisse Romande . Una publicación de finales de 2013 incluyó algunas de las charlas de Deutsch sobre esta música. [ 132 ]

Académicos y escritores

Adorno contrastaba a menudo a Schoenberg y Stravinsky.

Richard Taruskin afirmó que Schoenberg cometió lo que él denomina una «falacia poética», la convicción de que lo que más importa (o lo único que importa) en una obra de arte es su creación, la aportación del creador, y que el placer del oyente no debe ser el objetivo principal del compositor. [ 133 ] Taruskin también critica la idea de medir el valor de Schoenberg como compositor en función de su influencia en otros artistas, la sobrevaloración de la innovación técnica y la restricción de la crítica a cuestiones de estructura y técnica, al tiempo que denigra otros enfoques por considerarlos vulgares. [ 134 ]

Según Ethan Haimo, la comprensión general de la obra dodecafónica de Schoenberg ha sido difícil de alcanzar debido a la «naturaleza verdaderamente revolucionaria» de su nuevo sistema, la desinformación difundida por algunos autores iniciales sobre las «reglas» y «excepciones» del sistema, que guardan «poca relación con los rasgos más significativos de la música de Schoenberg», el hermetismo del compositor y la escasa disponibilidad de sus bocetos y manuscritos hasta finales de la década de 1970. Durante su vida, Schoenberg fue «objeto de una serie de críticas y abusos que resultan chocantes incluso en retrospectiva». [ 135 ]

En su biografía del compositor de 1977, Christopher Small observó: «[M]uchos amantes de la música, incluso hoy en día, encuentran dificultades con la música de Schoenberg». [ 136 ] Según Nicholas Cook , quien escribió unos veinte años después de Small, Schoenberg había pensado que esta falta de comprensión

Fue simplemente una fase transitoria, aunque inevitable: la historia de la música, decían, demostraba que el público siempre se resistía a lo desconocido, pero con el tiempo se acostumbraba y aprendía a apreciarlo... El propio Schoenberg anhelaba un tiempo en que, como él mismo decía, los repartidores de comestibles silbaran música serial en sus rondas. Si Schoenberg realmente creía lo que decía (y es difícil estar completamente seguro de ello), entonces representa uno de los momentos más conmovedores de la historia de la música. Porque el serialismo no alcanzó popularidad; el proceso de familiarización que él y sus contemporáneos esperaban nunca se produjo. [ 137 ]

Ben Earle (2003) descubrió que Schoenberg, si bien era venerado por los expertos y enseñado a "generaciones de estudiantes" en cursos universitarios, seguía sin ser apreciado por el público. A pesar de más de cuarenta años de promoción y la publicación de "libros dedicados a la explicación de este difícil repertorio a un público no especializado", parece que, en particular, "los intentos británicos de popularizar este tipo de música  ... pueden considerarse un fracaso". [ 138 ]

En su biografía de 2018 sobre Debussy, compositor casi contemporáneo de Schoenberg y también pionero, Stephen Walsh cuestiona la idea de que no sea posible que un artista creativo sea a la vez radical y popular. Walsh concluye: «Schoenberg podría ser el primer "gran" compositor de la historia moderna cuya música no ha entrado en el repertorio casi siglo y medio después de su nacimiento». [ 139 ]

Harold C. Schonberg escribe: « Pierrot Lunaire es una partitura mágica y evocadora que habita un mundo fantasmal, en miniatura, repleto de imágenes y simbolismo sangriento. Hoy se la reconoce como una obra tan fundamental como La consagración de la primavera , el Ulises de Joyce y Las señoritas de Aviñón de Picasso » . [ 140 ]

Libros de texto

  • 1922. Harmonielehre , tercera edición. Viena: Universal Edition. (Publicado originalmente en 1911).
  • 1943. Modelos para principiantes en composición , Nueva York: G. Schirmer, Inc.
  • 1954. Funciones estructurales de la armonía . Nueva York: WW Norton; Londres: Williams and Norgate. Edición revisada, Nueva York, Londres: WW Norton and Company, 1969. ISBN 978-0-393-00478-6
  • 1964. Ejercicios preliminares de contrapunto , editado con prólogo de Leonard Stein. Nueva York, St. Martin's Press. Reimpreso en Los Ángeles: Belmont Music Publishers en 2003.
  • 1967. Fundamentos de composición musical , editado por Gerald Strang , con introducción de Leonard Stein. Nueva York: St. Martin's Press. Reimpreso en 1985, Londres: Faber and Faber. ISBN 978-0-571-09276-5
  • 1978. Teoría de la armonía , edición en inglés, traducida por Roy E. Carter, basada en Harmonielehre 1922. Berkeley, Los Ángeles: University of California Press. ISBN 978-0-520-03464-8
  • 1979. Die Grundlagen der musikalischen Komposition , traducido al alemán por Rudolf Kolisch; editado por Rudolf Stephan . Viena: Edición Universal (traducción alemana de Fundamentos de composición musical ).
  • 2003. Ejercicios preliminares de contrapunto , reimpreso, Los Ángeles: Belmont Music Publishers.
  • 2010. Teoría de la armonía , edición del centenario. Berkeley: California University Press. 2.ª edición. ISBN 978-0-52026-608-7
  • 2016. Modelos para principiantes en composición , reimpreso, Londres: Oxford University Press. ISBN 978-0-19538-221-1

Escritos

  • 1947. «El músico». En The Works of the Mind , editado por Robert B. Heywood, Chicago: University of Chicago Press. OCLC 752682744 
  • 1950. Estilo e idea : Escritos selectos de Arnold Schoenberg , editado y traducido por Dika Newlin . Nueva York: Philosophical Library.
  • 1958. Ausgewählte Briefe , de Söhne de B. Schott, Maguncia.
  • 1964. Cartas de Arnold Schoenberg , seleccionadas y editadas por Erwin Stein, traducidas del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Londres: Faber and Faber Ltd.
  • 1965. Cartas de Arnold Schoenberg , seleccionadas y editadas por Erwin Stein, traducidas del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Nueva York: St. Martin's Press.
  • 1975. Estilo e idea: Escritos selectos de Arnold Schoenberg , editado por Leonard Stein, con traducciones de Leo Black. Nueva York: St. Martins Press; Londres: Faber & Faber. ISBN 978-0-520-05294-9Ampliación de la publicación de 1950 de la Philosophical Library (Nueva York), editada por Dika Newlin (559 páginas en lugar de 231). El volumen incluye la nota «Varios de los ensayos... fueron escritos originalmente en alemán (traducidos por Dika Newlin)» en ambas ediciones.
  • 1984. Estilo e idea: Escritos selectos , traducido por Leo Black. Berkeley: California University Press.
  • 1984. Arnold Schoenberg Wassily Kandinsky : Cartas, imágenes y documentos , editado por Jelena Hahl-Koch, traducido por John C. Crawford. Londres: Faber and Faber. ISBN 0-571-13060-7, ISBN 0-571-13194-8
  • 1987. Cartas de Arnold Schoenberg , seleccionadas y editadas por Erwin Stein, traducidas del alemán original por Eithne Wilkins y Ernst Kaiser. Berkeley y Los Ángeles: University of California Press. ISBN 978-0-520-06009-8
  • 2006. La idea musical y la lógica, técnica y arte de su presentación , nueva edición en rústica en inglés. Bloomington y Londres: Indiana University Press. ISBN 978-0-25321-835-3
  • 2010. Estilo e idea: Escritos selectos , 60.ª edición (segunda), traducido por Leonard Stein y Leo Black. Berkeley: California University Press. ISBN 978-0-52026-607-0

Véase también

Referencias

Notas

  1. ↑ / ˈ ʃ ɜːr n b ɜːr ɡ / SHURN -burg , EE. UU. también / ˈ ʃ oʊ n -/ SHOHN - ; Alemán: [ ˈʃøːnbɛɐ̯k ]ⓘ
  2. ↑ Entre sus muchos otros alumnos se encontraban Egon Wellesz , Hanns Eisler , Robert Gerhard y Nikos Skalkottas en Europa; en los EE. UU., John Cage , Patricia Carpenter , Lou Harrison , Earl Kim , Leon Kirchner , Dika Newlin y Oscar Levant .
  3. ↑ Sus opiniones también influyeron en los pianistas Charles Rosen , Artur Schnabel , Rudolf Serkin , Eduard Steuermann y Glenn Gould .
  4. ↑ Texto: "Die Trauung von »Samuel Schönberg aus Pressburg mit der Jgf. Pauline Nachod aus Prag« wurde in der »Wochenschrift für politische, religiöse und Cultur-Interessen« angezeigt. Diese Angaben divergieren vom Aufgebot, das die Kultusgemeinde veröffentlichte: 17. März (1872) 12 ½ Samuel Schönberg Kaufmann aus Szécsény Sohn d. H. Abraham y P. Theresia geb Löwy 15. Septiembre, 1838 II, Taborstr. 4. März. 1843. II Taborstraße 4. Aufgebotsz. Ud. Delegado. Pressburg, 2 de marzo de 1872."
  5. ↑ Para Josef Rudin , los giros de Schoenberg, de la tonalidad a la atonalidad y la técnica dodecafónica, ejemplificaban la enantiodromía . [ 39 ]
  6. ↑ Schoenberg esperaba una dramatización de la Séraphîta de Balzaccuando UFA GmbH intentó hacer cine sonoro alrededor de 1928 o 1929, recordó en 1940. [ 49 ]
  7. ↑ Straus argumentó que «la preocupación por la coherencia motívica caracteriza a toda una gama de música [clásica] de principios del siglo XX », atribuyéndola a «gran parte de la obra» de Béla Bartók e Igor Stravinsky . Señaló que su argumento se basaba en la teoría de conjuntos de clases de altura, al tiempo que admitía la insuficiencia de dicha teoría para la aspiración de los analistas a una «verdadera teoría de campo unificado de la música postonal» al estilo del análisis schenkeriano . [ 118 ]

Citas

  1. ↑ MacDonald 2008 , pág. 27.
  2. ↑ Beaumont 2000 , pág. 87.
  3. 1 2 3 4 Vecino 2001 .
  4. ↑ MacDonald 2008 , 93.
  5. ↑ Schroeder 2000 , 41–44, 52, 55, 56n9, citando la carta de Schoenberg a Berg de octubre de 1933.
  6. 1 2 Plath 2025 , 10.
  7. ↑ Schoenberg 1975 , 136, "Criterios para la evaluación de la música" (1946): "Durante mucho tiempo desprecié la música de Gustav Mahler antes de aprender a comprenderla y admirarla".
  8. ↑ Stuckenschmidt 1977 , 103, 110, 114.
  9. 1 2 3 Rosen 1996 , 4; Stuckenschmidt 1977 , 184–185.
  10. ↑ Brown, Julie (2014). Schoenberg y la redención . Nuevas perspectivas en la historia y la crítica musical. Cambridge: Cambridge University Press. pp. 10, 203n9. ISBN  978-0-521-55035-2Consultado el 17 de septiembre de 2025 .
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  32. ↑ MacDonald 2008 , 15.
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  34. ↑ Moldenhauer y Moldenhauer 1978 , 73, 145, 147, 153.
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