Videoarte

El videoarte es una forma de arte que se basa en el uso de la tecnología de video como medio visual y auditivo. Surgió a finales de la década de 1960, cuando las nuevas tecnologías de video para el consumidor, como las grabadoras de cinta de video, se hicieron accesibles fuera de la radiodifusión corporativa . El videoarte puede adoptar muchas formas: grabaciones que se transmiten ; instalaciones que se exhiben en galerías o museos; obras transmitidas en línea o distribuidas como cintas de video o en DVD ; y performances que pueden incorporar uno o más televisores , monitores de video y proyecciones, mostrando imágenes y sonidos en vivo o grabados. ^{[ 1 ]}

El videoarte toma su nombre de la cinta de vídeo analógica original, que fue la tecnología de grabación más utilizada durante gran parte de la historia del género hasta la década de 1990. Con la llegada de los equipos de grabación digital , muchos artistas comenzaron a explorar la tecnología digital como una nueva forma de expresión. El videoarte no se rige necesariamente por las convenciones que definen el cine tradicional. Puede que no utilice actores , que no contenga diálogos y que no tenga una narrativa o trama discernible . El videoarte también se diferencia de subcategorías cinematográficas como el cine de vanguardia , los cortometrajes y el cine experimental .

Nam June Paik , artista coreano-estadounidense que estudió en Alemania, es ampliamente considerado un pionero del videoarte. ^{[ 2 ] [ 3 ]} En marzo de 1963, Paik presentó en la Galerie Parnass de Wuppertal la Exposición de Música – Televisión Electrónica . ^{[ 4 ] [ 5 ]} En mayo de 1963, Wolf Vostell presentó la instalación 6 TV Dé-coll/age en la Galería Smolin de Nueva York y creó el video Sun in your head en Colonia. Originalmente, Sun in your head se filmó en película de 16 mm y se transfirió a cinta de video en 1967. ^{[ 6 ] [ 7 ] [ 8 ]}

Se suele decir que el videoarte comenzó cuando Paik usó su nuevo Sony Portapak para filmar imágenes de la procesión del Papa Pablo VI por la ciudad de Nueva York en el otoño de 1965 ^{[ 9 ]} Más tarde ese mismo día, al otro lado de la ciudad, en un café de Greenwich Village , Paik reprodujo las cintas y nació el videoarte.

Antes de la llegada de los equipos de vídeo para el consumidor, la producción de imágenes en movimiento solo estaba disponible de forma no comercial mediante películas de 8 mm y 16 mm . Tras la introducción del Portapak y su posterior actualización cada pocos años, muchos artistas comenzaron a explorar la nueva tecnología.

Muchos de los primeros artistas de video prominentes fueron aquellos involucrados en movimientos concurrentes de arte conceptual, performance y cine experimental. Entre ellos se incluyen los estadounidenses Vito Acconci , Valie Export , John Baldessari , Peter Campus , Doris Totten Chase , Maureen Connor , Norman Cowie , Dimitri Devyatkin , Frank Gillette , Dan Graham , Gary Hill , Joan Jonas , Bruce Nauman , Nam June Paik, Bill Viola , Shigeko Kubota , Martha Rosler , William Wegman y muchos otros. También hubo quienes, como Steina y Woody Vasulka, se interesaron por las cualidades formales del video y emplearon sintetizadores de video para crear obras abstractas. Kate Craig , ^{[ 10 ]} Vera Frenkel ^{[ 11 ]} y Michael Snow ^{[ 12 ]} fueron importantes para el desarrollo del videoarte en Canadá.

Gran parte del videoarte en su apogeo experimentó formalmente con las limitaciones del formato de video. Por ejemplo, el artista estadounidense Peter Campus , en su obra Double Vision, combinó las señales de video de dos Sony Portapak mediante una mesa de mezclas electrónica, lo que dio como resultado una imagen distorsionada y radicalmente disonante. Otra pieza representativa, Vertical Roll de Joan Jonas , consistió en grabar material previamente grabado de Jonas bailando mientras se reproducían los videos en un televisor, lo que resultó en una representación compleja y con múltiples capas de la mediación.

Gran parte del videoarte estadounidense se produjo en la ciudad de Nueva York, con The Kitchen , fundada en 1972 por Steina y Woody Vasulka (con la colaboración del director de vídeo Dimitri Devyatkin y Shridhar Bapat ), como punto de encuentro para muchos artistas jóvenes. Una de las primeras obras de videoarte multicanal (que utilizaba varios monitores o pantallas) fue Wipe Cycle, de Ira Schneider y Frank Gillette . Wipe Cycle se exhibió por primera vez en la galería Howard Wise de Nueva York en 1969, como parte de una exposición titulada "La televisión como medio creativo". Esta instalación, compuesta por nueve pantallas de televisión, combinaba imágenes en directo de los visitantes de la galería, material de archivo de la televisión comercial y tomas de cintas pregrabadas. El material se alternaba de un monitor a otro en una elaborada coreografía.

En la costa oeste, en los estudios de televisión de la Universidad Estatal de San José, Willoughby Sharp comenzó en 1970 la serie "Videoviews", una serie de diálogos grabados en vídeo con artistas. Esta serie consta de los diálogos de Sharp con Bruce Nauman (1970), Joseph Beuys (1972), Vito Acconci (1973), Chris Burden (1973), Lowell Darling (1974) y Dennis Oppenheim (1974). También en 1970, Sharp comisarió "Body Works", una exposición de obras de vídeo de Vito Acconci, Terry Fox , Richard Serra , Keith Sonnier , Dennis Oppenheim y William Wegman , que se presentó en el Museo de Arte Conceptual de Tom Marioni , en San Francisco, California. ^{[ 13 ]}

En Europa, la innovadora pieza de video de Valie Export , "Facing a Family" (1971) ^{[ 14 ]} fue uno de los primeros ejemplos de intervención televisiva y transmisión de videoarte. El video, emitido originalmente en el programa de televisión austriaco "Kontakte" el 2 de febrero de 1971,[11] muestra a una familia burguesa austriaca viendo la televisión mientras cena, creando un efecto espejo para muchos miembros de la audiencia que estaban haciendo lo mismo. Export creía que la televisión podía complicar la relación entre sujeto, espectador y televisión. ^{[ 15 ] [ 16 ]} En el Reino Unido, "TV Interruptions" (1971) de David Hall se transmitió intencionalmente sin anuncio y sin acreditar en la televisión escocesa, las primeras intervenciones de artistas en la televisión británica.

A medida que disminuían los precios del software de edición, aumentaba el acceso del público general a estas tecnologías. El software de edición de vídeo se volvió tan accesible que transformó la forma en que los artistas trabajaban con este medio. Simultáneamente, con la llegada de las televisiones independientes a Europa y el surgimiento de los videoclips, los artistas también aprovecharon el potencial de los efectos especiales, las imágenes de alta calidad y la edición sofisticada ( Gary Hill , Bill Viola ). Festivales dedicados al videoarte, como el World Wide Video Festival de La Haya, la Bienal de la Imagen de Ginebra o Ars Electronica de Linz, desarrollaron y destacaron la importancia de la creación en este campo.

Desde principios de los 90, las exposiciones de arte contemporáneo integraron vídeos de artistas entre otras obras e instalaciones. Este es el caso de la Bienal de Venecia (Aperto 93) y de NowHere en el Museo Louisiana , pero también de galerías de arte donde una nueva generación de artistas, para quienes la llegada de equipos más ligeros como las Handycams favoreció una expresión más directa, pudo, como Pipilotti Rist , Tony Oursler , Carsten Höller , Cheryl Donegan y Nelson Sullivan, salir de sus estudios con facilidad para filmar a mano sin sofisticación, a veces mezclando imágenes encontradas con las suyas ( Douglas Gordon , Pierre Bismuth , Sylvie Fleury , Johan Grimonprez, Claude Closky ) y utilizando una postproducción presente pero sencilla. La presentación de las obras también se simplificó con la llegada de los monitores a las salas de exposición y la distribución en VHS . La llegada de esta generación más joven anunció las cuestiones feministas y de género que estaban por venir, pero también el uso cada vez más híbrido de diferentes medios (películas Super 8 transferidas, 16 mm, edición digital, fragmentos de programas de televisión, sonidos de diferentes fuentes, etc.).

Al mismo tiempo, museos e instituciones más especializadas en videoarte estaban integrando la tecnología digital, como el ZKM de Karlsruhe, dirigido por Peter Weibel , con numerosas exposiciones temáticas, o el Centre pour l'Image Contemporaine con su bienal Version (1994-2004), dirigida por Simon Lamunière .

Con la llegada de la tecnología digital e Internet, algunos museos han federado sus bases de datos, como es el caso de New Media Art, producida por el Centre Georges Pompidou de París, el Museum Ludwig de Colonia y el Centre pour l'Image Contemporaine (Centro para la Imagen Contemporánea) de Ginebra.

A finales de siglo, instituciones y artistas trabajaban en el creciente espectro de los medios: imágenes 3D, interactividad, CD-ROM, internet, postproducción digital, etc. Surgieron diferentes temas, como la interactividad y la no linealidad. Algunos artistas combinaron técnicas físicas y digitales, como en el caso de Jeffrey Shaw con "Legible City" (1988-1991). Otros emplearon interactividad de baja tecnología, como en las obras en línea "+1" o "¿Quieres amor o lujuria?" de Claude Closky (1996), coproducidas por la Dia Art Foundation . Sin embargo, estos pasos comenzaron a alejarse del llamado videoarte y a acercarse al arte de los nuevos medios y al arte de internet .

A medida que la cantidad de material disponible y las técnicas de edición evolucionaron, algunos artistas también han producido videos narrativos complejos sin usar material propio: Civilization (2008) de Marco Brambilla es un collage, o un "video mural" ^{[ 17 ]} que representa el cielo y el infierno. ^{[ 18 ]} Dial HISTORY de Johan Grimonprez es una interpretación de 68 minutos de la guerra fría y el papel de los terroristas, hecha casi exclusivamente con extractos originales de televisión y cine sobre secuestros.

En términos más generales, durante la primera década, uno de los pasos más significativos en el ámbito del videoarte se logró con su fuerte presencia en exposiciones de arte contemporáneo a nivel internacional. Durante este período, era común ver videos de artistas en exposiciones colectivas, en monitores o como proyecciones. Más de un tercio de las obras presentadas en Art Unlimited (la sección de Art Basel dedicada a obras de gran formato) fueron videoinstalaciones entre 2000 y 2015. Lo mismo ocurre en la mayoría de las bienales. Una nueva generación de artistas como Pipilotti Rist , Francis Alys , Kim Sooja , Apichatpong Weerasethakul , Omer Fast , David Claerbout , Sarah Morris y Matthew Barney se presentaron junto a las generaciones anteriores ( Roman Signer , Bruce Nauman , Bill Viola , Joan Jonas y John Baldessari ).

Algunos artistas también han ampliado su público realizando películas (Apichatpong Weerasethakul, ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2010 ) o comisariando grandes eventos públicos (la Expo02 de la Fundación Nacional Suiza de Pipilotti Rist).

En 2003, Kalup Linzy creó Conversations Wit De Churen II: All My Churen , una sátira de telenovela a la que se le atribuye la creación del subgénero de video y performance ^{[ 19 ].} Aunque el trabajo de Linzy desafía los géneros, ha sido una contribución importante al medio. Ryan Trecartin , un joven videoartista experimental, utiliza el color, técnicas de edición y una actuación extraña para retratar lo que The New Yorker llama "un punto de inflexión cultural". ^{[ 20 ] [ 21 ]}

El videoarte como medio también puede combinarse con otras formas de expresión artística, como el arte performativo . Esta combinación también puede denominarse "arte de medios y performance" ^{[ 22 ]} cuando los artistas "rompen los moldes del video y el cine y amplían los límites del arte". ^{[ 22 ]} Con la mayor facilidad de los artistas para obtener cámaras de video, el arte performativo comenzó a documentarse y compartirse con un público amplio. ^{[ 23 ]} Artistas como Marina Abramović y Ulay experimentaron con la grabación en video de sus performances en las décadas de 1970 y 1980. En una pieza titulada "Rest energy" (1980), tanto Ulay como Marina suspendieron su peso para tensar un arco y una flecha apuntando al corazón de ella; Ulay sostenía la flecha y Marina el arco. La pieza duraba 4:10 y Marina la describió como "una performance sobre la confianza completa y total". ^{[ 24 ]}

Otros artistas que combinaron el videoarte con el arte performático utilizaron la cámara como público. Kate Gilmore experimentó con la posición de la cámara. En su video “Anything” (2006), filma su performance mientras intenta constantemente alcanzar la cámara, que la observa fijamente. A lo largo de los 13 minutos del video, continúa atando piezas de mobiliario mientras intenta alcanzar la cámara. Gilmore añadió un elemento de lucha a su arte, a veces autoimpuesto, ^{[ 25 ]} en su video “My love is an anchor” (2004) ^{[ 26 ]} deja secar su pie en cemento antes de intentar liberarse frente a la cámara. ^{[ 27 ]} Se dice que Gilmore imitó estilos de expresión de las décadas de 1960 y 1970, inspirándose en artistas como Marina Abramović, al tiempo que incorpora extremismo y lucha a su obra. ^{[ 28 ]}

Algunos artistas experimentaron con el espacio al combinar el videoarte y el arte performático. Ragnar Kjartannson , artista islandés, filmó un videoclip completo con nueve artistas diferentes, incluido él mismo, en distintas habitaciones. Todos los artistas podían escucharse entre sí a través de auriculares para poder interpretar la canción juntos; la obra se tituló "Los visitantes" (2012). ^{[ 29 ]}

Algunos artistas, como Jaki Irvine y Victoria Fu, han experimentado con la combinación de película de 16 mm , película de 8 mm y vídeo para aprovechar la posible discontinuidad entre la imagen en movimiento, la partitura musical y el narrador, con el fin de socavar cualquier sentido de narrativa lineal. ^{[ 30 ]}

Desde el año 2000, los programas de videoartes han comenzado a surgir en universidades como una disciplina independiente, generalmente integrada a los planes de estudio de cine y radiodifusión tradicionales. Los modelos actuales, presentes en universidades como Northeastern y Syracuse, ofrecen competencias básicas en iluminación, edición y manejo de cámara. Si bien estos fundamentos pueden servir de base para las áreas de producción de cine o televisión existentes, el reciente auge de los medios de entretenimiento mediante CGI y otros efectos especiales sitúa habilidades como la animación, los gráficos en movimiento y el diseño asistido por computadora como cursos avanzados en este campo emergente.

• Centro Ars Electronica (AEC), Linz, Austria
• Casa Edith-Russ para el Arte Mediático, Oldenburg, Alemania
• Electronic Arts Intermix , Nueva York, NY
• Centro de Televisión Experimental , Nueva York
• Colección Goetz , Múnich, Alemania
• Imai – Instituto de Arte Intermedia , Düsseldorf
• Festival Impakt , Utrecht
• Colección Julia Stoschek , Düsseldorf, Alemania
• Kunstmuseum Bonn , gran colección de videoarte
• LA Freewaves es un festival de arte multimedia experimental que incluye videoarte, cortometrajes y animación; las exposiciones se realizan en Los Ángeles y en línea.
• Lumen Eclipse – Harvard Square, MA
• LUX , Londres, Reino Unido
• London Video Arts , Londres, Reino Unido
• Neuer Berliner Kunstverein con su "Video-Forum" fundado en 1971 – Berlín, Alemania
• Fundación Raindance , Nueva York
• Recuerdos de la Tierra , canal de televisión de arte en redes de cable europeas (París, Colonia)
• Vtape , Toronto, Canadá
• Videoarte a medianoche , un proyecto cinematográfico de artistas, Berlín, Alemania
• Banco de datos de vídeo , Chicago, IL.
• VIVO Media Arts Center , Vancouver, Canadá
• Centro ZKM de Arte y Medios de Comunicación de Karlsruhe , Alemania
• Videobrasil , Asociación Cultural Videobrasil, São Paulo, Brasil
• Festival Ibrida , Proyecto Vertov, Forlì, Italia

• Medios artísticos
• Película experimental
• INFERMENTAL
• Película interactiva
• Lista de artistas de vídeo
• Vídeo musical
• Visualización musical
• arte de nuevos medios
• Retroalimentación óptica
• Gráficos por computadora en tiempo real
• Vídeo de Scratch
• Vídeo monocanal
• Arte sonoro
• Video jockey
• Poesía en vídeo
• Escultura de vídeo
• Instalación de vídeo
• Sintetizador de vídeo
• Música visual
• VJing

• Making Video 'In' - El terreno en disputa del video alternativo en la costa oeste. Editado por Jennifer Abbott (Satellite Video Exchange Society, 2000).
• Videografía: El vídeo como medio artístico y cultural, de Sean Cubitt (MacMillan, 1993).
• Historia del cine y el vídeo experimental, de AL Rees (British Film Institute, 1999).
• Los nuevos medios en el arte de finales del siglo XX, de Michael Rush (Thames & Hudson, 1999).
• Mirror Machine: Video and Identity, editado por Janine Marchessault (Toronto: YYZ Books, 1995).
• Sounding the Gallery: Video and the Rise of Art Music, de Holly Rogers (Nueva York: Oxford University Press, 2013).
• Cultura del vídeo: una investigación crítica, editado por John G. Hanhardt ( Visual Studies Workshop Press, 1986).
• Moving Layers: Contextual Video in Art & Architecture , editado por Alexandro Ladaga y Silvia Manteiga (Roma, Edilstampa Press, 2014). ISBN 9781291852295
• La Civilización Electrónica , en Screencity Lab Academic Journal, editado por Alexandro Ladaga, Silvia Manteiga n.1, 2012, pp. 4, 11, 37-42. ISBN 978-88-9637-010-0
• Videoarte: Una visita guiada por Catherine Elwes (IB Tauris, 2004).
• Historia del videoarte, de Chris Meigh-Andrews (Berg, 2006)
• 127kBdiarte, pensare l'arte in rete por Grupo Elástico de Investigación Artística , (San Donato, Psiche e Aurora Ed., 2015). ISBN 9788889875421
• Prácticas diversas: Una lectura crítica sobre el videoarte británico, editado por Julia Knight (Universidad de Luton/Consejo de las Artes de Inglaterra, 1996).
• ARTFORUM FEB 1993 "Viajes en la nueva carne" de Howard Hampton (Impreso por ARTFORUM INTERNATIONAL 1993)
• Resoluciones: Prácticas de vídeo contemporáneas (eds. Renov, Michael y Erika Suderburg) (Londres, Minneapolis: University of Minnesota Press, 1996).
• Cine expandido, de Gene Youngblood (Nueva York: EP Dutton & Company, 1970).
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• REWIND: Vídeo de artistas británicos en las décadas de 1970 y 1980 (editado por Sean Cubitt y Stephen Partridge ), John Libbey Publishing, 2012.
• Cómo llegar a las audiencias: Distribución y promoción de la imagen en movimiento alternativa, por Julia Knight y Peter Thomas (Intellect, 2011)
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• NBK Band 4. Piezas de tiempo. Videokunst desde 1963 . Verlag der Buchhandlung Walther König, Colonia, 2013, ISBN 978-3-86335-074-1.
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• Valentino Catricalà, Laura Leuzzi, Cronología della videoarte italiana , en Marco Maria Gazzano , KINEMA. Il cinema sulle tracce del cinema. Dal film alle arti elettroniche andata e ritorno , Exorma, Roma 2013.