Jóvenes artistas británicos

El núcleo del grupo YBA se graduó del curso de licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths en las promociones de 1987 a 1990. Liam Gillick , Fiona Rae , Steve Park y Sarah Lucas se graduaron en la promoción de 1987. Ian Davenport , Michael Landy , Gary Hume , Anya Gallaccio , Lala Meredith-Vula , Henry Bond y Angela Bulloch se graduaron en la promoción de 1988; Damien Hirst , Angus Fairhurst , Mat Collishaw , Simon Patterson y Abigail Lane se graduaron en la promoción de 1989; Mientras que Gillian Wearing y Sam Taylor-Wood se graduaron en la promoción de 1990, y Jason Martin se graduó con la promoción de 1993. Durante los años 1987-1990, el personal docente del programa de Licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths incluyó a Jon Thompson , Richard Wentworth , Michael Craig-Martin , Ian Jeffrey , Helen Chadwick , Mark Wallinger , Judith Cowan y Glen Baxter .

Gavin Turk y Mark Francis también forman parte del grupo de artistas YBA. Turk y Francis estudiaron en la Chelsea School of Art de 1986 a 1989 y en el Royal College of Art de 1989 a 1991. Ambos expusieron su obra en la muestra Saatchi Sensation de la Royal Academy.

Un grupo de dieciséis estudiantes de Goldsmiths participó en una exposición colectiva de arte llamada Freeze , de la cual Damien Hirst se convirtió en el principal organizador; él todavía estaba en el segundo año de la licenciatura en Bellas Artes.

Las galerías comerciales no mostraron interés en el proyecto, que se celebró en un espacio barato y no artístico: un edificio administrativo en los Docklands de Londres (conocido comúnmente como almacén). El evento tuvo buena acogida dentro de la escena rave de almacenes de « acid house », muy extendida en aquel entonces, pero no logró una gran repercusión en la prensa. Uno de sus efectos fue sentar un precedente para el artista como curador: a mediados de la década de 1990, los espacios de exposición y las galerías gestionadas por artistas se convirtieron en un elemento característico de la escena artística londinense. ^{[ 10 ]}

Hubo un precedente menos destacado organizado por el artista Angus Fairhurst , en el que él mismo, Damien Hirst , Abigail Lane y Mat Collishaw participaron en una pequeña exposición llamada Progress by Degree en la Bloomsbury Gallery de la Universidad de Londres (Instituto de Educación) poco antes de Freeze. ^{[ 11 ]}

En colaboración con Hirst, Carl Freedman (quien había sido amigo suyo en Leeds antes de que Hirst se mudara a Londres y ayudaba a fabricar las vitrinas de Hirst) y Billee Sellman comisariaron dos influyentes exposiciones en un antiguo almacén en 1990: Modern Medicine y Gambler , en una antigua fábrica de Bermondsey a la que denominaron Edificio Uno. Para la exposición Modern Medicine, consiguieron patrocinios de 1000 libras esterlinas de figuras del mundo del arte, como Charles Saatchi . Freedman ha hablado abiertamente sobre la profecía autocumplida que estos patrocinadores ayudaron a crear, y también comentó que no mucha gente asistió a estas primeras exposiciones, incluida Freeze . En 1990, Henry Bond y Sarah Lucas organizaron la East Country Yard Show en un almacén en desuso en los Docklands de Londres , que se instaló en cuatro plantas y 16 000 ^m² de espacio de exposición. En un artículo para The Independent , el crítico de arte Andrew Graham-Dixon dijo:

Los graduados de Goldsmiths no tienen reparos en promocionarse a sí mismos y a su trabajo: algunas de las exposiciones más llamativas de Londres en los últimos meses —«The East Country Yard Show» o «Gambler», ambas celebradas en la zona portuaria— han sido organizadas y financiadas de forma independiente por graduados de Goldsmiths como escaparates de su obra. Esto les ha granjeado la reputación de ser insistentes, pero también cabe decir que, en cuanto a ambición, atención al detalle y pura audacia, pocas exposiciones han igualado a las de las instituciones de arte contemporáneo más consolidadas del país. Fueron muy superiores, por ejemplo, a cualquiera de las exposiciones de arte contemporáneo organizadas por la Tate de Liverpool en su propio recinto multimillonario en la zona portuaria. ^{[ 12 ]}

Espacios alternativos consolidados como City Racing en el Oval de Londres y Milch brindaron a muchos artistas su primera oportunidad. Hubo mucha actividad incipiente en la zona de Hoxton / Shoreditch , en el este de Londres, centrada en la galería de Joshua Compston . En 1991, la Serpentine Gallery presentó una retrospectiva de este grupo de artistas con la exposición Broken English . En 1992, Charles Saatchi organizó una serie de exposiciones de arte británico joven ; la primera incluyó obras de Sarah Lucas , Rachel Whiteread y Damien Hirst .

Una segunda oleada de Jóvenes Artistas Británicos surgió entre 1992 y 1993 con exposiciones como New Contemporaries , New British Summertime y Minky Manky (comisariada por Carl Freedman). Entre ellos se encontraban Douglas Gordon , Christine Borland , Fiona Banner , Tracey Emin , Tacita Dean , Georgina Starr y Jane y Louise Wilson . Una exposición que incluyó a varios de los artistas de los Jóvenes Artistas Británicos fue la British Art Show , que se celebraba cinco veces al año en 1995 .

Uno de los visitantes de Freeze fue Charles Saatchi , un importante coleccionista de arte contemporáneo y cofundador de Saatchi & Saatchi , la agencia de publicidad londinense. Saatchi visitó Gambler en un Rolls-Royce verde y, según Freedman, se quedó boquiabierto ante (y luego compró) la primera gran instalación de Hirst con temática animal, A Thousand Years , que consistía en una gran vitrina con gusanos y moscas alimentándose de la cabeza de una vaca en descomposición. (La instalación fue posteriormente una pieza destacada de la exposición Sensation ).

Saatchi se convirtió no solo en el principal coleccionista de Hirst, sino también en el principal patrocinador de otros jóvenes artistas británicos (YBA), un hecho que Gavin Turk reconoció abiertamente. El mercado del arte contemporáneo en Londres se había desplomado drásticamente a mediados de 1990 debido a una grave recesión económica, y muchas galerías comerciales de arte contemporáneo habían cerrado sus puertas. Hasta ese momento, Saatchi había coleccionado principalmente arte contemporáneo estadounidense y alemán, algunas obras de artistas jóvenes, pero la mayoría de artistas ya consagrados.

Su colección se exhibió públicamente en una serie de muestras en un gran edificio reconvertido de una antigua fábrica de pintura en St John's Wood, al norte de Londres. La Galería Saatchi inspiró a jóvenes artistas a producir grandes obras de arte conceptual que no cabrían en las galerías, generalmente pequeñas, de Londres en aquel entonces. ^{[ 14 ]} Las exposiciones anteriores de la Galería Saatchi habían incluido a figuras tan importantes como Warhol , Guston , Alex Katz , Serra , Kiefer , Polke , Richter y muchos más. A principios de la década de 1990, Saatchi cambió su enfoque hacia el arte británico emergente.

Saatchi organizó una serie de exposiciones llamadas Jóvenes Artistas Británicos a partir de 1992, cuando una exposición destacada fue el "tiburón" de Damien Hirst ( La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo ), que se convirtió en la obra icónica del arte británico en la década de 1990, ^{[ 15 ]} y el símbolo del Britart en todo el mundo. ^{[ 16 ]} Además del mecenazgo de Saatchi (y como resultado directo del mismo), los Jóvenes Artistas Británicos se beneficiaron de una intensa cobertura mediática. Esto se vio reforzado por la controversia en torno al Premio Turner anual (uno de los pocos premios importantes de Gran Bretaña para artistas contemporáneos), en el que varios de los artistas figuraban como nominados o ganadores. Channel 4 se convirtió en patrocinador del concurso, lo que dio lugar a perfiles televisivos de los artistas en horario de máxima audiencia.

Varios de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA, por sus siglas en inglés) han sido elegidos miembros vitalicios de la Real Academia de las Artes de Londres (fundada por Jorge III en 1768); por lo tanto, son "Académicos Reales" y pueden usar las siglas "RA" después de su nombre para indicarlo.

• Gary Hume fue elegido el 24 de mayo de 2001.
• Fiona Rae fue elegida el 28 de mayo de 2002.
• Tracey Emin fue elegida el 27 de marzo de 2007.
• Jenny Saville fue elegida en julio de 2007.
• Gillian Wearing fue elegida el 11 de diciembre de 2007.
• Michael Landy fue elegido el 29 de mayo de 2008.
• Tacita Dean elegida el 9 de diciembre de 2008 ^{[ 22 ]}

• 2004: Gillian Wearing - Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Artes Creativas
• 2007: Henry Bond - Doctorado por la Universidad de Gloucestershire
• 2007: Tracey Emin - Doctorados Honoris Causa del Royal College of Art y la London Metropolitan University.
• 2010: Fiona Banner - Doctorado Honoris Causa de la Universidad de Kingston

Richard Cork (antiguo crítico de arte de The Times ) ha sido un firme defensor de los artistas, al igual que la escritora de arte Louisa Buck y la exeditora de arte de Time Out , Sarah Kent . Sir Nicholas Serota ha reconocido la labor de los artistas nominando a varios de ellos al Premio Turner y formando parte de la colección de la Tate .

Maureen Paley dijo: "Lo que surgió de la generación de los Jóvenes Artistas Británicos fue la audacia, la creencia de que uno puede salirse con la suya con cualquier cosa". ^{[ 23 ]}

En 2009, Iwona Blazwick , directora de la Whitechapel Art Gallery , declaró: «El movimiento de los Young British Artists (YBA, por sus siglas en inglés) definitivamente ha terminado, pero quien piense que fue un punto final se equivoca. Iniciaron algo que ha seguido creciendo desde entonces. No ha terminado». ^{[ 24 ]}

En 1998, John Windsor, en The Independent, afirmó que la obra de los Young British Artists (YBA, por sus siglas en inglés) parecía dócil en comparación con el " arte de choque " de la década de 1970, incluyendo "escandalosas obras" en la galería Nicholas Treadwell , entre las que se encontraba una "camisa de fuerza de cuero colgante, anatómicamente detallada, con genitales incluidos", titulada Pink Crucifixion , de Mandy Havers. ^{[ 25 ]}

En 1999 se fundó el grupo artístico Stuckists con una agenda abiertamente anti-YBA. ^{[ 26 ]} En 2002, Britart fue duramente criticado por el destacado director de orquesta Sir Simon Rattle , quien, a su vez, fue acusado de tener una comprensión deficiente del arte conceptual y visual . ^{[ 27 ]}

El dramaturgo Tom Stoppard hizo una denuncia pública, y Brian Sewell (crítico de arte del Evening Standard ) se mostró constantemente hostil, ^{[ 28 ]} al igual que David Lee , editor de Jackdaw . Rolf Harris , presentador de televisión y artista, señaló la instalación My Bed de Tracey Emin como el tipo de instalación que alejaba a la gente del arte. «No entiendo cómo levantarse de la cama, dejarla sin hacer, exhibirla y decir que vale, no sé, 31.000 libras... No me lo creo, creo que es una estafa».

Para James Heartfield , «El auge artístico de los años noventa fomentó la negligencia. Los Jóvenes Artistas Británicos preferían el gesto inspirado al trabajo paciente. Añadieron la indignación pública a sus paletas, solo para descubrir que se desvanecía muy rápidamente». ^{[ 29 ]}

Los miembros del grupo son parodiados en una tira cómica habitual de Birch, titulada "Young British Artists", en la revista satírica británica Private Eye . La escena también es parodiada en la exitosa película Pandora de Jilly Cooper de 2002. ^{[ 30 ]}

Las artistas femeninas constituían una clara minoría en el entorno predominantemente masculino de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA). Artistas como Sarah Lucas , Jenny Saville y Rachel Whiteread han sufrido distintos grados de olvido en sus representaciones mediáticas, además de ser incomparables en notoriedad con sus compañeros masculinos del YBA, como Hirst. ^{[ 31 ]}

La revista de la Sociedad de Arte de la Universidad de Sussex describe cómo las feministas de la década de 1980 influyeron en la obra de las mujeres miembros de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA) mediante la estrategia de subvertir los estereotipos femeninos. ^{[ 31 ]} Otro discurso en torno a la obra femenina de los YBA incluye un análisis de la práctica escultórica de Rachel Whiteread . Se ha dicho que Whiteread perturba el concepto «claro» de que las mujeres hacen «obra femenina». ^{[ 32 ]} Su obra Nine Tables intenta existir dentro de un tercer espacio, donde las formas no pueden ser físicamente genéricas, pero aún así se perciben como objetos femeninos. ^{[ 32 ]} Daniel Ogilivie ha expresado cómo el concepto de Judith Butler , según el cual «…el mero acto de “hacer”, de fundir el objeto, expresa el género y no es ninguna asociación antropomórfica en la obra de arte en sí», crea lo femenino dentro de la obra de Whiteread. ^{[ 32 ]}

Con la prevalencia de la ideología feminista en la sociedad y el arte contemporáneo, los críticos han argumentado que artistas femeninas como Jenny Saville en la década de 1990 investigaron la idea artificial de "feminidad" creada por la estructura patriarcal. ^{[ 33 ]} Mientras asistía a la escuela de arte en Cincinnati, la pasión feminista de Saville se concibió a partir de una toma de conciencia del género dentro de la historia del arte. En sus propias palabras, descubrió que, "Siempre me había preguntado por qué no había habido mujeres artistas en la historia. Descubrí que sí las había habido, pero no se había informado. Me di cuenta de que había sido influenciada por ideas masculinas, al pasar por una escuela de arte dominada por hombres". ^{[ 34 ]} Ahora consciente del patriarcado institucional, Saville comenzó a pintar desnudos femeninos que no estaban idealizados. En lugar de continuar la visión masculina histórica reconocida del cuerpo femenino, Saville creó representaciones de mujeres naturales con defectos genuinos. Vello púbico que se extendía por el abdomen y alrededor de los muslos, piel descolorida y áreas de exceso de carne. ^{[ 34 ]} Al deconstruir el cuerpo femenino, Saville ha declarado que: «No intento enseñar, solo hacer que la gente debata, que observe cómo las mujeres han sido creadas por el hombre. ¿Qué es la belleza? La belleza suele ser la imagen masculina del cuerpo femenino. Mis mujeres son bellas en su individualidad». ^{[ 35 ]}