Akira Kurosawa

Kurosawa nació el 23 de marzo de 1910, ^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]} en la ciudad de Ōi , condado de Ebara (ahora Higashi-Ōi en el distrito de Shinagawa de Tokio). ^{[ 4 ]} Sin embargo, una vez afirmó haber nacido en Akita y haber llegado a Tokio siendo un bebé. ^{[ 4 ]} Su madre, Shima (1870–1952), provenía de una familia de comerciantes de Osaka ; su padre, Isamu (1864–1948), era miembro de una familia samurái de la prefectura de Akita y trabajaba como director de la escuela secundaria inferior del Instituto de Educación Física del Ejército. ^{[ 3 ] [ 5 ]} Akira era el octavo y menor hijo de la familia de clase media acomodada; dos de sus hermanos ya eran adultos al momento de su nacimiento y uno había fallecido, por lo que creció con tres hermanas y un hermano. ^{[ 3 ] [ 6 ]}

Además de promover el ejercicio físico, Isamu estaba abierto a las tradiciones occidentales y consideraba que el teatro y el cine tenían un valor educativo. Animaba a sus hijos a ver películas; un joven Kurosawa vio su primera película a los seis años. ^{[ 7 ]} Asistió a la escuela primaria y se hizo muy amigo de Keinosuke Uekusa , mientras que una influencia formativa importante fue su maestro, el Sr. Tachikawa, cuyas prácticas educativas progresistas despertaron en él primero el amor por el dibujo y luego el interés por la educación en general. ^{[ 8 ]} Durante este tiempo, también estudió caligrafía y esgrima de kendo . ^{[ 9 ]}

Otra influencia importante en la infancia de Kurosawa fue su hermano mayor, Heigo (1906-1933), cuatro años mayor que él. Tras el Gran Terremoto de Kantō y la posterior Masacre de Kantō de 1923, Heigo llevó al joven Kurosawa, de 13 años, a ver la devastación. Cuando Kurosawa quiso apartar la mirada de los cadáveres humanos y animales esparcidos por todas partes, Heigo se lo prohibió, animándolo a afrontar sus miedos directamente. Algunos comentaristas han sugerido que este incidente influiría en la posterior carrera artística de Kurosawa, ya que estaba dispuesto a confrontar y explorar verdades desagradables en su obra. ^{[ 10 ] [ 11 ]} Heigo era un estudiante brillante, pero tras no conseguir plaza en el instituto más prestigioso de Tokio, empezó a distanciarse del resto de la familia y prefirió centrarse en su interés por la literatura extranjera. ^{[ 6 ]} A finales de la década de 1920, Heigo rápidamente se hizo un nombre como benshi (narrador de películas mudas) para los cines de Tokio que proyectaban películas extranjeras. Kurosawa, que en ese momento planeaba convertirse en pintor, ^{[ 12 ]} se mudó con Heigo y los dos se volvieron inseparables. ^{[ 13 ]}

Bajo la tutela de Heigo, Kurosawa veía con avidez no solo películas, sino también teatro y espectáculos circenses, ^{[ 14 ]} mientras exhibía sus pinturas y trabajaba para la Liga de Artistas Proletarios de izquierda . Nunca pudo ganarse la vida con su arte y perdió el entusiasmo por la pintura debido a esto y a su creciente convicción de que gran parte del movimiento proletario se reducía a "plasmar ideales políticos incumplidos directamente en el lienzo". ^{[ 15 ]} Con la creciente producción de películas sonoras a principios de la década de 1930, los narradores de cine como Heigo comenzaron a perder trabajo, y Kurosawa regresó a vivir con sus padres. En julio de 1933, Heigo se suicidó; Kurosawa ha comentado sobre la profunda sensación de pérdida que sintió tras la muerte de su hermano, ^{[ 16 ]} y el capítulo de Algo parecido a una autobiografía que lo describe —escrito casi 50 años después del suceso— se titula "Una historia que no quiero contar". ^{[ 17 ]} Tan solo cuatro meses después del suicidio de Heigo, el hermano mayor de Kurosawa también falleció, dejando a Kurosawa, de 23 años, como el único hermano superviviente entre sus tres hermanas. ^{[ 13 ] [ 17 ]}

De izquierda a derecha: Kurosawa, Ishirō Honda y Senkichi Taniguchi con su mentor Kajirō Yamamoto , finales de la década de 1930.

Kurosawa (izquierda) y Mikio Naruse (derecha) durante la producción de Avalanche (1937).

En 1935, el nuevo estudio cinematográfico Photo Chemical Laboratories, conocido como PCL (que más tarde se convertiría en el importante estudio Toho ), publicó un anuncio buscando ayudantes de dirección. Aunque no había mostrado interés previo en el cine como profesión, Kurosawa presentó el ensayo requerido, que pedía a los solicitantes que analizaran las deficiencias fundamentales del cine japonés y propusieran maneras de superarlas. Su opinión, en parte irónica, era que si las deficiencias eran fundamentales, no había forma de corregirlas. El ensayo de Kurosawa le valió una convocatoria para realizar los exámenes posteriores, y el director Kajirō Yamamoto , uno de los examinadores, quedó impresionado con Kurosawa e insistió en que el estudio lo contratara. Kurosawa se unió a PCL en febrero de 1936, a la edad de 25 años. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

Durante sus cinco años como asistente de dirección, Kurosawa trabajó con numerosos directores, pero la figura más importante en su desarrollo fue, sin duda, Yamamoto. De sus 24 películas como asistente de dirección , trabajó en 17 bajo la dirección de Yamamoto, muchas de ellas comedias protagonizadas por el popular actor Ken'ichi Enomoto , conocido como "Enoken". ^{[ 20 ]} Yamamoto impulsó el talento de Kurosawa, ascendiéndolo directamente de tercer asistente de dirección a jefe de asistentes de dirección tras un año. ^{[ 21 ]} Las responsabilidades de Kurosawa aumentaron y trabajó en tareas que abarcaban desde la construcción de escenarios y el desarrollo de la película hasta la búsqueda de localizaciones, el pulido del guion, los ensayos, la iluminación, el doblaje, el montaje y la dirección de la segunda unidad. ^{[ 22 ]} En la última película de Kurosawa como asistente de dirección de Yamamoto, Caballo (1941), Kurosawa se hizo cargo de la mayor parte de la producción, ya que su mentor estaba ocupado con el rodaje de otra película. ^{[ 23 ]}

Yamamoto le aconsejó a Kurosawa que un buen director necesitaba dominar la escritura de guiones. ^{[ 24 ]} Kurosawa pronto se dio cuenta de que las ganancias potenciales de sus guiones eran mucho mayores que lo que le pagaban como asistente de dirección. ^{[ 25 ]} Posteriormente escribió o coescribió todas sus películas y con frecuencia escribió guiones para otros directores, como la película de Satsuo Yamamoto , El triunfo de las alas ( Tsubasa no gaika , 1942). Esta actividad como guionista externo le serviría a Kurosawa como una lucrativa actividad secundaria que se mantuvo hasta bien entrada la década de 1960, mucho después de que se hiciera famoso. ^{[ 26 ]}

En los dos años posteriores al estreno de *El caballo* en 1941, Kurosawa buscó una historia que le sirviera para lanzar su carrera como director. A finales de 1942, aproximadamente un año después del ataque japonés a Pearl Harbor , el novelista Tsuneo Tomita publicó * Sanshiro Sugata* , una novela de judo inspirada en Musashi Miyamoto , cuyos anuncios intrigaron a Kurosawa. Compró el libro el mismo día de su publicación, lo devoró de una sentada e inmediatamente pidió a Toho que adquiriera los derechos cinematográficos. El instinto inicial de Kurosawa resultó acertado, ya que, en pocos días, otros tres importantes estudios japoneses también ofrecieron comprar los derechos. Toho se impuso y Kurosawa comenzó la preproducción de su ópera prima como director. ^{[ 27 ] [ 28 ]}

El rodaje de Sanshiro Sugata comenzó en Yokohama en diciembre de 1942. La producción transcurrió sin problemas, pero conseguir que la película superara la censura fue una cuestión completamente distinta. La oficina de censura consideró la obra objetablemente "británico-estadounidense" según los estándares del Japón de la Segunda Guerra Mundial, y solo gracias a la intervención del director Yasujirō Ozu , quien defendió la película, Sanshiro Sugata fue finalmente aceptada para su estreno el 25 de marzo de 1943. (Kurosawa acababa de cumplir 33 años). La película se convirtió en un éxito tanto de crítica como de taquilla. Sin embargo, la oficina de censura decidió posteriormente recortar 18 minutos de metraje, gran parte del cual se considera ahora perdido. ^{[ 29 ] [ 30 ]}

A continuación, abordó el tema de las obreras de fábrica durante la guerra en «La más bella» , una película de propaganda que rodó en estilo semidocumental a principios de 1944. Para obtener interpretaciones realistas de sus actrices, el director las hizo vivir en una fábrica real durante el rodaje, comer la comida de la fábrica y llamarse entre sí por los nombres de sus personajes. Utilizaría métodos similares con sus intérpretes a lo largo de su carrera. ^{[ 31 ] [ 32 ]} Durante la producción, la actriz que interpretaba a la líder de las obreras, Yōko Yaguchi , fue elegida por sus compañeras para presentar sus demandas al director. Ella y Kurosawa estaban constantemente en desacuerdo, y fue a través de estas discusiones que, paradójicamente, se acercaron. Se casaron el 21 de mayo de 1945, con Yaguchi embarazada de dos meses (nunca retomó su carrera como actriz), y la pareja permaneció junta hasta la muerte de ella en 1985. ^{[ 33 ] [ 34 ]} Tuvieron dos hijos, ambos supervivientes de Kurosawa hasta 2026.: un hijo, Hisao, nacido el 20 de diciembre de 1945, que se desempeñó como productor en algunos de los últimos proyectos de su padre, y Kazuko , una hija, nacida el 29 de abril de 1954, que se convirtió en diseñadora de vestuario. ^{[ 35 ]}

Poco antes de su matrimonio, Kurosawa fue presionado por el estudio, en contra de su voluntad, para dirigir una secuela de su ópera prima. Sanshiro Sugata Parte II , a menudo abiertamente propagandística, estrenada en mayo de 1945, es generalmente considerada una de sus películas más flojas. ^{[ 36 ] [ 37 ]}

Kurosawa decidió escribir el guion de una película que fuera a la vez aceptable para la censura y menos costosa de producir. Los hombres que pisan la cola del tigre , basada en la obra de Kabuki Kanjinchō y protagonizada por el comediante Enoken, con quien Kurosawa había trabajado a menudo durante su época como asistente de dirección, se completó en septiembre de 1945. Para entonces, Japón se había rendido y la ocupación había comenzado. Los nuevos censores estadounidenses interpretaron los valores supuestamente promovidos en la película como excesivamente "feudales" y la prohibieron. No se estrenó hasta 1952, el mismo año en que se estrenó otra película de Kurosawa, Ikiru . Durante su producción, la película ya había sido fuertemente censurada por los censores japoneses de guerra por considerarla demasiado occidental y "democrática" (les disgustaba especialmente el portero cómico interpretado por Enoken), por lo que probablemente la película no habría visto la luz incluso si la guerra hubiera continuado después de su finalización. ^{[ 38 ] [ 39 ]}

Tras la guerra, Kurosawa, influenciado por los ideales democráticos de la Ocupación, buscó realizar películas que establecieran un nuevo respeto hacia el individuo y el yo. ^{[ 40 ]} La primera de estas películas, Sin remordimientos por nuestra juventud (1946), inspirada tanto en el incidente de Takigawa de 1933 como en el caso de espionaje de Hotsumi Ozaki durante la guerra, criticó el régimen japonés de preguerra por su opresión política. ^{[ nota 2 ]} Atípicamente para el director, el personaje central heroico es una mujer, Yukie ( Setsuko Hara ), quien, nacida en el seno de una familia privilegiada de clase media alta, llega a cuestionar sus valores en tiempos de crisis política. El guion original tuvo que ser reescrito extensamente y, debido a su temática controvertida y al género de su protagonista, la obra final dividió a la crítica. Sin embargo, logró ganarse la aprobación del público, que convirtió variaciones del título de la película («sin remordimientos por...») en un lema de la posguerra . ^{[ 43 ] [ 44 ]}

Su siguiente película, Un domingo maravilloso , se estrenó en julio de 1947 con críticas mixtas. Fue el resultado de una colaboración con su amigo de la infancia Keinosuke Uekusa. ^{[ 45 ]} La película es una historia de amor sentimental que trata sobre una pareja empobrecida que intenta disfrutar de su único día libre semanal en medio de la devastación del Tokio de la posguerra. La película lleva la influencia de Frank Capra , DW Griffith y FW Murnau , cada uno de los cuales estaba entre los directores favoritos de Kurosawa. ^{[ 46 ] [ 47 ] [ 48 ]} Otra película estrenada en 1947 con la participación de Kurosawa fue el thriller de acción y aventuras, Sendero de nieve , dirigido por Senkichi Taniguchi a partir del guion de Kurosawa. Marcó el debut del intenso joven actor Toshiro Mifune . Fue Kurosawa quien, junto con su mentor Yamamoto, intervino para persuadir a Toho de que contratara a Mifune, durante una audición en la que el joven impresionó mucho a Kurosawa, pero logró enemistarse con la mayoría de los demás jueces. ^{[ 49 ]}

Drunken Angel se considera a menudo la primera obra importante del director. ^{[ 50 ]} Aunque el guion, como todas las obras de Kurosawa de la época de la ocupación, tuvo que pasar por reescrituras debido a la censura estadounidense, Kurosawa sintió que esta fue la primera película en la que pudo expresarse libremente. Una historia cruda de un médico que intenta salvar a un gánster ( yakuza ) con tuberculosis , también fue la primera vez que Kurosawa dirigió a Mifune, quien luego interpretó papeles principales en todas menos una de las siguientes 16 películas del director (la excepción es Ikiru ). Si bien Mifune no fue elegido como el protagonista en Drunken Angel , su explosiva actuación como el gánster domina tanto el drama que desvió el foco del personaje principal, el médico alcohólico interpretado por Takashi Shimura , que ya había aparecido en varias películas de Kurosawa. Sin embargo, Kurosawa no quería sofocar la inmensa vitalidad del joven actor, y el personaje rebelde de Mifune electrizó al público de forma similar a como la postura desafiante de Marlon Brando sorprendería al público cinematográfico estadounidense unos años más tarde. ^{[ 51 ]} La película se estrenó en Tokio en abril de 1948 con críticas entusiastas y fue elegida por la prestigiosa encuesta de críticos Kinema Junpo como la mejor película del año, la primera de tres películas de Kurosawa en recibir tal honor. ^{[ 52 ] [ 53 ]}

Después de la finalización de Drunken Angel , Toho se vio envuelto en una huelga laboral de varios meses , en la que el sindicato de Toho ocupó los terrenos del estudio. Cuando la gerencia de Toho dejó de pagar los salarios de los trabajadores, Kurosawa formó una compañía teatral itinerante para recaudar fondos, dirigiendo La propuesta de Anton Chéjov y una adaptación de Drunken Angel protagonizada por Mifune y Shimura. ^{[ 54 ]} Desilusionado por la división y la violencia entre los empleados de Toho, las tácticas solapadas de la dirección de Toho y el desmantelamiento de la ocupación por la policía y el enfrentamiento militar , Kurosawa dejó Toho, recordando más tarde: "Había llegado a comprender que el estudio que había creído que era mi hogar en realidad pertenecía a extraños". ^{[ 55 ]} Kurosawa, con el productor Sōjirō Motoki y los directores y amigos Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse y Senkichi Taniguchi, formó una nueva unidad de producción independiente llamada Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Para el primer trabajo de esta organización, y la primera película de los estudios Daiei , Kurosawa recurrió a una obra de teatro contemporánea de Kazuo Kikuta y, junto con Taniguchi, la adaptó para la pantalla. El Duelo Silencioso estuvo protagonizado por Toshiro Mifune como un joven médico idealista que lucha contra la sífilis , un intento deliberado de Kurosawa por alejar al actor del encasillamiento de gánsteres. Estrenada en marzo de 1949, fue un éxito de taquilla, pero generalmente se la considera una de las obras menores del director. ^{[ 56 ] [ 57 ]}

Su segunda película de 1949, también producida por Film Art Association y estrenada por Shintoho , fue Stray Dog . Es una película de detectives (quizás la primera película japonesa importante de ese género) ^{[ 58 ]} que explora el estado de ánimo de Japón durante su dolorosa recuperación de posguerra a través de la historia de un joven detective, interpretado por Mifune, y su obsesión por recuperar su pistola, que fue robada por un veterano de guerra sin un centavo que procede a usarla para robar y asesinar. Adaptada de una novela inédita de Kurosawa al estilo de uno de sus escritores favoritos, Georges Simenon , fue la primera colaboración del director con el guionista Ryuzo Kikushima , quien más tarde ayudaría a escribir el guion de otras ocho películas de Kurosawa. Una famosa secuencia, prácticamente sin diálogos, que dura más de ocho minutos, muestra al detective, disfrazado de un veterano empobrecido, vagando por las calles en busca del ladrón de armas; Empleó imágenes documentales reales de barrios de Tokio devastados por la guerra, filmadas por el amigo de Kurosawa, Ishirō Honda , futuro director de Godzilla . ^{[ 59 ] [ 60 ]} La película se considera precursora de los géneros contemporáneos de películas policíacas y de policías compañeros . ^{[ 61 ]}

Escándalo , estrenada por Shochiku en abril de 1950, se inspiró en las experiencias personales del director con el periodismo sensacionalista japonés (y su indignación hacia él) . La obra es una ambiciosa mezcla de drama judicial y película de denuncia social sobre la libertad de expresión y la responsabilidad individual, pero incluso Kurosawa consideró que el producto final carecía de enfoque dramático y era insatisfactorio, y casi todos los críticos coinciden. ^{[ 62 ] [ 63 ]} Sin embargo, sería la segunda película de Kurosawa de 1950 la que finalmente le granjearía (a él y al cine japonés) una nueva audiencia internacional. ^{[ 64 ] [ 65 ]}

Después de terminar Scandal , los estudios Daiei se pusieron en contacto con Kurosawa para que hiciera otra película para ellos. Kurosawa eligió un guion de un joven y prometedor guionista, Shinobu Hashimoto , quien eventualmente trabajaría en nueve de sus películas. Su primer esfuerzo conjunto se basó en el cuento experimental de Ryūnosuke Akutagawa , " En un bosque ", que relata el asesinato de un samurái y la violación de su esposa desde varios puntos de vista diferentes y contradictorios. Kurosawa vio potencial en el guion y, con la ayuda de Hashimoto, lo pulió y amplió, luego se lo presentó a Daiei, que aceptó el proyecto con gusto debido a su bajo presupuesto. ^{[ 66 ]} El rodaje de Rashomon comenzó el 7 de julio de 1950 y, después de un extenso trabajo en exteriores en el bosque primigenio de Nara , concluyó el 17 de agosto. Solo se dedicó una semana a la apresurada posproducción, obstaculizada por un incendio en el estudio, y la película terminada se estrenó en el Teatro Imperial de Tokio el 25 de agosto, expandiéndose a nivel nacional al día siguiente. La película recibió críticas tibias, y muchos críticos se mostraron desconcertados por su tema y tratamiento únicos, pero aun así fue un éxito financiero moderado para Daiei. ^{[ 67 ] [ 68 ]}

La siguiente película de Kurosawa, para Shochiku, fue El idiota , una adaptación de la novela del escritor favorito del director, Fiódor Dostoievski . La historia se traslada de Rusia a Hokkaido , pero por lo demás se mantiene fiel al original, un hecho que muchos críticos consideran perjudicial para la obra. Un montaje impuesto por el estudio la redujo de los 265 minutos del montaje original de Kurosawa a tan solo 166 minutos, lo que dificultó enormemente el seguimiento de la narrativa. La versión cinematográfica, severamente editada, es considerada una de las obras menos exitosas del director, y la versión original completa ya no existe. Las críticas contemporáneas de la versión editada fueron muy negativas, pero la película tuvo un éxito moderado en taquilla, en gran parte debido a la popularidad de una de sus estrellas, Setsuko Hara . ^{[ 69 ]}

Mientras tanto, sin que Kurosawa lo supiera, Rashomon había sido inscrita en el Festival de Cine de Venecia , gracias a los esfuerzos de Giuliana Stramigioli , una representante radicada en Japón de una compañía cinematográfica italiana, quien había visto y admirado la película y convenció a Daiei de presentarla. El 10 de septiembre de 1951, Rashomon recibió el máximo galardón del festival, el León de Oro , lo que sorprendió no solo a Daiei sino también al mundo cinematográfico internacional, que en ese momento desconocía en gran medida la tradición cinematográfica japonesa de décadas de antigüedad. ^{[ 70 ]} Después de que Daiei exhibiera brevemente una copia subtitulada de la película en Los Ángeles, RKO compró los derechos de distribución de Rashomon en los Estados Unidos. La compañía estaba asumiendo un riesgo considerable. Solo había estrenado una película subtitulada anteriormente en el mercado estadounidense, y la única película sonora japonesa estrenada comercialmente en Nueva York había sido la comedia de Mikio Naruse, ¡ Esposa! ¡Sé como una rosa!, en 1937: un fracaso de crítica y taquilla. Sin embargo, el éxito comercial de Rashomon , impulsado en gran medida por las excelentes críticas de la crítica especializada e incluso del columnista Ed Sullivan , recaudó 35.000 dólares en sus primeras tres semanas en un solo teatro de Nueva York, una suma casi inaudita en aquel entonces. ^{[ 71 ]}

Este éxito, a su vez, provocó una moda en Estados Unidos y Occidente por las películas japonesas durante la década de 1950, reemplazando el entusiasmo por el cine neorrealista italiano . ^{[ 71 ]} A finales de 1952, Rashomon se estrenó en Japón, Estados Unidos y la mayor parte de Europa. Entre los cineastas japoneses cuyas obras, como resultado, comenzaron a ganar premios en festivales y a tener estrenos comerciales en Occidente se encontraban Kenji Mizoguchi ( La vida de Oharu , Ugetsu , Sansho el alguacil ) y, algo más tarde, Yasujirō Ozu ( Historia de Tokio , Una tarde de otoño ), artistas muy respetados en Japón pero, antes de este período, casi totalmente desconocidos en Occidente. ^{[ 72 ]}

Impulsado por su repentina fama internacional, Kurosawa, ahora reunido con su estudio cinematográfico original, Toho (que produciría sus siguientes 11 películas), se puso a trabajar en su siguiente proyecto, Ikiru . Basada en La muerte de Iván Ilich de León Tolstói , la película está protagonizada por Takashi Shimura como Watanabe, un burócrata tokiota enfermo de cáncer, en una última búsqueda de sentido antes de su muerte. ^{[ 73 ]} Para el guion, Kurosawa contó con Hashimoto y el escritor Hideo Oguni , quien posteriormente coescribiría doce películas de Kurosawa. A pesar del sombrío tema de la obra, los guionistas adoptaron un enfoque satírico, que algunos han comparado con la obra de Brecht , tanto del mundo burocrático de su protagonista como de la colonización cultural estadounidense de Japón. (Las canciones pop estadounidenses tienen un papel destacado en la película). Gracias a esta estrategia, se suele atribuir a los cineastas el mérito de haber salvado la película del sentimentalismo común en los dramas sobre personajes con enfermedades terminales. Ikiru se estrenó en octubre de 1952 con críticas entusiastas —le valió a Kurosawa su segundo premio Kinema Junpo a la "Mejor Película"— y un enorme éxito de taquilla. Sigue siendo la película más aclamada del artista ambientada en la era moderna. ^{[ 74 ] [ 75 ]}

En diciembre de 1952, Kurosawa llevó a sus guionistas de Ikiru , Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, a una residencia aislada de cuarenta y cinco días en una posada para crear el guion de su siguiente película, Los siete samuráis . Esta obra coral fue la primera película de samuráis propiamente dicha de Kurosawa , el género por el que se haría más famoso. La sencilla historia, sobre una aldea agrícola pobre en el Japón del período Sengoku que contrata a un grupo de samuráis para defenderla de un inminente ataque de bandidos, recibió un tratamiento épico completo, con un enorme reparto (en su mayoría veteranos de producciones anteriores de Kurosawa) y una acción meticulosamente detallada, que se extendió a casi tres horas y media de metraje. ^{[ 76 ]}

Se invirtieron tres meses en la preproducción y un mes en los ensayos. El rodaje duró 148 días, repartidos a lo largo de casi un año, interrumpido por problemas de producción y financiación, así como por los problemas de salud de Kurosawa. La película finalmente se estrenó en abril de 1954, medio año después de su fecha de estreno original y con un presupuesto tres veces superior al previsto, lo que la convirtió en la película japonesa más cara jamás realizada en aquel momento. (Sin embargo, para los estándares de Hollywood, fue una producción con un presupuesto bastante modesto, incluso para la época). La película recibió críticas positivas y se convirtió en un gran éxito, recuperando rápidamente la inversión y proporcionando al estudio un producto que pudieron comercializar internacionalmente, aunque con numerosos cortes. Con el tiempo, y gracias a los estrenos en cines y en vídeo doméstico de la versión sin cortes, su reputación ha ido creciendo. Actualmente, algunos críticos la consideran la mejor película japonesa jamás realizada, y en 1999 una encuesta entre críticos de cine japoneses también la votó como la mejor película japonesa de la historia. ^{[ 76 ] [ 77 ]} En la versión más reciente (2022) de la muy respetada encuesta "Las mejores películas de todos los tiempos" del British Film Institute (BFI) Sight & Sound , Los siete samuráis se ubicó en el puesto 20 entre todas las películas de todos los países en la encuesta de la crítica y empató en el puesto 14 en la encuesta de los directores, recibiendo un lugar en las listas de los diez mejores de 48 críticos y 22 directores. ^{[ 78 ]}

En 1954, las pruebas nucleares en el Pacífico provocaban lluvias radiactivas en Japón, y un incidente en marzo expuso un barco pesquero japonés a la lluvia radiactiva , con consecuencias desastrosas. En este ambiente de ansiedad se concibió la siguiente película de Kurosawa, " Vivo con miedo" . La historia trataba sobre un anciano propietario de una fábrica (Toshiro Mifune) tan aterrorizado ante la perspectiva de un ataque nuclear que decide trasladar a toda su familia (tanto la legal como la extramarital) a lo que él imagina que es la seguridad de una granja en Brasil. La producción transcurrió con mucha más fluidez que la de la película anterior del director, pero pocos días antes de finalizar el rodaje, el compositor, colaborador y amigo íntimo de Kurosawa, Fumio Hayasaka, falleció (de tuberculosis) a los 41 años. La banda sonora de la película fue terminada por el alumno de Hayasaka, Masaru Sato , quien posteriormente compondría la música de las siguientes ocho películas de Kurosawa. Yo vivo con miedo se estrenó en noviembre de 1955 con críticas mixtas y una tibia acogida por parte del público, convirtiéndose en la primera película de Kurosawa en generar pérdidas durante su estreno en cines. Hoy en día, muchos la consideran una de las mejores películas que abordan los efectos psicológicos del estancamiento nuclear mundial. ^{[ 79 ] [ 80 ] [ 81 ]}

El siguiente proyecto de Kurosawa, Trono de sangre , una adaptación de Macbeth de William Shakespeare —ambientada, al igual que Los siete samuráis , en la era Sengoku— representó una ambiciosa transposición de la obra inglesa a un contexto japonés. Kurosawa instruyó a su actriz principal, Isuzu Yamada , para que considerara la obra como una versión cinematográfica de un clásico literario japonés en lugar de uno europeo. Dado el aprecio de Kurosawa por la actuación teatral tradicional japonesa, las interpretaciones de los actores, en particular la de Yamada, se basan en gran medida en las técnicas estilizadas del teatro Noh . Fue filmada en 1956 y estrenada en enero de 1957 con una respuesta nacional ligeramente menos negativa que la película anterior del director. En el extranjero, Trono de sangre , independientemente de las libertades que se toma con su material original, rápidamente se ganó un lugar entre las adaptaciones de Shakespeare más célebres. ^{[ 82 ] [ 83 ] [ 84 ]}

Casi de inmediato le siguió otra adaptación de una obra teatral europea clásica: la producción de *Los bajos fondos* , basada en una obra de Maxim Gorki , que tuvo lugar en mayo y junio de 1957. A diferencia de la grandiosidad shakesperiana de * Trono de sangre* , *Los bajos fondos* se filmó en solo dos escenarios reducidos, para enfatizar la naturaleza limitada de la vida de los personajes. Si bien fiel a la obra, esta adaptación de material ruso a un contexto completamente japonés —en este caso, el final del período Edo— , a diferencia de su anterior * El idiota* , fue considerada un éxito artístico. La película se estrenó en septiembre de 1957, recibiendo una respuesta mixta similar a la de * Trono de sangre* . Sin embargo, algunos críticos la incluyen entre las obras más infravaloradas del director. ^{[ 85 ] [ 86 ]}

Las tres películas siguientes de Kurosawa tras Los siete samuráis no lograron cautivar al público japonés como lo había hecho esta última. El tono de la obra del director se había vuelto cada vez más pesimista y sombrío, incluso cuando Japón entraba en un período de auge con un rápido crecimiento y un aumento del nivel de vida. En desacuerdo con el sentir general de la época, las películas de Kurosawa cuestionaban la posibilidad de redención a través de la responsabilidad personal, especialmente en Trono de sangre y Los bajos fondos . Consciente de ello, buscó deliberadamente una película más ligera y entretenida para su siguiente producción, adaptándose al nuevo formato panorámico que ganaba popularidad en Japón. La película resultante, La fortaleza escondida , es una comedia dramática de acción y aventuras sobre una princesa medieval, su leal general y dos campesinos que deben atravesar las líneas enemigas para llegar a su región natal. Estrenada en diciembre de 1958, La fortaleza escondida se convirtió en un enorme éxito de taquilla en Japón y fue recibida con entusiasmo por la crítica tanto en Japón como en el extranjero. Hoy en día, la película es considerada una de las obras más ligeras de Kurosawa, aunque sigue siendo popular, sobre todo porque es una de las principales influencias en la ópera espacial de George Lucas de 1977 , Star Wars . ^{[ 87 ] [ 88 ]}

A partir de Rashomon , las producciones de Kurosawa se volvieron cada vez más ambiciosas, al igual que los presupuestos del director. Toho, preocupado por esta situación, le sugirió que podría ayudar a financiar sus propios proyectos, reduciendo así las posibles pérdidas del estudio y, a su vez, permitiéndole mayor libertad artística como coproductor. Kurosawa aceptó, y la Kurosawa Production Company se fundó en abril de 1959, con Toho como accionista mayoritario. ^{[ 89 ]}

A pesar de arriesgar su propio dinero, Kurosawa eligió una historia que criticaba a las élites empresariales y políticas japonesas de forma más directa que cualquier obra anterior. Los malos duermen bien , basada en un guion de su sobrino Mike Inoue, es un drama de venganza sobre un joven que logra infiltrarse en la jerarquía de una empresa japonesa corrupta con la intención de desenmascarar a los responsables de la muerte de su padre. Su temática resultó de actualidad: mientras se rodaba la película, se produjeron las multitudinarias protestas de Anpo contra el nuevo tratado de seguridad entre Estados Unidos y Japón , que muchos japoneses, sobre todo los jóvenes, consideraban una amenaza para la democracia del país al otorgar demasiado poder a las corporaciones y los políticos. La película se estrenó en septiembre de 1960 con una buena acogida por parte de la crítica y un éxito moderado en taquilla. La secuencia inicial de 25 minutos, que muestra una recepción de boda corporativa, es considerada una de las escenas más magistralmente ejecutadas de Kurosawa, pero el resto de la película suele considerarse decepcionante en comparación. La película también ha sido criticada por emplear al héroe convencional de Kurosawa para combatir un mal social que no puede resolverse mediante las acciones de los individuos, por muy valientes o astutos que sean. ^{[ 90 ] [ 91 ]}

Yojimbo ( El guardaespaldas ), la segunda película de Kurosawa Productions, se centra en Sanjuro, un samurái sin amo que llega a un pueblo del siglo XIX gobernado por dos facciones violentas y opuestas, incitándolas a destruirse mutuamente. El director utilizó esta obra para jugar con diversas convenciones del género, en particular con las del western , a la vez que ofrecía una representación gráfica de la violencia sin precedentes (para la pantalla japonesa). Algunos críticos han interpretado al personaje de Sanjuro como una figura fantástica que, por arte de magia, revierte el triunfo histórico de la corrupta clase mercantil sobre la clase samurái. Con Tatsuya Nakadai en su primer papel importante en una película de Kurosawa, y con la innovadora fotografía de Kazuo Miyagawa (director de Rashomon ) y Takao Saito , la película se estrenó en abril de 1961 y fue un éxito de crítica y público, recaudando más que cualquier otra película anterior de Kurosawa. La película y su humor negro fueron ampliamente imitados en el extranjero. Por un puñado de dólares de Sergio Leone fue una adaptación virtual (no autorizada) escena por escena, con Toho presentando una demanda en nombre de Kurosawa y ganando el caso. ^{[ 92 ] [ 93 ]}

Tras el éxito de Yojimbo , Kurosawa se vio presionado por Toho para crear una secuela. Kurosawa recurrió a un guion que había escrito antes de Yojimbo , reelaborándolo para incluir al héroe de su película anterior. Sanjuro fue la primera de las tres películas de Kurosawa adaptadas de la obra del escritor Shūgorō Yamamoto ; las otras dos fueron Barba Roja y Dodeskaden . Tiene un tono más ligero y se acerca más a una película de época convencional que Yojimbo , aunque su historia de lucha de poder dentro de un clan samurái se presenta con fuertes matices cómicos. La película se estrenó el 1 de enero de 1962, superando rápidamente el éxito de taquilla de Yojimbo y cosechando críticas positivas . ^{[ 94 ] [ 95 ]}

Mientras tanto, Kurosawa había encargado a Toho la compra de los derechos cinematográficos de « El rescate del rey» , una novela sobre un secuestro escrita por el autor y guionista estadounidense Evan Hunter , bajo el seudónimo de Ed McBain, como parte de su serie de novelas policíacas «87th Precinct» . El director pretendía crear una obra que condenara el secuestro, considerado uno de los peores crímenes. La película de suspense, titulada « Alto y bajo» , se rodó en la segunda mitad de 1962 y se estrenó en marzo de 1963. Rompió el récord de taquilla de Kurosawa (la tercera película consecutiva en lograrlo), se convirtió en la película japonesa más taquillera del año y recibió críticas entusiastas. Su triunfo se vio empañado cuando se culpó a la película de una ola de secuestros que tuvo lugar en Japón por esas fechas. Él mismo recibió amenazas de secuestro dirigidas a su hija pequeña, Kazuko. Muchos críticos consideran «Alto y bajo» una de las obras más destacadas del director. ^{[ 96 ] [ 97 ]}

Kurosawa pasó rápidamente a su siguiente proyecto, Barba Roja . Basada en una colección de relatos de Shūgorō Yamamoto e incorporando elementos de la novela de Dostoievski, Los Insultados y los Heridos , es una película de época ambientada en una clínica para pobres de mediados del siglo XIX, en la que los temas humanistas de Kurosawa encuentran quizás su máxima expresión. Yasumoto, un joven médico presuntuoso y materialista, formado en el extranjero, se ve obligado a realizar una pasantía en la clínica bajo la estricta tutela del doctor Niide, conocido como "Akahige" ("Barba Roja"), interpretado por Mifune. Aunque inicialmente se resiste a Barba Roja, Yasumoto llega a admirar su sabiduría y valentía, y a percibir a los pacientes de la clínica, a quienes al principio despreciaba, como merecedores de compasión y dignidad. ^{[ 98 ]}

Yūzō Kayama , quien interpreta a Yasumoto, era una estrella de cine y música extremadamente popular en ese momento, particularmente por su serie de comedias musicales "Young Guy" ( Wakadaishō ), por lo que contratarlo para aparecer en la película prácticamente garantizó a Kurosawa un gran éxito de taquilla. El rodaje, el más largo del cineasta, duró más de un año (después de cinco meses de preproducción) y concluyó en la primavera de 1965, dejando al director, su equipo y sus actores exhaustos. Barba Roja se estrenó en abril de 1965, convirtiéndose en la producción japonesa más taquillera del año y la tercera (y última) película de Kurosawa en encabezar la prestigiosa encuesta anual de críticos Kinema Jumpo . Sigue siendo una de las obras más conocidas y queridas de Kurosawa en su país natal. Fuera de Japón, la crítica ha estado mucho más dividida. La mayoría de los críticos reconocen sus méritos técnicos y algunos la elogian como una de las mejores obras de Kurosawa, mientras que otros insisten en que carece de complejidad y de verdadero poder narrativo, y otros más afirman que representa un retroceso respecto al compromiso previo del artista con el cambio social y político. ^{[ 99 ] [ 100 ]}

La película marcó, en cierto modo, el fin de una era para su creador. El propio director lo reconoció en el momento de su estreno, diciéndole al crítico Donald Richie que un ciclo de algún tipo acababa de terminar y que sus futuras películas y métodos de producción serían diferentes. ^{[ 101 ]} Su predicción resultó bastante acertada. A partir de finales de la década de 1950, la televisión dominó cada vez más el tiempo libre de la otrora numerosa y fiel audiencia cinematográfica japonesa. Y a medida que disminuían los ingresos de las compañías cinematográficas, también lo hacía su apetito por el riesgo, en particular el riesgo que representaban los costosos métodos de producción de Kurosawa. ^{[ 102 ]} Barba Roja también marcó el punto medio, cronológicamente, en la carrera del artista. Durante sus veintinueve años anteriores en la industria cinematográfica (incluidos sus cinco años como ayudante de dirección), había dirigido veintitrés películas; durante los veintiocho años restantes, por muchas razones complejas, solo completaría siete más. Además, por razones que nunca se explicaron adecuadamente, Barba Roja sería su última película protagonizada por Toshiro Mifune. Yū Fujiki , actor que trabajó en Los bajos fondos , observó, respecto a la cercanía entre ambos en el set: «El corazón del Sr. Kurosawa estaba en el cuerpo del Sr. Mifune». ^{[ 103 ]} Donald Richie describió la relación entre ellos como una «simbiosis» única. ^{[ 104 ]}

Cuando el contrato exclusivo de Kurosawa con Toho finalizó en 1966, el director, de 56 años, contemplaba seriamente un cambio. Observando el problemático estado de la industria cinematográfica nacional y habiendo recibido ya decenas de ofertas del extranjero, la idea de trabajar fuera de Japón le resultaba más atractiva que nunca. ^{[ 105 ]} Para su primer proyecto extranjero, Kurosawa eligió una historia basada en un artículo de la revista Life . El thriller de acción de Embassy Pictures , que se filmaría en inglés y se titularía simplemente Runaway Train , habría sido su primera película en color. Pero la barrera del idioma resultó ser un gran problema, y ​​la versión en inglés del guion ni siquiera estaba terminada cuando debía comenzar el rodaje en otoño de 1966. El rodaje, que requería nieve, se pospuso hasta otoño de 1967 y luego se canceló en 1968. Casi dos décadas después, otro director extranjero que trabajaba en Hollywood, Andrei Konchalovsky , finalmente realizó Runaway Train (1985), aunque a partir de un nuevo guion vagamente basado en el de Kurosawa. ^{[ 106 ]}

Mientras tanto, el director se había involucrado en un proyecto mucho más ambicioso de Hollywood. ¡Tora! ¡Tora! ¡Tora!, producida por 20th Century Fox y Kurosawa Production, sería una representación del ataque japonés a Pearl Harbor desde los puntos de vista estadounidense y japonés, con Kurosawa dirigiendo la mitad japonesa y un cineasta angloparlante dirigiendo la mitad estadounidense. Pasó varios meses trabajando en el guion con Ryuzo Kikushima y Hideo Oguni, pero el proyecto pronto comenzó a desmoronarse. ^{[ 107 ]} El director de las secuencias estadounidenses resultó no ser David Lean , como se había planeado originalmente, sino el estadounidense Richard Fleischer . ^{[ 108 ]} El presupuesto también se redujo, y el tiempo en pantalla asignado para el segmento japonés ahora no sería más de 90 minutos, un gran problema, considerando que el guion de Kurosawa duraba más de cuatro horas. Después de numerosas revisiones con la participación directa de Darryl Zanuck , se acordó un guion prácticamente finalizado en mayo de 1968. ^{[ 109 ]}

El rodaje comenzó a principios de diciembre, pero Kurosawa solo dirigió durante tres semanas. Tuvo dificultades para trabajar con un equipo desconocido y las exigencias de una producción de Hollywood, mientras que sus métodos de trabajo desconcertaron a sus productores estadounidenses, quienes finalmente concluyeron que el director debía estar mentalmente enfermo. Kurosawa fue examinado en el Hospital Universitario de Kioto por el neuropsicólogo Dr. Murakami, cuyo diagnóstico fue remitido a Darryl Zanuck y Richard Zanuck en los estudios Fox, indicando un diagnóstico de neurastenia y afirmando que: «Sufre trastornos del sueño, agitación con sentimientos de ansiedad y excitación maníaca causada por la enfermedad antes mencionada. Necesita reposo y tratamiento médico durante más de dos meses». ^{[ 110 ]} En la víspera de Navidad de 1968, los estadounidenses anunciaron que Kurosawa había abandonado la producción por «fatiga», despidiéndolo efectivamente. Finalmente fue reemplazado, para las secuencias japonesas de la película, por dos directores, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda . ^{[ 111 ]}

¡Tora! ¡Tora! ¡Tora!, estrenada finalmente en septiembre de 1970 con críticas poco entusiastas, fue, como lo expresó Donald Richie, una "tragedia casi absoluta" en la carrera de Kurosawa. Había dedicado años a un proyecto logísticamente caótico al que, en última instancia, no contribuyó con ni un solo metro de película filmada personalmente. (Su nombre fue eliminado de los créditos, aunque el guion utilizado para la parte japonesa seguía siendo suyo y de sus coguionistas). Se distanció de su colaborador de larga data, el escritor Ryuzo Kikushima, y ​​nunca volvió a trabajar con él. El proyecto expuso inadvertidamente la corrupción dentro de su productora (una situación que recuerda a su propia película, Los malos duermen bien ). Su propia cordura fue puesta en duda. Lo peor de todo es que la industria cinematográfica japonesa —y quizás el propio Kurosawa— comenzó a sospechar que nunca volvería a hacer otra película. ^{[ 112 ] [ 113 ]}

Sabiendo que su reputación estaba en juego tras el muy publicitado fiasco de Tora! Tora! Tora!, Kurosawa se apresuró a emprender un nuevo proyecto para demostrar que aún era viable. En su ayuda acudieron sus amigos y renombrados directores Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi y Kon Ichikawa , quienes, junto con Kurosawa, fundaron en julio de 1969 una productora llamada Club de los Cuatro Caballeros ( Yonki no kai ). Aunque el plan era que cada uno de los cuatro directores creara una película, se ha sugerido que la verdadera motivación de los otros tres era facilitarle a Kurosawa la tarea de completar con éxito una película y, por lo tanto, reinsertarse en la industria. ^{[ 114 ] [ 115 ]}

El primer proyecto propuesto y desarrollado fue una película de época titulada Dora-heita , pero al considerarse demasiado costosa, la atención se centró en Dodesukaden , una adaptación de otra obra de Shūgorō Yamamoto, también sobre los pobres y desamparados. La película se rodó rápidamente (para los estándares de Kurosawa) en unas nueve semanas, con Kurosawa decidido a demostrar que aún era capaz de trabajar con rapidez y eficiencia con un presupuesto limitado. Para su primer trabajo en color, se dejaron de lado el montaje dinámico y las composiciones complejas de sus películas anteriores, y el artista se centró en crear una paleta de colores primarios audaz, casi surrealista, para revelar el ambiente tóxico en el que viven los personajes. Se estrenó en Japón en octubre de 1970, pero, aunque tuvo un éxito moderado de crítica, fue recibida con indiferencia por el público. La película generó pérdidas y el Club de los Cuatro Caballeros se disolvió. La recepción inicial en el extranjero fue algo más favorable, pero desde entonces Dodesukaden se ha considerado generalmente un experimento interesante, no comparable a las mejores obras del director. ^{[ 116 ]}

Tras las dificultades que supuso la producción de Dodesukaden , Kurosawa se volcó en la televisión al año siguiente, por única vez en su carrera, con Song of the Horse , un documental sobre caballos de carreras pura sangre. Contaba con una narración en off a cargo de un hombre y un niño ficticios (con las mismas voces que el mendigo y su hijo en Dodesukaden ). Es el único documental en la filmografía de Kurosawa; el pequeño equipo incluía a su colaborador habitual, Masaru Sato, quien compuso la música. Song of the Horse también es único en la obra de Kurosawa porque incluye un crédito de editor, lo que sugiere que es la única película de Kurosawa que él mismo no editó. ^{[ 117 ]}

Incapaz de conseguir financiación para continuar su trabajo y, supuestamente, con problemas de salud, Kurosawa llegó al límite: el 22 de diciembre de 1971, se cortó las venas y la garganta varias veces. Sobrevivió al intento de suicidio y su salud se recuperó con relativa rapidez. Posteriormente, se refugió en la vida doméstica, sin saber si volvería a dirigir otra película. ^{[ 118 ]}

A principios de 1973, el estudio soviético Mosfilm se puso en contacto con el cineasta para preguntarle si estaría interesado en trabajar con ellos. Kurosawa propuso adaptar la obra autobiográfica del explorador ruso Vladimir Arsenyev , Dersu Uzala . El libro, que narra la historia de un cazador Goldi que vive en armonía con la naturaleza hasta que es destruido por la civilización que lo invade, era una obra que había querido adaptar desde la década de 1930. En diciembre de 1973, Kurosawa, de 63 años, partió hacia la Unión Soviética con cuatro de sus colaboradores más cercanos, iniciando una estancia de un año y medio en el país. El rodaje comenzó en mayo de 1974 en Siberia, y filmar en condiciones naturales extremadamente duras resultó muy difícil y exigente. La película se terminó en abril de 1975, y un Kurosawa exhausto y nostálgico regresó a Japón con su familia en junio. Dersu Uzala tuvo su estreno mundial en Japón el 2 de agosto de 1975 y tuvo un buen desempeño en taquilla. Si bien la recepción de la crítica en Japón fue tibia, la película tuvo mejor acogida en el extranjero, ganando el Premio de Oro en el IX Festival Internacional de Cine de Moscú ^{[ 119 ]} , así como un Premio Óscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa . Hoy en día, la crítica sigue dividida respecto a la película: algunos la consideran un ejemplo del supuesto declive artístico de Kurosawa, mientras que otros la incluyen entre sus mejores obras. ^{[ 120 ] [ 121 ]}

Aunque recibió propuestas para proyectos televisivos, no tenía interés en trabajar fuera del mundo del cine. Sin embargo, el director, aficionado a la bebida, accedió a aparecer en una serie de anuncios televisivos para el whisky Suntory , que se emitieron en 1976. A pesar de temer no poder volver a hacer ninguna película, Kurosawa continuó trabajando en diversos proyectos, escribiendo guiones y creando ilustraciones detalladas, con la intención de dejar un registro visual de sus planes en caso de que nunca pudiera filmar sus historias ^{[ 122 ].}

En 1977, George Lucas estrenó Star Wars , una película de ciencia ficción de gran éxito influenciada por La fortaleza escondida de Kurosawa . Lucas, como muchos otros directores del Nuevo Hollywood , veneraba a Kurosawa y lo consideraba un modelo a seguir, y se sorprendió al descubrir que el cineasta japonés no podía conseguir financiación para ningún nuevo proyecto. Los dos se reunieron en San Francisco en julio de 1978 para hablar del proyecto que Kurosawa consideraba más viable económicamente: Kagemusha , la historia épica de un ladrón contratado como doble de un señor medieval japonés de un gran clan. Lucas, cautivado por el guion y las ilustraciones de Kurosawa, aprovechó su influencia sobre 20th Century Fox para obligar al estudio que había despedido a Kurosawa apenas diez años antes a producir Kagemusha , y luego reclutó a su compañero admirador Francis Ford Coppola como coproductor. ^{[ 123 ]}

La producción comenzó en abril del año siguiente, con Kurosawa de muy buen humor. El rodaje duró desde junio de 1979 hasta marzo de 1980 y estuvo plagado de problemas, entre los que destaca el despido del actor principal original, Shintaro Katsu —conocido por interpretar al popular personaje de Zatoichi— debido a un incidente en el que el actor insistió, en contra de los deseos del director, en grabar su propia actuación en vídeo. (Fue reemplazado por Tatsuya Nakadai, en el primero de sus dos papeles protagónicos consecutivos en una película de Kurosawa). La película se terminó con solo unas semanas de retraso y se estrenó en Tokio en abril de 1980. Rápidamente se convirtió en un gran éxito en Japón. La película también fue un éxito de crítica y taquilla en el extranjero, ganando la codiciada Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1980 en mayo, aunque algunos críticos, entonces y ahora, han reprochado a la película su supuesta frialdad. Kurosawa pasó gran parte del resto del año en Europa y América promocionando Kagemusha , recibiendo premios y reconocimientos, y exhibiendo los dibujos que había realizado para servir como guiones gráficos para la película. ^{[ 124 ] [ 125 ]}

El éxito internacional de Kagemusha permitió a Kurosawa continuar con su siguiente proyecto, Ran , otra epopeya de estilo similar. El guion, basado en parte en El rey Lear de Shakespeare , retrataba a un daimyō (señor de la guerra) despiadado y sanguinario, interpretado por Tatsuya Nakadai, quien, tras desterrar imprudentemente a su único hijo leal, entrega su reino a sus otros dos hijos, quienes lo traicionan, sumiendo así a todo el reino en la guerra. Dado que los estudios japoneses aún se mostraban reticentes a producir otra película que figuraría entre las más caras jamás realizadas en el país, se necesitó nuevamente ayuda internacional. Esta vez provino del productor francés Serge Silberman , quien había producido las últimas películas de Luis Buñuel . El rodaje no comenzó hasta diciembre de 1983 y duró más de un año. ^{[ 126 ]} En enero de 1985, la producción de Ran se detuvo cuando la esposa de Kurosawa, Yōko, de 64 años, enfermó. Ella falleció el 1 de febrero. Kurosawa regresó para terminar su película y Ran se estrenó en el Festival de Cine de Tokio el 31 de mayo, con un estreno general al día siguiente. La película tuvo un éxito financiero moderado en Japón, pero mayor en el extranjero y, como había hecho con Kagemusha , Kurosawa emprendió un viaje a Europa y América, donde asistió a los estrenos de la película en septiembre y octubre. ^{[ 127 ]}

Ran ganó varios premios en Japón, pero no fue tan reconocida allí como muchas de las mejores películas del director de las décadas de 1950 y 1960. Sin embargo, el mundo del cine se sorprendió cuando Japón descartó Ran en favor de otra película como su candidata oficial para competir por una nominación al Óscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, que finalmente fue rechazada para competir en la 58.ª edición de los Premios de la Academia . Tanto el productor como el propio Kurosawa atribuyeron el hecho de que Ran ni siquiera se presentara a la competición a un malentendido: debido a las arcanas reglas de la academia, nadie estaba seguro de si Ran calificaba como película japonesa , francesa (debido a su financiación) o ambas, por lo que no se presentó en absoluto. En respuesta a lo que al menos parecía ser un desaire flagrante por parte de sus propios compatriotas, el director Sidney Lumet lideró una exitosa campaña para que Kurosawa recibiera una nominación al Óscar a Mejor Director ese año ( Sydney Pollack finalmente ganó el premio por dirigir Out of Africa ). La diseñadora de vestuario de Ran , Emi Wada , ganó el único Oscar de la película. ^{[ 128 ] [ 129 ]}

Kagemusha y Ran , especialmente esta última, suelen considerarse entre las mejores obras de Kurosawa. Tras el estreno de Ran , Kurosawa la señalaría como su mejor película, un cambio radical de actitud para el director, quien, al ser preguntado sobre cuál de sus obras era la mejor, siempre había respondido anteriormente: «la siguiente». ^{[ 130 ] [ 131 ]}

Para su siguiente película, Kurosawa eligió un tema muy diferente a cualquiera que hubiera filmado antes. Si bien algunas de sus películas anteriores (por ejemplo, El ángel borracho y Kagemusha ) habían incluido breves secuencias oníricas, Sueños se basaría completamente en los propios sueños del director. Significativamente, por primera vez en más de cuarenta años, Kurosawa, para este proyecto profundamente personal, escribió el guion solo. Aunque su presupuesto estimado era menor que el de las películas inmediatamente anteriores, los estudios japoneses seguían reacios a financiar una de sus producciones, por lo que Kurosawa recurrió a otro famoso admirador estadounidense, Steven Spielberg , quien convenció a Warner Bros. para que comprara los derechos internacionales de la película terminada. Esto facilitó que el hijo de Kurosawa, Hisao, como coproductor y futuro director de Kurosawa Production, negociara un préstamo en Japón que cubriría los costos de producción de la película. El rodaje duró más de ocho meses y Sueños se estrenó en Cannes en mayo de 1990 con una recepción educada pero discreta, similar a la reacción que la película generaría en otras partes del mundo. ^{[ 132 ] [ 127 ]} En 1990, aceptó el Premio de la Academia a la Trayectoria . En su discurso de aceptación, dijo la famosa frase: «Estoy un poco preocupado porque siento que todavía no entiendo el cine». ^{[ 133 ]} En ese momento, Bob Thomas de The Daily Spectrum señaló que Kurosawa era «considerado por muchos críticos como el mejor cineasta vivo». ^{[ 134 ]}

Kurosawa se volcó entonces hacia una historia más convencional con Rapsodia en agosto —la primera película del director producida íntegramente en Japón desde Dodeskaden, más de veinte años antes— que exploraba las cicatrices del bombardeo nuclear que destruyó Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial. Fue adaptada de una novela de Kiyoko Murata , pero las referencias de la película al bombardeo de Nagasaki provenían del director, no del libro. Esta fue su única película en la que participó una estrella de cine estadounidense: Richard Gere , quien interpreta un pequeño papel como el sobrino de la anciana protagonista. El rodaje tuvo lugar a principios de 1991, y la película se estrenó el 25 de mayo de ese año con una reacción crítica mayoritariamente negativa, especialmente en Estados Unidos, donde el director fue acusado de propagar sentimientos ingenuamente antiestadounidenses, ^{[ 135 ] [ 136 ]} aunque Kurosawa rechazó estas acusaciones. ^{[ 137 ]}

Kurosawa no perdió el tiempo y se embarcó en su siguiente proyecto: Madadayo , o Todavía no . Basada en ensayos autobiográficos de Hyakken Uchida , la película narra la vida de un profesor japonés de alemán durante la Segunda Guerra Mundial y más allá. La historia se centra en las celebraciones anuales de cumpleaños con sus antiguos alumnos, durante las cuales el protagonista declara su negativa a morir todavía, un tema que se estaba volviendo cada vez más relevante para el creador de la película, de 81 años. El rodaje comenzó en febrero de 1992 y finalizó a finales de septiembre. Su estreno el 17 de abril de 1993 fue recibido con una reacción aún más decepcionante que la de sus dos obras anteriores. ^{[ 138 ]}

Kurosawa, sin embargo, continuó trabajando. Escribió los guiones originales de El mar está mirando en 1993 y Después de la lluvia en 1995. Mientras daba los últimos retoques a este último en 1995, resbaló y se fracturó la base de la columna vertebral. A raíz de esto, usó una silla de ruedas el resto de su vida, poniendo fin a cualquier esperanza de que dirigiera otra película. ^{[ 139 ]} Su antiguo deseo de morir en el set durante el rodaje de una película ^{[ 136 ] [ 140 ]} nunca se cumpliría. ^{[ 141 ]} Después de su accidente, su salud comenzó a deteriorarse. Su mente se mantuvo lúcida y vivaz, pero su cuerpo se estaba rindiendo, y pasó los últimos seis meses de su vida prácticamente confinado a la cama en su casa, donde escuchaba música y veía la televisión. El 6 de septiembre de 1998, a la edad de 88 años, murió de un derrame cerebral en el distrito de Setagaya de Tokio . ^{[ 142 ] [ 143 ] [ 144 ]}

Al momento de su muerte, Kurosawa tenía dos hijos: un hijo llamado Hisao, quien se convirtió en productor y se casó con la cantante Hiroko Hayashi , y una hija llamada Kazuko , quien se convirtió en diseñadora de vestuario y se casó con Harayuki Kato. A Kurosawa le sobrevivieron sus hijos y varios nietos. ^{[ 35 ]} Uno de los hijos de Kazuko, Takayuki Kato, se convirtió más tarde en actor y tuvo papeles secundarios en dos películas desarrolladas póstumamente a partir de guiones escritos por Kurosawa: Después de la lluvia (1999) de Takashi Koizumi y El mar observa (2002) de Kei Kumai . ^{[ 145 ]}

La Universidad de Anaheim, en colaboración con Kurosawa Production y la familia Kurosawa, fundó la Escuela de Cine Akira Kurosawa de la Universidad de Anaheim en la primavera de 2009. Esta escuela ofrece una Maestría en Bellas Artes (MFA) en Cine Digital en línea, con el apoyo de muchos de los cineastas más importantes del mundo. ^{[ 194 ]}